Manafonistas

Sich gegenseitig ausschliessende Gegensätze wie die von frei/ungestüm/multiphonisch/verzerrt und leise/lyrisch/schwebend/ verfeinert/temperiert gehören bei jüngeren, aber auch bei nicht wenigen älteren Musikern im Bereich kreativer Musik schon länger der Vergangenheit an. Das gehört wohl zur Entwicklungsdialektik und zum Drang der Kunst, Grenzen/Schranken kreativ zu überwinden. Neue Ausdrucksweisen, die von einer Generation erobert und kultiviert wurden, sind für nachfolgende Generationen ‚leicht‘ übersehbar und beherrschbar und können dann unvoreingenommen(er) (in neuen Kontexten) eingesetzt werden. Weiters sind Musiker jüngerer Generationen auch in der Lage, in verschiedenen Domänen zu agieren, die sich früher weitgehend ausschlossen.

Sogenannte extended techniques im instrumentalen wie im vokalen Bereich finden nach ihrer Eroberung und Etablierung zusehends Verwendung als funktionale Expressionsmittel, d.h. nicht die tonale Zuspitzung oder Überspitzung und Entgrenzung an sich ist der Ausdruck, sondern ihr Einsatz zum Ausdruck eines Gefühls, einer Stimmung, eines inneren Konflikts etc.in einem Narrativ. Der Einsatz von Elektronik hat dazu geführt, dass akustische Instrumente heute anders gespielt werden (können) und andere tonale Bereiche erobert haben. Mitunter können akustische Instrumente heute elektronischer klingen als elektronische Devices usw.. Auch der Gegensatz zwischen Kompositionen und Improvisation wandelt sich im produktiven Wechselspiel zwischen beiden.

Eine ganze Reihe von Extended Techniques wie Live-Elektronik, die im Jazzbereich üblich sind, sind von Komponisten wie Luigi Nono und Karlheinz S entwickelt worden. Naja, und die Geschichte der Musiker von Can, die den Schlüssel zur elektronischen Wunderkammer beim WDR hatten und nachts dort rumwerkeln durften, dürfte bekannt sein. Auch die Geschichte, dass Karlheinz S nicht so auf Rockmusik zu sprechen war, aber im Blindfold-Test umstandslos Stücke von Can ausmachte und guthieß. Das sind dann Gegensätze, die produktive, fruchtbare Übergänge zeitigen können. 

Die junge norwegische Tenorsaxofonistin Mette Henriette ignoriert auf sehr eigene, in ihrem Spielstil bestens erkennbare Art, den alten Wettstreit der Schulen zwischen freiem Jazz und lyrischen Klangidealen. Auf ihrem zweiten Album mit dem trefflichen Titel „Drifting“ finden sich Geräusch, Rausch, Abstraktion und Melodie in luftigen Räumen vereint. Johan Lindvall spielt Piano und Judith Hamann Cello. Es ist nicht die Art von Jazz, die einen mit dem ersten Ton einfängt und gleich zu Beginn ein paar unwiderstehlich-groovende Register zieht: es ist die Art von Jazz, die sich langsam in die Hörgänge schleicht, mit markanten, fremdartigen, oft hingehauchten Tönen und Texturen. Eine wundersam gespenstische Musik.

I haven’t listened to those two albums in ages. [Steve Kuhn‘s „Ecstasy“, and „Playground“].

The cover of „Playground“ reminds me of the cover of „We Begin“ by Art Lande and Mark Isham.  Art and I were teaching one summer at the Naropa Institute and I told him I liked the simplicity of that cover and title. Art said, „It wasn’t always that way.“ Art told me what Mark’s original title for the album was (I forgot it, you could ask Art). I remember it being a long and somewhat ponderous string of words. As happened in the Munich office in those days the title was rejected out of hand, a new title minted, and a cover chosen all within the space of a minute. Art shrugged and said, „What can you do? That’s ECM.“