Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

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1) Brian Eno: Foreverandevernomore
2) Weyes Blood: And In The Darkness, Hearts Aglow
3) Lambchop: The Bible
4) Father John Misty: Chloé And The Next Twentieth Century
5)  The Smile: A Light For Attracting Attention
6) Alabaster dePlume: Gold
7) Oded Tzur: Isabela
8) Bill Callahan: YTILAER
9) Daniel Lanois: Player, Piano
10) Evgueni Galperine: The Theory of Becoming    
11) Moor Mother: Jazz Codes
12) Midori Takada: Cutting Branches For A Temporary Shelter *
13) Keith Jarrett: Bordeaux Concert
14) Avishai Cohen: Naked Truth
15) Jon Balke / Siwan: Hafla

16) Wolfert Brederode: Ruins And Remains
17) David Virelles: Nuna
18) Dai Fujikura & Jan Bang: The Bow Maker    

19) Roger Eno: The Turning Light
20) Horace Andy: Midnight Rocker
21) The Unthanks: Sorrows Away 

22) Big Thief: Dragon New Warm Mountan I Believe In You
23) Makaya McCraven: In These Times
24) Toechter: Zephyr
25) Geir Sundstol: The Studio Intim Sessions Vol. 1 

 

* A propos Midori Takada. Old story, new twist: Maybe half a dozen times I played „Cutting Branches For A Temporary Shelter“ by the Penguin Cafe Orchestra in my radio nights running three decades, and only now found out (what has been half-conscious vagueness first place) that it was the irresistible adaptation of an African template.

With the old mbira and other shiny sounds it is now  brought to new life, on the first new work by Midori Takada in decades. Very early she discovered the multiverse of a single drum, and like Cage, she had no doubts imagining that a single perfect note on a shakuhachi could exude more magic than some of the high-flying, form-obsessed Western orchestral music of past centuries. The spellbinding art of elementary textures.

Funny, at the beginning, alone with a streaming device, I thought it would just consist of one long piece. But there are in fact two long pieces. Perfect  for vinyl. We are seduced by a female magician leading us deeper and deeper into an ancient African folk tune. „Cutting Branches For A Temporary Shelter“ is such a terrific perfomance that starts with strangeness and moves forward to the dance of life that life can be. (m.e.)

 

With our monthly recommendations for December we‘re mildly obsessed with that ominous number 50, with sound and vision from those days half a century ago. Even Weyes Blood, my new number two of 2022,  offers (besides other horizons) an aura that brings Laurel Canyon folk vibes from 1972 to new life, though being hard and tough in facing the dark times we‘re living in. And no doubt, Bob Dylan probably stumbles on a song from 50 years ago, too, in his new book – blurring time lines even more.

 

 

I remember a 2014 review of my old Kristiansand companion John Kelman on a thrilling album that had once been circling around as a bootleg before getting its wonderful remix and  remaster as an official ECM release. Seeing Paul Motion in action these days on our blog, looking for some of his great old albums, or listening to the  new, multi-layered homage of Joe Lovano and Jakob Bro, is definitely a way of zig-zaging between time lines. Obviously you have to make choices. Here‘s another one. It has been warm and rainy in Hamburg on June 14, 1972. 50 years ago today, roundabout. Here he is, John Kelman, just an excerpt.

„Culled from an NDR Jazz Workshop radio recording,, Hamburg ’72 is as important for Eicher and Norwegian engineer Jan Erik Kongshaug’s superb remix from the original multitracks as it is for the exceptional music itself. Motian’s dark ride cymbal positively sizzles on the opening „Rainbow“ which gradually evolves from Jarrett’s spare and lyrical a cappella introduction into a more powerful improvisational vehicle for the entire trio, demonstrating both a chemistry built over the course of five years as well as the unassailable magic of this particular evening. (…) In fact, Hamburg ’72 is a true milestone from the first of its 56 minutes to the last—a classic once lost, but now found again and sounding better than ever.“

 

 

Was verbindet „Low“, „Marquee Moon“, „The Survivors‘ Suite“, „Transeuropa Express“, „Running On Empty“, „Before And After Science“, „Aja“, „Exodus“ und „Heart Of The Congos“? Nun, diese Alben aus dem Jahr 1977  sind mit der Zeit allesamt „Klassiker“ geworden. Aber wenn man das Bedeutende nicht nur am lauten Presseecho des Zeitgeistes festmacht (und kanonisch orientierten Rückblicken) sondern offen ist für die Ränder, die „far out areas“ der „Zeitgenössischen Musik“ (dieser Begriff verdient einen „Linksruck“, raus aus dem Elitären!), zählen diese beiden Klassealben von Cluster & Eno sowie Brötzmann & Bennink gewiss zu den aussergewöhnlichen Schallplatten jenes Jahres einfach dazu.

