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Archives: ECM

2019 26 Mrz

ECM in 1977: Hubris

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Some of you have been waiting for it. Here’s my extensive „interview“ with Richie Beirach (one part of it, at least). Enjoy!


2019 4 Mrz

Eine Begegnung mit Eberhard Ross / Encounter with Eberhard Ross

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Ich weiß nicht, bei wie vielen Berufsgruppen die Leute sagen können: „Ich bin am glücklichsten, wenn ich arbeite.“

I don’t know for how many professions people can say, „I am happiest when I work“.


Here’s the video.


2019 27 Jan

ECM in 2013

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This week’s episode:

ECM50 | 2013 Thomas Wunsch



„Ich mache die Fotos, die ich für mich selbst machen will und an denen mein Herzblut hängt.“


2019 20 Jan

A New Video in the ECM 50 Series

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New Video:


Frieder Grindler on his work for ECM





Video ECM50 | 2010  –  La notte (ECM 2300)


For me, the film’s key scene is when at the end Marcello Mastroianni reads the letter that Jeanne Moreau has handed to him. He reads it out and doesn’t realize that he himself wrote it at the beginning of the relationship. And in my short film Heute letzter Tag (Last Day Today) I wanted to do the same thing: Someone reads a letter that he wrote himself and fails to remember what significance it used to have. I also liked how the film reaches this kind of endpoint there. The fact that someone in a film would read an entire letter was completely new to me as a teenager – I saw the film for the first time at the age of 15 or 16.

I was immediately captivated by the movie’s imagery [and] the way in which the two characters are being placed in relation – or rather without a relation — to each other. When I was a teenager, it was the perfect puberty flick, because, among other things, it’s also about finding out why love doesn’t work — or at least not in the long run. That really hit my attitude to life very well back then.

Whenever I see La notte, I’m astonished what’s in it. It’s a film you never remember in its entirety, but only certain parts of it, and then perhaps the very parts that are relevant to you right then. The film is like a sort of mine from which each viewer pulls out different aspects.

For example, there is a scene at a party, where people play some party game, and I was enthralled by the director’s concept to use the characters more like in a kind of game and less like in a psychological constellation, and thus [the whole movie] works more like a kind of laboratory set-up, while [it] is still highly emotional. Antonioni is indeed a big hero. You have to remember that many of his directing colleagues in Italy hated him for that. Orson Welles always spoke of the ’sin of Antonioni‘, which consists of the fact that you treat your characters in such a cold-hearted way – as Welles put it. You know, [Michael] Haneke talks about the ‚glaciation of emotions‘, which Antonioni detected already in the sixties and also linked it very closely to the industrial age. From this viewpoint I find him very visionary.

What is certain is that at the time he made La notte, he was a kind of ’navel‘ of European film culture, and he certainly had already understood a lot of things with foresight at the time. And when you watch the movie today, it still appears very modern with its camera perspectives and visual ideas, and not antiquated in terms of imagery.

In comparison with Antonioni’s other films, I even find La notte a bit conciliatory, because it allows at least some kind of catharsis. There is a lot of beauty in the film – aesthetic beauty like the music… and these moods you can revel in, which is not the case with Antonioni’s other movies. L’Avventura, for example, is a big nature movie among other aspects, but it actually ends in great frustration – the main character disappears and then doesn’t show up anymore… and the movie ends with an image of a wall. As a viewer, you also feel as if you have been driven against the wall.

What remains a mystery to me today, however, is why Antonioni’s late films enjoy so little recognition. Many of them are not even available. The Mystery of Oberwald (Il mistero di Oberwald), for example, is a technically very experimental Jean Cocteau adaptation, shot on video. It’s not available. And it’s also odd why with his later films Antonioni has been so placed into an ‚old boys corner‘.

Ralf Stadler is a filmmaker and managing director of the „Randfilmfest“ in Kassel. His film Zigarettenpause (Cigarette Break), a Daniil Charms adaptation, was awarded the German Short Film Award 2006. 



