Manafonistas

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In 2020, I was probably at only two concerts – Silent Fires in February, and Pericopes in October – both of which are bands with pianist Alessandro Sgobbio, who graduated at music academies in Parma and Oslo, and that is why many of his projects have been taking place between Norway and Italy. The striking Silent Fires album, Forests, was one of my top Nordic releases 0f 2019, available through the enthusiastic (predominantly) jazz label AMP Music and Records, founded in 2014 and managed solely by Oslo-based jazz drummer Anders Thorén. To this date, AMP has released more than 70 albums, among them such highly recommended favourites of mine as Ayumi Tanaka’s debut trio album, Memento, the original project Modes for all Eternity by WAKO & Oslo Strings, or the highly inspired trio Ground 71 from Northern Italy. Just recently, AMP changed the logo and design approach, and Alessandro is back on the label with the debut album of his project Hitra, Transparence, described as a genre-fluid journey into imaginary, lost and hidden places.

 
 

I see that you wrote all the music and are mentioned as producer. So is Hitra rather a project based on your ideas or more like a full-band project of four equals?

 

Yes, I produced the album and wrote the music, but I think that the best way to describe this project is an open musical encountering of four musicians and their own personal voices. It’s nice for me to see and hear how this polyphonic dialogue could well re-shape the compositions (and the improvisations, of course) with a deeper level of a creativity and meaning. Also, some of them are quite structured, some other are wide open, but overall there is «zen» freedom in the way we can approach, interpret, dismantle or improvise in between our repertoire.

 

That „zen“ approach of the music is something I feel is very strong on this album. Interestingly, it reminds me of another recent Italian-Norwegian project: Michele Rabbia, Eivind Aarset and Gianluca Petrella released an album called “Lost River”. There’s no piano on that album, though. You mixed the music with Stefano Amerio in Udine, who also recorded and mixed the “Lost River” album. In any case, your album is a beautifully unique one, stylistically, and also quite different from lots of other albums in the contemporary jazz section, on AMP as well as in general. Which references did you have in mind when you developed the music? 

 

During that period I was mainly working on my own self-perception and development of my musical ideas. The challenging situation of moving every six months (!) to a new city, music academy, apartment and spoken language (Norwegian, Swedish and Danish languages are so similar and yet so very different!), has played an important role in  pushing me towards that direction. That being said, the music on this album has a quite strong connections with my busy daily book-reading activity of that period. I remember that, for many days, I was deliberately stretching my days between silence and reflection, with a book in my hands or a grand piano in front of me, with paper and pencils ready for writing down ideas. But – of course – I was listening to a lot of music during that process, mainly checking out artists who have been developing a clear, energetically strong and personal voice. And it was definitively a wide range of intense listenings – from Arvo Pärt to Robert Glasper, with PJ Morton and J. S Bach in between – and multiple inspirations from specific works from Misha Alperin, Jon Balke, Anouar Brahem, Joni Mitchell, Christian Wallumrød, Kaja Draksler, Kayhan Kalhor and Vijay Iyer, among others.

 

What was the initial inspiration for the album?

 

A few years before moving to Oslo, I was reading a book by French writer Georges Perec and I noticed his curious mention to the lost city of Lebtit: such a fascinating story that resonated in my mind for a while. After that, other related references and readings surfaced and made that first inspiration more solid and valuable. The hidden, abandoned, demolished or imaginary places became the leitmotiv of the album, and I feel that the music included in Transparence organically matches this vision.

 

So how did Hitra as a band start? 

 

It took me some time to find the «right» musicians, but today I can say that I like a lot this line up! [Drummer] Øyvind Skarbø and I shortly played together a mini trio set (with trumpeter Hilde Marie Holsen) at my master admission at the Norges Musikkhøgskole in early 2016. In 2017, a few months after my arrival in Norway, I met [bassist] Jo Berger Myhre and asked him to be part of this project. We started rehearsing a bit in that first trio format, pretty much improvising, with no composed material at all. We just set up the instruments and started jamming for some hours. When the Norwegian Music Academy offered me a «concert + daily recording session» combo, I felt that could be a good opportunity to work on more composed material. Øyvind, Jo and I agreed on adding a fourth member to the band, and the choice immediately came to [guitarist] Hilmar Jensson, who was teaching at the Academy. I asked him if he would have been interested in joining this project – as you know, he said yes!

 

When you first told me about this project about a year ago, I was surprised to encounter the island Hitra again. It’s a fairly big Norwegian island, but it’s located in a region that not a lot of people outside Norway know much about. What is your connection with Hitra — or why did you choose that name for the band?

 

I have never been to Hitra, but I was immediately and enormously inspired by the sound of the word Hitra itself: such an enigmatic perfect word for our metaphoric island of foggy lights, hidden places and sunken cathedrals.

 

I very much like the concept of the multilingual track titles. How come you have two German titles among them?

 

Those two titles carry a special weight in the imaginary journey painted in this album. That’s actually due to my admiration for the work of poet Rainer Maria Rilke. The term “Künftiges” (future things) has a quite eschatological message, and “Lebenslauf” suggests a “life path” that can be physical and spiritual at the same time.

 

We spoke about your ideas for a cover image last autumn, when you were in Berlin to perform your previous album. I remember the title “Transparence” had been there already. The photo on the cover connects pretty smoothly with another AMP album released around the same time, by Pål Nyberg. When and how did you come across Anita Soukizy’s work in the first place? 

 

We had a first connection more than a year ago, during the promotional tour of my previous album Forests. Anita has a particular predilection for the Scandinavian music scene, so we were already in touch regarding that specific topic. Last February — after some concerts in Oslo, Berlin, Paris and Porto — with Silent Fires we finally landed in Milan for our last tour gig, but on that same day our concert got canceled (and the first official Italian lockdown started). Since the gig was not happening, we took the opportunity to make a long band interview with Anita, and also a mini video shooting. That was the beginning of our collaboration.

The first album cover reference I had in mind for Transparence was a foggy, undefined night cityscape. I asked to a few photographers for options in that direction, including Anita Soukizy (and yourself). What happened is that Anita sent me also an extra selection of more-abstract shots. While I was sharing these options with Anders Thorén, we both agreed that, among all options, there was one image in particular that felt quite accurate in visually delivering Transparence’s liquid atmospheres, so we went for it. I agree with you — its style matches the Pål Nyberg album cover, but it is only a (very good) coincidence.

