on life, music etc beyond mainstream


2019 22 Mrz


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Es könnte auch 1971 sein,

und Cat Stevens läuft im Radio,

abends dann Tanzstunde.


2019 21 Mrz

Tribute & Teatime

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The May Edition of Uncut pays tribute to Mark Hollis, his story is so much shorter than Neil Young‘s wild journeys with Crazy Horse (also featured), but no less glorious. Where others end with a bang, or a never-ending tour,  Mark Hollis‘ artistic career ended with a whisper. He became a family man, with no reason to return to music. He had done it all, and pushed the limits. I wish I‘d once been at White Hart Lane, watching a football game there when I was a teen, I might have met him long before everything started.  Just daydreaming. Being a listener all my life (without needing heroes when finally grown up), and not a player, I‘m so happy that his last three albums never stopped to share company. From the same breed as all that English soulfood of my life, from the Kinks to The Beatles, from Scott Walker to Talk Talk, from Robert Wyatt to Brian Eno. Yesterday I wrote to Brian that after the cancelling of my travels to the North Western Highlands in January („Laughing Stock“ would have been part of my final Land Rover CD collection) I’d hope  to come at least to London soon, for this and that, and a cup of decaffeinated green tea in his studio. „Please let me know when you’re here. I’ll have the kettle on!“, was part of the answer. He‘s curious, by the way, to listen to that album by Will and Hannah, and he will definitely have another special experience when getting lost in „24 Frames“ on BluRay. Today the colour of spring seems to return, and I‘m still sitting in a coffeehouse where they play that  awful parade of classical music evergreens. I‘m not the guy to shoot loudspeakers. Gentle does it.



Music set to poems, and vice versa, that‘s the program of Chalk Hill Blue. The album is a collaboration of Will Burns, Hannah Peel, and Erland Cooper. When I sent my questions to Will, I hadn’t heard a single note of the music, his poems were my starting point, and a fascinating one. I  let the  lines work on my mind, my unconscious, strolling, roaming, meandering, and  kept asking  myself how they all would sound when surrounded by music. Knowing Hannah Peel for some of her sensitive arrangements of other people’s music, and from her own solo work, especially the fantastic Mary Casio – Journey to Cassiopeia, my fantasies grew wild,  besides I was looking for some pictures of Will‘s surroundings in Derbyshire. Now that I got his answers (and one from Hannah), I‘m even more grateful for some translations of the poems by German and Austrian poets Martina Weber („February“) and Astrid Nischkauer (the other ones). Four poems will be part of my next radio night at the Deutschlandfunk on April 20. Meanwhile the music had arrived. In the evening I turned the lights down low, a glass of red wine, and then, some deep listening. What an aural delight, even in its darker moments – the whole thing a consciousness-jolting affair! This album, earthbound and elevating, will find its place on my shelf in the good neighbourhood of Darren Hayman‘s immersive hinterland journeys of „Thankful Villages“. Chalk Hill Blue will be released on Friday. 



Frühlingserwachen auf der meschuggenen Meile


Noch lässt sich der Tag nicht

nach dem Wetter bestimmen.

Keine Helligkeit oder kein struktureller

Schatten verrät

den Umriss oder Körper von etwas–

vom Wald, dem Fluss, dem Gästehaus.

Man könnte vom Vorhang

und dem Luftzug über den Rücken träumen,

vom Freien, der Hitze.

Oder vom Vogelgesang, der scheinbar

überall ist, und von einem Gefühl

des Unbekannten erzählt, mit welchem

diese Stunde allein beladen ist. Es breitet sich aus

wie ein Ausfließen, das zu einem Dröhnen wird.


Michael Engelbrecht: The modus operandi seems to be that Hannah Peel used your poems as inspiration for the music. But at the very beginning Hannah had some music that suggested a poem to you. Is „Spring Dawn on Mad Mile“ such a piece – some motives from the „aural field“ at least suggest that. Whatever, can you tell something about the relation of sounds and words here?


Will Burns: Well I think with that piece, Hannah and Erland had started to create some sounds, I think they had a synthesiser going, and there was just something about the mood that suggested that poem to me – an oppressive quality, maybe. That was how we started with a few of the recordings. But after that, we would try reading the poem over the top of the synth or drum machine or whatever it was, and figure out how the music of the poem itself could work with or against the compositions that Hannah was creating. Were there moments of harmony? Moments of tension? Did they make sense? That was the process really – and also how the words and music established a relationship.


Is the cover of the album a kind of „signifier“ for the landscapes that inspired the album, and can you describe your personal relationship to that special landscape – I don‘t know if England‘s famous literary wanderer, Robert MacFarlane, ever crossed this area?


Yes the cover is very much a representation of that place, but also of the slightly blurred or murky quality the place has. It’s not a wild place, it’s not urban, it’s not really suburban either. There are aspects of the place that feel very rural – the farming, the forestry, but you can feel the commuter-ness of it all as well. There are people around my village with proper old Bucks accents (like my Grandad), but also lots of London overspill and that kind of placeless Southern Englandness to it as well. That’s the tension that keeps pulling me into the place, I suppose, in the work. I think Robert walked the Ridgeway a couple of years ago and was in the area. I’d be surprised if he hadn’t been there a number of times.



How did Hannah Peel approach the landscape, primarily through your poems – or did you two take some free time for wandering around. You might have memories about common walks, the exchange of stories, the sharing of silence …


Hannah and Erland both came out to visit, along with Chris Turner, who shot the artwork imagery, and we walked a section of the Ridgeway. It was the start of that hot summer last year, and we’d recorded some stuff already but I think having all three of us in the landscape focused what we were doing somewhat. I think Hannah saw the hills, the pub, the woods and maybe it gave the stories and poems some extra colour somehow. A good walk is never a bad thing, I don’t think.


You mention some „echo spaces“ of the music, sort of distant cousins, for example Roedelius „kosmische reverie“. Do you have favourite albums by Roedelius or Cluster who indeed, were good examples for going back to nature in the mid-70‘s celebrating a more meditative lifestyle …


Well I think Hannah might be best placed to talk about that. For me, I’ve liked lots of electronic music and certainly Neu! and Kraftwerk and bits of Can, but I think I was most excited about the Daphne Oram and Delia Derbyshire references really. And when Hannah first sent me the mixes they’d done with the bits of woodwind on, that took me back to listening to Peter and the Wolf as a child. My Dad played the David Bowie version a lot and the flutes sort of stuck with me.




An Abenden wie diesem könnte ich alles vergessen –

Namen, Adressen, sogar die Art, wie wir zueinander standen.

All das könnte aufgenommen werden

von den Lichtern der Stadt bei diesem Wetter.

Der Vorgang hat etwas mit den Gebäuden zu tun,

ihrer Bauweise aus Quarz und Ziegelgestein,

aber es geht auch um die Belange der Menschen.

Wie viele es sind … können wir´s wissen? Den Daten trauen?

Die Grenzhunde, die es auflecken,

sie werden ihre Gründe haben.

Und es gibt überall Hunde, wo eine Linie gezogen wird.

Die Anzeige auf meinem Smartphone sagt mir  (nicht nur, wo ich bin,)

sondern dass ich in 15 Minuten anfangen kann mit meinem ersten Drink.

Und das sind alle Neuigkeiten, mit denen ich umgehen kann.


