Manafonistas

August 2022. Auch in der Nacht wird gespart. Keine persönlich moderierten nächtlichen Klangreisen mehr ab 2023. Somit fallen die „Klanghorizonte“ und die anderen Rasionächte im Dlf dem Rotstift zum Opfer, obwohl sie, mit einer weit über den Mainstream hinausweisenden Stilvielfalt, in den letzten drei Jahren, dank einwöchiger Nachhörmöglichkeiten, an Reichweite gewannen. Die von der Gema unseligerweise höher dotierte „Klassik“ wird ihre über den Tag verteilten Oasen landesweit aufrechthalten, während zahllose andere abenteuerliche Klangwelten, unter der lächerlichen Rubrizierung „U-Musik“, mit tatsächlich biederen „Unterhaltungsmusiken“ gleichgeschaltet werden. Das sind Verteilungskämpfe, die (schon lange ausgefochten) Seilschaften von Bach bis Bayreuth stärken. Alter Quark, steifgerührt sozusagen. Nichts wäre für Musiksendungen der Öffentlich-Rechtlichen spannender, als, statt, nach der alten, eine neue Generation DJ‘s und „nighthawks“ zu etablieren, die keineswegs hip und trendig  eine neue „In-Kultur“ inszenieren, vielmehr Raum schaffen für gutes altes zeitloses Storytelling – und Klänge, die E und U pulverisieren. In anderen Worten: Long live Count Ossie! 

September 2022. Im November führt Niklas Wandt noch einmal durch eine Nacht voller Klanghorizonte. Spargründe wurden ins Feld geführt, diese wunderbaren „gates of perception“ zu schliessen. Lassen wir mal jetzt  die Diskussion über „Sachzwänge“. Findig genug, wird Thomas Loewner, der neue CEO von „Jazz etc.“, dieses Format nicht sterben lassen, und transportiert die sechs Ausgaben der Klanghorizonte pro Jahr in die besten Abendstunden. Alle zwei Monate also, am jeweils letzten Donnerstag, werden die „Klanghorizonte“ im DLF auch weiterhin  stattfinden, jeweils zwischen 21.05 und 22.00 Uhr. Ein extrem verkürzter Rahmen für crossover-Radio, dafür in prime time-Gefilden. Die homöopathische Version. Thomas, Niklas und ich teilen sich diesen „Sechserpack“ anno 2023 – „meine Horizonte“ werden am 30. 3. und 28. 9. durch den Äther rauschen – und Jan Bang hat mir, nach Bekanntwerden dieser Nachricht, gleich mal sein für den Frühling 23 erwartetes Album, zugesandt. Darüber hinaus gestalten, in munterer Abwechslung,  Thomas, Odilo, Karsten und ich die 12 Magazin-Ausgaben der JazzFacts mit Neuem von der improvisierten Musik – mein erstes von drei Malen wird dann der 12. Januar sein. Diese Angaben sind ohne Gewähr, aber tendenziell korrekt.

Oktober 2022. In den Jahresrückblicken seit Beginn dieses Blogs spiegelte sich die immense Vielfalt aufregender neuer wie alter Musik, und dieses Mal wird es nicht anders sein. Um den Nikolaustag herum (wenn wir bis dahin nicht ganz andere Sorgen haben) posten etliche Manafonisten ihre musikalischen Favoriten des Jahren, die besten 3, 10, 12, 20, 30, oder 33 Alben. Manche Manas werden den kleinen  filmischen oder literarischen Rückblick vorziehen.  Diesmal werden zusätzlich einige Stammleser*innen und Gäste (wie Niklas Wandt, Father John Misty, Steve Tibbetts u.a.), gebeten, uns ihre Top 3, 10 oder 12 zuzusenden, in der zweiten Novemberhälfte, und zwar an manafonistas@gmx.de – Einladungen dazu werden bald verschickt. Die Listen können mininmalistisch ausfallen (s. meine Top 12 unten, Stand heute) oder kommentiert. Free style, open space.