 

What’s the idea behind the video teaser for the album?  

 

The idea of a night cityscape reference came back only after the album artwork was finalized. I was starting to think about an album EPK video, but then I remembered that Anita Soukizy mentioned, during a phone call, the existence of some unreleased night video shots she took in Milan. That footage has been included in the video teaser (where you can hear the opening track, “Lebtit”, played in its entirety), and I am happy I could finally materialize my very first visual intuition for this album.

 

2021 15 Mrz

Mogwai: As The Love Continues

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Wie bei jedem Mogwai-Album teilt sich das Meinungsbild auch hier wieder zwischen den Fraktionen „ein weiteres Album im qualitativen Mittelfeld, das keine besonderen neuen Ideen zu bieten hat“ und „ihr bestes Album seit…“ – in jedem Fall ist festzuhalten, dass As the Love Continues schon jetzt das (in den Charts) erfolgreichste Album der 25-jährigen Karriere der schottischen Rockband ist.

Ich halte mich für keinen sorgfältigen Fachmann aller Mogwai-Alben, doch wenn ich darüber nachdenke, merke ich, dass ich doch fast alles mehr oder weniger gut kenne, was die Band gemacht hat. In gewisser Weise genügt es vollkommen, die preisgünstige Kollektion Central Belters zu haben, die auf 3 CDs einen hervorragenden Querschnitt aller Alben, Soundtrack-Arbeiten und Nebenstränge der ersten 20 Schaffensjahre bietet. Doch As the Love Continues, das erste neue (Studio-)Album seit dem verhalten aufgenommenen Every Country’s Sun 2017, hat mehr auf dem Kasten, als dass es über eine gute Stunde nur die alten Ideen wieder hochköcheln würde.

Der Humor der Schotten zeigt sich bereits wieder einmal in den Songtiteln; „Ritchie Sacramento“ beispielsweise, einer der sehr seltenen Songs mit Gesang, beruht angeblich auf der missverstandenen Nennung des Namens Ryuichi Sakamoto (wie vor zehn Jahren „You’re Lionel Richie“ die zufällige Begegnung des Mogwai-Frontmanns mit Herrn Richie im Wartebereich eines Flughafens aufgriff), aber klar, auch Gags würden keine mittelprächtige Platte hörbarer machen, und „Ritchie Sacramento“ ist für Mogwai-Verhältnisse ein wunderbarer Pop-Hit, der aus dem Gesamtkontext nur scheinbar durch seine Andersartigkeit herausfällt. Denn viele Stücke sind einladend bis mitreißend, auch wenn das nicht immer gleich offensichtlich ist – und, ja, emotional eingängig, ohne plump zu sein, wie das bei solchen „Post-Rock“-Scheiben schnell passiert. Auch „Fuck off Money“ beginnt mit Gesang, allerdings mittels Vocoder bis zur Unverständlichkeit verfremdet (erinnert damit anfangs an das famose „Hunted By a Freak“ vor über 20 Jahren), bevor sich leidenschaftliche Gitarrenberge auftürmen, die die ganze bestechende Kraft dieser Band zusammenfassen, wie das auch im schroffen „Drive the Nail“ der Fall ist.

Bei „Ceiling Granny“ denken nicht wenige Hörer an den Alternative Rock der (früheren) 1990er, doch der Gesang, den man hier tatsächlich erwarten würde, er kommt nicht. Und trotzdem ist es ein Song, ein eingängiger, auf sympathische Weise womöglich altmodischer zudem. Das folgende „Midnight Flit“ wird durch mehr und mehr wirr aufgetürmte und zum Ende hin wieder versickernde Streicher von Atticus Ross zum Spektakel, bevor mit „Pat Stains“ (mit Saxofonist Colin Stetson als Gast) eine angenehme Entspanntheit Einzug hält.

Flaming-Lips-Hausproduzent Dave Fridmann, der in den Neunzigerjahren beim Album Come On Die Young im Boot war, scheint eine einnehmende Melodiefreudigkeit herausgekitzelt zu haben, vielleicht hatte die Band aber auch nach den vielen Soundtrack-Projekten mal wieder so richtig Lust auf eine recht geradlinige, bodenständige Platte. Wie auch immer: Mit As the Love Continues sind Mogwai nun erstmals auf Platz 1 der britischen Charts gelandet. Und ich sage: ihr bestes Album seit … 25 Jahren.

A talk with Rasha Nahas about her album Desert – which should be a striking candidate for Manafonistas‘ best albums of 2021 lists. Rasha Nahas was born into a Palestinian family in Haifa where she grew up and lived before she moved to Berlin in 2017. In Germany she has been working with various musical and theatre productions and has just released her debut debut album Desert on her label Rmad Records.

 

One of the many things I find remarkable about your album is that these songs sound like you had been living with them for a while. I can’t exactly tell if I get that impression from the arrangements or from that fine flow in the lyrics. Some of the lyrics have such a wild, or complex, imagery that seems to be a mix of very personal thoughts and feelings and also some sentiments about society and the places you lived in. Lots of songs have a striking energy that sounds elaborate and emotionally lived-through at the same time.They sound like songs that have had some history before they’ve been put on tape.

 
 

The songs went through different arrangements. Yes, I lived with them – played them acoustically, only me with classical guitar, then I did them with more electronic elements, and then with different musicians. Little by little I started gathering the band. Me and the violinist [Shaden Nahra] have played together for seven or eight years. There was a very strong connection between me and the musicians, and we definitely explored and lived the songs a lot. It’s not a matter of time, though, rather a matter of commitment and a sense of being involved artistically. I actually wrote a lot of songs for this album, I just didn’t release them, apart from an EP in 2016.

 

You developed the music partly in your hometown, Haifa, and then you toured with it before you recorded it here in Berlin?

 

Yes, the music was written during my last few weeks in Haifa and during my first few weeks in Germany. It was really written through my transition. The title track, “Desert”, for example I wrote in my apartment in Haifa the month before I left. “The Clown” and “Ashes” were written in my first apartment here in Berlin. It was really like documenting my travel, documenting that period of my life, asking myself where I want to be – and doing it.

 

And that was three or four years ago?

 

Yes, I moved to Germany in the summer of 2017. I simply had a lot of friends here in Berlin. In 2017, we played Glastonbury Festival in England and a few other gigs, and it just made sense that I stayed here. Then I started performing here and applied for an artist visa.