„February“ catches up a special evening atmosphere. On the one hand reflecting borders, on the other a more immersive experience with that funny line about the drink at the end. Was there a special inspiration for the poem, or is it more a condensation of a certain mood?


One of those rare things that comes to you out of nowhere, almost in one go… I was walking through London at the time in fact, and almost certainly felt a mood descend that seemed to want to be dealt with, however one attempts to try and deal with that sort of thing. Sometimes it’s by writing. I suppose I’d been thinking a lot about borders – who hasn’t the last few years? – and what they mean, how they work imaginatively, on maps or in our psyche. The phone, the map itself is a kind of border too I suppose. They both mediate our experience of place.


What was the special role and contribution of musician and producer Erland Cooper for the album? Was he suggesting a certain sound, did he add musical colours, ideas, or was his role like more defined by shaping the tracks into a coherent whole?


I think Erland added a real urgency to the pace of the work, he got things recorded quickly, didn’t allow us to worry unduly about things until we needed to, so that the project evolved rather than being set out in too prescriptive a way at the outset. He had musical ideas, definitely … he and Hannah would be in dialogue about the sounds and layers. And then he’d agree about a poem if I thought one might work, or the opposite of course. And then sequencing, mixing, mastering. He was a vital part of the process.


„The Night Life“ sounds quite surreal, one of the poems here I think have to use a dictionary to get closer to the gist. Can you shed some light on this one?


That’s definitely one where Hannah made some music first, which we sort of worked out of. I think it’s a drum machine she used to create that unrelenting, slightly frightening rhythm. It just sounded instantly to me like the poem I had tried to write. It’s about that sense you have at certain times in your life that things are getting out of hand. And most of the time when you look at what’s going on in those periods, perhaps try and analyse what’s happening a bit, you see that things had got out of hand a while ago in fact but you somehow missed the signs.



Looking back on the album, what can you say about Hannah Peel‘s contribution: did she offer new insights from a reader‘s / musician‘s perspective, did she enhance certain moods? From my point of view, as someone who has been reading the lyrics, but not heard any of the tracks, I imagine she has worked in a more ambient mood, with a very ascetic use of rhythm or groove.


That’s spot on, rhythm is quite a difficult aspect of the music in this kind of project because language has such a strong rhythm of its own when being spoken rather than sung. So the music had to sit alongside the syllabic rhythm of the poems, which I think pushes it towards the ambient, or the textural. Hannah would have the language to talk about it more accurately I’m sure, but for my part, I felt that she just had a very astute understanding of the poems on a musical level, she almost worked with them as if they were an instrument, which of course is one way that poems do their work. And yet she’s also got a very keen ear for poetry conceptually as well, she might only have said a few words about it after hearing a poem for the first time, but those words always suggested to me that she’d read the poem in interesting ways.


„A Summer Blues“ is one that appeals to me on first sight. It‘s a bit like a short story disguised as a poem. Such lines as „… and guitar strings that might rust to blue or ring forever …“ create a mood that is really a bit blues-like, but even in these night moods some magic seems to be hidden, in spite of „youtube clips“.


That’s very kind, thank you. I suppose it belongs in the same family as „The Night Life“ in some ways. An appraisal of where one is at a certain time. What kind of a mess one’s made of things …


Do you have favorite spoken word albums that may once upon a time had, or still have, a deep impact on you? The Books, Brian Eno, Laurie Anderson, Jan Bang and Erik Honoré, quite some artists have worked in this area in recent years …


Well I’ve mentioned Peter and the Wolf. I suppose I should also say that I grew up listening to lots of what are now called audio books. At the time they were just tapes that I loved as much as music. BBC radio adaptions – obviously the Hitchhikers Guide to the Galaxy, but also PG Wodehouse and Tolkien – loads of other stuff. I think that’s meant I’ve always carried the idea that literature is something that lives on the breath as well as the page. I have a huge admiration for Alice Oswald, whose work in some ways seems to refute the tyranny of print – posits the idea of the poem as something spoken and heard at least as much as something read on paper. She’s a fantastic poet. But in terms of recordings, I’m not sure I’ve got any favourite records that are similar really, which is one of the reasons I was so excited to make the recordings with Hannah and Erland. It felt as if I was living on my nerves creatively and completely free from what can sometimes become comfortable reference points.


Im Freien


Wir kannten den Sonnenaufgang als Gelsenzeit,

die sich selbst erschöpft

im dampfigen Wald,

und den tatsächlichen Wahnsinn

eines aufgenommenen Morgenchors.

Wir machten unsere Feldaufnahmen

um nichts davon zu verlieren.

Später, als ich sein Haus ausräumte,

fand ich das Aufnahmegerät.

Ich drückte auf den Startknopf und sah zu,

wie sich das Magnetband durch die Rollen spulte,

das Band straff am Tonkopf,

der Bandantrieb funktionierte immer noch,

war perfekt im Takt.

Wöchentlich eine Stunde verbringe ich

nun damit, die sich verändernden Grüntöne

im Garten seines Pflegeheimes zu beobachten.

Er versteht nicht mehr, was es ist,

das ich ihm da vorspiele,

wie die Aufnahme des Vogelgesangs

sich in den Räumen ausbreitet,

die sich zwischen uns auftun, während wir

dasitzen in diesem, seinem letzten erleuchteten Raum.



Looking back at the project, Hannah Peel wrote these lines: „A thrill from coming to make art together with no preconceptions, just a pure admiration for another artist‘s work and sensing a deep urge to create something to compliment that. There wasn’t many challenges when making the album, under the watchful hands and ears of producer Erland Cooper he was able to capture exactly the mood of the room, the poetry, the synths, drum machines and atmospheres I was turning to instinctively and embellished them with added tape loops, delays and his own processes. As the album was made so reactively towards each other in the room, the biggest challenge has been to take that live on stage and how to re-create that magic, impulses and connection so an audience can feel like they are in the room with us observing the process!“



Will and Hannah will be performing „Chalk Hill Blue“ live:


30.03.19 – Caught By The River Calder at The Trades Club – HEBDEN BRIDGE

04.04.19 – Cecil Sharp House – LONDON

05.05.19 – Cathedral Quarter Arts Festival – BELFAST

11.05.19 – Queens Hall – EDINBURGH

24.05.19 – Sea Change Festival – TOTNES

28.07.19 – Port Eliot Festival – ST GERMANS

01.11.19 – The Civic, Assembly Room – BARNSLEY








It could be the dogs announce

       your visit. It could be her birds.

       However it happens, she knows—

       understanding that has come unmoored.

       She opens red wine, puts out a bowl.

       Outside in the fields the second 

       hay crop is cut and turned again, 

       a faded day, dirt that might have been

       yours to own. An inheritance, like so much

       taken on faith, held in seed.


MHQ: Bist du der „Drogenbeauftragte“ der Manafonisten?


ME: Scheinbar. Obwohl da leicht falsche Eindrücke entstehen. Auf jeden Fall habe ich mich in den letzten Monaten mit Kratom, und mit Psychedelika befasst – eine Hauptquelle war das grossartige Buch von Michael Pollan, das jetzt im Kunstmann-Verlag erschienen ist.


Und du hast praktische Erfahrungen gesammelt, wie Michael Pollan?


