Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

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I‘m leaving, heading south.

This is an open letter to you, dear Jan! And nothing to worry about, haha. Since I know it belongs to your morning rituals to look at manafonistas, I thought this to be a good idea and take you by surprise. Thousands are reading this now – my friend in Northern California, an old buddy in Würzburg, even some wonderful people near your hometown I met this year at PUNKT …

Now, I don‘t know what the others will write within the next weeks, they might supply you with some worthy stories and informations, but in many cases you have to use the translation magic of Deepl (that made it, for instance, possible, that I could translate the forthcoming PUNKT 2021 review by our Italian friend Damir Ivic for the Italian ROLLING STONE).

I do write that cause I will be absent for a while on a „psychedelic retreat“ in the Black Forest, with a good quantum of shamanism, meditation and other stuff of making you fly and high and dance,  without mobile phones, Ipads, internet. But with On Land, The Survivors‘ Suite, and Rock Bottom. Three secret horizons. In fact I‘ll be lost in the woods on a quite adventurous trip. A different kind of journey, to quote the subtitle of Eivind Aarset’s fantastic new album. Hopefully a happy return on September 29.

 

 

 

 

So, Jan, on its way to Kristiansand soon, via Christoph Giese’s special parcel service, two vinyls, and one comes from my archive. When that album was reissued not long ago, after decades,  I got two items by error, from this long lost treasure – and after our recent talk about early encounters of David Sylvian with Jon Hassell and Ryuichi Sakamoto I thought  this album might put you in a state of wonder. Chances are you never heard it. Look at the cover, and you might think of a seascape near your hometown at first glance, but look again, it IS the Pacific

The familiar sound of a cocktail shaker full of ice and distant seagulls gives way to a simple melody, a rhythm lolling in the light. We are on a journey back in time to an old Japan half of a lifetime ago. The seventies of the 20th century, that foolhardy decade.

Back then, we dreamed of Mount Fujiama that looked out at us on large postage stamps, playful and majestic, when we were baby boomers. Japanese guys dreamed differently. And so we find ourselves right in the middle of a music that conjured up their choice holiday paradises in those days of economic prosperity. The southern islands in the Pacific.

„Pacific“ is the title of this long-playing record. The work was composed in 1978. Okay, I know you missed the 70’s LIVE, but I am very sure you have been THERE quite a long time, via old and ancient records, early Norwegian ECM stuff etc etc etc

Almost all of PACIFIC is instrumental, except for the one song line that sums up all the reverie „with the summer in her hair“. Three PACIFIC explorers: Shugeru Suzuki, Harry Hosono, who was soon to co-found the Yellow Magic Orchestra, and the third, one of the cracks of the Japanese City Pop scene, Tatsuro Yamashita. And an old acquaintance who also played on the album, Ryuichi Sakamoto. Bloody young, you wouldn’t believe it.

What an album! A pinch of early synth-pop, the Japanese version of American exotic dreams a la Les Baxter, melodic funk rhythms, a floating drift from horizon to horizon, a shangri-la for samples, a healthy breeze of New Age – easy peasy, soft and breezy. Safe journey.

Take care, Michael!

 

sending us places

and without wordy words

the surgeons of the nightsky

recall those who are gone

by  the power of sound

 

(in memory of j.h.)

Ladies and gentleman, this is 2011, and this is the „Alpha-Room“: Nils Petter Molvaer came with a helicopter. He had a concert the night before at the Munch Museum. No long time for preparations. But Guy Sigsworth is well prepared. It starts with some classical motives, like a grown up’s memory of listenng to some Goldberg Variations on a strange children´s birthday party. It takes a while till Nils Petter seems to find a key for the music. We hear a sample of a Justin Bieber song. Is anyone in the mood for Saturday Night Fever? Punkt turning disco? After a while (and some rippy rappy pop moments), Guy´s creating breathing space for the trumpet. Melancolia and exuberance.

 

It is still 2011, you better believe it. For the first time at Punkt, there is a special room, with the flair of an old French cinema. You‘re  watching live-remixes on screen that are taking place simultaneously. It has a documentary feeling, old nouvelle vague like (the school of Jacques Rivette). Here I see,the final live-remix of the 7th Punktfestival. Marilyn Mazur working with a small drum kit, Nils Petter Molvaer playing Nils Petter Molvaer and, suggesting some distant breath of „Bitches Brew“. Jan Bang, Erik Honore, Eivind Aarset, the usual suspects. They will be the usual suspects ten years from now on. An old vanishing word came to my mind that only makes sense in a Thomas Pynchon  novel like  „Inherent Vice“ – or in very relaxed Punkt moment – the word is „groovy“. Blame this on the Beta Room, too, it has a 1968 vibe.