1) Brian Eno: Foreverandevernomore
2) Lambchop: The Bible
3) Father John Misty: Chloé and the next Twentieth Century
4) Evgueni Galperine: Theory of Becoming (cd / vinyl)
5) Alabaster dePlume: Gold
6) Bill Callahan: YTILAER
7) Oded Tzur: Isabela
8) Daniel Lanois: Player, Piano
9) Avishai Cohen: Naked Truth
10) Wolfert Brederode: Ruins and Remains    
11) Midori Takada: Cutting Branches For A Temporary Shelter
12) Toechter: Zephyr

Some archetypal songs stay in the air and in our souls. As this one left to us by LHASA DE SELA

What do these two albums have in common (one released in January 2019, the other will come out on Oct. 14)?  That question I asked myself when listening to them one after the other lately, on a long and winding thursday afternoon. There probably was no other radio show in the last three decades that had works of ECM and Eno on such high rotation than my version of „Klanghorizonte“. So what is it that made me put a focus on these two „areas“ apart from taste and being faithful to a beloved habit – comparable to old brave hippies who never checked out of Hotel California. It‘s all horizons, that maybe one possible answer in three words. „It‘s all horizons“, Eno sings in one of the new songs, and „Horizons Touched“ is the title of a book on the history and aesthetics of ECM Records and „Magus“ Manfred Eicher. Both hold one another in high estimation, but never met in person. By the time Jon Hassell‘s „Power Spot“ (produced by Eno and Lanois, and surprisingly released on ECM), they exchanged faxes, probably kind words, and that was it.

Speaking horizons, look at the covers. Though coming from two very different musical languages, „Trio Tapestry“ and „Foreverandevernomore“ share a special handling of space and breath. Both have moments of (discreet) eruption and a stunning care for details. In the words of Joe Lovano (liner notes): „Themes and compositions that are peaceful and spiritual in nature to fuel our ideas and create music within the music. A spirit lake, an unpredictable smiling dog, the rare beauty of expression (…)“. In the words of Leah Kardos (Wire, Nov. 2022): „These are songs with enveloping atmospheres that dramatise their lyrics with crisping, gasping, blinding, thundering, quietly screaming sound design.“

Both long-players are incredibly well sequenced by Manfred Eicher and Brian Eno. Joe Lovano told me (funny enough, in Bonn, a town that literally appears in „Sherry“) how deeply impressed he had been when finally listening to the vinyl. The lines of suspense, the track-by-track order, their impact! The same with Brian’s record. The instrumental „Inclusion“ is silently blowing you away (at the end of the first side), and „Making Gardens Out Of Silence“ is the best choice for the final cut.

There is no replacement for listening – old school – from start to end. Not forgetting all things lost in the fire of our lives (as far as we can remember). Sometimes, from a distance, everything (losses first, and hands still to hold) falls into place.  No catchy songs, no singalongs, no fairytale searches of parallel worlds, no hooks, no future evergreens, oh, hold on, in their own peculiar way these songs which could be coined as modern day lamentations, a collection of future „everblues“ at least, striking quite a special, different note, corner in Brian Eno‘s song life. The album is haunting, uncanny, ethereal, strangely elevating, anti-nostalgic. „Always there / For the last hooray / Last light of an old sun.“ 

Then again (change of scene), the follow-up of „Trio Tapestry“, „Garden Of Expression“, lives up to the high standard of the first meeting in New York. (Let’s go sideways for a while.) Now with a deeper touch of Provence pastel and colours at dusk. You can think of every jazz writing cliche of praise, from „filigree“ to „elemental“, and be sure that Lovano, Crispell and Castaldi are breathing new life into it. After the first three pieces of pure baladry (written by soul, not by the book), the appearances of sound take more and more adventurous side steps, from moments of pianistic unrest and upheaval, to an exploration of metal and sound in Castaldi‘s drum figures. A zen-like purity‘s bold pairing with an adventurous spirit. The record delivers everything with grace, selflessness and the most nuanced sense of tempo, time standing still and a flow of undercurrents. If this sounds slightly over the top, let the music take over, dim the lights and follow the tapestries!

And, in regards to Eno, the instruction manual for „Foreverandevernomore“ is closing in with the same simple sentences: „The record delivers everything with grace, selflessness and the most nuanced sense of  tempo, time standing still and a flow of undercurrents. If this sounds slightly over the top, let the music take over, dim the lights and follow the tapestries!“ 

KOMПOUSSULĂ, a commission of Berlin Jazzfest 2022: preparatory meeting in Amsterdam (September 2022)
 

The title means compass or, in the languages of the members of the musician crew: Kompass, compas, pusula, kompas, busola, boussole …

The line-up from left to right: Sebastien Beliah (b), Olga Koziel (voc/perc), Pierre Borel (sax), Louis Laurain (tr), Maryana Golovchenko (voc), Kateryna Ziabliuk (p, voc), Samuel Hall (dr), Sanem Kalfa (voc, electr, vcl), Joachim Badenhorst (sax/cl, voc, electr), George Dumitriu (viola, vln, g, electr)

The four female vocalists from left to right: Maryana Golovchenko, Olga Koziel, Kateryna Ziabliuk, Sanem Kalfa.