Eine mexikanische Expertin hat mich vor Wochen in Regensburg mit der KRÖTE bekannt gemacht, und eine Reise initiiert. Es war sehr, sehr seltsam. (A psychic rollercoaster with ego dissolution and extremely fearful moments, I confess.) Michael Pollan  lebt an der Quelle. In Kalifornien ist es für einen bekannten Autoren sehr viel leichter, eine ganze Reihe von Psychonauten zu finden, also geschulte Fachleute, die einen auf einem Trip begleiten, und die Zugang zu den Substanzen haben, ihre einwandfreie Qualität sichern. Und Kalifornien ist eine Hochburg der LSD-Forschung. Lies mal Ayelet Waldmans Buch über das „micro-dosing“ von LSD. Father John Misty hat es bei seiner letzten oder vorletzten Arbeit als kreatives Stimulanz eingesetzt. Wenn du hierzulande nach LSD suchst, und nicht ins Dark Web willst, kommst du nur, legal, an Ersatz-LSD, oder synthetische „mushrooms“. Dem traue ich nicht sonderlich. Über Kratom möchte  ich hier nicht reden, das fehlt mir noch einiges an Wissen, das wäre zu laienhaft.




Wie bist du denn auf Kratom gekommen, Michael Pollan verliert darüber kein Wort.


Bei einem der letzten Festivals in Kristiansand, bot mir ein Journalist aus dem ehemaligen Ostblock – 😂 – Kratompulver an, zum Kaffee. Es würde einen leicht euphorisieren. Aber ich hatte schon gute Laune, und würde nie irgendwelche  psychoaktive Substanzen zu mir nehmen, ohne mich grundlegend über sie infomiert zu haben. Der Typ war aber sehr nett und vertrauenswürdig. In Prag würden wir sicher öfter in einem dieser alten Kaffeehäuser zusammensitzen und norwegische Jazzplatten diskutieren 🤣.


Du willst doch nicht erzählen, dass du zuletzt diesem Kratom nachgegangen bist, allein, um seine stimmungshebenden Qualitäten zu prüfen.


Jede Droge wirkt komplex, und wer Kratom nach genauen Anleitungen nimmt, sollte anfangs einen Eimer neben sich stehen haben – 🤣. Die meisten empfehlen es auf nüchternen Magen, aber so oder so kann da schon mal das grosse Kotzen kommen.


Das Pulver wird jetzt keine neuen Freunde gewinnen.


Es gibt Kratom in verschiedenen Formen, die ein sehr unterschiedliches Wirkungsspektrum haben, das auch von der Dosierung abhängig ist. Ich habe es zweimal genommen, um seine Wirkung zu prüfen, „Borneo Red“, und was passierte? Ich fühlte mich, ähem, heiter und beschwingt, leicht schwebend. Aber es gibt ein viel tieferes Interesse, bestimmte Sorten sollen eine schmerzlindernde Wirkung haben, weil gewisse Elemente von Kratom Opioid-Verbindungen enthalten. Und ich habe seit einem guten Jahr, alle vier Wochen im Schnitt, eine einseitig Nackenneuralgie rund um den Trapezmuskel, vier bis fünf Stunden im Land des allerunlustigsten Schmerzes.

Und Tramal Retard, auch nach Absprache mit dem Arzt höher dosiert, wirkt bei mir nicht. Ich habe darum gebeten, mit ein stärkeres Opium zu geben, aber das bekam ich nicht. Nun ist mit dem Zeug nicht zu spassen, aber dieses Scheisstramal macht nicht mal ein High, der Schmerz bleibt unangefochten, und das Zeig geht anders als andere Opiate, die ich mal bekam,  bei zwei anderen Geschichten, auch noch auf den Kreislauf. Erst machten mich die Schmerzen fertig, und dan das Tramal. Da denkt man schon an Alternativen.


Und nun?


Neuralgien sind fiese Sachen. Früher hat man den Schmerz und sich mit Laudanum abgeschossen, und rasch war man in der Sucht gelandet. Nun weiss ich, dass dieses Spannungsfeld von Neuralgie und massiver Verspannung des Trapezmuskels Diverse Aspekte hat. Es läuft zum Teil auf eine Fehlstellung der Wirbelsäule hinaus, und da kommen Osteopathie und Pilates-Training ins Spiel. Aber wenn der Schmerz mal sein Fünf-Stunden-Fenster geöffnet hat, dann ist das hammerbrutal. Und ich will da das adäquate Mittel. Die WHO staffelt die Vergabe der Stärke von Opioiden nach der Befundlage, und das, was ich vorschlug, wird nur bei starken Tumorschmerzen verbabreicht. Alles schön und gut, aber ich brauche etwas, das wirkt, vielleicht Oxikodon der Tillidin, weiss der Kuckuck. Oder eben ein bestimmes Kratom. 


Erzählst du jetzt mal, was passierte, als der Pilzforscher auf den Baum stieg?


Beim nächsten Mal. Ehrlich, das ist dann auch das Finale dieser kleinen Serie. Aber, ähem, stattdessen möchte ich dir einen der Träume von heute Nacht erzählen. Ich habe mich nämlich entschlossen, mich von nun an wieder intensiv der Praxis der luziden Träume zuzuwenden.

Und alles beginnt damit, dass man ein Traumjournal führt, Traumerinnerungen stärkt, wiederkehrende Traumzeichen identifiziert, um dann einige dieser wiedekehrenden Zeichen, Menschen oder Umgebungen als Trigger für  das Anknipsen des Bewusstseins im Traum zu verwenden.

Ich war mit meinen alten Klassenkameraden in einem grossen Raum, der dem ehemaligen Zeichensaal des Max Planck-Gymnasiums sehr ähnlich sah. Wir waren aber alle in dem Alter, in dem wir gerade angekommen sind, es war also keine Zeitreise. Neben mir sassen Randolf, Lothar und Harald, und wir flachsten und erzählten Stories. Plötzlich ging die Tür auf, und unser Klassenlehrer, von einigen liebevoll „Egon“ genannt, betrat den Raum. Wie in alten Zeiten, standen wir alle auf, Egon legte grossen Wert auf Disziplin, er war die seltene Mischung aus stockkonservativ, Existenzialist, und literarischem Freigeist. Ich habe ihm viel zu verdanken, andere arbeiten sich noch heute an ihm ab. Mir traten fast Tränen der Rührung aus den Augen, trotzdem merkte ich nicht, dass dies ein Traum war. Zuerst ging er zu Michael H., und erinnerte sich an den Tag, an dem sie sich an der französischen Atlantikküste begegnet seien. Er ging von einem zum nächsten, um gemeinsame Erfahrungen in Erinnerung zu rufen. Er kam bald auch zu mir, und sagte sinngemäss: „Michael, ich erinnere mich gut an den Tag, als du deinen Krimikurzgeschichte auf dem Seminar in Southampton vorgetragen hast – fehlerfrei“, fügte er mit einem Schmunzeln hinzu.


Es geht also los.


Yep. And I still have to write that story 😇. Clare R. Johnson‘s Buch Llewellyn‘s Complete Book of Lucid Dreaming is my dear companion for the next months, and since I had my first lucid dream in December 1982, thanks to Paul Tholey, I know that lucid dreaming is one of the most powerful tools of the human consciousness. It goes back to ancient traditions of Tibetan Yoga, and has now been scientifically researched for decades.

