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Archiv: David Sylvian



Ein Männlein steht im Walde und überreicht uns den Ehrenbambi, weil wir jetzt so richtig alt aussehen?  Oder ist es der Bambi in der Kategorie Pop International? Nein, natürlich nicht! Hier schreibt auch nicht der Fan des „Einzigen“, geschweige denn des „Einfachen“ oder „Eintönigen“. Es geht um die Würdigung einer Musik, die in ihren Vocals gibt, und die in ihrer instrumentalen (Schlag-)Seite wieder nimmt. Aber das Ganze hebt sich nicht auf; die menschliche Stimme hat noch alles niedergerungen, was ihr zu Ohren kam, ganz gleich, ob dabei das harmonische Prinzip zur Anwendung gekommen ist oder nicht! David Sylvian macht seine Sache sehr gut: Seine Stimme hat etwas Tröstliches, etwas Lichtspendendes, etwas Vertrautes. Und die Musik macht das einzig Richtige: Sie transportiert in der Vielzahl ihrer Möglichkeiten die inneren Stimmen unseres Waldemigranten, der sich scheinbar im Unterholz der Töne verlaufen hat. Aber schon sehen wir die nächste Lichtung, die sich vor unseren Ohren auftut: seine Gesangskunst. Wer löffelt nun die ganze Ratlosigkeit aus, die die Kritiker umtreibt, seitdem das Rabbit seine Löffel abgab? Ich denke, rückbesinnend auf den o. g. Titel, daß der, dem sich diese Musik erschließt, der die Polarität überwindet, in all ihrem Wechselspiel von Anziehung und Abstoßung -, ein-geweiht zu nennen ist, und somit … ein Geweihter. Allen anderen – mit Blick auf das Cover von „Manafon“ – sind die Hörner aufgesetzt. Sie sind die mit sanften Augen und schweren Herzen ausgestatteten Geweihträger.


2013 5 Okt

The Copycat Discussion (Eno vs. Sylvian)

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When I talked to Brian Eno in 1993 mentioning the name of David Sylvian I got a response that definitely showed no sign of amusement. Had Sylvian been stealing ideas and artists, a copycat in action? Sensitive matter! Facts: Brian played with Robert Fripp creating classics like NO PUSSYFOOTING or EVENING STAR (side one), later David invited Robert to play with him, for example, on GONE TO EARTH.

Brian collaborated with Jon Hassell creating some desert island discs (POSSIBLE MUSICS, DREAM THEORY IN MALAY), and then, well, David contacted Jon for some collaborative efforts that resulted in some decent work.

Though David’s ambient works were underrated in their era (PLIGHT AND PREMONITION), they never came close to the classics Brian Eno had produced in the 70s, and later on. DISCREET MUSIC, MUSIC FOR AIRPORTS, MUSIC FOR FILMS, ON LAND, APOLLO, THE SHUTOV ASSEMBLY … Holger Czukay crossed their ways, too. So sorry, Brian was, again, the first. This may produce raised eyebrows. Or is it only a question of age? And today? Brian Eno was always fond of spoken word pieces, and recently, well, both artists published (or contributed to) albums with spoken words. But a milestone of spoken word deliveries had been, without doubt, created by Eno & Byrne, a long time ago, MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS.

Now, how to judge this? Both artists profit from collaborations, both artists released brillant song albums in the 70’s (Brian, ANOTHER GREEN WORLD, for example) and the 80’s (David, BRILLIANT TREES). I think there was inspiration in the air, and David transported areas of Brian’s music in his own territory. With good taste and a certain amount of cleverness. Was there a special competitive climate between artists in England? Sylvian had to get rid of the restrictions the early albums of Japan have shown. At least TIN DRUM offered some exits. And Eno was probably a role model for Sylvian in the way one could reconcile the avantgarde and the pop world without sacrificing visions. Eno was the one who opened the ambient landscapes, and Sylvian followed on his tracks.

