Manafonistas

It’s been a year since I went to a live show. Over that time I have tried to watch streaming shows in order to support the artists by paying a fee to “attend” these shows. It’s always the same thing though – I set up my stream through my big screen TV, set the sound to come out through my stereo, sit back and try to get excited about the show. It’s a weird experience, because no matter how many times I tell myself, “this is different – it’s live”, I don’t feel much of a quantifiable difference in my experience than if I were watching a BluRay, DVD or Youtube stream of a prerecorded concert. Why is that?

I’ve been in touch with Richie Beirach through Covid. He has a bunch of new material on his new website, interviews, books he has co-written on various musical subjects etc. There is one such video where Richie speaks of what it has been like for him during lockdown. For a jazz artist, the only way to ply one’s trade is to perform live for an audience. Richie says he doesn’t practice – he did that diligently for some 25 years and he really doesn’t need to. Indeed, Miles told Herbie and the band Not to practice, just to play on the gig in order to remain fresh. During this long monologue, Beirach is asked why he doesn’t participate in streaming shows. He says its because he needs the ambience of the room, the people sitting there who walk in as strangers and through some mysterious alchemy, join in a kind of musical communion that he claims can only occur when both the musician and audience are sitting in the same room together. He describes streaming shows as unfulfilling because there’s no “feedback” in terms of energy coming back from the crowd, like playing in a vacuum.

video

It’s interesting that this experience of disconnection is felt on both sides of the screen. I for one can’t wait until my first live show, possibly a concert of Paul McCandless and the Bay Area trio Charged Particles in a tribute to Lyle Mays’ music, coming up in a month or so. Should be a great show. Until then, I’ll be listening, but not watching so much.

BRIAN ENO and ROGER ENO

LIVE AT THE ACROPOLIS

Performing together for the First Time

Wednesday 4 August 2021

Odeon of Herodes Atticus

Athens

Brian and Roger Eno are to stage their first ever live performance together, at the internationally recognised UNESCO World Heritage site, the Acropolis in Athens. This truly unique event will take place in front of a live audience as part of the Athens Epidaurus Festival 2021 on the 4^th of August.

Both brothers have long, impressive careers as artists. They complement each other with their different approaches to music, and have regularly recorded together since 1983.  They first collaborated with Daniel Lanois on the soundtrack to For All Mankind, Al Reinert’s epic documentary on the Apollo moon landing and released as the highly acclaimed album, Apollo: Atmospheres and Soundtracks. They have also contributed to soundtracks for Dune (1984), Opera (1987), The Jacket (2005), Brazilian film, O Nome da Morte (2017) and were nominated for a Bafta award for their score to Danny Boyle’s TV series, Mr. Wroe’s Virgins (1993).

In 2020 the duo released their first full collaboration album, Mixing Colours on the prestigious Deutsche Grammophon label. It has received very enthusiastic reviews around the world and was followed by a 6 track EP, Luminous later in the same year.

At the Herodeion (at the base of the Acropolis) we will enjoy a spectacular concert with the two brothers creating atmospheric musical landscapes. It is also one of the very rare occasions that Brian Eno has ever performed live.

All festival tickets go on sale on Friday May 14^th 12.00 CET.

Ticket link here >>  https://www.ticketservices.gr/

Der Reggae scheint manchem so limitiert zu sein wie der Blues, aber weder ist der Blues limitiert, trotz seines 12-Takt-Schemas, noch der Reggae, der tatsächlich in seiner langen Historie Horizont um Horizont freilegte. Ich verstehe die Hartnäckigkeit, mit der einige als Journalisten getarnte Reggae-Lover die entlegendsten Dub-Mixe ausfindig machen, oder sich auf die Suche verschwundener Roots-Schätze machen. Es gibt immer wieder grossartige Editionen wie diese drei LPs/CDs umfassende Zeitreise in die späten Siebziger Jahre. Von „Culture“. Absolute Klasse. Instrumentaltechnisch brilliant, aber immer mit der vollen Ladung Emotion. Und rund um das Versinken in diese Musik dann mal die zwei Filme von Steve McQueen als DVD anschauen, „Lovers Rock“, und „Alex Wheatle“. Man wird sie wieder und wieder sehen wollen, wenn man Reggae liebt und, wie hier, in London landet, once upon a time.

„Dies ist wirklich ein exzellentes Set von erstklassigem Roots Reggae, direkt aus den 1970er Jahren, mit musikalischem Talent, lyrischem Verständnis und Energie zum Verbrennen. Die Dubs sind vielleicht nicht die wildesten Sound-Exkursionen aller Zeiten, aber sie werden reibungslos ausgeführt und funktionieren extrem gut, da sie natürlich zu den Songs passen. Culture waren in den späten 1970er Jahren auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte, als sie wohl der heißeste neue Act in der Reggae-Szene waren, und die Stärke ihrer Kompositionen und gesanglichen Fähigkeiten werden hier klar dargestellt. Wenn Sie bisher nur Two Sevens Clash zu hören bekamen, ist dies der ideale nächste Schritt.“

(Ian Canty, Louderthanwar, translated by D.L.)

Es ist mitunter kurzweilig, überraschend, wie DeepL manche Übertragung zwischen den Sprachen angeht. Found In Translation. Reizvoll sind die kleinen Fehler. Aber so entsteht  auch eine Feuilletonsprache knapp neben dem Feuilleton, das Wohlgesetzte einer auch für Bilder offenen Musikkritik erhält einen Stich ins Surreale.

Das Titelstück beginnt mit undeutlichen Umgebungsgeräuschen: Menschen, die in einem Resonanzraum rascheln, Musiker, die sich auf ihren Plätzen bewegen. Diese impressionistische Wolke spaltet sich mit einem Klavierakkord im Rückwärtsgang und löst eine elektronische Böe aus.

Streicher unterhalten sich untereinander im Hintergrund, während gestrichene Obertöne wie Regen auf ein Fenster rieseln. Das Klavier spricht von Mitternacht zum Bass, der mit einem chorischen Effekt auftaucht. Webers klagender Ton berührt die Landschaft, kratzt Glyphen in ihre fruchtbare Oberfläche. Die Szene verschiebt sich und knirscht, eine Drehleier flüstert in Zeitlupe.

Das Auftauchen eines akustischen Basses in diesem Stück erzeugt einen schillernden Effekt, als würde er aus einer vergangenen Ära aufsteigen, in der die Unmittelbarkeit der Live-Performance eine Selbstverständlichkeit und kein Luxus war und in der das Gemeinschaftserlebnis der Musik in den Ohren eines jeden Zuhörers gedieh.

Die Welt enträtselt sich wie ein Schlaflied und offenbart gerade genug von ihrem Herzen, um uns einen großen inneren Trost zu geben. Nachdem dieser Bruch geflickt ist, kehrt der Elektrobass zurück und legt sein Motiv über die zurückgelassenen Stücke. Der akustische Bass singt die gleiche Note, während ein Waldhorn uns ausspielt.