 

The whole album really sounds like it could have been live in the studio, although I’m guessing there was a lot of work involved with how the the violin, the cello and the instruments in general blend together.

 

After I wrote the songs, we arranged the basics with the band, like verse, chorus, the lengths of sections and such. I worked mainly with the bass and the drums to really gain this solid, heavy feeling. The songs are intense there’s something very … like stepping in mud, you know? To me that feels like heavy steps. That was the the main work, to realise this solid rhythm section to build on.

We did work a lot with the cello and the violin lines, some of which I had in my mind – for example “Ashes”, these lines [sings] I must have had forever. I was always singing that when we were rehearsing. Then we were in the studio, and we’d never discussed it before, but I just went like, “try this line“. And it worked. A few songs were done in one take, “The Fall” for example, all of us together, including the vocals. We didn’t dub anything, just mixed it.

 
 

 
 

What was the co-producer’s role on this project? Where did he come from?

 

As for the co-producer, I basically needed someone on the technical side. As a band, we had a vision – we had a sound, but with me being lead singer and guitarist, I needed someone to execute this sound in a technical way. Plus, Jonathan is a great musician; he was a classical pianist. I trust him when it comes to giving me feedback, as a person from outside the band. Jonathan also mixed the album. I needed the same engineer to mix it, because the band really had a very specific sound, which I don’t think I could have executed without him.

 

In “Cat Lady“ I like this this raw atmosphere, with the guitar sounding almost like it was improvised, very much like played on the spot.

 

For “Cat Lady” we recorded bass, drums and guitar, then added violin and cello. And then I didn’t like the guitar part. So I just played one take of guitar on it. That was basically improvised. It was two chords, this whole song, but it has many variations. We play a lot with the colours. So with the guitar part I am basically reacting to what’s happening around me.

 

Indeed, you present all sorts of different colours on this album. At first it can be a bit overwhelming – for the listener, having all these different vantage points on your creative personality. All these elements are very fascinating to roam and experience. Every time I put on the CD, it feels like listening to a new album again. Let’s take the Leonard Cohen song: At first one might think, “why does a Leonard Cohen song end up on this album?”, but having listened to the album many times I in a way forgot it once was a Cohen song … until that fabulous chorus comes in and reminds me. Your recording of that song comes across as a very personal take, even though it’s not one that you wrote. Usually I’m a bit hesitant about people covering famous songs – and Cohen’s have been covered and recorded a lot. Singers often perform it in such a way that you can hear they like the song, but their take is not in any way unique. Here, it sounds like it’s your song, like there’s a deep personal connection. That’s why it fits splendidly into the overall concept of your album.

 

He’s a big inspiration. He’s one of the greatest songwriters that ever lived, at least in English music. His work definitely shaped a certain part of how I write in English and express specific things. I love this song very much. I played it acoustically on classical guitar a lot. During one rehearsal I plugged in my guitar, we were still in the beginning, like half tuning, half jamming … I started playing it, and then the bass gave the first note, then the drums did a bit of cymbals, then we went to the six eighths, and then the cello came in… So I just felt like recording it, because I think it’s a song that speaks about identity, about not recognizing yourself, about transition, about love. It’s also a dialogue with the father that can be also God, so it’s a somewhat religious song – this whole thing about covering the face… It’s very metaphorical but also very specific. It fit the album really well.

 

It does fit on the very personal side of these songs on the album. There are lots of very personal moments to it, but they’re never as bare as if you’re talking about something private. “Ashes” is a good example. It sounds like a very personal story, and this is where “Lover Lover Lover” fits in. “Ashes”, the longest and one of the most dramatic songs on the album, starts like it’s a quiet one and then it becomes more dramatic. And in the end it calms down again. I had this feeling that it’s probably a love song, but the metaphors you chose are anything but ordinary. They could easily relate to something else than merely a personal situation from a relationship.

 

“Ashes” is a love song, yes. It started from cigarette ashes. You find an ashtray with a lot of ashes of cigarettes. But it’s also a metaphor for burning, like when you get close to fire and then lose your balance – like a musician on stage is completely surrendering to the music, and burning, and after the concert thinking what is left. That sounds a bit tragic, but it’s also beautiful. And it’s about love, about relationships and balance, learning about the line between you and the other person. “And my ashes remain in the room as you leave” – it’s a beautiful metaphor. It’s one of my favorite songs on the album and one of my dearest things I wrote so far. I’m sharing a lot there.

I love personal music. Take Jeff Buckley, for example, or Joni Mitchell. If you go back in time, there was no ego in love songs – or maybe it was ego in a different way. I feel today love songs are so much about ego, and there’s a lot of thinking about how you’re perceived.

 

It’s great how these songs are more like open vessels for my – or other listeners’ – associations. And then there are others which are more eccentric. There’s lots of these associative elements which I find really fascinating to be drawn into. Did you work a lot on the lyrics, before you decided this is the final text? How much time do you spend on developing a song?

 

It’s different with every song. For “The Clown” it took 15 or 20 minutes to write the text. The arrangement took a bit more time, finding out how we’ll do it, rehearsing all the stops and the riffs. “Ashes” I wrote in the morning, then I went on my bike to get something in the city. I remember listening to the recording I had made on my phone, thinking about what I was going to change. Then I came back home, changed it – and that was it.

For me, with text I usually feel like it may not be perfect, and even though I could make everything sound a bit better or fix everything so that it will be more accurate, but I think that I prefer to just keep it as it is, because it’s what it is. I never felt that reservation of things not being good enough to let them out. It’s like taking a photograph and showing it to a friend. It’s a beautiful, very fluid process, and there’s no right and wrong. There is a lot of space to create and to invent.

 

You started playing music when you were very young and played classical guitar when you were about ten? Why didn’t you become a classical guitarist, or rather, where did you start taking a different turn? When did you decide to go down this path as a songwriter between cultures and countries?

 

I love classical music. But to play classical guitar is like flying an airplane – if you really want to do it in a way to pursue a career. In a way I find it classical music very impressive and very “royal” – to see people playing such sophisticated music and investing their life into manifesting it in a great way. I guess the music I make is more direct and accessible than classical music. My classical guitar studies were enriching for my experience as a musician, but I had something to say. I wanted to write songs. I wanted to speak to people. I wanted to share verbally. I just feel that I’m a songwriter.