Change of the scenery. Twentyfirst century. NINE HORSES in parts, and BLEMISH and MANAFON and MANAFON VARIATIONS for sure were fucking great albums by Mr. Sylvian. They rank among his best works ever. No Eno inflluence could be detected. And no ECM connection either. David had always loved to have ECM artists being part of his songs, from Kenny Wheeler to Steve Tibbetts. Even Terje Rypdal was asked. That has stopped, too. In recent times, and because of different reasons, David even stopped singing. His hard core fans are not amused. It is always a good sign when hard core fans are not amused. See Scott Walker. See Talk Talk. Nostalgia is a trap. And inspiration is fair enough, no copycats in action. Though Sylvian learned his Eno-lessons, no doubt about that. Brian, by the way, studied Steve Reich’s early works en detail, and drew exciting conclusions! (ME)


I always wondered why DS never mentioned Brian Eno in interviews, but …

From my point of view there is a fundamental difference, not only in the songwriting, but also in the experimental/ambient music of those two artists, that could in a way be compared to the difference between Ornette Coleman and John Coltrane: it’s a difference in spirit.

There are secular coolness, cheerful playfullness and easy-going humour in Enos music. David Sylvian however used electronics to point out a certain auratic/traumatic drama in “the difficulty of being” (J. Cocteau) and in personal, spiritual searching.

Does Eno like Sylvian’s songwriting? I do. (JS)


I don’t think that Eno likes Sylvian’s songwriting, especially the early solo-albums. On one side, we have the atheist Eno, on the other the „spiritual searcher“ Sylvian. (Though his masterpiece MANAFON was released in the aftermath of doubts and disbelief.) The lyrics of „classic Sylvian“ (Brilliant Trees, Gone to Earth, Secrets of the Beehive), too, belong to this category of artists searching for self-recognition and wisdom, a totally different approach. In fact, they have far less common ground than the line of artistic „soul mates“ they’ve invited to their albums might suggest.

And the singing? Two worlds, too. Here, on Eno’s part, the sharpness and dark wit, the undermining of wrong romanticism, and – simultaneously – again and again a yearning quality (listen to the song „SPINNING AWAY“). There, on Sylvian’s paths, a melodramatic attitude, a certain amount of pathos (never easy to handle), mythical sub-texts, religious metaphors. But, all of that changed since BLEMISH. So, maybe, Eno would possibly like this new late turn in Sylvian’s career. Because of the courage to attack the old formulas. (ME)


Blemish, then Manafon, Wandermüde (name is program) and actually the Kilowatt-Hour declare an intention to walk on that path between music and anti-music. Walking this fine line between the neither and the nor means: filtering or making music that includes a contra-pole, something different than music. There has to be an exit.

This is, how i interpretate Sylvians work in recent years: music as an antidot for outworn harmonies, sweet melodies and obsolete clishes. These are swan songs, it’s farewell-music – with a slight destructive touch. But something remains from the Brilliant Trees and Gone to Earth albums up to the present works: an atmosphere of subtil desire; romanticism, mystizism and (scuse me) … narcissism – even though in a homeopathic dose.

David Sylvian uses electronic effects to create more or less „mystic“ moods, as he ever did. To compare it with Eno again: one drives the screw in, the other one drives it out. Here stays the introverted and depressive subject: Orpheus with the blues. And on the other hand it is the objective, more relaxing sound: drifting through time & space … spinning away. (JS)