 

September 3: close to perfection (though this word may ring wrong bells, we don‘t speak of the clean and the aseptic here), with an unbeatable sequence of „main acts“ and remixes in the moment! Jan Bang and I (changing impressions en passant) felt the same about that long and winding road / arc of this evening. Unforgettable. Nils Økland, The Harpreet Bansal Band with Svante Henryson, Eivind Aarset‘s „Phantasmagoria, or a different kind of travel“. Just look at ijb‘s photos!


Afterwards, before deciding to fall into our beds or join DJ Strangefruit’s after hours-party, we were (some of us, for sure) just looking (what is the word) fulfilled, maybe filled with wonder, as if the musics had been a sequence of dances now adding peculiar figures and pirouettes in our heads. It would be a delight (and might happen quite soon) to dive deeper (in retrospect) into every live remix in retrospect – each of them a thrilling ride. The little stories will write themselves wrapped up with trivia, philosophica, sidesteps.

 

I might come back, too, to the „different travel“ of Eivind Aarset’s 4_tet, and I really try hard to not write what I’m about to write now, but sitting with my new Norwegian friends at the table, Nick (originally from Australia, finally someone knowing The Go-Betweens) and Marte and Hank and Sten (kudos!) – doing no air guitar, but some kind of miniaturized body percussion with hands and legs mirroring the double drumming – the quartet was kind of working the limits, and, yes, this old saying, shooting some stars from the sky without making a big fuzz about it. And didn‘t Fiona Talkington make some great introductions  from her nature reserve in Reading bringing up front the magic of „thin places“!?

 

 

that is what music

can be, and then some

(more)

 

trivia: Hardanger fiddle ecstasy, not go forget the viola d’amore / what a fantastic band / afterwards a first nice encounter, talkwise, with Mats Eilertsen, bassman with a vision, and a new album out in november (we know one another from virtual interviews for many years 

 

I over 100 år har Blå Kors med hjerte, kunnskap og kraft vært en trygg havn for mennesker som av ulike årsaker sliter i hverdagen. Det skal vi fortsatt være. Blå Kors Kristiansand ble etablert i 1909, og har en lang historie bak seg. Blå Kors er en diakonal organisasjon som fremmer rusfrihet i samfunnet. Vi hjelper mennesker som sliter med alkohol-, rus- og spilleavhengighet, psykiske utfordringer og mobbing. Organisasjonen satser også på forebyggende tiltak i tillegg til behandling, rehabilitering og ettervern av mennesker og deres familier.

 

John Kelman should have been here, like in the days of old. A strange place for the opening event of this year‘s Punktfestival, with a French-looking Jesus on the wall, but this venue of Blå Kors offered kindness, fine acoustics, and a really good concert. My first live experience in a very long time. Bugge Wesseltoft was asked to put the group together for this 25th anniversary of Jazzland Records. In these years  around 250 albums have been published from well known artists and those deserving wider recognition. I normally don‘t trust anniversary concerts, they easily end up consisting of tapping shoulders instead of taking risks. This one was different. Did they really play for the first time in this set-up? No intense preparations? Nearly unbelievable for what I‘ve heard.

 

Håkon Kornstad: sax
Harpreet Bansal: violin
Lilja (Oddrun Lilja Jonsdottir): guitar
Sanskriti Shrestha: tablas
Audun Erlien: bass
Veslemøy Narvesen: drums

 

Everyone of them was able to think outside of well-trodden paths. They all managed what Robert Pirsig once described as „lateral drifting“ – finding new ideas on the margins of things and sounds they can handle while sleeping. The interaction was a lesson in mutual empathy – wakefulness and restraint in equal measure. They easily followed one another to places most quiet, and they all seemed to be as curious to each other‘s dicoveries as the audience was. The  music was travelling far distant places, in a natural sounding amalgam of styles, in which Classical Indian moments, fusion jazz stylings, nordic folk memories (as well as valuable seconds that would put a smile on the faces of Barney Kessel, Jon Christensen, and Sonny Rollins), were just stages of a long journey. They should do a record.

 

Live Remix: John Derek Bishop

 

And then John Derek Bishop offered a kind of „ghost story“ in the aftermath of the concert using his own apparatus and sounds he had sampled from what had happened before – transporting them (and us) into a parallel world of distant echoes, strange reminders, floating water and (crushing?) waves. Closing your eyes, this was a fine opportunity to „turn off your mind, relax, and float downstream“, to put it simple, and with John Lennon.