When I was very young, I really grew up on John Lennon. He’s great. My Dad had a collection of Lennon CDs, and I just listened to them like every time I was in the car – every time we were driving somewhere, to visit my grandparents in the village or wherever. So it was like John lLennon from like my early my earliest memory of music. And later on we got Queen and Freddie Mercury, just like such great rock bands.

 

Lennon and Mercury – that makes sense to me, listening to your album.

 
 

 
 

About this album cover: What’s the story behind the image? Was it your idea, or where did this artwork come from?

 

It was a deep dialogue with the graphic designer [Haitham Haddad]. He is an amazing artist. He was a good friend of my sister’s and I’ve known him since high school. When we recorded the album I didn’t know the order of the songs, didn’t know how it’s all gonna be put together. The pieces felt so different from each other. Admittedly that was my plan: I didn’t want to create one genre. I don’t believe in genres anyway, I just want to do art and express feelings, express thoughts, express myself. And I realized it’s a collage. It moves and it takes you with it. Every song is a journey, but the whole thing is also a journey. It’s very personal, but also very theatrical – so the double exposure with the different layers basically represents the album like different personalities. The theatricality is in the distortions and the burned colour. There’s also something very clear in the face, but there’s this moving and shifting thing around it, it’s fluid. The graphic designer did a brilliant job.

 

How have you changed since the album has been finished? It’s been a while since you recorded it, and judging from all the projects you worked on since then, you seem to be in a very different place now, artistically at least.

 

Yes, it took time for me to understand what this album means. I started “Desert” in 2018 and I did a crowdfunding campaign. Then after the recording I had an injury in both my hands which stopped me from making music for almost a year. I had inflammation in my hands, and I couldn’t play guitar or carry my groceries, make food or type emails. I was not in a good place. I’m doing okay now, but I needed time to heal, time to to be with myself, prioritize things a bit.

I learned to know my limits. I started touring a lot, and it was the most important thing for me for some time. My music was more important than myself. It was a very romantic relationship to my art. It still is important, but it’s different; it’s healthier, because being ill for many months and not being able to play music taught me a lot about my relationship with music and my relationship with myself. I was forced to prioritize myself, my well-being, my health before everything else. That was the most precious lesson I learned in my life.

My relationship with music can still be the ashes that remain in the room, you know, but it’s a bit more balanced. I found a very beautiful relationship with music that is not as tragic. I just learned to do it in a way that is good and healthy.That’s the main thing that changed.

Making the album felt very intuitive. I’ve been through a lot with it, and it was very important for me to release it, before I release anything else. And it took me time to put it in a frame and say, “okay, this is what it is”, and so it’s such a perfect timing for it to be out now. It’s like opening a new chapter.

 

The conversation between Rasha Nahas and IJ.Biermann, recorded in Berlin in March 2021, has been edited and condensed for clarity.

 

 

 

The fourth volume in the endlessly innovative group’s long-running series reminds us that they often dropped their best work away from their full-lengths.“ – Robert Ham

„Was man hier hört, ist eine Band, die ihren Sound nie gefunden hat, weil sie nie danach suchte. Stereolab bewegen sich nicht durch die Musik. Die Musik bewegt sich durch Stereolab.“ – Lars-Thorge Oje

 

Durch ungeklärte Umstände bin ich in letzter Zeit, nach langer Pause, mal wieder in das Schaffen von Stereolab eingetaucht. Ende der Neunziger hatte bzw. kannte ich ein paar Alben wie die Doppel-CD-Kollektion Aluminium Tunes oder das poppige Sci-Fi-Lounge-Elektropop-Album Dots and Loops mit seinen heiteren Sixties-Melodien. Irgendwie fand ich aber eben diese etwas zu lockerflockige Singerei mit Hang zum nostalgischen „Easy Listening“-Gedudel aber auch schnell etwas nervig, und so habe ich der Band damals stets die angemessene Aufmerksamkeit verwehrt.

 

Ausgelöst durch Retrospektivberichte und die Reihe von Wiederveröffentlichungen der Stereolab-Alben in exzellenten 2-CD- bzw. 3-LP-Ausgaben („Expanded Editions“ mit jeweils unterschiedlichem Zusatzmaterial) habe ich über die letzten Jahre so nach und nach die Band erst langsam so richtig schätzen gelernt. Ende der Achtziger in London zusammengekommen, u.a. mit der Pariserin Laetitia Sadier, die mit ihrer Stimme für den französischen Touch (manche/r fühlte sich an Françoise Hardy erinnert) bei Stereolab verantwortlich zeichnet, erschienen ab 1992 eine Reihe durchweg spannender, empfehlenswerter Alben, von denen jedes einzelne eigenen Charakter, andere stilistische Schwerpunkte hat – und doch klingen Stereolab ganz oft etwas aus der Zeit gefallen und letztlich in ihrer musikalischen Präsenz wunderbar idiosynkratisch, unter anderem durch den Einsatz analoger Synthesizer. Dieses Aus-der-Zeit-Gefallensein macht sie auch im Jahr 2021 noch immer genau so hörenswert wie damals in den Neunzigern – bzw. möchte ich wohl eher sagen: Jetzt erst recht treten die singulären und zeitlosen Qualitäten von Stereolab umso stärker hervor, unverstellt von den postmodernen Moden jener Jahre.

 

Eine echte Entdeckung war der Kauf ihres zweiten Albums Transient Random-Noise Bursts with Announcements aus dem Jahr 1993 (der Titel könnte auch zum Album der Flaming Lips aus jenem Jahr passen), wobei die 2-CD-Edition das 60-minütige Originalalbum um eine Reihe überzeugenden Bonusmaterials aus jener Zeit bereichert. Höhepunkt ist wohl die 18 Minuten lange, hypnotische Krautrock-Nummer „Jenny Ondioline“, aber das ganze Album fasziniert mit schönen Kreuzungen aus Velvet-Underground-Energie, Neu!-Spleen und Popsongs (man denkt auch an die Warp-Records-Kolleg/innen von Broadcast). Heraushören kann man, dass Stereolab damals – wie ungezählte andere Bands auch – von My Bloody Valentine und dem „Shoegaze“-Stil beeinflusst waren, doch mit dem französischen Pop-Einfluss und den gesellschaftspolitisch aufgeladenen oder kapitalismuskritischen Texten durch Sängerin Laetitia Sadier fanden Stereolab schon da ihre ganz eigene Nische – neben ihr sang hier erstmals auch die australische Gitarristin Mary Hansen, die allerdings 2002 nach sechs gemeinsamen Alben im Alter von 36 Jahren bei einem Fahrradunfall ums Leben kam, was die Banddynamik einer wichtigen Gegenspannung beraubte.