This year’s PUNKT FESTIVAL has been a beautiful affair. After being curated by Eno and Sylvian in the last two years, it was a kind of going back to the roots of PUNKT. The best thing is the Punkt aesthetic which is, beyond the art of live-sampling, a lesson in stripping down nearly every „big thing“ to chamber music size and a sensual „being-lost-in-the-laboratory“-agenda. David Sylvian’s trio, The Kilowatt Hour,  shows the silent triumph of an artist rigorously following his own visions and thereby sacrificing old fans‘ nostalgic expectations. In case you’re looking for the best visual choreographies of modern music history, you can start, maybe, with early Pink Floyd, and you’ll end up at The Kilowatt Hour. The duo of Jan Bang with jazz pianist Tigran Hamasyan (and special guest Eivind Aarset) was one of the most shining hours of the Punkt history, telling that jazz’s future might be well-grounded in playing with fractured dejavues and nearly lost echoes. By the way, Tigran’s musical life changed when he (once upon a time) listened to „Dis“ from Jan Garbarek and Ralph Towner. The sound of the wind harp ist still alive, folks! Another breathtaking event was the duo of a singer and a guitarist: Eteniesh Wassie’s  and Mathieu Sourisseau’s performance was bleak, really bleak, another stripped-down intensity in its purest form. In parts rooted in the East of Africa, their music covered the range from trance patterns to joyous noise. No wonder that especially these three performances in  Foenix Cinema and  Kick Scene were followed by live-remixes (with Erik Honore, Ivar Grydeland, Jan Bang, Audun Kleive, Arve Henriksen, Sidsel Endresen a.o.) that transferred the original sounds to a totally different landscape without losing the emotional impact. In spite of the election in Norway that went utterly wrong (bad news) we will have PUNKT No. 10 next year (good news).

In the past, a long time ago, really, a lot of people who were going to David Sylvian concerts thought they were supposed to dress in black and wear deadly serious faces. In fact this was a way in which they expressed, at least for some hours, a world view full of soft existenzial darkness incl. some silver linings ranging from spiritual relief to healthy escapism. Going to The Kilowatt Hour, the fabulous trio with David Sylvian, Stephan Mathieu and Christian Fennesz, should encourage to delete all these fashion rituals. „Cool“ and „uncool“ are no longer categories that count, you can even wear flowers in your head. Go there with your favourite clothes, from Hawai, Rio, Milano, the suburbs of Trenchtown,  or Woolworth, leave all attitudes and signs behind that suggest you are extremely melancolic, a constant visitor of dark zones, or at some other bottom ground of  a shadowy half-life. The words set to music and the stripped-down music of the trio don’t deserve any posh and high brow games of beautiful losers. The music opens up wide spaces, a vastness with a breathtaking visual choreography. The  stories told are dealing with death, dying and last exits (in a very unromantic way). The purity of the performance  deserves an open mind. No charades, please!

Da kommen sie, schlicht gekleidet, auf die Bühne des Lichtspieltheaters. Ein Deutscher, ein Österreicher, ein Engländer. Stephan Mathieu liebt alte Grammophone, Christian Fennesz das elektrische Gitarrenspiel von Neil Young, und David Sylvian die Gedichte von Emily Dickinson. Kein Pappenstiel, die folgenden 70 Minuten. Wer solch fein gesponnene Kammermusik aus dem Geiste von Ambient, Drone und Sample schätzt, oder Zeiten kennt, in denen man sich vom strengen Morton Feldman eine dunkelblaue Stunde verordnen lässt (um die Sinne zu schärfen), kommt dem kühlen Mr. Sylvian und seiner „Kilowatt Hour“ leichter auf die Spur. In gewissen Abständen betritt eine geisterhafte Stimme das Rund, die in einem verwitterten, betagten Amerikanisch allerlei Unheiteres erzählt, was wahlweise auf Krankheit, Sinnverlust, Drogen, oder letzte Anstrengungen schliessen lässt, ein Beckett’sches Endspiel läuft da vor unseren Ohren ab, der Resthumor wird vom letzten Licht verschluckt. Die Stimme erinnert mich an William Burroughs, diese staubtrockene Beharrlichkeit in einem Laurie Anderson-Song. Sharkey’s Night? (Wie ich am nächsten Morgen herausfand, stammen Stimme und Texte von Franz Wright. David Sylvian hat ihn besucht, und die Aufnahme geleitet.)  Die Kilowattstunde mutiert zur Tranceinduktion, lieber läge ich lauschend auf einer Hängematte. Wo kommen die Klaviertöne her, die durchs Dunkel taumeln? Immerhin greift Fennesz manchmal zur Gitarre und verströmt einen dezenten Hauch aus der Ursuppe der Rockmusik. Mit seinem Set-up sorgt Stephan Mathieu für jene  Weite, die jeder Beklommenheit, jeder Enge entgegen arbeitet. Überschwang geht natürlich gar nicht, die Stimme aus dem Off ist zwar merklich angeschlagen, duldet jedoch weder Zuspruch, noch milde Gaben. Das Höchste der Gefühle ist eine kurze flackernde Reminiszenz an ein altes Lied, aus Frank Sinatras Schallplatte „Only The Lonely“. A dead bird is not a dead bird, wittert die Stimme mit den zahllosen Jahresringen, Einrissen und Erosionen. Im Hintergrund ist die Bildsprache beredt und raumgreifend im besten Sinn, die Ähren wiegen sich im Wind, und der tote Vogel zieht seine Kreise im Traum eines Anderen. Existenzieller Stoff. Dunkelspieltheater. Aus. Vorbei.