La notte is for me a very wonderful gift. It was a kind of collaboration with Manfred Eicher. For so many years he had been using some of my music for the different settings for the Jean-Luc Godard and Anne-Marie Miéville [films]. And then I was trying to make music inspired by film. I had the early films by Antonioni in my mind and asked Manfred if that could be something for him, and he was very positive. Then I got a chance to make a big concert at the Molde Jazz Festival that year. And I like live recordings. I was very happy that Manfred opened for that possibility. One never knows — it can be awful, but if you succeed, it can also have a special energy. So we had the Rainbow Studio coming up to deconstruct the material and find a CD format for it; of course [we could not include] the whole concert, but more than half of it. It was not much we took away, perhaps one fourth [of it].

How did you choose the ensemble of rather unique musicians?

That was a collaboration with Manfred. Manfred is very strong in finding solutions and new musicians. I had been working with Andy Sheppard before. We were on tour all over Great Britain in 2006, so I knew him quite well. Anja Lechner was a fantastic experience; I had not been working with her before. Arild Andersen is the ’safe man‘ in my life, a bass player I have been working a lot with. With Marilyn [Mazur] I made a trio recording, together with Palle Danielsson, Floating. And with Eivind Aarset I had also been working with for many years. We never had that ensemble collected together again. 

So why Antonioni, why La notte?

Antonioni is one of the most important for me. I saw everything he did in the sixties and I have had him as a favourite for many years. It [could have been] many other choices, but I am still very happy that we ended up with Antonioni.

Where can we find Antonioni or La notte in the music?

It is a kind of feeling. I think it has to do with the rhythm of his films, [among other things]. He has a slow intensity. I was thinking about that — that it’s not always about tempo to be intense. [It was about] finding a language for the music that is more or less inspired by it. One shouldn’t overload the inspiration either, one should just put Antonioni as a frame for something. I have some different scenes in my head. I also had that when I wrote the music. I had something from La notte and from other films that inspired me for the compositions.

If one thinks about music that is inspired by old films, one usually associates rather slow or nostalgic music, instead of this kind of energetic jazz music.

I haven’t been very conscious about that… But what is interesting is that my grandmother was a silent movie piano player in a small city in Norway in the twenties and thirties. At that time, the music was often very stormy, because those weren’t high-quality movies, but [rather very simple] dramatic films. And then they picked up different music for that. I [made the music for] a silent movie by Victor Sjöström, Terje Vigen (1917). I played it in many places around the world. And that is quite stormy music, because so much is happening. I am thinking that some of Antonioni’s scenes are very intense. But I hope there are also some moments of contemplation and silence on the album.

Das Jazzfest Berlin beeindruckt jedes Jahr mit einem einzigartigen Programm bekannter und zugleich durchweg spannender internationaler Musiker/innen aus dem weiteren Jazzbereich. Ich kann hier immer wieder Anfang November, nur wenige Minuten von meiner Wohnung entfernt, eine beeindruckende Menge hochinteressanter, oft auch seltener Konzerte erleben.

In diesem Jahr hat die neue Leiterin Nadin Deventer die vier Festivaltage so geschickt wie ambitioniert nach thematischen Überlegungen geordnet, unter anderem gab es den „Fokus: Chicago“ mit Nicole Mitchells Black Earth Ensemble, dem Projekt ihres aktuellen Albums Mandorla Awakening, das Art Ensemble of Chicago erstmals seit 27 Jahren wieder in Berlin und Trompeten-Jungstar Jaimie Branch. Zusätzlich traten unter dem thematischen Überbau „Blick zurück in die Zukunft afroamerikanischer Musik“ (Überschneidungen offenkundig) u.a. Irreversible Entanglements, Moor Mother, Roscoe Mitchell und Jason Moran auf. Allein diese Namen waren bereits große Versprechungen, und ich hatte mir, wie in den Vorjahren, vorgenommen, einiges anzuschauen/anzuhören. Meine frühzeitige Bewerbung um Pressekarten führte jedoch zu wenig Erfolg, was leider erst in den letzten Tagen vor den Veranstaltungen mitgeteilt wurde, und da waren dann schon fast alle Konzerte ausverkauft … zumal mein trister Kontostand als Unter-Hartz4-Satz-Verdiener mir auch nicht wirklich einen Erwerb weiterer Eintrittskarten ermöglichte.