Seit Januar erhältlich:




1010 Paul Bley: Ballads – ***1/2  / ***** (gm)
1014 Chick Corea: Piano Improvisations Vol.1 – ***** – *** (gm) 
1056 Ralph Towner/Gary Burton: Matchbook – **** – (me / jr / gm)
1076 Barre Phillips: Mountainscapes – **** – ****1/2 (bw) – *** (jr) – **** (gm)
1084 Eberhard Weber: The Following Morning – ***** (me / bw / jr) – **** (gm)
1097 Pat Metheny: Watercolors – **** – ***** (bw) – **** (jr / gm / js)
1139 Mick Goodrick: In Pas(s)ing – ****1/2 – **** (bw) – ****1/2
1169 Jan Garbarek/Kjell Johnsen: Aftenland – *1/2 – ***1/2 (gm)
1218 Steve Tibbetts: Northern Song – ***** (me / gm / hdk)
1220 Mike Nock: Ondas – ****1/2 – **** (gm)
1255 Keith Jarrett: Standards Vol. 1 – ***** – ****1/2 (gm)
1272 John Abercrombie: Night – **** – ***** (gm) 
1322 David Torn: Cloud About Mercury – **** (me / jr/ gm)
1346 Terje Rypdal: Blue  – **** – ***** (jr) – ****1/2 (gm)
1458 Louis Sclavis Quintet: Rouge  – **** (me / gm)
1475 Miroslav Vitous/Jan Garbarek: Atmos – *** (me / gm)
1478 Surman/Warren: The Brass Project – *** – ***1/2 (gm)
1486 Stephan Micus: To The Evening Child – *** (me / gm) 
1604 Bobo Stenson Trio: War Orphans  – *** (me / gm)
1657 Peter Erskine: Juni – *** (me / gm)


Ab Mai erhältlich:




1024 Gary Burton/Chick Corea: Crystal Silence – ***** (me / jr / gm / js / hdk)
1030 Gary Burton: The New Quartet – ***1/2 – **** (jr) – **** (gm / hdk)
1032 Ralph Towner: Diary – ***** – **** (jr) – ***** (gm / js / hdk)
1038 Art Lande / Jan Garbarek: Red Lanta – ***** (me / bw / gm / js)
1041 Garbarek/ Stenson: Witchi-Tai-To – ***** (me / ijb) – ****1/2 (gm / js /jr)
1043 Bennie Maupin: The Jewel in the Lotus – ****1/2 – **** (gm) – ***** (js)
1044 Julian Priester: Love, Love – ***** – **** (gm) 
1048 Paul Motian: Tribute – **** (me / gm / js) – ***** (hdk)
1052 Steve Kuhn: Trance –  **** (me / gm / hdk)
1120 Bill Connors: Of Mist & Melting – **** – ***1/2 (gm) 
1128 Jack DeJohnette: New Directions – ****1/2 – *** (jr) – ***1/2 (gm)
1160 Steve Swallow: Home – ***1/2 – **** (jr) – **** (gm)
1193 John Surman: The Amazing Adventures of Simon Simon – **** (me / gm)
1230 Don Cherry/Ed Blackwell: El Corazon – ***** – **** (gm) 
1352 Gary Peacock: Guamba  – ***1/2 (me / gm)
1464 David Darling: Cello – *****  (me / jr / gm / ijb)
1577 Keith Jarrett: At The Blue Note, 3rd CD  – **** (me / gm)
1744 Trygve Seim: Different Rivers – **** – **** (gm) – ***** (ijb)
1906 Susanne Abbuehl: Compass – *** – **** (gm) – ***** (hdk)





Es war einmal, in den Siebzigern, da trat Gary Burton mit seiner damaligen Band im Sauerland auf, in der Balver Höhle, im Rahmen des dortigen Jazzfestivals. Für ihn muss es ein sehr ungewöhnliches Erlebnis gewesen sein, denn er wusste erstmal nicht, dass dieses Event in einer Höhle stattfand. Das ist ja irgendwie etwas Seltsames, Spezielles. Man denkt an Höhlenmalerei, an Steinzeitmenschen und Affen. Da landete also der filigrane Vibraphonist (der meiner Meinung nach einige der besten Alben seiner Karriere bei ECM veröffentlichte, die meisten in den frühen Jahren, und das ist auch eine Story, die in jenem alten Jahrzehnt begann) an einem solchen Kristallisationspunkt der Menschheitsgeschichte. Gary Burton spielte am Ende des Tages, das Publikum war enthusiastisch, teilweise betrunken, teilweise bekifft, und teilweise bei klarem Verstand. Die Band gab mehrere Zugaben. Nach der ungefähr fünften Zugabe war man der Meinung, das sei nun genug und zog sich zurück, obwohl das Publikum mittlerweile in ein rhythmisches Klatschen verfallen war. Man ging auf die Bühne, packte die Instrumente zusammen, doch das Publikum hörte nicht mehr auf mit dem Klatschen, schien sich selbst in eine Klatschtrance versetzt zu haben – das Echo des Klatschens wurde durch die Höhle getragen, sprang von den Wänden zurück. Der Höhlenraum war sehr eng, und so musste die Band etliche Male von der Bühne, an den Klatschenden vorbei, zum Bühneneingang, zum Tourwagen, und zurück. Nachdem alles verstaut war, setzte sich Gary Burton noch mit dem Veranstalter zusammen, regelte den Papierverkehr und nahm das Honorar entegegen. Und selbst dann noch, als man sich anschickte loszufahren, war das kollektive Klatschen aus der Höhle zu vernehmen.


Hier könnte dem einen oder der anderen das Argument abhanden kommen, es seien halt Kurzgeschichten, und Romane hätten eindeutig Vorrang , weil  man es sich in ihnen behaglich einrichten könne. Wer einmal DIE KRÖTE zu sich genommen hat, weiss, das diese psychoaktive Droge auch nur einen halbbstündigen Trip in eine andere Welt beschert – unvergesslich bleibt die Erfahrung allemal. Und das gilt auch für die Short Stories von Clemens J. Setz, der vor Jahren das Wunderwerk „Die Stunde zwischen Frau und Gitarre“ auf den Markt brachte. Und hier, in diesem schmaleren Büchlein aus dem Suhrkamp-Verlag, begegnen wir einmal mehr einer Schar beschädigter, verwundeter Protagonisten, die allesamt eine hochauflösende, fast halluzinierende Wachsamkeit verströmen, und oft alltäglichste Dinge mit einem psychedelischen Röntgenblick ausleuchten. Der Seher ist stets ein Einsamer, aber sobald wir ihm Blick für Blick folgen, in erweitertem Bewusstsein, wird das Abseitige, das, positiv betrachtet, Konventionen durchbricht, geteilt. Wer sagt denn, dass man stets allein auf einen „Trip“ gehen sollte?!


Spirit of Eden und Laughing Stock sind Meilensteine. Die beiden letzten beiden Talk Talk-Alben liessen John Lee Hooker und Miles Davis anklingen, Elvin Jones und Ligeti, Robert Johnson und Gil Evans, als Stoff der Verwandlung, als Spurenelement. Und sowohl Mark Hollis wie Tim Friese-Greene hatten einige alte ECM-Platten als Quelle der Inspiration ausgemacht. 