Und, wie trefflich, beide Werke öffnen sich für Naturklänge als Inspirationsquelle – die beiden Cover mit den Mikrofonen in der Landschaft sprechen Bände. Die Schubladen, wenn wir sie denn öffnen wollen: Free Jazz und Ambient Music. Aber keines dieser Werke folgte einem Formular, oder den Gesetzen eines Genres: diese „Landschaftsmusiker“ folgten den Geschenken des Augemblicks, liessen sich treiben, drifteten seitwärts, drifteten horizontal, und schufen zwei Alben (für Sky Records und FMP), die ein Fest für offene Ohren sind. Und, um in den Bildern zu bleiben: man sollte die Ohren bei Lauschen so weit aufsperren wie Scheunentore.

Brian Eno tauchte in eine Luftblase, in den sechs Wochen, die er in Forst im Weserbergland erlebte. Pures Hinterland. Brian, das Duo von Cluster, und Michael Rother lebten in einem Bauernhof. „Die Weser war dort ein schneller, fast rasender Fluß. Mir kam er vor wie ein Bild für die ungeheuer schnell verrinnende Zeit. Demgegenüber wirkte das Leben in dem alten Haus noch ruhiger!“ So erzählte es mir Brian Eno vor Jahren, und auch von dem Kunststück, wie aus fast nichts doch noch etwas, und zwar etwas Besonderes, wurde. Die Musik bekam, wenig später, in Conny Plancks Studio nahe Köln zusätzlichen Feinschliff.

“In the spring of 1977, two musicians – Han Bennink and Peter Brötzmann – disappeared into the depths of a German deity named Dark Forest…” So beginnt  David Keenans Text, welcher der herausragenden Foto-Buch-Cd-Edition aus dem Hause Trost Records beiliegt. Naturklanginspiratiomen verbindet man normalerweise eher nocht mit dem einstigen Berliner hard core-Label FMP für freien Jazz (Stichwort „Machine Gun“). Und so wurde diese Reise, die, wie mir Karl Lippegaus erzählte, von seinem ersten Redakteur beim SWF, von Achim Hebgen, auf den Weg gebracht wurde, zu einem Abenteuertrip in den Schwarzwald. Die Edition von Trost umfasst 1000 Exemplare, danach verwandelt sich dieses kleine Gesamtkunstwerk in ein Sammlerstück.

Sollten wenigstens noch gut hundert Exemplare übrig sein, wenn ich am 12. Januar 2023, „meine“ Ausgabe des JazzFacts-Magazins im Deutschlandfunk produziere, werde ich die „Schwarzwaldfahrt“ noch etwas detaillierter vorstellen. Und erklingen lassen. Aber, wie bei allen Abenteuern, sollte man zuvor nicht zuviel verraten. Karl stellt in der Sendung übrigens (das passt doch) eine neue Biografie über das Leben und den Tod von Albert Ayler vor. Es wird, auch das eine Parallele zu diesem beiden „Klassikern der besonderen Art“ 55 Minuten lang, abends um 21.05 Uhr, eine Art „sound trip“ angboten, die den Zuhörer von den meditativen Klängen des Drummers und Komponisten Sebastian Rochford über das archaische Duo der Schwarzwaldfahrer, bis hin zu den Exstasen eines amerikanischen Free Jazz-Pioniers entführt, der im Hudson River zu Tode kam. Safe Journey!