This unique crew contain or are connected to a couple of groups that all play the Jazzfest during the four days (November 3-6): Black Sea Songs, Lumpeks, Shadows of Forgotten Ancestor, Die Hochstapler and members of French Umlaut Big Band.

And a still wider spectrum is closely connected to these sound worlds and approaches in more concerts: there is the eminent trio of Lucian Ban, Mat Maneri and John Surman with its Bartók program Transylvanian Folk Songs, there is French drummer Camille Emaille with her Bulgarian-tinged group OTTO, the Italian duo Tarozzi/Walker will perform and the large Gurdjieff Folk Instruments Ensemble from Yerevan.

Jazzfest Berlin is on soon … ! Find the program HERE and background with short musician interviews and essay in the festival’s digital guide (English and German) HERE

“In its artistic treatment of Bartók’s Transylvanian field recordings, Ban and Maneri’s trio, completed by John Surman, is one example of how elements of Eastern European folk traditions continue to resonate within contemporary music and how these are registered, probed and reimagined against the background of personal and contemporary jazz influences. This is not about something sounding “folky”. It is about finding enrichment as the playing flows, whether it comes from a folk source or from the opposite direction, being incorporated within that folk source as a result of improvisation, where the dialectical process itself becomes audible. Variations of this can also be found in a younger and the very youngest generation, whose tracks in this year’s Jazzfest programme lead towards the lands around the Black Sea, to Ukraine and Poland. They are characterised by an intensifying playful approach, based on rawness, individuality, the marks of suffering and the hidden magic of the traditional – capturing and transforming the energies of their sound in a passionate, communal atmosphere of the now.”(from “A Dynamic Process of Continual Interactions: on traces, techniques and tensions in the encounter of jazz and folk”)

v i d e o

[verantwortlicher herausgeber des blogs, zudem ansprechpartner in fragen der technik und des layouts ist jochen siemer. verantwortlich für den inhalt von beiträgen und kommentaren ist michael engelbrecht, der zudem vorrangiger ansprechpartner bei internen konflikten ist.]

Ich erinnere mich an eine Begegnung mit Bobo Stenson in den frühen Neunziger Jahren. In Frankfurt, um Mitternacht im Hotel, nach einem Konzert mit Charles Lloyd. So wie Jan Garbarek seine kleine Offenbarung erlebte, als er in einem Schaufenster Coltranes „Giant Steps“ sah und kaufte, hatte Stenson eine Geschichte mit einem anderen Album des Saxofonisten, „Ballads“. Meine Erinnerung an seine Erinnerung ist sicher lückenhaft: eines Tages, am Meer (oder einem grossen See) veranstalteten Bobo und seine Freunde eine Party. Es gab einen Anleger, Boote, Hochsommer, und ein kleines rotes Lagerhaus, in dem Bierkästen standen, es gab auch einen Plattenspieler. Jemand hatte die Platte „Ballads“ mitgebracht. Die Nadel senkte sich aufs Vinyl, die erste Ballade begann, und Bobo traute seinen Ohren nicht, und dann traute er seinen Ohren doch. Die Platte lief wieder und wieder. Und danach war das Leben etwas anders für Herrn Stenson. Ich empfehle als Einstieg in die Welt des Pianisten das Album „Serenity“. Balladenkunst hat Bobo Stenson fürwahr fortgeführt in aussergewöhnlichen Trioaufnahmen. 

Ja, der wunderbare Scarlatti. Wenn ich nur an seine plötzlichen unerwarteten Tonartwechsel denke, heiliges Blechle! Eine echte Herausforderung an allerhöchste Virtuosität. Das außergewöhnliche Talent der Pianistin Marcelle Meyer ist, keine Frage, ein unbezahlbares Geschenk. Ihre makellose Technik meistert nicht nur die anspruchsvollsten Kompositionen, sondern tut dies auch mit einer überirdischen Leichtigkeit und Klarheit. Diese Aufnahme des glorreichen Scarlatti aus dem Jahr 1954 ist keine Ausnahme von Meyers Fähigkeit, jedem Werk, das sie anfasst, neues Leben einzuhauchen.

Ende November 2022 ist es soweit. True Mono 3LP – Katalognummer. ERC067.  Es werden jeweils nur 99 Exemplare verkauft. Und sie werden innerhalb kurzer Zeit verkauft sein, nehme ich an. Vielleicht heisst es in zwei Tagen schon: sold out. Wer sich ein Exemplar sichert (seit heute Abend kann man ordern), ist herzlich eingeladen auf eine Tasse Tee in meiner elektrischen Höhle. Würde ich zu gerne hören! ERC wird zu keinem späteren Zeitpunkt eine Neuauflage dieser Veröffentlichung vornehmen.

a production of Electric Recording Co., London. True Mono. Where everything in the chain from the tape head, the tape pre-amplifier, the cutting amplifier and the dedicated mono cutter head is a single channel pathway: This early technology avoids phase issues (smearing of the sound) that is frequently encountered when cutting with “dual” or “pseudo” mono cutting systems. The 3 LP set is limited to 99 editions and priced at £900.00 U.K. pounds.