Die Entstehung beider Alben ist legendär. Sicher wurden die Grenzen der Belastbarkeit öfter überschritten, bei dem Nachfolger Laughing Stock noch um einiges mehr. Soundmeister Phill Brown erinnert sich an The Spirit Of Eden:  


„I recall an endlessly blacked-out studio, an oil projector in the control room, strobe lighting and five 24-track tape-machines synced together. Twelve hours a day in the dark listening to the same six songs for eight months became pretty intense. There was very little communication with musicians who came in to play. They were led to a studio in darkness and a track would be played down the headphones.”


Das letzte Werk von Mark Hollis  erschien im Januar 1998, und hiess schlicht Mark Hollis. Es gehört In die einsame Klasse zeitgeistferner Aufnahmen jener Jahre, in dieser Hinsicht vergleichbar mit Robert Wyatts Shleep, Scott Walkers Tilt, Brian Enos Nerve Net. All diesen Alben ist etwas Überfliessendes zueigen, sie sind zerrissen und vollkommen zugleich, in ihrem Furor, ihrer Sehnsucht, ihrer Melancholie. 


Was für ein Liederzyklus: „The Colour of Spring“ handelt von Krämerseelen, die sich als Naturromantiker gebärden. „The Gift“ ist inspiriert von dem King Vidor-Film The Crowd, und erzählt vom Verschleudern natürlicher Begabungen. „The Daily Planet“ umreisst das Eindringen der Medien in die Privatsphäre. Mark Hollis war zu der Zeit in Deutschland, als Silke Bischoff beim Gladbecker Geiseldrama auch das Opfer einer zynischen Medienhatz wurde. Die hoffnungslose Lage im Palästina-Konflikt findet genauso ihren Widerhall wie eine Episode aus der Zeit der  „Depression“ in den alten USA. 


Die Musik des letzten Werkes von Mark Hollis ist der Endpunkt einer langen Reise, ein Gespinst von Klageliedern, die von einer Vergänglichkeit in die nächste stürzen, und dabei kein Verfallsdatum tragen. Eine gute Handvoll Interviews gab der Mann aus Tottenham damals, rund um die Jahreswende 97/98, es waren die letzten seines Lebens,  bevor er sich ins Privatleben mit seiner Familie zurückzog. Ich traf ihn im Hamburger Hotel Atlantic. Es war ein herzliches Wiedersehen, sieben Jahre nach unserem Londoner Treffen, nach dem Erscheinen von Laughing Stock. Mark Hollis ist am 25. Februar 2019 gestorben.



Michael: Mark, deine neuen Songs scheinen zu einer anderen Art der Ruhe gefunden zu haben. Weniger Wildheit und Wildnis als auf den beiden Vorgängern, und doch höre ich ich eine enorme innere Spannung heraus.


Mark Hollis: Ich wollte zurück zur einfachsten, grundlegendsten Aufnahmesituation. Ich wollte die Klänge so berühren, dass sie nicht gesäubert oder poliert klingen. Der Sound sollte den Charakter der Instrumente wahren. So nah wie möglich wollten wir herankommen an den realen Klang der Instrumente im Raum.


Michael: Kannst du etwas mehr von diesem Raum erzählen?


Mark Hollis: Der Raum, in dem die Musik entstand, ist diesem hier sehr ähnlich. Es beginnt immer mit dem Raum. Als erstes hörst du auf dem Album den Raumklang in aller Stille. Dieser Sound ist ein bedeutender Teil des Albums und immer wieder hörbar. Jeder Musiker hat eine klar definierte Position. Ich höre mir die Musik am  liebsten mit dem Rücken zu den Lautsprechern an. Dann kommt  es mir so vor, als wäre ich mitten im Raum. Wenn du intensiv genig lauschst, kannst du die Positionen der Instrumente genau lokalisieren. Du kannst hören, wo das Piano platziert wurde, wo genau Piano und Bass in Schwingung versetzt werden, und wo sich im jeweiligen Moment die Spielhand befindet.


Michael: Wie wurde diese leise Musik von den Mitspielern wahrgenommen, so weit weg vom traditionellen Gestus der Rockmusik? 


Mark Hollis: Wir fahren die Instrumente auf eine so niedrige Stufe herunter, dass der Nachhall so bedeutend wird wie das Erklingen der Instrumente. Es ist schon verblüffend, wieviel Raum auf dem Band zu hören wird, wenn man das Volumen so weit zurücknimmt. Für einige Musiker war das eine Überraschung, die waren so sehr an grössere Lautstärke gewohnt, und meinten anfangs, nur laute Töne könnten einen Raum vergrössern. Aber das ist überhaupt nicht der Fall. Wenn du die Ohren auf solch feine Strukturen einstimmst, kann sich ein faktisch kleiner Raum sehr gross anfühlen.




Ein paar Tage nach der Begegnung mit Mark Hollis sprach ich am Telefon mit Phill Brown, der Mann, der hinter den Reglern Geschichte geschrieben hat, und auch bei den beiden letzten Talk Talk-Alben dabei war, bei monatelangen Sessions, gnadenlosen Löschungen des Materials, auf der erschöpfenden Suche von Mark Hollis und Co. nach der idealen Synthese von freier Improvisation und finaler Gestalt. 


Phill Brown: Im Vorfeld hatten wir drei Studios zur Hand, die brauchbar schienen für Marks Vorstellungen für sein Soloalbum. Das eine war das „Air“, das andere „Land‘s Down“. Wir hatten eine hübsche Sammlung von Mikrofonen, das Telefunken-47, das Neumann-48, und viele andere, wir probierten sie alle aus, und hörten, wie sie klangen, wenn eine akustische Gitarre oder Perkussion zu hören waren. Wir entschieden uns für zwei Röhren-Stereomikrofone, zwei Neuman M-49s, sie kamen am ehesten an das heran, was wir wollten. Wenn du bedenkst, dass wir für kein Instrument Equalizer einsetzten, dann liegt es allein an den Mikrofonen, das ehrlichste Bild des Raumes zu vermitteln. Nach einiger Zeit fanden wir das Air-Studio zu lebhaft, „Land‘s Down“ war akustisch zu tot, also wählten wor das dritte Studio. Wir haben keine Klangfilter benutzt und keine Kompression. Das Studio war für einen bestimmten Sound hergerichtet, und das galt für alle Instrumente. In der Abmischung benutzten wir lediglich „spring reverb“ für die Stimme, eine historisch sehr frühe Form eines Hallerzeugers. In den Sechzigern gab es das „EMT-echo-play“, das einen sehr natürlichen Nachhall hatte. Das „spring reverb“ ist, wie gesagt, viel älter, und es bekam den Vorzug. Wir versuchten, eine Aufnahme zu machen, die den Jazzprodukrionen der frühen Fünfziger Jahre nicht unähnlich ist. Damals waren die Musiker sitzend um ein einziges Mikrofon gruppiert, und wer ein Solo zu spielen hatte, musste aufstehen.