 

Es folgten 1994 und 1996 die Meisterstücke Mars Audiac Quintet und Emperor Tomato Ketchup,  sowie 1997 das elektronischere Dots and Loops, auf dem der Popsong-Einfluss langsam deutlicher zutage trat, um Bossa Nova und „Swinging ’60s“ bereichert, aber wiederum vom Chicago-Postrock jener Jahre infiziert (John McEntire war gelegentlich mit dabei). An und an tauchen auch jazzige und psychedelische Passagen auf. Dass diese Veröffentlichungen der Neunzigerjahre durchweg famos sind (auch aufgrund ihrer Unterschiedlichkeit allesamt hörenswert), führt(e) ein wenig dazu, dass oftmals die Alben ab 1999 als weniger interessant oder als Stagnation auf hohem Niveau abgetan werden, Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night etwa, wieder ein Titel, den auch die Flaming Lips gewählt haben könnten, dann Sound-Dust (eröffnet von dem minimalistischen Black Ants in Sound-Dust“), Jim O’Rourke produzierte mit (in jeden Jahren war er ja auch mit Wilco und Sonic Youth unterwegs) und Margarine Eclipse, und noch drei weitere Alben folgten bis 2010. Danach wurde es ruhig um die Gruppe. Man hatte sich nichts mehr zu sagen und die Freude am gemeinsamen Musikmachen verloren.

 

Aus dieser produktiven Zeit, im Wesentlichen 1998 bis 2008, stammen nun die gesammelten „Non-Album-Tracks“ der neuen 2-CD- bzw. 3-LP-Veröffentlichung Electrically Possessed. Stereolab haben bereits in den Neunzigern begonnen, ihre zahllosen Stücke, die sie jenseits der Alben veröffentlichen, auf vier „Switched On“-CDs zusammenzustellen (1992, 1995, 1998). Electrically Possessed knüpft nun dort an mit zwei weiteren CDs. Hier finden sich vor allem Stücke von limitierten Tour-Singles, EPs und Kompilationen, unveröffentlichte Tracks und auch zwei Outtakes, die bei den bisherigen „Expanded Editions“ offenbar vergessen wurden. Ich weiß so gut wie nichts über die Entstehungshintergründe – außer den sorgfältig zusammengetragenen Fakten, die sich hinter den CDs verstecken, etwa in welcher Zahl die limitierten Vinyl- und CD-Editionen einst erschienen:

Calimero“ was originally released July 1999 via Duophonic Super 45s „Caliméro / Cache Cache“. Catalogue number DS45-25. A collaborative 7″ release between Brigitte Fontaine and Stereolab. The B side was Cache Cache by Monade. A total of 4100 vinyl copies were pressed [1800 on white vinyl and 2300 on black vinyl], there was also a CD edition of 7076 copies.

Brigitte Fontaine ist übrigens eine 1939 geborene französische Avantgarde-Sängerin, Roman- und Theaterautorin, die auch schon mit Sonic Youth, Georges Moustaki, Grace Jones, dem Gotan Project und dem Art Ensemble of Chicago zusammengearbeitet hat.

 

Obwohl die 25 Stücke aus unterschiedlichsten Quellen stammen, fügt sich das ganze Projekt doch zu einer sympathischen Auslese, die sich wunderbar kurzweilig durchhören lässt. Einiges kommt, ohne unfertig zu wirken, spontaner und weniger durchgetüftelt daher als die elaborierten Alben von Stereolab. Da bricht gelegentlich ein Stück auch mal im richtigen Moment einfach ab oder wirkt – siehe „Free Witch And No Bra Queen“, „Jump Drive Shut-Out“ oder „Solar Throw-Away“ – frech zusammengestückelt aus verschiedenen Teilen. Daher stört auch nicht im geringsten, dass die Auswahl einer eigenartig achronologischen Anordnung folgt, vielmehr passt das sehr gut. Nur die sieben im Januar 2000 aufgenommenen Tracks des limitierten Minialbums First of the Microbe Hunters sind en suite geblieben, was anfangs der ersten CD einige Gelegenheitshörer auf eine falsche Fährte locken könnte. Quer durch die Kollektion gibt es heiter Krautiges wie „Heavy Denim Loop Pt 2“ mit simplem Drumloop und röhrendem Synth oder das neuneinhalb Minuten lange, fast minimalistisch-funkige Instrumental „Outer Bonglia“ mit Marimba-Trance, dann flirrend-versponnenene Popsongs wie „Variation One“ für einen Dokumentarfilm über Robert Moog (dessen Instrumente Stereolab hörbar gerne hatten) oder „Dimension M2“ für eine Disco-Compilation (Giorgio Moroder schaut kurz zur Tür herein), eine mit John „Tortoise“ McEntire in Chicago entstandene achtminütige Mini-Suite („I Feel The Air (Of Another Planet)“) mit Klangspielereien oder natürlich auch mal „klassische“ Stereolab-Nummern wie „The Super-It“ oder „Household Names“

 

Electrically Possessed kann man als Einstieg in der Stereolab-Kosmos sogar noch mehr empfehlen als schon die vorhergehende Kollektion der Reihe, Aluminum Tunes. Wer sich davon wegtreiben lässt, wird dann sicherlich die „odds and ends“ dieser Auswahl in Richtung der regulären Alben der Band weiterverfolgen wollen, egal ob Stereolab noch einmal etwas veröffentlichen werden oder es mit diesem lange erwarteten Album bewenden lassen.

 

 

2021 23 Feb

Travelling Without Moving

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Eine Weile gedachte ich, mal ein Buch zusammenzustellen, das einen Überblick über mein bisheriges filmisches Schaffen ermöglicht, einfach, um mal alles beieinander zu haben. Allerdings würde ich da gerne auch Texte und Gespräche bzw. Interviews integrieren, um einiges sinnvoll einzuordnen und zu ergänzen … und das blieb bislang einfach doch zu viel Arbeit, selbst für ein Jahr Eingesperrtsein unter Corona-Umständen. Als Anfang kam mir daher ein Werbegutschein (speziell für professionell mit Fotografie Arbeitende) für einen Fotobuch-Druck sehr gelegen, nicht zuletzt weil ich ohnehin gerne mal einige der Fotografien, die ich in den letzten paar Jahren gemacht habe, in haptischer Form jenseits meines Computerbildschirms sehen wollte.