Auf den Tag genau zehn Jahre her. Mittlerweile hat er sich zurückgezogen, aber was war damals los, auf einer seiner letzten Missionen? Arve Henriksen verstand die Signale von Space Commander Sylvian. Nostalgie half da nicht. Keiner würde hinterher jammern und die Frage stellen: „Where’s my Space Age?“ Die Trompete beschrieb ihre verdunkelten Bögen im weiten Rund. Aber erstmal zurück in die Zukunft …

 

Irgendwann in den Achtziger Jahren nahm David Sylvian in Köln, zusammen mit Holger Czulay und einigen Anreicherungen von Karl Lippegaus, „Plight and Premonition“  auf. Seine Solokarriere hatte schon Fahrt aufgenommen, „Brilliant Trees“ war ein „instant classic„, und gestern noch, also am 2. September, sprach ich mit Jan Bang über die besondere Klasse des Werkes.  Seine Stimme ging um die Welt. Mit dem Diktaphon von Czukay, den Trompetentönen von Jon Hassell,  entstand eine sehr reichhaltige Pop-Kammermusik. „Plight and Premonition“ spielte sich an den Rändern der öffentlichen Wahrnehmung ab, ich fand die rein instrumentale, ruhige Platte damals interessant, aber sie rührte mich lange nicht so wie die Ambient-Alben von Brian Eno. Postiv überrascht war ich dann doch, dass ich beim Wiederhören der fast vergessenen Platte staunte, wie wenig gealtert die Musik war.

 

Nun also wurde „Plight and Premonition“ erstmals live aufgeführt, beim 7. Punktfestival in Kristiansand. Jeder der Musiker auf der Bühne hatte sich zuvor mit der langen, eine Plattenseite füllenden Komposition, befasst. Als sich der Vorhang öffnete im ausverkauften Agden Theater, saß Sylvian ziemlich im Zentrum, mit Gitarre und Synthesizer, flankiert von „Live-Sampling-Magus“ Jan Bang und „Elektronikfuchs“ Erik Honore. Etwas weiter außen saßen Philip Jeck, sein Instrument  Vinyl,  und Eivind Aarset. Ganz außen, am linken Bühnenrand, hatten der Trompeter Arve Henriksen und der Pianist John Tilbury ihren Platz gefunden.

 

Durch eine Lichtinstallation entstand der Eindruck, man würde in das hintere Teil eines Raumschiffes schauen, das jederzeit bereit sei, abzuheben.  Ein dunkler, fast melodischer Drone schwebte über uns wie eine ewig wiederkehrende Welle. John Tilbury brillierte mit all den Tönen, die er nicht spielte, der Mann am Flügel praktizierte Askese, und wenn er ein, zwei Noten auf Reisen schickte, hatte man  das Gefühl, das gute alte Klavier würde mehr und mehr historisches Gepäck abwerfen.

 

Jan Bang und Erik Honore, geschätzte Kollaborateure von Sylvian, reicherten das weite Feld an mit winzigen Details, raumgreifenden Kolorierungen, und all den Dingen, für die einem zum Glück Worte fehlen. Einmal schickte Philip Jeck eine seltsame spanische Stimme durch den Äther, wir Zuhörer konnten unsere Ohren schweifen lassen, unsere Blicke dehnen. Eivind Aarset vermied jedes noch so ferne Ethno-Klischee, das Raumschiff hatte sowieso schon schon lange abgehoben.

 

Am Ende langer Beifall. David Sylvian trug erstaunlicherweise keine Sonnenbrille, nur eine kleine Kappe auf dem Kopf. Er sagte kein Wort, aber er zollte seinen Reisegefährten, und auch dem Publikum, apllaudierend Respekt. Er schien tatsächlich gerührt zu sein. Am tTag danach traf ich Mr. Sylvian in der Hotellobby. Ich erinnerte ihn an unsere langes Gespräch über „Manafon“, Jahre zuvor, im dunklen Winkel eines Hamburger Hotelflurs. Ich wollte die Reise vom Vortage zu gerne im Radio senden. Leider kam es nie dazu, und in den Archiven des Punktfestivals liegt immer noch diese bemrkenswerte Reise, die auf ECM New Series bestens aufgehoben wäre. 

 

 

Foto © Christoph Giese

Foto © Christoph Giese

 

 

2. September 2011. Guy Sigsworth ist ein sympathischer Zeitgenosse. Musiker und Produzent. Er arbeitete schon mit Madonna, Björk, Alanis Morrissette, Britney Spears, Jon Hassell, Stina Nordenstam. Eine interessante Mischung. Beim Frühstück plauderten wir über Björks Flamencostück, die Fallen der Avantgarde, wie unsere Wahrnehmung von Musik von den Orten verwandelt wird, an denen wir sie hören. Es ging kreuz und quer, und es war witzig. Wir sprachen auch über den Zauber, den gewisse scheinbar ultrasimple Songs haben können. Als Beispiel führte er einen Song von Farah an, die mir völlug unbekannt ist. Ein junges Mädchen versucht einen schwulen Jungen umzudrehen, mit allen Tricks und Fantasien. Es gelingt ihr natürlich nicht. Das Lied ist  charmant.

