Manafonistas

A few written words of saxophonist Darius Jones on BURNING AMBULANCE about his new album LA BÉBE DE BRIGITTE with Mitch Mitchell, Sean Conly, Pascal Niggenkemper,
Ches Smith and Emilie Lesbros
 

„Much of the hatred and ugliness in the world comes from everyone trying to create a unison when they should be striving to create a harmony.“

Read more … and listen
 
 
Ich habe Darius erstmals vor vier Jahren in Lissabon getroffen, wo er mit seiner Gruppe LITTLE WOMAN auftrat, ein einschneidendes Erlebnis. Ebenso wie ein langes, intensives Gespräch. Darius Jones geht ins Innere der menschlichen Stimme und macht deren Kraft jenseits der Worte, über und unter den Worten, erlebbar.
 
 
 

 
 
 

 
 
 

 
 
 
Emilie Lesbros, Darius Jones, Pascal Niggenkemper (November 2014, Strasbourg, Jazzdor)
 
 

©FoBo_

In diesem Video (ich hoffe, es ist nicht geblockt) führen Jean-Jacques Perrey und Gershon Kingsley in der U.S.-Gameshow „I’ve Got A Secret“ von 1966 ein Ondioline vor. Es wird gezeigt, wie wunderschön das Instrument andere Instrumente imitieren kann – als ob das jemals der Sinn elektronischer Musikinstrumente gewesen wäre. Aber anscheinend war es nicht möglich, solche Instrumente zu popularisieren, ohne sie als eine Art Jahrmarktssensation darzustellen.

Das erinnert mich an eine Ausgabe von Joachim Fuchsbergers TV-Spielshow „Auf Los geht’s los“, wohl um 1982, in der Hubert Bognermayr und Harald Zuschrader ihren Fairlight CMI-Sampler vorführen mussten. Das lief auf derselben Schiene: Dem Publikum wurde erzählt, dieses Gerät könne mit allen Klängen der Welt Musik machen, und die Leute sollten entscheiden, ob das wahr oder gelogen sei. Irgendein Zuschauer klapperte dann mit seinem Schlüsselbund ins hingehaltene Mikrofon, und der Fairlight spielte ein Weihnachtslied mit dem Klang. Sensation, Sensation!

Der britische Musiker und Multimediakünstler Brian Eno erhält am 11. Oktober 2015 den B3 Ehrenpreis.

Brian Enos Videoinstallationen und audio-visuellen Werke wie z.B. „77 Million Paintings“ sorgten international für Aufsehen und schafften es auf die wichtigsten Festivals und in die bedeutendsten Museen nach Venedig, Paris, London oder St. Petersburg.

Im Rahmen der B3 zeigt das Museum Angewandte Kunst Frankfurt Videoinstallationen/-Skulpturen aus den späten 70er bis in die frühen 90er Jahren. Die Ausstellung eröffnet am 9. Oktober und läuft bis Ende November 2015.

Eno, der sich gern als „a Painter in Sound“ begreift, wird in einer B3-Masterclass Auskunft über sein künstlerisches Werk geben und dabei vielleicht die Frage beantworten, die ihn nach eigener Auskunft seit Jahren umtreibt: „Wozu ist Kunst da?“

Everything is celebrating its 50th anniversary. We got that. From „Nashville Skyline“ to „Everybody Knows This Is Nowhere“, from Neil Armstrong to Manfred Eicher, from „Abbey Road“ to fuck knows. And, no doubt, Captain Beefheart‘s „Trout Mask Replica“ is part of the half of a century-parties. I don‘t know if Brian Whistler, our man from Northern California (who possibly crossed paths with Beefheart in earlier times), has a deeper connection to this surreal beast of a double album, but I know that Brian Eno more than once declared his love for „Safe As Milk“, the debut album of the musician / painter from 1967.