Mark Hollis: Was den Sound angeht, dämpften wir das Studio noch, weil es anfangs etwas harsch klang. Die Optik des Raumes war nicht besonders einladend. Oft schalteten wir das Licht runter. Wenn aber die Holzbläser spielten, musste das Licht voll aufgedreht sein, damit die Noten zu lesen waren. Die Musik hatte viel mit Konzentration zu tun, die optischen Reize der Umgebung verschwanden beim Spielen. Ich glaube, die meisten spielten mit geschlossenen Augen.


Michael: Viele traditionelle Rockkritiker sind hier überfordert, die bevorzugte ihre Urstoffe hören wollen und sicher elektrische Gitarren vermissen. Dabei ist diese Musik sehr, sehr intensiv.


Mark Hollis: Ganz sicher. So war es sehr anstrengend, für Mark Feltham die Mundharmonika so zu spielen, dass sie sich in den vorwiegend leisen Gruppensound einfügen konnte. Bei anderen Instrumenten ist das leichter zu erreichen, aber bei der Mundharmonika musst du dich wahnsinnig anstrengen und enorm viel Kraft aufwenden, um einen ruhigen Ton zu produzieren. Ähnlich verhält es sich bei nahezu tonlosen Phrasierungen einiger Gesangspassagen.


Michael: ich glaube, daher rührt auch die seltsame Intensität einer  nur  an der Oberfläche so ruhigen Musik. 


Mark Hollis: Ich wollte drei Areale der Musik einbeziehen, das klassische Feld, den Jazz, und eine Art von Folk. Ich stellte mir ein kleines Kammerensemble vor, oder eine Folkgruppe. Welche dort gebräuchlichen Instrumente könnte ich da hernehmen? Ich wollte, mit Blick auf die Farbenskala, mit etwa fünfzehn, zwanzig Instrumenten arbeiten. Zugleich wollte ich immer nur eine kleine Anzahl von Instrumenten einsetzen. Stets eine sehr begrenzte Gruppe von Tönen, bei Wahrung der Vielfalt. So hast du die Möglichkeit, in diese drei Areale hineinzutreiben, und wieder hinaus. Für einen Augenblick scheinst du dich inmitten eines klassischen Ensembles zu befinden. In der nächsten Minuten bewegst du dich durch eine jazznahe Stimmung. Diese Vorstellungen bestimmen die Auswahl der Musiker, beispielsweise die Holzbläser. Der Klarinettist musste für micn ein Jazzmusiker sein mit einem ausgeprägten Verständnis fürs Klassische, und beim Oboisten war es umgekehrt. Laurence Pendress spielt das Piano und das Harmonium, er hat einen wichtigen Anteil an der Wirkung des Albums, er ist einer der wenigen, die mühelos durch die drei Zonen gleiten können. Seine  Art, sich den Klängen zu nähern, war so unglaublich zurückgenommen, du konntest fast nicht den Anschlag hören. Ihn zu finden, war ein Glücksfall, er ist der Musiklehrer meiner Kinder in der Schule.


Michael: Ich finde es faszinierend, wie die Holzbläser an einigen Stellen auftauchen, sich entfalten, und wieder verschwinden. Wie ich las, ist die Musik weitgehend auskomponiert, allein das Trompetensolo auf dem Anti-Heroin-Song „The Watershed“, und der Harmonika-Part auf der „bridge“ von „The Daily Planet“ waren nicht im Vorfeld geschrieben. 


Mark Hollis: Du weisst, wie  bedeutend für mich die Alben „Sketches of Spain“ und „Porgy and Bess“ von Miles und Gil Evans sind, über zwanzig Jahre hat die Verbindug zu diesen zwei Schallplatten schon gehalten. Ihre besondere Stärke ist die Balance zwischen sehr sorgfältig gestalteten Arrangements, und der sehr offenen, freien Ausführung. Bei „Laughing Stock“ und „Spirit of Eden“ jatten wir eine ähnliche Haltung. Nur dass damals nichts im Vorfeld arrangiert  wurde – es war alles frei improvisiert, bis wir in der zweiten Phase die Musik aus stundenlangem Material montierten und destillierten. Für dieses Album ist zwar nahezu alles im Vorhinein notiert worden, aber in der Interpretation wirklich offen.


Michael: Das Lied „A Life (1895-1915) erzählt vom kurzen Dasein eines Menschen,  dem erst grosser Fortschrittsglaube begegnet, dann unheilvoller Nationalismus, bis der Erste Weltkrieg sein Leben auslöscht. Und da  taucht auf einmal ein ätherischer weiblicher Chor auf.


Mark Hollis: Als ich die Musik für diesen Chor schrieb, wollte ich eine Tradition ländlicher Folklore aufgreifen. Eine elementare Struktur, ein Lied der Leute, und doch nahezu ein Mantra, in der Art, wie sich die Verse im Kreis drehen. Eine Melodie, die durchaus freudvoll vorgetragen werden könnte, wird hier zu einem Chor von Menschen, die an einem Grab stehen, ein leiser, murmelnder Klagegesang.


Michael: Und auch wenn hier viel Geschichte anklingt, die Kompositiomen lassen sich nie als rein „politische“ oder „historische“ Lieder fassen. Keine lineare Story, keine eingängigen Refrains. Es dreht sich stets um die tieferen Schichten von Leiden, von Schmerz. Nur das Wort, das schon im Gesang zerfällt, scheint  gültig zu bleiben.  Man ahnt den emotionalen Kern, auch wenn die Worte  nur bruchstückhaft bewusst werden. Wie etwa auf „Westward Bound“…


Mark Hollis: “Westward Bound“ begann mit der Idee, einen Song in der Tradition von Johnny  Cash zu schreiben, aber ihn dann in einer Weise zu realisieren, der für die Denkweise von Country & Western völlig fremdartig ist. Nur von der Basismelodie und der Intrumentierung her könnte er sich in das Genre einfügen. Das Lied ist angesiedelt zur Zeit der amerikanischen Depression. Ein Mann und eine Frau, sie erwartet ein Baby, die wirtschaftliche Lage ist deprimierend. Zwei Dinge gehen gleichzeitig durch seinen Kopf, die Freude über die bevorstehende Geburt, und der extreme ökonomische Druck. Auf das Singen übertragen heisst das: er hat dieses Leid in seinem Kopf, möchte aber auf keinen Fall seine Frau damit belasten, und verstummt innerlich. Der Druck ist aber so gross, dass er über die Lippen kommt. Der Mann versucht, dass die Stimme nur Denken ist, kein Gesang.



Mark Hollis sitzt gerne in einem stillen Raum.


Ich schaue mir das Bild auf dem Cover an. 


Mark Hollis: In Sizilien gibt es viele Osterprozessionen. Zu diesem Anlass fertigt man Gebäck an, welches das Lamm Gottes darstellen soll. Der Fotograf hat dieses Bild gemacht, weil die Augen auf diesem Teilchen so vollkommen jenseitig wirken, als stammte das Geschöpf von einem anderen Planeten. Der Glitzerschmuck auf der Stirn erschien mir  wie ein Symbol für das Strömen von Ideen.




Das Strömen von Ideen in kleinen, unendlichen Räumen.