„Wandermüde“ by Stephan Mathieu and David Sylvian. David Sylvian’s experimental breakthrough „Blemish“ (sound-cd ss001) sees a new interpretation in the album „Wandermüde“, by the remarkable electro-acoustic musician Stephan Mathieu. Working from the instrumental source material, Mathieu brings us a new experience of the most stirring textures and darkest thoughts from this pivotal album. (source: samadhisound)


Mathieu/Sylvian: „Saffron Laudanum“  (from Wandermüde)
David Sylvian: „The Only Daughter“ (from Blemish)
„Eine Parallelwelt zu BLEMISH. Niemand, kein Mensch auf Erden, käme, wenn er es nicht wüsste, beim Hören von WANDERMÜDE auf die Idee, hier würden die Masterbänder von Sylvians Wendepunktmusik bearbeitet.“

„Liegt hier vielleicht Sylvians Mitwirkung in homöophatischer Dosis vor?“

„Nun, er spielt hier schon einige Instrumente. Ob er etliche allerdings neu einspielte, oder ob sie auf BLEMISH ein eher verborgenes Leben führen, weiss ich nicht einzuschätzen. Ein sehr dunkles Album, das einen eher an ON LAND von Brian Eno denken lässt als an ein Songalbum von Sylvian.“

„Ursprünglich war Mathieus Bearbeitung als Begleitmusik gedacht – für ein iphone-App, das Sylvians Digitalfotografie präsentieren soll. Entstanden ist dabei etwas Eigenständiges. Man hört tatsächlich das originäre Blemishalbum, allerdings bis zur Unkenntlichkeit verfremdet. Mir gefällts: ja, es wirkt dunkel und ernst. Saturn ist im Spiel.“

„Bei „Wandermüde“ fällt mir auch gleich das Wort „lebensmüde“ ein. Etwas Dunkles, Resignatives, ist den letzten Werken Sylvians zueigen. Dieser neuen Musik hört man das grosse Gelingen an, sich aus Erstarrungen zu befreien. Und das war auch zu hören auf Blemish oder Manafon. Aber noch einmal: nichts Klangliches vom Original schimmert hier durch. Als hätte man durch Löschen und Übermalen etwas vollkommen Neuartiges schaffen wollen.“

„Der Anfang des Songs „Saffron Laudanum“ ist deutlich als Motiv aus „The Only Daughter“ zu erkennen.“

„S p u r e n e l e m e n t e. Wie im Mineralwasser. Selten so klar wie hier. Übers Ganze gesehen, betreibt das neue Werk Auslöschung. Und der Vergleich mit ON LAND hinkte insofern, als dass Eno im Unheimlichen Sehnsuchtsräume öffnete. Hier werden konsequent Unheimlichkeiten produziert, die Musik verharrt zu sehr im Schaurigen. Knapp oberhalb der Erstarrungsgrenze. Die Musik meistert dabei einen besonderen Balanceakt: sie ist gleichermassen faszinierend und schwer erträglich.“

„Blemish bedeutet ja: mit Fehlern behaftet – insofern ist diese kühle Mineralwasserfassung ein Kontrast zum Ursprungswerk. Als man Sylvians Wendepunktmusik erstmals hörte, im Jahre 2005, hielt man es für eine mutige Gegennullreduzierung von Musik bzw Songs. Im Vergleich zu Wandermüde war das aber das blühende Leben …“