Am Ende besuchte ich daher also auch in diesem Jahr nur eines der vielen tollen Konzerte und kann so leider keinen wirklich ergiebigen Festivalbericht erstatten, wie ich das gerne getan hätte – sondern belasse es stattdessen bei ein paar persönlichen Zeilen zu dem letzten Konzertabend. Am Sonntag beschloss nämlich Bill Frisell, dessen jüngste Alben hier ja einige begeistern, das Festival mit einem intimen Auftritt, den er in ein und derselben Position ohne große Worte, allein mit einer Gitarre, im kargen Licht sitzend, bestritt. Der ganze Abend stand unter der nicht ganz adäquaten Überschrift „Melancholic Sunday“, was, wie seine aktuelle Karriererückblick-CD Music is verrät, immerhin ganz besonders auf Frisells bewegendes Programm zutraf. Manchmal können diese unaufdringlichen Improvisationen etwas lang werden, doch der ganze Saal im Haus der Berliner Festspiele lauschte gebannt und zeigte sich hinterher mit langem Applaus begeistert von dieser unprätentiösen, fast schon weisen Lebensreise des 67-Jährigen. Als ich ihm hinterher bei der kleinen Signier-Viertelstunde mitteilte, dass ich seine jüngsten ECM-Mitwirkungen besonders schätze, verriet er, dass im Februar ein weiteres Album mit Thomas Morgan erscheinen soll. (Das brachte mich auf die Idee, dass man vielleicht mal ein Portrait-Video von Thomas Morgan machen müsste.)



Zur Zugabe holte Frisell die jüngere Kollegin Mary Halvorsen zu einem Duett auf die Bühne. Halvorsen war beim diesjährigen Jazzfest „Artist in Residence“ und entsprechend in vielen unterschiedlichen Formationen, Auftritten und Veranstaltungen aktiv – was vielleicht erklärt, warum sie beim ersten Europa-Auftritt ihres Oktetts (mit dem Programm des Albums Away with you) eine erstaunlich untergeordnete Rolle einzunehmen schien. Man konnte den Eindruck gewinnen, dass sie vielleicht schon etwas müde war. Einem Freund, der das Konzert ebenfalls besuchte (aber nicht wie ich im Parkett, sondern oben in der Loge saß), gefiel es nicht, dass Halvorsens Gitarre gegenüber den anderen Instrumenten kaum zu hören war (War das evtl. oben mehr ein Problem als unten?), speziell auch, weil neben ihr Pedal-Steel-Gitarre von Susan Alcorn so viel Raum bekam. Mich störte das weniger, aber es fiel schon sehr auf, dass jede/r der Mitwirkenden ausgiebigen Raum für Soli, meist mehrfach, bekam, während die Chefin sich diesen Raum nicht schenkte und geradezu bescheiden am Rand saß und spielte, als wäre sie eine Nebenfigur des Ganzen. Ihre Mitmusiker waren durchweg beeindruckend und mitreißend, speziell Bassist John Hébert und Saxofonist Jon Irabagon kamen beim Publikum sehr gut an. So unterhaltsam ich das etwa 45-minütige Programm auch fand, es schien mir auch ein klein wenig enttäuschend konventionell, in American-Jazz-Mainstream-Weise, weshalb mich sehr wunderte, dass Bill Frisell die Zugabe mit Halvorsen später mit den Worten einleitete: „It blew my mind. I’ve never heard anything like that.“ Denn so vielseitig und eingängig Halvorsens Oktett-Programm auch war, dass man das, womit die acht oder neun hier dargebotenen Stücke aufwarteten, nicht bereits irgendwo so oder ähnlich gehört hätte, konnte man nun wirklich nicht sagen.