Das ist das Paradoxe, die Lieder umkreisen Verlöschen, Versagen, Verschwinden, treiben die Töne an den Rändern des Nichts entlang. Und doch ist jeder sich bildende Klang noch Hoffnung, noch Schönheit, noch Bewegung. Als ich immer mehr in den Sog dieser Lieder geriet, fiel mir eim Gedichtband in die Hände, wie ein fernes Echo dieser Lieder, „Dreizehnte Vertikale Poesie“, von Roberto Juarroz. Ein Gedicht darin lautet so: „In jede Lücke ein Bild legen: / ein Flügel, aufgelöst in Licht, / oder eine Stille, umgeben vom einem Blitz. / / Und wenn man bei der letzten Lücke ankommt, / es für alle Fälle leer lassen. / Es könnte das schönste Bild sein.“ 

Was Michael Pollan mir sympathisch macht, neben anderen Dingen, ist seine mentale Annäherung an die vier, fünf psychedelischen Reisen, von dener er in seinem Buch berichtet. Er bringt Neugier, aber auch Skepsis mit, und die Nächte vor seinen Drogenreisen sind schlaflos. Grosse Ängste plagen ihn, ob er nicht eine Herzattacke erleiden und elendig verenden könnte, in der Abgeschiedenheit mancher Hütte, in der er, von einem Psychonauten seines nicht gänzlich voll ausgeprägten Vertrauens, LSD erhalten würde. 

Einen grossen Bogen macht er um um MDMA herum, weil diese Droge tatsächlich auch durch das Herz-Kreislaufsystem geschleust wird. Dass ein Mensch mit solch ausgeprägter Vorsicht sich dann auf holotropes Atmen einlässt, ließ mich schmunzeln, denn diese Technik impliziert Hyperventilationen der heftigeren Sorte, was einem nervösen Herzen schon einiges Herzstolpern, sprich, Extrasystolen, bescheren kann. Zudem katapultierte ihn diese Methode des Atmens  in eine andere Welt, in welcher er auf einem wilden Pferd durch unbekannte Räume gallopierte, eine beträchtliche Pulsbeschleunigung ist da danz naheliegend. (Als ich vor zehn Jahren einen Dreh finden wollte, für einen gordischen Knoten, bekam ich die Möglichkeit, mit der Begleitung erfahrener Psychonauten, eine „Reise“ anzutreten, aber aufgrund meines Unwissens und daraus resultierender Ängstlichkeit lehnte ich ab, was mir heute nicht mehr passieren würde.)



Als ich vor einem knappen Jahr bei einem 91-jährigen peruanischen Schamanen im tiefen Sauerland aus einem grossen Kelch mit etlichen anderen Teilnehmern „die kleine Schwester von Ayahuasca“ schlürfte, die keinerlei Halluzinationen produziert, aber schon einen sehr interessanten Zustand eröffnet, wurde ich von einer betörenden Klarheit des Bewusstseins ergriffen. Ich fühlte mich wie ein Psychotherapeut, der auf der Höhe seiner Fähigkeiten agieren könnte. In diesen zwei Tagen hatte ich fesselnde Gespräche, die Hanseatin auf dem Foto etwa erzählte mir von ihren Reisen in den peruanischen Dschungel, von profunden Heilungsprozessen, und neuen Formen der Darmsanierung. Während um mich herum, reihenweise, eingehüllt in Nebelschwaden reinen Dschungeltabaks, bei schamanistischen Tiefenbindegewebsmassagen, wohl ein Mix aus „Rolfing“ und alten Heilertechniken aus Peru, tiefe Traumen aufbrachen, und zahlreiche Menschen gleichzeitig schrien, weinten, stöhnten, machte ich leise Konversation mit meinen neben mir sitzenden Gefährten, die auch bald schreien und weinen würden. So liebevoll ich es nur vermochte, kümmerte ich mich um sie, sprach ihnen Mut zu, und als ich selbst massiert wurde, erlebte ich die Session als unendlich angenehm. (Seine Erfahrung mit Ayahuasca schildert Michael Pollan gegen Ende des Buches.) 

Kein Trauma, kein Schmerz, aber ich hatte die Rechnung ohne die Hexe gemacht, die, am Nachmittag vor dieser langen Nacht, plötzlich auf ihrem Weg zurück anhielt, nachdem sie ihre gesammelten, unfreiwillig absurd wirkenden, Wirrungen dem Peruaner geklagt hatte, und zwar ellenlang, ohne Punkt und Komma, und wohl aus der Ferne ein unterdrücktes Lachen aus meiner Ecke vernommen hatte (die Schweizerin hatte mir ins Ohr geflüstert: „zehn Minuten kalt duschen kann auch helfen!“) – wenn es den bösen Blick gibt, dann traf er mich da und unvermittelt. Ein grosser Fehler, ich wendete meinen Blick ab, statt dem ihren standzuhalten, aufzustehen, und sie zu konfrontieren. In den Wochen danach machten sich seltsame Krankheitssymptome bemerkbar, und ich scheue mich nicht, von dieser unglaublichen Begebenheit zu erzählen. Und einer Spur von Parapsychologie Raum zu geben. Ich hörte von sehr rationalen Zeitgenossen, die von ähnlichen Erfahrungen berichteten. Ein  Mistelzweig wurde über den Türeingang gehängt. Sollte ich sie in diesem Jahr wiedersehen, beim Peruaner, werde ich, weil ich durchaus bedacht sein kann, ihr nicht meine Faust ins Gesicht rammen, sondern sie freundlich, aber unnachgiebig, zur Rede stellen. Und herausfinden, ob ich Opfer einer Einbildung oder eines gezielten Angriffs aus der westlichen Voodookiste wurde. (Um Missverständnissen vorzubeugen, ich schlage niemals Frauen, aber bei Hexen, die mir Böses wollen, könnte ich schon mal eine Ausnahme machen.)

Aber ich schweife ab. Und, wie es aussieht, muss die Geschichte von dem Pilzforscher auf dem Baum noch einmal verschoben werden. Kurz vor Ende der langen Nacht war jeder angehalten, mit dem angemieteten Bus oder Taxi zu fahren, wegen des drastisch veränderten Bewusstseinszustandes. Da mein Geist aber vollkommen klar war, und der böse Blick noch weit davon entfernt, seine Wirkung zu tun, setzte ich mich ans Steuer meines Toyota und brauste durch die späte Nacht, die noch keine Dämmerung bereithielt. Ich fuhr in einen Feldweg hinein und entdeckte einen Fuchs am Wegesrand, der keine Anstalten machte, die Flucht zu ergreifen. Er zeigte keinerlei motorische Unruhe, und ich vermutete keine Tollwutgefahr. Als ich ausstieg, näherte ich mich langsam, und er schaute zu mir auf. Ich setzte mich wenige  Meter von ihm entfernt ins Gras, und wir verbrachten eine herrliche Stille miteinander, während der wir uns immer wieder direkt anschauten, er bevorzugt mit schiefgelegtem Kopf. 