 

So ging ich unlängst meine fertig gestellten, unvollendeten und abgebrochenen Film- und Videoarbeiten der letzten 20 Jahre durch und konnte zügig von 45 Projekten unterschiedlichstes Bildmaterial zusammenstellen – Standfotos, Screenshots, Setfotos, eigene Fotografien, Plakate u.a. [wobei ich die ECM50-Reihe und eine zehnteilige Doku-Reihe mit Schauspieler-Gesprächen (10x ca. 30 Minuten) jeweils in der Gesamtheit als nur ein Projekt gerechnet habe]. Dabei habe ich allerlei Auftragsprojekte für Personen und Organisationen ebenso außen vor gelassen wie zahlreiche Übungsfilme meiner Studienzeit (aus Licht-, Kamera-, Ton- und sonstigen Seminaren bzw. Workshops) – das wären noch einmal sehr viele weitere, viele davon aber sind ohnehin nur auf miniDV-Bändern in meinem Archiv, und ich habe darauf gegenwärtig keinen Zugriff, kann also auch keine Standbilder erstellen. Der Fokus der Auswahl liegt somit wirklich auf Arbeiten, zu denen ich auf die eine oder andere Weise noch persönlichen Bezug habe.

 

Irgendwann würde ich das gerne auch noch um Texte erweitern, und auch zu jedem Studienprojekt mindestens ein (Stand-)Bild heraussuchen, aber so als Testlauf hatte ich schon mal große Freude daran, mein bisheriges Tun Revue passieren zu lassen. Und es sind in der Tat eine ganz ordentliche Menge Filme entstanden, sehr unterschiedlicher Art und Umstände (schon was den Arbeitsaufwand betrifft — manch eine Arbeit entstand an ein bis zwei Tagen, andere über mehrere Jahre hinweg). Für eine Handvoll dokumentarische und essayistische Filmprojekte habe ich auch Material gesammelt und dann doch kein Endergebnis fertig gestellt — manche sind noch im Werden, andere bleiben unvollendet, aber interessantes Bildmaterial hat sich dennoch angesammelt, und so war es auch mal nicht schlecht, das so zumindest festzuhalten. Beispielsweise sind im Studio mit Julia Hülsmanns Trio doch ganz schöne Fotografien entstanden, die leider für die Albumveröffentlichung nicht genutzt wurden. Ich habe mich darauf beschränkt, für jedes Projekt eine Seite oder maximal eine Doppelseite zu füllen; zum Teil habe ich da recht viele Standbilder zusammengestellt (12 von den ECM50-Kurzfilmen), zum Teil auch nur eines, zwei oder drei, dann auch mal seitenfüllend vergrößert. Die Druckqualität, speziell auch was den Detailreichtum bei riesigen Landschaftsbildern betrifft, hat mich im Ergebnis dann schon beeindruckt.

 
 
 


 
 
 

Für mich war das einerseits eine hochspannende Zeitreise, da ich auch von dem einen oder anderen Filmprojekt alte Arbeitsfotografien herausgesucht habe oder bereits durch den Fokus auf Bilder interessante Parallelen und Verbindungen zutage getreten.

Das gedruckte Ergebnis selbst mittelmäßiger „Screenshots“ (aus dem fertigen Film herausgezogene Standbilder) hat mich durchaus positiv überrascht. Von der Tüür-Produktion in Bremen 2019 habe ich endlos Bewegtbildaufnahmen und auch zahlreiche Fotografien; die sind schön herausgekommen. Bei manchen kontrastärmeren Bildern kommt die Qualität des gewählten Drucks allerdings auch an ihre Grenzen (da würde ich beim nächsten Mal einen anderen Druck oder anderes Papier ausprobieren oder die Bilder anders bearbeiten), aber das hat mich jetzt nicht überrascht. Ich wusste, das einige Bilder, die viel mit Dunkelheit arbeiten, wohl nicht perfekt rauskommen. Bei einzelnen Bildern finde ich die farbliche Mattheit etwas schade; z.B. Farbtöne im gelben und hellen Bereich kamen nicht so strahlend heraus wie erhofft. Mir scheint, da wurde beim Druck eher mehr als weniger Farbe eingesetzt, weshalb vor allem manche farbreichen Bilder etwas zu dunkel herausgekommen sind. Vielleicht hängt das aber auch von der gewählten Papier- und Druckweise ab. Einige Bilder sehen im Druck jedenfalls farblich anders aus als in meinen Dateien.

 
 
 


 
 

 
 
 

Von der Firma (Saal Digital) bekommt man kostenlos eine Software zur Verfügung gestellt – die mich auch positiv überrascht hat; es dauert ein wenig, bis man die Tricks, die die Software bietet, durchschaut, aber ich neige ohnehin eher zum learning by doing als dazu, zuvor erst ausgiebig eine Bedienungsanleitung durchzuackern. Da bietet die Software echt erstaunliche Möglichkeiten, wie ich es nie erwartet hätte. Offenbar gibt es auch zahllose vorgefertigte Designelemente, die für Familienbücher oder dergleichen sicher sehr nützlich sind; für meine Vorstellung eines minimalistischen Fotobuchs allerdings nicht relevant waren. Wenn man es einfacher haben will und zum Beispiel ein Fotobuch als Geschenk erstellen will, kann man sich da, scheint mir, auf sehr einfache Weise in kürzester Zeit das Programm und die Möglichkeiten on the flow aneignen, und die schwierigste bzw. zeitaufwendigste Aufgabe wird die Auswahl der persönlichen Lieblingsfotos sein, zumal das Programm gute Möglichkeiten der Bildbearbeitung bietet. Bedauerlich ist allerdings, dass es nicht möglich scheint, fürs eigene Archiv oder zum Nachschauen ein einfaches PDF zu exportieren (also eines, auf dem man auch die Bilder erkennt, Druckqualität muss es selbstredend nicht haben). Dazu muss ich nun immer das Program öffnen und die vielen großen Fotografien im Cache lassen.