 

 
 

Damals in Unna, 1973 (oder war es schon 1974), sah ich (mit Ulrike U. und „Marokko“ an meiner Seite) in einer Musik-Aula mein erstes Konzert einer ECM-Band, das Gary Burton Quartet mit Mick Goodrick an der Gitarre. Die dazu gehörige Platte: „The New Quartet“. In jenen Siebziger Jahren (einem der aufregendsten Musikjahrzehnte aller Zeiten, da konnte selbst Perotin im 12. Jahrhundert nicht mithalten), gewiss seit Jan Garbareks „Sart“, ein Jäger nahezu jeder Neuerscheinung des Labels, das seine erste langjährige Geschäftsstelle (und ein Plattengeschäft) in der Gleichmannstrasse 10 in Pasing hatte (daher auch der Titel des abgebildeten Albums), war das natürlich ein besonderes Erlebnis: die flirrende Musik des Vibraphonisten live zu erleben, und diesen ganz und gar verblüffenden Gitarristen an seiner Seite, der sich nie anstrengen musste, Burtons Tonkaskaden spannende Texturen an die Seite zu stellen, die so geschichtsbewusst wie modern daherkamen. Man höre sich nur die fabelhafte Session von „In Pas(s)ing“ an, aus dem Jahre 1978, mit John Surman, Eddie Gomez, und Jack DeJohnette.  Mick Goodrick lebte von 1945 bis 2022. Übrigens, sie spielten in Unna eines meiner Lieblingsstücke von Carla Bley: „Olhos de Gato“. Es sind zuweilen die kleine Dinge, die man nie vergisst.

 

cannot say how much i love the EXPOSURES boxset by Mr. Fripp circling the years between 1977 and 1983. Frippertronics, Exposure in four editions, Surround, Stereo, and, well well well, God Save The Queen / Under Heavy Manners in toto, with never released tracks is one of the best surround experiences I ever had. Don‘t hesitate to enter Fripp‘s world on our blogroll.

And, in regards to my number two: Steve Tibbetts‘ oeuvre is criminally undersung. For its openness to distant horizons, its exploration of studio technology’s imaginative potential, its instrumental facility and sheer beauty, Tibbetts‘ music deserves much wider recognition. That said, no guitarist got more airplay on my Klanghorizonte nights between 1990 and 2021.

 

 

 

And, well, well, I imagine a listener who is adventurous and never before has encountered the music of Meredith Monk. Shangrila might be waiting for him. For this unknown reader I put Meredith‘s ECM box on Number 3. I never stopped returning (from time to time) to albums like Do You Be, Dolmen Music, Book Of Days and and and. Lifers!  Here‘s something about Meredith, Ingo‘s film.

 

Nothing is complete. Life a history of holes anyways. Thank you, and dance.

 

  1. Robert Fripp: Exposures Boxset
  2. Steve Tibbetts: Hellbound Train
  3. Meredith Monk: The Recordings
  4. Grounation: The Mystic Revelation of Rastafari
  5. Julie Tippetts: Sunset Glow
  6. Neil Young & Crazy Horse: Toast
  7. The Beatles: Revolver (2-cd-set)
  8. Kevin Rowland’s Dexy Midnight Runners: Too Rye Ay*
  9. Brötzmann & Bennink: Schwarzwaldfahrt**
  10. XTC: Mummer (vinyl edition, 2022)
  11. Sun Ra: The Futuristic Sounds Of Sun Ra 
  12. Branko Mataja: Over Fields And Mountains***
  13. Jonathan Richman: Modern Lovers 88
  14. Alva Noto & Ryuichi Sakamoto: Insen
  15. Various: United Dreadlocks Vol. 1 & 2
  16. Beverley‘s Rocksteady: In A Rocking Mood (1966-1968)
  17. Norma  Tanega: I‘m In The Sky****
  18. Albert Ayler: The 1970 Fondations Maeght Recordings
  19. David Blue: Stories
  20. Mavis Staples & Levon Helm: Carry Me Home

 

 

* „Let’s make this precious! Having twice before revisited Don’t Stand Me Down, Kevin Rowland now presided over a “director’s cut” of Dexys’ 1982 opus. Rowland’s plan, it transpired, was to reframe specific moments – backing vocals brought down an octave, a female speaking role replaced by Rowland, a trombone instead of a pennywhistle – as well as a general clean-up that added warmth and intimacy to their creator’s Celtic soul vision.“ (Uncut)

** a classic of FMP Records in the 70‘s, now wonderfully put together again, from the Viennese label for free music, TROST RECIRDS: the music, a book with a lot of unseen photos from that legendary trip to the Black Forest, and an insightful essay by David Keenan. i will probably celebrate this re-discovery and extended edition in my JazzFacts Magazine on January 12, 2023.