„Erstaunlich, wie sich Extreme fortschreiben können! Immerhin: das letzte Stück des Albums, zu dem Fennesz, wenn ich mich nicht täusche, neue Sounds beigesteuert hat, funktioniert fast als Hoffnungsschimmer. Übrigens ist das Dunkle kaum eingebildet, man lasse sich nur die Titel der Kompositionen auf der Zunge zergehen.“

Im Alpha-Room wartete nach Sylvians erstmals live dargebotener Version seiner alten Komposition „Plight & Premonition“ ein allerseltsamstes Set-Up auf die Zuhörer: ein altes, leicht derangiert wirkendes Kofferradio von Telefunken, eine Tischzither, die, wie ich später erfuhr, vor Ewigkeiten von Gospelmusikern gespielt wurde, kleine wie Kinderspielzeug aussehende Klangerzeuger, mit denen die Saiten der Zither in Schwingung versetzt werden. Mittels Frequenzanalyse werden die für Mathieu nicht vorherhörbaren Radiosignale und die obertonreichen Tischzithermanipulationen verrechnet, und zaubern ein faszinierendes Soundgewebe in den Hörraum, das von Stephan Mathieu in der Live-Situation subtil verwandelt wird.

Der Mann aus Saarbrücken arbeitet mit lebendigen Drones, er fühlte sich auf seinem Weg gewiss ermutigt von La Monte Young, Phil Niblock oder Thomas Köner. Interessant auch, dass Klangströme aus Sylvians “Plight and Premonition” vollkommen verwandelt auftauchten, Spuren des Originals liessen sich allenfalls ahnen und „hellhören“. Es war der ideale Ausklang dieses Konzerttages, eine Musik, die sich, wie Sylvians Zeitreise, in manche Träume eingeschmuggelt haben wird. Unter dem Strich gab es also drei “streams”, die einander modulieren: Zither, Radio, Davids Band. Stephan Mathieu bearbeitete gar die gesamte 2. Hälfte der Sylvian-Aufführung, also den kompletten Stereo-Mix, der aus der PA kam. Das Resultat hat natürlich wenig mit dem klassischen “Realismus” eines Samples zu tun. Man befindet sich eher in einer “Parallelwelt”.

Ähnlich scheint er mit Sylvians Album „Blemish“ zu verfahren, dessen radikale Bearbeitung Anfang 2013 unter dem Titel „Wandermüde“ erscheint. Oder wird es mehr Klangspuren des Ursprungswerkes geben?

Der Musiker und Komponist Peter Schwalm war tief beeindruckt von der Performance beim Punktfestival. Er fotografierte den kleinen Aufbau der Gerätschaften, man fühlte sich wahrlich wie in ein Museum versetzt. Stephan Mathieu kombiniert das Uralte und das Highfidele ohne nostalgischen Zierat. Er besitzt einer Sammlung rarer Schellackplatten aus den 10er und 20er Jahren des vergangenen Jahrhunderts. Und er nennt auch alte Grammophone sein eigen, räumt im Gespräch gern mit den Vorurteilen auf, diese ehrwürdigen Trumms hätten in ihrer Zeit eher gruselig geklungen. Das Gegenteil sei der Fall. Und er beschreibt, wie es sich anhörte, damals, als sich die Stahlnadel auf eine Robert Johnson-Bluesplatte senkte. Auch Mathieu pflegt die Praxis der Zeitreisen.