 
 
 


 
 
 

Die Verarbeitung des Buchs gefällt mir auch sehr gut. Als Cover-Foto habe ich eine minimalistische Aufnahme vom Great Salt Lake in Utah genommen, eines meiner liebsten Fotos, das auch ein perfektes ECM-Albumcover abgeben würde. Man bekommt eine Art Plexiglas-Frontseite, und das macht dieses Bild wirklich eindrucksvoll. Ich habe auf den Gutscheinwert ein bisschen was draufgezahlt, weil ich einfach so viele Projekte zusammengetragen habe, von denen ich die Bilder mal gedruckt sehen wollte, dass es so viele Seiten wurden – und war dann etwas skeptisch, ob mit so einfachen Mitteln wirklich was Vorzeigbares herauskommen würde. Aber dann war ich, von den erwähnten etwas zu dunkel herausgekommenen Bilden abgesehen, positiv überrascht. Es wird also sicher nicht das letzte Mal bleiben, dass ich auf diesem Weg ein Fotobuch in Auftrag gebe – und dann wohl mit einem Fokus rein auf meine Fotografien. Beim Durchschauen habe ich erst letzte Woche wieder gesehen, wie wahnsinnig viele fantastische Fotografien z.B. auf den extensiven Nordamerika-Reisen entstanden sind. Allein daraus ließe sich ein großartiger Bildband erstellen, wie ich ihn mir auch selbst kaufen würde.

2021 21 Feb

Distractions

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Anlässlich der neuen LP habe ich am Wochenende das Gesamtwerk der Tindersticks – in umgekehrter Chronologie – durchgehört (abzüglich dreier experimenteller Installations- bzw. Filmmusik-Alben, die ich nicht besitze, Ypres (2014), Minute Bodies – The Intimate World of Percy F. Smith (2017) und Music for Claire Denis’ High Life (2018), das ich mir eben via Ebay bestellt habe.

 

Ich hatte vorab Bewertungen aller Alben aus dem Bauch notiert und wollte dann herausfinden, ob ich wirklich richtig lag. Ergebnis: Tatsächlich hatte ich mehrere Alben „nach oben“ zu korrigieren, speziell Across Six Leap Years, das ich zumeist links liegen gelassen hatte (und auch nur als CD-Kopie besitze), da ich die Neueinspielungen einer Auswahl von zehn, nach Bandmeinung zu wenig beachteter Songs, doch zu wenig „neu“ fand und finde. Diese Songs sind aber zumeist dennoch toll, einige großartig wie Say Goodbye to the City, Dying Slowly oder A Night In   nur braucht die neuen Einspielungen eigentlich niemand; sie sind weitgehend sehr eng an den älteren Versionen.

 

Das beste Album ist das unbetitelte zweite, landläufig „Tindersticks II“ oder „The Second Tindersticks Album“ genannt; das dritte, Curtains, und das erste, ebenfalls unbetitelte, sind aber fast ebenso herausragend. Das beste Album der zweiten Bandphase (mit 50% neuer Besetzung nach der fünfjährigen Pause 2003 bis 2008) ist wohl The Something Rain. Leider konnte ich mich bei keinem der späteren Album zu einer Wertung von mehr als vier Sternen hinreißen lassen; dazu, finde ich, haben sie einfach immer wieder doch diese recht „typischen“ melancholischen Tindersticks-Songs, die sich z.T. nicht signifikant von Album zu Album unterscheiden. In der ersten Phase ist/war das ein wenig „besser“, d.h. markanter.

 

Großartige Songs gibt es aber auf jedem Album, und auf ihrem besten Filmmusik-Album Les Salauds verbirgt sich mit ihrer sensationellen Neuinterpretation eines Hot Chocolate-Songs von 1977, Put Your Love In Me, ein unbekannter, sonst nirgendwo zu findender Geniestreich. Es sind vereinzelt ein paar weniger große Songs auf den Alben, vor allem auf denen der zweiten Bandphase, aber überall sind auch genügend brillante, so dass ich von keinem Album wirklich abraten könnte.

 

Mit dem neuen Album Distractions gibt es nun endlich wieder spürbare neue (Sound-)Ideen, und die Band verlässt, u.a. mit elektronischen Elementen, den ausgetretenen Pfad der vorigen Alben. Trotz einiger Höhepunkte sind The Waiting Room und No Treasure But Hope leider die beiden schwächsten (Studio-)Alben der Band. Selbst einige der Filmmusik-Alben sind spannender (Les Salauds, 35 Rhums, Trouble Every Day), und ich fand’s schade, dass sie nie die elektronischere Ästhetik von Les Salauds und Put Your Love In Me mehr auch für die Songalben eingesetzt hatten.

 
 

1993 – [First Untitled Album]  *****

1995 – [Second Untitled Album]  *****

1996 – Nénette et Boni (Soundtrack-Album)  ***½

1997 – Curtains  *****

1999 – Simple Pleasure  ****½

2001 – Trouble Every Day  ****

2001 – Can Our Love…  ****

2003 – Waiting for the Moon  ****

 

2002 – Vendredi Soir (Filmmusik, Dickon Hinchliffe solo)  ***

2004 – L’Intrus (Filmmusik, Stuart Staples solo)  ***½ 

2005 – Lucky Dog Recordings 03-04 (Staples solo)  ***½

2006 – Leaving Songs (Staples solo)  ***½

2018 – Arrhythmia (Staples solo),  Seite 1 ****, Seite 2 **  –  Gesamt: ***

 

2008 – 35 Rhums (Filmmusik)  ****

2008 – The Hungry Saw  **** 

2009 – White Material (Filmmusik)  ***½

2010 – Falling Down a Mountain  ****

2011 – Claire Denis Film Scores 1996-2009  ****

2012 – The Something Rain  ****

2013 – Les Salauds (Filmmusik)  ****

2013 – Across Six Leap Years  ***½

2016 – The Waiting Room  ***½

2019 – No Treasure But Hope  ***½

2021 – Distractions  ****

 

2021 31 Jan

Patience 2021

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2021 Releases

 

 

Alben (30):

2. Anna B Savage: A Common Turn (blue vinyl)

3. Mogwai: As The Love Continues (2-cd box)

4. Black Country, New Road: For The First Time (white vinyl)

5. The Notwist: Vertigo Days (cd)

 

 

Filme oder/und Serien (15):