*** „Born in 1923, this Yugoslavian guitarist and luthier ended up in Hollywood, where he built guitars and recorded his own versions of the folk songs of his childhood land, unheralded as an artist in his lifetime. This first compilation of his wildly inventive work, however, revealed it to be strikingly ahead of its time, with the likes of “Duboko Je More” delaydrenched instrumentals that deserve to stand alongside the work of Eno, Lee Perry and Vini Reilly.“ (Uncut, thx for letting me discover this! – Steve T., you should listen to this one😉 – the last comparison is slightly over the top, but fascinating it definitely is. m.e.)

**** It’s been rewarding to observe, over the past half decade, blossoming interest in the songs and life of Norma Tanega. Her body of work was slight – two solo albums, plus a third, unreleased – but as this anthology confirmed, there was a lot there: an elliptical writer, with songs that mosey and meander, her tenderness and grasp of melody was nonetheless effortless. (Uncut quote  again, and every word is true)

 

 


Man begegnet gemeinhin keinen Wahlverwandten bei La Becasse, aber heute hatte ich Glück: Bob Dylan wich mir nicht von der Seite. Er kaute mir ein Ohr ab mit Bing Crosbys „Whiffenpoof Song“ von 1947, wunderbar. Und da sie dort keine Hintergrundmusik laufen lassen, hatte ich meinen unbekannten Evergreen des Tages gefunden.

 

Wirklich der beste Weg, „Die Philosophie des modernen Songs“, diesen mitreissenden Schinken von Herrn Dylan zu lesen, ist es, zwischen den 66, von ausgelassenen Bewusstseinsströmen durchtanzten, Kapiteln und den jeweiligen Songs hin- und herzupendeln. Das kiloschwere, schelmisch daherkommende und  wunderlich durchtriebene Buch ist ein Schmöker, den ich höchstens für die Länge eines alten Liedes aus den Händen legen möchte. 

Wenn die Leute über Bob Dylans „Wiedergeburtszeit“ sprechen, können sie den Punkt verfehlen. Wenn es eine entscheidende spirituelle Wiedergeburt gab, dann geschah sie nicht in den späten 1970er Jahren, sondern zwei Jahrzehnte früher, als der Junge aus Hibbing mit dem Kopf voller Hank Williams und Little Richard schwor, sich dem Gesang zu widmen. Es wurde zu einer nicht enden wollenden Taufe; er tauchte in diesen Fluss ein und kam nie wieder heraus, sondern schwamm immer tiefer.

In einem Gespräch mit Newsweek zur Zeit von „Time Out Of Mind“ – neben Harold Budds „By The Dawn‘s Early Light“ mein anderes Album für zwei Wochen, in Portsmouth erstanden am Tag des Erscheinens, auf einer Wanderung über den Coastal Path von Cornwall im Jahre der Dame 1997 –  sagte Dylan unmissverständlich: „Die Sache mit mir und dem Religiösen ist die: Ich finde die Religiosität und Philosophie in der Musik. Ich finde sie nirgendwo anders.“ Er wiederholte dies gegenüber der New York Times: „Diese alten Lieder sind mein Lexikon und mein Gebetbuch… Man kann meine ganze Philosophie in diesen alten Liedern finden.

Welche Religion, welche Philosophie ist das? Die Antwort findet sich auf den rund 300 Seiten seiner außergewöhnlichen Neuerscheinung The Philosophy Of Modern Song. Aber lassen wir den Trick der meisten Rezensionen dieses Tollhauses von einem Buch, ausgibig One-Liner und Sentenzen zu zitieren, und schauen uns kurz die hochglänzenden Oberflächen an.

Das physische Buch ist nämlich das wichtigste Artefakt. Die reichhaltigen Illustrationen, die von Coco Shinomiya gestaltet wurden, bauen eine Welt um Dylans Worte herum auf und bewahren gleichzeitig deren Geheimnisse. Keines der Bilder ist beschriftet. Man erkennt Sam Cooke, der Gene Vincent umarmt, oder auch nicht. Man nimmt das Telefonat von Julie London auf, oder auch nicht. Die Figur, die man am häufigsten sieht, ist jedoch Bob Dylan selbst, der wie ein Spiegelbild in einem zerbrochenen Spiegelsaal zwischen den Seiten hindurchgleitet. „Wie bei vielen Männern, die sich neu erfinden, werden die Details an manchen Stellen etwas fragwürdig„, schreibt er über den „ukrainischen Juden namens Nuta Kotlyarenko“.