As a music nerd, I was open for all things and sounds strange, but I was not an idiot. So when the experts were talking sense or nonsense and deciphered the structure of magic of the holy grail of rock music‘s enigmatic peaks, „Trout Mask Replica“ had its place there, safe and sound. The pantheon. the gods. The heroes of deconstruction. Of course I followed those user’s manuals, and listened to it with my greenhorn‘s ears, and later, I repeated the exercise. And you know what? Nothing happened. I didn‘t get it. It left me stone cold. „Safe As Milk“, too. Now the masters of expertise and smart-ass deepness come out of their sacred holes again, and celebrate this apparently weird and wonderful masterpiece. Chris Ingalls, nice chap, for example:

„In addition to the dense, noisy dissonance, one of the unique aspects of Trout Mask Replica is its eclectic nature. The more than two dozen songs on the album cover a wide stylistic range. The lo-fi a cappella number „The Dust Blows Forward ’n the Dust Blows Back“ lives alongside the raw guitar blues of „China Pig“. There’s the shuffling cacophony of „Pachuco Cadaver“ as well as the spiky, angular boogie of „Moonlight on Vermont“. At the conclusion of the chaotic instrumental „Hair Pie, Bake 1“, a field recording emerges, with Beefheart conversing politely with some young neighborhood kids who stumbled upon the noise in the Woodland Hills neighborhood where the band was holed up. The length of the album, under Zappa’s auspices, allow for a million unique episodes.“

Now this all sounds fascinating at least, but they won‘t get me, the blurb and the wisdom, the praise and the stories. Nothing will ever change my mind. This does not mean I would stand up and say, well guys, you might be wrong-footed and slightly over the top. I‘m quite sure this work will stand the test of time. Let‘s suggest we‘re all young and beautiful, and „Trout Mask Replica“ is about to celebrate its 50th birthday in a legendary place like a restored and rebuilt Fillmore East, with candles, bear, acid, flowers, and a gigantic sound-installation.

The songs would surround us from all sides and there would be loudspeakers at the ceiling, too, voice of god-like – and, again, it wouldn‘t change my perspective. Not an inch. I would simply look around for the most beautiful girl in the crowd, and ask her for a cup of coffee. Then again, she would turn out as a passionate groupie, a no-brainer with hot curves, and I would end up on the losing end again. Ah, think twice. Sometimes a hard fucking one-night-stand with a total stranger is far more rewarding than the illusion of a lifetime. So never mind to totally bang my brains out. Where the hell is Ian McCartney, by the way? Our Braveheart from Glasgow would definitely have his Beefheart tale to tell, but rumour says, he‘s a birdwatcher on the Orkney Islands nowadays.

„A FRIENDLY SEA CAPTAIN, A SAILING BOAT, A FISHY sounding land: Octopus’s Garden was inspired by scenes almost as fairy-tale as the undersea grotto it describes. Temporarily quitting The Beatles in August 1968, Ringo Starr escaped to Sardinia, fleeing increasingly fraught band politics aboard Peter Sellers’ yacht. One day, he was served squid with his chips, his surprise earning a lecture from the captain on cephalopods. “They build gardens and they have a cave and they go round the seabed picking up shiny things…” recalled Starr. “With the ‘medication’, it was like, ‘Wow, God, wow!’ It was like the best thing I ever heard.”

These revelations inspired the drummer’s second solo songwriting mission after Don’t Pass Me By, George later helping anchor its C&W chords. Despite bright, splashy guitar and Paul’s breezy piano, a melancholy tide pulls at its frondy backing vocals. Bubbles made by Starr blowing through a straw poignantly echo The Beatles’ other novelty maritime song, Yellow Submarine. There they’d been in the same boat, all aboard, friends next-door. Here, however, togetherness is a wistful dream, a nursery-rhyme utopia: “Oh what joy/For every girl and boy/Knowing they’re happy and they’re safe.”

Yet amid the heaviness, Octopus’s Garden united The Beatles behind Ringo’s vision, its psychedelic whimsy and anti-authoritarian glee (“We would shout and swim about…”) a vestigial tentacle of simpler times. Unshadowed by bad-trip Blue Meanies (or semolina pilchards), Octopus’s Garden guards the band’s kids-and-grannies, variety-show gene. It’s entry-level Beatles, there for a Muppet Show performance with Miss Piggy as mermaid, or as a Sesame Street tool for counting to eight. In 2013, Starr finally made it into a children’s book. It gently embodies Derek Taylor’s sleevenotes to Beatles For Sale: “The kids of AD 2000 will draw from the music much the same sense of well-being and warmth as we do today.” Even from the depths, The Beatles were still picking up shiny things, offering them to every girl and boy.“

written by Victoria Segal for the long MOJO cover story on Abbey Road 50 (October edition) 