2012 18 Aug

Jan Bang / Erik Honore w/ David Sylvian: The God of Silence

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Ganz in den Anfängen tauchte er auf durch eine zufällige Kombination aus Licht, Luft und totaler Abwesenheit von Sound. Daher sehnt er sich nach dem Leib der Stille. In seinen Ohren ist eine stille Welt eine wunderschöne Welt. Macht er sich auf einen Weg, wird er ständig eskortiert von einem Engel und einem Dämon. Sie sind beide stumm. Er beobachtet uns, er ist allgegenwärtig mit seiner milden und schrecklichen Ruhe und seinen sublimen Ohren, die jedes Wort auffangen, egal, wie zögernd oder unvollkommen es ist. Er würde gern unser gesammeltes Murmeln zu perfekter Stille destillieren. Er selbst äussert sich durch kleinste Bewegungen, Blicke und schmerzhafte Pausen, ohne Ende. Er trägt keine Feindschaft gegen uns im Sinn, aber er misstraut uns. Wenn die Lebenden ihn ermüden, wendet er sich den Toten zu. Sie wissen alles über Stille. Sie lauschen ihr. Der Gott der Stille ist ein geduldiger Gott. Er hat genug Geduld zu warten, bis wir alle Fossilien sind.
(Paal-Helge Haugen)


David Sylvian: voice
Jan Bang: samples
Erik Honore: synthesizer, samples, synth bass
Arve Henriksen: trumpet samples (performed by Jan Bang)


Jan Bang & Erik Honore: UNCOMMON DEITIES, out on Samadhisound on Sept, 26 (Radiopremiere des Stückes THE GOD OF SILENCE: Klanghorizonte (DLF-Nachtradio), 27. August 2012, nachts um eins)


Poetry and music always gets mixed reviews, because there are always critics who call such things high brow. A singer has to sing, not recite poems. Bullshit. The poems by two Norwegian lyricists are sensual explorations and mythical fantasies about the lifes of absent gods. A spiritual journey that will even please hard core atheists. Sidsel Endresen is the singer on several pieces. She never sings conventional language. But a careful listener will detect more torch and passion in her performance than in any well-mannered, recycled love song. The music explores and extends the brilliant texts of Paal-Helge Haugen and Nils Chr. Moe-Repstad. You’ll be transported, dear reader, feeling simultaneously safe and sound and fragile at weird places. The voice of Sylvian is in the center, calm and concentrated, telling stories about twilight worlds of power, well, the loss of power, and alienation. And it is a voice that knows when to leave the stage for the spirits around him. It’s a great art to create landscapes where even sweet sounds can be naked and merciless. Five stars. (M.E.)

2012 18 Mrz

David Sylvian und seine Werkschau

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Ein Opfer der Sterne? Wir wollen es nicht übertreiben. Auf den Fotos des Doppelalbums sieht er wie einem Bergmann-Film entsprungen aus: „Wilde Erdbeeren“, mit David Sylvian. In der Zeit, als Virgin noch Richard Branson gehörte, gab es noch Risikozonen, Wagnisse, Spielwiesen. David Sylvian profitierte davon, zuerst mit Japan, später als Solokünstler. Wie ist das nun, wenn man manchen dieser alten Aufnahmen begegnet? Und quasi 30 Jahre gelebtes Leben an sich vorüberziehen hört? Überraschend interessant. Natürlich: auch der Sylvian aus den Achtzigern, mit Jon Hassell an seiner Seite, Holger Czukay am Kurzwellenempfänger, und „Brilliant Trees“ im Schaufenster, hat seine Insignien, Zeichen der Zeit, doch keineswegs veraltet. Nur angenehm gealtert. Ich freue mich, wenn ich immer noch Neues, Vergessenes im alten „Stoff“ wiederhöre; Erinnerungen taugen in der Musik nur, wenn sie mit Entdeckungen einhergehen. Die Klangreise dieser Doppel-CD („Victim of Stars“ ist exzellent kompiliert) endet mit einem Versprechen für die Zukunft, dem neuen Lied Where´s Your Gravity? – mit den norwegischen Kollaborateuren Eyvind Aarset, Jan Bang, Erik Honore und Arve Henriksen. Das nächste Songalbum von „Mister Samtstimme“ wird gewiss ein sehr nordeuropäisches werden. Anders als die vielen Verwalter des eigenen Ruhmes, hat Sylvian den Weg gefunden, keineswegs in Schönheit zu sterben.