Ernst, spielerisch, einfühlsam, unverschämt, verstörend, urkomisch und verschlagen, unflätig und engelsgleich, durchdrungen von Blut und lüsternen Gedanken, ist es weniger Musikwissenschaft als ein gnostisches Evangelium mit einer literarischen Stepptanzroutine darin. Es ist eine Kirche, die auf einem Rummelplatz gebaut wurde. 

Es gibt auch das Hörbuch in der Originalsprache. Die nächtliche Großstadtatmosphäre ist eine Weiterentwicklung von Dylans „Theme Time Radio Hour“-Show. Dylan wird von Sprechern wie Jeff Bridges, John Goodman und Steve Buscemi aus „Big Lebowski“ sowie von Größen wie Rita Moreno und Sissy Spacek gesprochen. Ein Theater der Stimmen – aber das Bilderbuch ist unersetzbar. Grosses Kompliment für den C.H. Beck-Verlag und die Übersetzung von Conny Lösch, die Sprachfluss und Genauigkeit bestens kombiniert! 

 

(geschrieben von Damien Love und Michael Engelbrecht, „truffle“-live remix by M.E.)

2022 16 Nov

Crimson at 50

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„Es handelt sich weniger um eine Geschichte des Avant-Prog-Haudegens als vielmehr um eine Darstellung der erweiterten Band von King Crimsons in ihren letzten Jahren, mit Porträts der wichtigsten Akteure im Laufe der Zeit. Es geht auch um das Geheimnis von Robert Fripp und seine unerbittliche Hingabe an Disziplin und Technik. Es ist ironisch und aufschlussreich, nicht zuletzt, wenn es um die Fans geht.“

 

Soweit Uncut vom Januar 2023, und jetzt ich: bei allem vornehmlich britischen Humor („sophisticated til black“) zeigt sich hinter mancher Fassade des Unerbittlichen und Sarkastischen auch eine sanfte Seite des Bandleaders, neben der durchaus zu erwartenden Verletzlichkeit.

Zum Ende des Dokumentarfilms (danke, Ingo!)  von Toby Amies, die nun in Kürze als Doppel-Bluray-Dvd (Stereo und Surround, englisch ohne Untertitel) vorliegt, gibt es Passagen, die wahlweise erschütternd, tief philosophisch, sehr, sehr privat sind (bei vollem Schutz der Integrität der Protagonisten).

Für jeden, dem die Musik dieser um den Planeten Fripp kreisenden Band in der einen oder andere Verkörperung von King Crimson sehr, sehr naheging, einfach „nur“ bereichernd war, existenziell, oder lebensbegleitend, ist diese Dokumentation ein tiefer Einblick in manche Betriebsgeheimnisse einer Band, der mit viel Chaos, Konflikten, Verletzungen (aber auch Versöhnungen) einherging – eine ganz und gar aussergewöhnliche Veranstaltung, bei der es wohl nur selten beim einmaligen Sehen bleiben wird. Nichts Zusammengestoppeltes, vielmehr eine exzellent komponierte Dokumentation. Flow-Faktor 10. Mehr dazu demnächst.

 

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Ein grandioser Film, ein erstklassiger Thriller, eine herausragende Story. Wieviele Oscars hat er bekommen? Keinen. Wieviele Lobeshymnen? Sehr wenige. Wieviele Verrisse? So einige. Das ist ein Kinofilm (man kann ihn bei amazon prime erleben), der für mein Empfinden völlig unterschätzt wird. Criminally underrated, so to speak. Der Soundtrack: exzellent. Die Kamerafahrten: dezent und atemraubend. Aber hier wird es, unter Manas, auch kein Konsensfilm. Egal, der eine oder andere Leser wird meine Begeisterung verstehen. Alles, was an „Seven“ nicht gut war, gelingt diesem Film über die Jagd nach einem Serienkiller. Die bessere Story als jener „Kultfilm“ hat er sowieso. Für mich einer der besten Noir-Streifen der letzten Jahre, so gut wie „Zodiac“ (2007), mit einem, muss man es betonen, herausragenden Denzel Washington. Selten passiert in einem Film dieses Genres so wenig, an den Oberflächen, was „action“ betrifft, oder „twists & turns“, und geht dabei so verdammt tief, mit fast unerträglicher Spannung. Keine einzige verschenkte Sekunde – ein kleines Meisterstück. Und was grosse Thrillerkunst angeht, empfehle ich im gleichen Atemzug „The Good Nurse“ auf Netflix.

 

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