1. Höllental (Marie Wilke, ZDF)

2. En Thérapie (Eric Toledano & Olivier Nakache, arte)

3. Sörensen hat Angst (Bjarne Mädel, NDR)

 

Empfehlenswerte Neu- und Wiederentdeckungen (chronologisch, ohne Wertung):

1. Masayoshi Sukita: David Bowie by Sukita

2. Peter Gabriel: (viertes Soloalbum + englische „TV-Doku“ von 1982)

3. Stereolab: Electrically Possessed (Switched On Vol.4)

4. Gallo Family Vineyards: Zinfandel California 2019

5. Urlaub in Polen: All (LP, 2020)

 
 

Gerade habe ich hier ein ganz aktuelles, total interessantes Gespräch mit Daniel Lanois gehört, wo er u.a. über die Arbeit mit Brian Eno, Bob Dylan und Jon Hassell plaudert, sich aber auch an ein paar schöne kleine Geschichten über die Entstehung von Alben wie The Unforgettable Fire, Le Noise oder auch seine Zusammenarbeit mit Peter Gabriel erinnert. Very entertaining!

 

2020 30 Dez

Aktueller ARD-Tipp (Mediathek)

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»[…] für Hauptdarstellerin Claudia Michelsen, Produktionsfirma filmpool fiction und den MDR ist dieser „Polizeiruf 110“ mit dem Titel „Der Verurteilte“ der bisher beste Film des stets überzeugenden Reihenablegers aus Magdeburg. […] Für den vierzehnten Film der Reihe hat nun Autor Jan Braren eine dramaturgisch klug abgespeckte Geschichte entworfen, ohne viel Personal und ohne Exkurse ins Privatleben der Kommissarin. Mit dem reduzierten Plot gelingt dem Grimme-Preisträger die Grundlage für einen Krimi, der sachlich, unspektakulär, aber sehr konzentriert beginnt und aus seiner Unaufgeregtheit allmählich eine immer größere Sogkraft entwickelt – bis zu einem Schlussdrittel, das in puncto Spannung und emotionale Anteilnahme seinesgleichen sucht.

 

Die außergewöhnliche Wirkung hat bis zu Braschs Höllentrip auf der Zielgeraden viel mit der Erzählweise zu tun. Die Narration in diesem „Polizeiruf“ ist kleinteilig und komprimiert, ohne dabei kurzatmig zu wirken. Im Gegenteil: Aus den zügig aufeinanderfolgenden Szenen entsteht ein (fast unmerklicher) Flow, auch ohne spektakuläre Ereignisse. Dabei wird häufig darauf verzichtet, eine Situation mit einer verbalen Vorankündigung vorzubereiten. Dadurch befindet man sich als Zuschauer stets in einer leichten Anspannung, einer gewissen Habacht-Haltung. Das mag nur ein Detail sein, ist aber ein wichtiger Baustein für die dichte Erzählung und den sich daraus für den Zuschauer ergebenden Spannungsfluss. Früher war das anders im Magdeburger „Polizeiruf“: Wenn sich Brasch nicht gerade mal wieder auf einem ihrer Alleingänge befand, wurde wegen der Animositäten im Team sehr klar gesagt, wer was zu tun habe.

 

[…] Die diesbezüglichen Vorgaben des Drehbuchs werden allerdings noch maßgeblich und eindrücklich von der Inszenierung forciert. Die Arbeit von Regisseurin Brigitte Maria Bertele und die wesentlichen Gewerke, Bildgestaltung und Montage, lassen in „Der Verurteilte“ einmal mehr erkennen, welche Bedeutung für einen Film die spezifischen ästhetischen Möglichkeiten des Mediums und die damit geschaffene Atmosphäre besitzen. Davon zeugt ein Schnitt, der jeder Szene die optimale Länge verpasst für den bereits erwähnten (unsichtbaren) magischen Flow. […] «

 

Rainer Tittelbach

 

2020 24 Dez

Techno-Pop for Everyday Rebellion

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What do you consider to be acts of rebellion?

I consider everything you do to be acts of rebellion in your daily life. Things that come from a place very deep inside you, from a place of freedom, that change something you don’t like or that you are against. Originally, the record’s name was little acts of rebellion, but I didn’t want it to sound shy, so I took out the “little.”
I want to inspire people to revolt. I want people to feel like they have the power to change the world, and that it doesn’t have to be huge. You don’t have to go and defeat Trump immediately; you can do little things every single day. Small gestures add up over time. It is the opposite of a capitalist economy, which is about acting and producing all the time.

 

One of the album’s instrumental tracks is called “let them have the internet,” and it quite literally sounds like the internet breaking down. Where did that title come from, and what is your relationship with the internet in general?

The title of that song came from the media theorist Douglas Rushkoff, who has written a lot of books about the internet and its impact on humanity. He was in Silicon Valley when it all started; he was a punk, doing acid with all the guys that were starting to come up with the idea of the internet.
From a philosophical standpoint, the internet was supposed to be for everyone, free and open. But then it became capitalist, and now we do everything online and everything is mediated by companies. I’ve had this love-hate relationship with the internet because of that. [Rushkoff] has this podcast called Team Human, and in the first episode he has this beautiful moment where he’s like, “At first I was mad because these companies took our internet away. But then I realized the more the capitalistic world goes online, the more free we are in real life, because we can just turn our phones off and nobody’s selling us anything. The hugging, the kissing, the five people sitting in a room and conspiring together—that all happens offline.” So with this song, I’m like, “Fuck it. Let them have the internet, and we can have life outside of it.”

 

[…] When Kraftwerk’s Florian Schneider died earlier this year, you mentioned on Twitter that nothing has influenced your approach to music more than that group.

Kraftwerk was the first time I saw the aesthetic of electronic music and the structure of pop songs put together. If I hadn’t listened to Kraftwerk, I’d never have been interested in electronic music. I would have always stayed on the other side, just listening to it and dancing to it. But when I heard Kraftwerk, it was like, “I can make people feel things in their gut and make them sing songs at home and feel seen.”
It was also that sense of perfect humanity, between being a technician and a musician. I have a very profound fascination with machines. I’m very technical. I can fix all my machines; I know how to solder. I understand the circuitry perfectly. That capacity to understand machines and play them, and have the music sound human, even though it’s electronic, is also part of the inspiration I draw from Kraftwerk. It’s everything I aspire to create through songs.

 

Ela Minus Makes Techno-Pop for Everyday Rebellion

 


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