Es kann verblüffend sein, mehr über einen guten Freund zu wissen als selbiger von sich. Nicht, dass man ihn schonen möchte, weil etwas Unlustiges aus seinen Umfeld ihn in unguten Zorn versetzen würde. Viel aufregender ist es doch, etwas Grossartiges zu wissen, das seine Tage und Abende und Rotweinrituale immens bereichern wird. In diesem Fall kenne ich nun Gregs Platte des Jahres 2015, von der er noch keinen Schimmer hat, sie kommt erst noch auf den Markt. Greg und ich schätzen es, Jahreslisten zu erstellen, in denen all die akustischen Verführungen von vier Jahreszeiten so aufgeführt sind wie einst die Top Twenty auf einem englischen Soldatensender im „summer of love“. Gregs Album des Jahres hier zu verraten, hiesse jedoch, mit unzulässigen Suggestionen zu arbeiten, und so schicke ich dieses Dokument von Empathie und Geheimwissen an unsern Webmaster, als schlichte Mail, ohne Lack und Siegel. Er wird es dann beizeiten lüften, und Greg später, zwischen Nikolaus und Weihnachten, still bei sich denken: „Hat der Schurke doch wieder Recht behalten, und sich nicht mal um ein, zwei Plätze vertan!“. Übliche Verdächtige, die dieses Spiel leichter machen könnten (Brian Eno, Robert Wyatt, Scott Walker) werden 2015 nicht ins Spiel eingreifen. Da kommt nichts.  Bleibt der „grosse ungenannte Act“, und soviel sei verrraten, es ist ein Meilenstein im Leben dieses „Acts“. Auch für mich ein Fünf-Sterne-Album – bei meinem Freund und Jukeboxhändler (und Kupferstecher) wird „das Teil“ gar David Torns „Only Sky“ vom Sockel stossen. Das ist natürlich, wie wir Cronopien und Famen wissen, heiteres Sockelstossen. Dem Himmel wird man auf besagtem, unbesagten Album auch begegnen, und ganz gewiss einem unrosaroten. Sollte es irgendwann mal wieder einen grandiosen, nicht zuletzt in entlegenen Wäldern spielenden, Horrorfilm geben, die ideale Musik für den Abspann hätte dieses Opus schon parat. Es müsste allerdings tatsächlich ein Film sein vom Kaliber von, ähem, jetzt habe ich den Namen vergessen, er spielt, glaube ich, zur Zeit des spanischen Bürgerkrieges. Und bitte nicht raten, keine Fährten, keine Brotkrumen, einfach nur im Dunkeln tappen. Immerhin hat der fast unbeteiligte Leser in diesen Zeilen schon einiges erfahren können, über ein einzigartiges Gitarrenalbum, einen Klassiker des Phantastischen Kinos (fast), und, zu guter letzt, dann noch den Titel eines Buches, das Greg endgültig vom Stuhl hauen würde, ähnlich wie David Mitchells „Uhrenknochen“ anno 2016, wäre das Englische nur seine Haussprache: „Our Endless Numbered Days“, von Claire Fuller. In diesem Roman geht es auch tief in die Wälder. Sehr tief.

This is the wonderful stage of the amphitheater in the park of the Gulbenkian Foundation in Lisbon, the stage where every year during the first ten days of august the festival Jazz em Agosto is held.

 
 
 

 
 
 
Read more over this year’s edition of the festival in my review:
 

Jazz em Agosto (JemA) is one of those jazz festivals which, to its credit, pursues a clearly recognizable and consistent artistic line. The programme is composed of musicians/groups who have made an important and acknowledged contribution to the development of the music; or of musicians/groups advancing to new, unknown territories; or those are redefining, recombining and reinventing former creations and routines, with the addition of some creatively promising newcomers who bring new conceptions. The formula also means that some musicians return to the festival annually, but with different configurations each time  … READ MORE 

The Gulbenkian Foundation in Lisbon with offices in London (the UK Branch) and Paris is a private organization with a broad cultural, scientific and charity scope founded by Calouste Gulbenkian (1869 – 1955). It houses two museums, a well-known symphony orchestra and choir of its own and runs a rich concert programme.

 
 
©FoBo_