Manafonistas

Does music make you LOL?

Some songs are intented to produce mirth, like Tom Lehrer’s „National Brotherhood Week“ which is funny almost in spite of itself. The humour is wry, the subject matter is actually pretty fucking serious. Then there’s out-and-out funny, like Georges Brassens perennially hilarious „Le Gorille“.

Both of these, though, come from a time when music hall and its French and American equivalents were still in memory, perhaps even still in fading existence. This means that the songs‘ writing and presentation is fairly obvious in its intent – it was part of a tradition, even if it was diverging from the main body of that tradition.

As time moves on though, things get more and more meta*, with more and more layers of irony, some intended, some maybe not. I find it difficult not to like early albums by extreme metal bands like Celtic Frost and Venom. Both were masters of stagecraft, and both had singers who sang in English „West Country“ accents, like roaring pirates – despite neither band being from the West Country- Celtic Frost were from Zürich, Venom were from Newcastle.

The 1984 film This is Spinal Tap was probably intended as satire, as a skewering of rock pretension. A metal piss-take. For me, though, Spinal Tap is a success because it failed to do that. How could you satirise imagination and a sense of playfulness as expansive as Venom and Celtic Frost had? Their art was in itself largely satirical. Spinal Tap was more like cinema cottoning on to the fact that metal – while dark and dealing in heaviness, also had a genuine sense of humour. You could hardly miss it really.

One of the most meta works I can think of is Frank Zappa’s „Broadway The Hardway“, and in particular the song „Any Kind of Pain“. It’s amazing to think that this wonderful episode of R&B – with its great singing, virtuosic playing, sense of melody close to Todd Rundgrens finest work – is a 100% piss take. Seems a waste of melodic chops somehow. The song’s themes are venality/vapidity on the innocent side of things, and control/cynicism on the other. It’s like Zappa just throws this binary into the air, watches it fly for a bit, then lets it explode into meaning: „she only gets half the blame/ unless we extend her“. At the end of the song, comedy has curdled – and the vapid character is now shrouded in pathos. Like much of Zappa, there is a micro-operatic story going on. Complete fucking genius.

Sometimes the comedy in music comes from juxtaposition. (Note: I hate having to use the word juxaposition, but sometimes you have to.) „Giftwrap Yourself, Slowly!“ is a great and funny title by Porn Sword Tobacco from the album New Exclusive Olympic Heights. The title, as an imperative, seems to be about valuing oneself, about realising one’s value in the eyes of a sympathetic (significant) other. But it’s also strongly reminiscent of (even if not referencing) „The Gift“ by The Velvet Underground:

He would ship himself parcel post special
delivery. The next day Waldo went to the supermarket
to purchase the necessary equipment. He bought
masking tape, a staple gun and a medium sized
cardboard box, just right for a person of his build.
He judged that with a minimum of jostling he could
ride quite comfortably. A few airholes, some water, a
selection of midnight snacks, and it would probably be
as good as going tourist.

… and we all know how that one ends. In „Giftwrap Yourself, Slowly“ the LOL is in the juxtaposition of the neatly crafted phrase of the title – it reads like a billboard in space – with the sombre music of the track itself, like tears in slow motion rain at the start of a Byung-chun Min film.

Porn Sword Tobacco have a lot of funny song names. Other favourites include „Carl Zeiss Driving to Work“ which brings to mind Billy Connolly’s joke about prescription windscreens, and „Futuristic Rasta Money“ whose three words collide so brilliantly, saying a hell of a lot and nothing at all: another billboard in space. Also „Copyright, The Universe“ and the succinct, trenchant two-word novel of a title „Freedom Commercial“. Oh, and finally „I Love Riding My Bicycle“ whose prosaic-ness is the funny: it has to be the third part of an unrelated triptych that started with Kraftwerk’s „Tour de France“ and Boards of Canada’s „Happy Cycling“.
 
 
 

 
 
 
*Meta – creative work referring to itself or to the conventions of its genre. I use it adjectivally. I don’t know if the dictionary does, and don’t much care. Ha!

Behaupte einmal, dass jeder Musikbegeisterte frueher Tapes zusammengestellt hat; C 90 oder C60 war das Format. Ab und an stelle ich mir selbst (oder fuer andere) immer noch gerne solche Mischungen zusammen, dann aber mittlerweile als CD. Enthalten sind dann tracks aus Neuerwerbungen, die gefallen, und dazu Passendes aus dem Fundus im Regal.