Dabei fällt mir ein, dass in einem Kurzbericht zum Festival (im RBB, wenn ich mich nicht irre) ein paar Gäste nach den Konzerten befragt worden waren, und einer dieser Interviewten, laut Selbstaussage seit vielen Jahren ein regelmäßiger Jazzfest-Besucher, brachte es tatsächlich fertig, in seinen kurzen Statements sicher sechs- bis achtmal zu sagen, dass das Programm in diesem Jahr besonders „anstrengend“ (gleichwohl lohnend) sei, „so anstrengend war es noch nie“. Man darf daher mit einiger Sicherheit annehmen, dass der Herr sich über das zumeist ruhige Programm des „Melancholic Sunday“ sehr gefreut haben dürfte. Leider war ich nicht bei dem Doppelkonzert am Nachmittag, obgleich Maria Fausts großartiges Ensemble-Programm für eines der besten und fantasievollsten im zu Ende gehenden Jahr veröffentlichten Jazzensemble-Alben (Machina) gesorgt hat, das ich liebend gerne live erlebt hätte, zumal in der Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche und gefolgt von einem Soloauftritt von Kara-Lis Coverdale.

Zurück zum Abendprogramm: Während Mary Halvorsens Oktettstücke also mit Abwechslungsreichtum und Publikums-Eingängigkeit punkteten, das Konzert indes leider ein wenig steif und unflexibel wirkte (ein Eindruck, den mein Freund oben auf der Loge ebenfalls bekam – jedes der vielen Soli vermittelte weitaus mehr das Gefühl von Pflicht als von Kür, schade), war der Auftritt von Kim Myhrs Septett, der den Gitarren-Konzertabend eröffnete, gewissermaßen das Gegenteil: Interessanterweise machen die Stücke seines Albums You | Me in ihrer etwas ausgebauten Live-Variante (erweitert auf ganze vier Gitarristen!) erst einmal den Eindruck streng durchgeplanter und unflexibler Minimal Music. Wer das Album kennt, weiß, dass es sich hier um zwei epische Kompositionen für Gitarre und mehrere Perkussionisten (Hans Hulbækmo, Ingar Zach und Tony Buck) handelt, die in der Tradition von Steve Reichs „klassischem“ Material stehen, gefiltert durch leise Anklänge an norwegische Volksmusik und die aus dem Osloer Sofa-Music-Umfeld (oder ähnlich auch von den Necks, apropos Tony Buck) bekannte Ambient-Improvisation, wo Kim Myhr und Ingar Zach mit dem Sofa-Label und ihren zahlreichen Bands und Projekten seit mindestens 15 Jahren wesentliche Protagonisten sind. Der Ansatz, den diese Musiker verfolgen, ist oftmals der eines hypnotischen Musizierens mit sich ineinander verzahnenden und auseinander herauskristallisierenden Entwicklungslinien, was auch beim Zuhörer gerne einen latenten Trance-Zustand evoziert. Das gelang auch beim Auftritt am Sonntag Abend sehr schön und vor allem ohne, dass es je steif und formal geworden wäre, nicht zuletzt weil sich die sieben Musiker offenkundig seit vielen Jahren kennen und gut verstehen. Man darf dabei freilich keinen konventionellen Jazz erwarten, wie das wohl die beiden etwas älteren Besucher/innen neben mir hatten, die nach dem Myhr-Konzert kommentierten, dass das die Konzerte aufzeichnende Radio jetzt fürs erste wieder genügend banale Dudelmusik für die Minuten vor den Nachrichten in petto habe. Schätze, die beiden waren mit dem deutlich jazzigeren, aber auch gefälligeren Auftritt des folgenden Oktetts dann gut bedient.

Gerne hätte ich wie gesagt auch andere Konzerte erlebt, zumal der erwähnte Freund sehr positiv über die Auftritte von Jaimie Branch, Moor Mother und Irreversible Entanglements berichtete. Bill Frisell hat er wiederum durch diesen Abend schätzen gelernt. [Fotos © Camille Blake. (Die zweite Gitarre fasste Frisell während des ganzen Auftritts übrigens nicht einmal an.) Ein paar Fotos von dem Abend kann man hier bei der Jazz-Zeitung sehen.]