Ein tiefer Friede erfüllte mich. Dann begann der Fuchs zu reden: „Ich glaube, es wartet dein Freund, der Steuner, auf dich. Der, den du auf Lanzarote gefüttert hast.“ ich gab ihm recht, und nahm mir  vor, bald ein Flugticket nach Arrecife zu besorgen.  Ich fragte den Fuchs, ob er eine Lieblingsmusik habe. Der Fuchs antwortete, der spanische Streuner würde am liebsten Flamenogitarren hören, bekäme sie aber nur selten, aus den Autos von Touristen, in Fetzen und Fragmenten, mit, immerhin genug, um ein paar Flamencoschritte auf dem trockenen Gras zu imitieren. Besonders liebe er das Gitarrenspiel von Niño Miguel. Als  ich ihm versicherte, ich würde dem Streuner,  neben gutem Futter, auch jede Menge Flamenco zukommen lassen, fragte ich nochmal, was er denn so, als Fuchs, gerne hören würde aus der Menschenwelt. Und seine Antwort verblüffte mich: „Pink Moon von Nick Drake“, das waren seine Worte, und dann sang er noch ein paar Zeilen aus dem Lied „Place To Be“, in bestem Fuchsenglisch. Tränen der Rührung liefen aus meinen Augen.

Die Psychonauten sind eine besondere Spezies, und wenige von ihnen waren so exzentrisch wie es all die Geschichten aus der alten Zeit, von Ken Kesey bis Timothy Leary, vermuten lassen. Geradezu nüchterne Wissenschaftler, teilweise Angestellte der Regierung in Forschungsprogrammen, erlebten die aufkommende Gegenkultur der „beatniks“ und „hippies“ eher mit Skepsis, hielten die traditionellen Werte für bedroht – und erlebten, was historisch belegt ist, eine Offenbarung nach der andern, als sie erstmals LSD oder einen „magic mushroom“ zu sich nahmen. Ihre Sicht der Dinge geriet ins Wanken und verwandelte sich, und wir reden hier nicht von Kreativmenschen, die Drogen gerne en passant als Horizont erweiternd erlebten.

Ganz schlicht berichteten manche dieser frühen Psychonauten (die sich zu Beginn nie im Leben so genannt hätten) über Erfahrungen von Transzendenz und Gott, von universellem Einssein, und sie hatten kein Seminar bei einem fernöstlichen Guru besucht, oder zuviel Ragamusik gehört. Damals, vor der grossmäuligen Propaganda Learys, war LSD legal und verfügbar, und eine der schillernsten Figuren jener Ära, Al Hubbard, Politiker, Heiler, Geheimagent, Forscher, und was weiss der Kuckuck noch alles, hatte aus Zürich eine unfassbare Menge LSD erhalten, mit der er quer durch die Lande zog, um anderen Forschern und Heilsuchenden, mit geleiteten Sitzungen, neue Welten zu erschliessen. HBO sollte aus dem Leben dieses Mannes eine grosse Serie machen, und Herrn Leary mal links liegen lassen.

Von früh an an war klar, dass man für eine LSD- und Pilzreise einen geschützten Rahmen braucht. Und dass die erschütternden oder seligmachenden Erfahrungen unbedingt im Gespräch, im Austausch mit einem erfahrenen Therapeuten oder Psychonauten, verarbeitet werden sollten. Essentiell ist auch die Einstimmung: dem Probanden wird ein Set an Regeln an sie Hand gegeben, dass er, je nach Notwendigkeit während seines Trips aktivieren sollte, Dinge wie: „du kannst nicht sterben“ / „spreche mit den Gestalten, die dir Angst einflössen“ / „vermeide jede Panik, atme ruhig“.  Ein Teil der Leser dieser Zeilen wird an dieser Stelle genug haben, und froh sein, dass die einzige Droge in seinem / ihrem Leben Kaffee oder grüner Tee ist, oder ein Viertel Rotwein am Abend. Tatsächlich offenbaren die Reisen erstklassiges Material, um eigene Konflikte zu entschlüsseln, chronische Muster aufzulösen, lang überfällige Versöhnungen einzuleiten, tiefitzende Ängste zu überwinden. Wenn es gut läuft. Stanislav Grov etwa wusste, dass der verantwortungsbewusste Umgang mit LSD die Behandlungszeit einer klassischen Psychoanalyse drastisch verkürzen konnte. Aber wer ausser einen Handvoll Heilern und Psychotherapeuten konnte diese neuen Potentiale schon klug einsetzen? Wer sich überschätzte und als Einzelperson auf Expedition ging, fand sich rasch auf einem Horrortrip wieder. Wie gesagt, es geht hier nicht allein um Heilung und Therapie, es geht auch für den gesunden „Normalneurotiker“ und die  Zeitgenossen, die sich einfach rundum wohlfühlen in ihrer Haut und ihrem Leben, um die Kunst, die eigene Welt zu bereichern. Immens zu bereichern.



In seinem Buch zur Psychedelika-Forschung geht Michael Pollan in keinem Moment ein auf die Welt der Klarträume, der luziden Träume, warum sollte er auch? Das ist nun mein liebstes Terrain der Traumforschung, und ich kann Ihnen versichern, dass die regelmässige und klug eingesetzte Technik, im Traum das  Bewusstsein „anzuknipsen“, und zu erkennen, dass man träumt, nicht minder weitreichende Erfahrungen ermöglichen kann, was Therapie, Selbstentwicklung, Aha-Erlebnisse und alltagsrelevante philosophische Erkenntnisse etc. angeht. Pures Abenteuer, auch das!

Man kann im luziden Traum die surrealsten Erscheinungen und Erlebnisse viel besser lenken, wie gesagt, bei vollem Bewusstsein, dass man sich im Traumzustand befindet, und auch hier empfiehlt es sich, einen Begleiter an der Seite zu haben, der einem die Praxis der Klarträume lehrt, Verhaltensregeln für die Traumreisen ausspricht, und die Erfahrungen im nachinein mit aufarbeitet.

Neulich fragte mich ein Freund, wozu denn luzide Träume gut seien. Wer einmal durch eine fremde Stadt geht, aus der Ferne dunpfe Beats hört, ihnen folgt, bis er, an der Kasse vorbei, einen riesigen Raum voller Menschen betritt, und vorne Wayne Coyne und The Flaming Lips erlebt – und dann plötzlich merkt, dass er in einem Traum ist – wird diese Frage nicht mehr stellen.

Und alle kleinen Tricks anwenden, damit dieses Konzert noch länger dauert. Als der Träumer dieses Klartraums dann innig wünschte, Wayne Coyne würde mal wieder den berühmten Bowie-Song zum Besten geben, schossen dem Träumenden alsbald ganz reale Tränen des Glücks durch die (Traum-)Augen, er schwebte über die Bühne, Minuten lang, und landete sanft in der Nähe des Mischpults. Von hinten legten sich zwei Hände auf seine Schultern, und sein Herz klopfte, als er sich umdrehte. Ich hatte für diesen luziden Traum keinen Auftrag, ich entschied spontan, es war ja nur einer aus der Abteilung „fun & adventure“ – und doch war die Erfahrung überwältigend. Ich hätte aber jederzeit auch die Szenerie verwandeln können – das ist viel leichter als bei einer von Psychedelika induzierten Erfahrung. Bald wird hier zu lesen sein, wie es dem Pilzforscher erging, als er auf einen Baum kletterte.





Thomas Yuschak – Advanced Lucid Dreaming – The Power of Supplements (für Fortgeschrittene)

Dylan Tucillo, Jared Zeizel, Thomas Peisel – Klarträumen (für Anfänger)

Clare R. Johnson: Llewelyn‘s Complete Book of Lucid Dreaming – A comprehensive guide to promote creativity, overcome sleep disturbances & enhance health and wellness (für Anfänger und Fortgeschrittene)


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