Bei ECM sind in diesem Sommer und Herbst nicht wenige ungewöhnliche Neuveröffentlichungen im Angebot, darunter freilich auch neue Alben und Projekte von einigen zuverlässig erstklassigen Komponisten und Interpret(inn)en, die seit langem zum kreativen Stamm des Labels gehören – wie etwa die neuen, sehr zeitgemäßen Werke von Heiner Goebbels (A House of Call) oder Valentin Silvestrov (Maidan) sowie Carolin Widmanns neues, famos zusammengestellte Solo-CD L’Aurore. Gerade habe ich ein paar der Frühjahr-Erscheinungen nachgekauft; die Suiten Return from the Stars (Mark Tuner Quartet) und Naked Truth (Avishai Cohen Quartet) kommen als Vinyl-Ausgaben ganz besonders schön – erstere 65 ausladend spannende Minuten, letztere sehr dichte 35 Minuten, die sich nicht sofort erschließen; und auch die LP-Hüllen mit den Fotografien von Thomas Wunsch und Juan Hitters gefallen mir in dieser Größe besonders gut.

Das alle anderen in den Schatten stellende Werk ist allerdings  Paul Gigers ars moriendi. Was für eine Platte! Gigers (wenige) bisherige ECM-Alben kann man ohnehin durchweg nicht hoch genug schätzen – jedes öffnet eine eigenes (Klang-)Welt; ars moriendi scheint mir vieles davon wieder aufzugreifen, kompositorische Spuren, Einflüsse aus anderen kulturellen und musikalischen Universen, Streichensembles, Gesang, seine Liebe für Bach, die Einladung in die Stille (Towards Silence) und zur inneren Einkehr – oder Meditation durch Musik, aber auch Berührungspunkte mit dem Tod, mit der Natur, mit anderen Künsten.

Der Großteil des Albums wurde bereits 2015 aufgenommen, erschien erst jetzt, anlässlich Gigers 70. Geburtstag im August 2022. Allein das eröffnende, 19 Minuten lange  „Guggisberglied“, das Giger alleine auf der Violino d’amore aufgenommen und aus mehreren Schichten bzw. Einzelstimmen zusammensetzt, ist den Preis der CD wert. Schön auch die Fotos im Beiheft, sowie zwei Gemälde des Tiroler Malers Giovanni Segantini, von denen eines sehr der verschneiten Landschaft ähnelt, die ich Anfang Februar 2019 hoch oben in den Schweizer Bergen angetroffen habe, als ich Paul Giger und Marie-Louise Dähler auf 1000 Meter Höhe für dieses Interview/Portrait besuchte. Und wenn ich schon dabei bin: Hier auch noch ein Link zu meinem Interview/Portrait mit dem Fotografen Jan Kricke; es freut mich, dass Manfred Eicher ein tolles Foto von ihm für diese CD ausgewählt hat; Jan schickte mir im Juli erfreut einen Link dazu, als er den Hinweis auf die CD bei Amazon entdeckte.

Ob ars moriendi („Die Kunst des Sterbens“) Gigers bestes Album ist…? Schwer zu sagen – bei der „Konkurrenz“. Auf jeden Fall ist es – neben Ruins and Remains – mein ECM-Highlight in diesem Jahr. Und hat seinen Platz in meiner „Top 10“ sicher.  Und was für ein unbeschreiblicher, fantastischer Klang!

Wenn man DJ für die Leserschaft in dem Medium hier spielt, muss man gut überlegen oder spontan handeln. Hier, bei „Twist in My Sobriety“ und „Cathedral Song“ von Tanita Tikaram ist es spontan. „Twist in My Sobriety“ ist aus dem Jahre 1988. Tanita Tikaram war bei Veröffentlichung von „Twist …“ gerade mal 19. Ich kann beide wieder und wieder hören, ohne dass die Magie zerfällt. Ebenso wie die Faszination der Bilder, deren Bedeutungen man nur erahnen kann. Die Bilder von „Twist …“ erinnern mich an Sebastiāo Salgado, der in der Zeit zu fotografieren begann. Es sind der Erzählduktus, das besondere Timbre ihrer Stimme, der sitzende Groove und die mysteriösen Lyrics, die hier zusammenfinden.

TWIST IN MY SOBRIETY

CATHEDRAL SONG