I’m relatively new to Django Bates artistry, so he is still a bit of an enigma to me. I gather he has many facets. Having first heard him on Anouar Brahem’s Blue Maqams and then on his brilliant new trio album, Beloved, I didn’t know what to expect when I saw this – but I knew I had to have it. I watched a couple live YouTube videos and was intrigued.

For the most part Bates has stayed almost religiously true to the canon of Pepper; there is barely a bar that has been changed with regards to form and structure. Rather than completely reinvent the album as was done to Revolver by San Francisco jazz singer Ann Dyer (Revolver: New Spin,) he has wisely chosen to keep Pepper’s bones intact, for the most part anyway, and instead adds some jazz filigree to the mix, by augmenting it with earthy big band horn parts, a few surprising harmonic twists and turns, occasional funky guitar riffs and subtle groove shifts. He plays a lot of Rhodes piano, deftly riffing here and there, but never muddying the sacrosanct Pepper waters. Amidst the augmented arrangements, all the associated licks and classic guitar solos are reverently played (although not always by guitars,) once again showing Bates has a great deal of respect for the material. There are exceptions: one tune, (and it might be the Sgt Peppers theme itself if memory serves), is mostly in 5/4. But these sorts of liberties are rare.

The vocalist is perhaps the weakest link in the chain. He too stays true to the originals, offering little in the way of reinterpretation. He has the right Brit rock/pop pipes, no doubt, but there is very little to distinguish these vocals. I would describe them as appropriate and serviceable, yet they come off for this listener as a bit flat, i.e. they don’t get in the way of the proceedings, nor do they particularly shed any new light on the material.

That being said, a more radical departure may not have worked. I think of Nguyen Le’s Dark Side of the Moon, a reimagining of the classic Pink Floyd album. It is a far more radical departure from the original, reinventing the material entirely for big band and employing female (as well as males) voices for the vocal chores. Le even adds his own entirely original material to the mix – it’s the complete opposite approach to Bates’s, and while extremely bold, doesn’t seem to find its way onto my player very often. This version of Pepper however, is plain fun to listen to and finds a sweet spot between reinvention and fidelity to the original.

The bottom line is, Bates has managed to create a highly listenable version of a masterpiece, run through the kaleidoscopic lens of Bates’s wild imagination.



Lieber Michael,

hier die Antwort von Mayo Bucher: 

Das Bild heisst eigentlich „December Walk“. Was es genau darstellt, bleibt der Fantasie überlassen. Nur so viel: Ich habe das Foto 2010 auf dem Flugplatz Dübendorf (wo sich auch mein Atelier befand) im Nebel geschossen, und der Boden war voller Raureif- so dass das gefrorene Gras beim Laufen geknistert hat. Die Schwarz-Weiss Fotografie wurde mit Pigmentdruck auf Malerei auf Holz übertragen. Matt und Glanz spielen im Original auch eine wichtige Rolle.

Das finde ich sehr passend! Vielschichtig, knisternd, glitzernd, aber gleichzeitig etwas Weiches – tief, aber sanft etc. 

Liebe Grüsse, Björn 





Ja, es dreht sich um Natur, Evolution, Klimawandel, Zerstörung, Transformation, aber diese Musik ist ein Akt der Beschwörung, nicht der Belehrung. 74 Jahre hört man der Stimme der Meredith Monk nicht an, wohl aber die, zahlreiche Monde ungebrochene, Kreativität, mit einer kleinen Schar von Sängern und Instrumentalisten unerschöpfliche Musik anzuzetteln, in der Avantgarde und Archaisches eins werden. Ich schaue mir die Herbstliste des letzten Jahres an, gerade die Werke der „New Series“, und rufe wohl morgen mal im Hauptquartier nahe München an, um auch noch Eleni Karaindrou und Gavin Bryars ins Haus zu holen, allesamt Stammgäste der Klanghorizonte seit 1990, und in entlegenen Räumen unterwegs.


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