 

Die beiden Schriftsteller Paal-Helge Haugen und Nils Chr. Moe-Repstad verfassten eine Reihe von Texten, in denen es um abwesende Götter ging, und ihren Blues. Im ersten Set der Klanginstallation mischte sich die warme dunkle Stimme von Haugen mit Klanggespinsten von Arve Henriksen, Evan Parker, und ausgewählten Passagen einer Komposition von David Sylvian. Es war angenehm, der Märchenerzählerstimme des Norwegers zu folgen, ihr Klang transportierte mich an den Rand des Schlafes. Später dann, im zweiten Teil, strömten einige Stories über die unglücklichen Götter aus den Lautsprechern, mit dem dunklen Samt von Sylvians Sprechstimme. Sidsel Endresen trat ans Mikrofon, John Tilbury saß am Klavier. Das Album „Uncommon Deities“ ist wunderbar.

 
 

 
 

THE GOD OF CROSSROADS

 

In the one spot where all roads meet he is bound. He sees that there are more points to the compass than the heavens can hold. Curved behind His back, the universe encloses him. All roads dissolve into the dusk. He has deep Mongolian eyes that stay open as long as sight remains. He sees the light broken into Small fragments bevor his very eyes, shattered into a thousand colours that can never reassemble. All our desires converge in him, our longing to find the way, the one way. He can hear our questions, but He cannot answer. He stammers and falls silent. Under a coffee-brown sky He has lost his sense of time and direction, in the dwindling windless light. Above him there is a clashing of clouds, the rain soaks him, and his feet are cold. He paces, without direction, wanting to be replaced. He is dreaming of a long holiday, a heavenly break, He would prefer to leave all responsability to a senior official in a grey suit. He dreams of cycling off on an upright placid bicycle of unknown make, cycling into green roadless woods and disappearing.

 

Sie grummelt, stöhnt, gibt Laut. Richtige Wörter und Sätze mit Sinn und Syntax nutzt die norwegische Ausnahmesängerin Sidsel Endresen kaum noch. Das hat sie lange genug getan, auf Soloalben, die etwa So I Write heißen, oder wenn sie an der Seite von Bugge Wesseltoft einem Oldie wie Paul Simons 50 Ways to Leave Your Lover das Sentimentale austrieb. Seit Jahren hat sich Sidsel Endresen von der Last des Sinnstiftens, von gepflegtem storytelling gelöst. Ihre Sprachschöpfungen knüpfen an eine Urwelt der Laute an, an wenig erforschte Gesetze von Einkehr und Ekstase. Und so wirken Endresens Eruptionen und Soundforschungen merkwürdig archaisch. Wer weiß, inwieweit sie unbewusst Gesangstechniken übernimmt, die bei fernen Ethnien zu den Ritualen zwischen Leben und Tod zählen!

Jazztugenden from a whisper to a cry realisiert sie allemal mit uralter nordischer Intensität. Die beiden Musiker an ihrer Seite sind das ideale Pendant. Als Humcrush haben der Trommler Thomas Strønen und der Keyboarder Ståle Storløkken schon mehrfach Unverbrauchtes aus der Fusion-Ära (einen Hauch von Joe Zawinul) mit seltsamen Sinnlichkeiten der E-Musik (einer Prise Arne Nordheim) sowie kaum definierbaren Quellen kombiniert, rhythmisch trickreich und sphärisch entrückt. Der elektroakustische Jazz der CD Ha! wirkt wie ein Destillat detailverliebter Studioarbeit, entstand aber, in einer einzigen Stunde wahrer Empfindungen, live in Willisau.

Aus alten Jazzträumen, die sich selbstverliebt im Kreis drehen, wird bei Humcrush w/Sidsel Endresen ungebremster Vorwärtsdrang. Das Unerhörte spielt eine Hauptrolle, und die Sicherheiten des guten Geschmacks helfen nicht weiter. Diese furiosen Unberechenbarkeiten werden zwar niemanden aus dem Diana-Krall-Fanclub überzeugen. Wer aber der Meinung ist, dass es im Jazz beim Singen vielleicht noch um andere Dinge gehen könnte als um gekonntes Wiederkäuen von Nostalgieveranstaltungen in memoriam Ella Fitzgerald im Hochglanzkostüm, wird diese Musik unter der Haut spüren, und sie wird kein Ruhekissen sein. Man kann eben auch mit Lauten jenseits der Sprache richtig spannende Geschichten erzählen.


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