Auf meiner aktuellen Mix-CD ist auch „MacArthur Park“ von Richard Harris, der neben seiner Schauspielerei („Der Mann, den sie Pferd nannten“) unter der musikalischen Leitung von Jimmy Webb auch gesungen hat. In den 60igern waren diese ueberlangen, durch mehrere „Stimmungen“ gehenden Musikstuecke sehr en vogue; Barry Ryan hatte da einen aehnlichen Hit: „Eloise“, remember ?

„MacArthur Park“ erinnert mich an diese Zeit, und wie ich immer versucht habe, den Song auf Tape zu bannen, wann immer er mal im Radio lief. Grosses Kino fuer die Ohren; nur auf die lyrics des Songs sollte man ausnahmsweise einmal nicht achten: da hat jemand hat einen Kuchen im Regen vergessen und so…

Eines der scharfsinnigsten und gewitztesten Philosophiebücher der letzten Jahre stammt von einem Musikliebhaber und Literaturnarren. Bei solchen Briten wie Terry Eagleton ahnt man, dass der Titel mit der Frage aller Fragen (DER SINN DES LEBENS) mit einem spitzbübischen Lächeln serviert wird. Das Philosophische heiter zu servieren, ist eine Kunst.

Nicht um Sinn-, sondern um reine Überlebensfragen und existenzielle Traumata (die dann natürlich doch in ihrem Schlepptau Sinnfragen aufkommen lassen) geht es in dem gerade in Deutschland erschienenen neuen Thriller von Mo Hayder, WOLF. Die üblichen Könner ihres Faches von Harlan Coben bis Michael Connelly nennen das Werk wahlweise „überwältigend“ oder „furchteinflössend“, und man ist diese Sprache der Superlative schon etwas satt, dieses ewige Lobgehudel, aber hier trifft es voll ins Schwarze. Der raffiniert gesponnene „plot“ entwickelt sich zu einem der unheimlichsten Thriller, die zumindest mir in den letzten Jahren in die Hände gerieten. Die Qualität des Buches ist tatsächlich auch den Amerikanern aufgefallen, und so ist WOLF auf der Liste der „Edgar Nominees 2015“ gelandet.

Schockerlebnisse hielten auch die Bücher von William S. Burroughs bereit, was für ein bewusstseinserweiterndes Werk ist „Naked Lunch“ im Vergleich zu den sexuellen Verklemmungen von Salingers „Fänger im Roggen“. Nun ist NOTHING HERE NOW BUT THE RECORDINGS neu veröffentlicht worden, und liefert mit seinen cut-ups, Textcollagen, Wortwutattacken diverse Einblicke in die Gedankenfabrik des einflussreichen Amerikaners, dessen Raspelstimme manche wohl nur aus einem Laurie Anderson-Song kennen. „Something as simple as the poor quality of the recordings, reported by P-Orridge at the time („It’s a good job we got them, ‚cause they were recorded over twenty years ago and the oxide was actually crumbling off the tapes as we held them.“), recalls William Basinski’s divine preservation of audio decay in The Disintegration Loops. It is the voice then that continues: resonating down the alley, nesting under the skin.“ Das bemerkt Andrew Spragg dazu, und Recht hat er.

Das erste Album, das der dänische Gitarrist Jakob Bro als Bandleader bei ECM veröffentlicht, eine solch luftige, feinsinnige Angelegenheit, dass man sich rasch, trotz einer Kopenhagen gewidmeten Komposition in ländlichen, zumindest von allem Trubel weit entfernten Gefilden wähnt. Mit dem Drummer Jon Christensen (der seit den frühen 70ern zum Stammpersonal des Münchner Labels zählt) und dem Bassisten Thomas Morgan hat Jakob Bro das ideale Trio gefunden, und mit seiner elektrischen Gitarre ein sublimes, melodisches Geflecht von Klangtexturen zu entwickeln, das ohne gängige Klischees ureigene Atmosphären erkundet. Die Brüche, die Einrisse fehlen nicht, sie sind stets präsent, als könne alles von einem Moment zum andern verschwinden. Thomas Morgan ist ohnehin dafür prädestiniert, nur die allernotwendigsten Töne zu spielen. Raffiniert, wohl unter tätiger Mithilfe des Produzenten Manfred Eicher, wie die einzelnen Stücke in einer Weise angeordnet sind – das Fachwort lautet hier „Sequencing“ – dass ein dramturgisch schlüssiger Bogen ensteht, der GEFION gleichsam eine cinematische Qualität verleiht.