Arve Henriksen verstand die Signale von Space Commander Sylvian. Nostalgie half da nicht. Keiner würde hinterher jammern und die Frage stellen: „Where’s my Space Age?“ Die Trompete beschrieb einsame Bögen im weiten Rund. Aber erstmal zurück in die Zukunft….

Irgendwann in den späten 80ern nahm David Sylvian in Köln, zusammen mit Holger Czulay und einigen Beimischungen von Radiomann Karl Lippegaus, PLIGHT AND PREMONITION auf. Seine Solokarriere hatte schon Fahrt aufgenommen, BRILLIANT TREES war ein „instant classic“, seine Stimme ging um die Welt. Mit dem Diktaphon von Czukay, den Trompetentönen von Jon Hassell entstand eine exotische Pop-Kammermusik. PLIGHT AND PREMONITION spielte sich an den Rändern der öffentlichen Wahrnehmung ab, ich fand die rein instrumentale, ruhige Platte damals sehr interessant, aber sie rührte mich nicht so sehr wie die Ambient-Alben eines Brian Eno. Überrascht war ich, dass ich beim Wiederhören der fast vergessenen Platte staunte, wie wenig gealtert die Musik schien. Ich mochte sie mehr als damals – sowas ist selten, oft fragt man sich, warum um Himmels Willen man einst eine bestimmte Musik in den Himmel hob.

Nun also wurde PLIGHT AND PREMONITION erstmals live aufgeführt, beim 7. Punktfestival in Kristiansand. Jeder der Musiker auf der Bühne hatte sich intensiv mit der langen, eine Plattenseite füllenden Komposition befasst. Als sich der Vorhang öffnete im ausverkauften Agden Theater, saß Sylvian ziemlich im Zentrum, mit Gitarre und Synthesizer, flankiert von Live-Sample Jan Bang und Elektronikfuchs Erik Honore. Etwas weiter außen saßen Philip Jeck, Meister der Vinylplattenbearbeitung und Gitarrist Eivind Aarset. Ganz außen, am linken Bühnenrand, hatten der Trompeter Arve Henriksen und der Pianist John Tilbury ihren Platz gefunden.

Durch eine brillante Lichtinstallation entstand der Eindruck, man würde in das hintere Teil eines Raumschiffes schauen, das jederzeit bereit sei, abzuheben.  Alle Musiker waren bis in die Haarspitzen konzentriert, ein dunkler, fast melodischer Drone zog sich wie eine ewig wiederkehrende Welle durch die Klangströme, ohne aufdringlich zu wirken. John Tilbury brillierte mit all den Tönen, die er nicht spielte, der Mann am Flügel praktizierte vollkommene Klangaskese, und wenn er ein, zwei Sounds auf Reisen schickte, hatte man nie das Gefühl, das gute alte Klavier müsse einfach historisches Gepäck mit sich rumschleppen. Jan Bang und Erik Honore, langjährige Kollaborateure von Sylvian, reicherten das weite Feld an mit winzigen Details, raumgreifenden Klangfarben, und all den Dingen, für die mir hier einige Worte fehlen. Einmal schickte Philip Jeck eine seltsame spanische Stimme durch den Äther, wir Zuhörer konnten unsere Ohren schweifen lassen, der Blick verlangsamte sich, Eivind Aarset vermied jedes noch so ferne Ethno-Klischee, das Raumschiff hatte schon lange abgehoben. Herzergreifend!

Am Ende langer Beifall. David Sylvian trug erstaunlicherweise keine Sonnenbrille, nur eine kleine Kappe auf dem Kopf. Er sagte kein Wort, aber er zollte seinen Reisegefährten, und auch dem Publikum, durch Klatschen Respekt. Er schien tatsächlich gerührt zu sein. Übrigens: das Album PLIGHT AND PREMONITION ist seit langem vergriffen. Allerdings kann man das Stück des gestrigen Abends, das Original, hören auf der drei CDs umfassenden Sylvian-Compilation CAMPHOR. Es lohnt sich.

Foto © Christoph Giese

Foto © Christoph Giese


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