Manafonistas

Online-Konzert zum Vormerken:

24. April, 20.30 MEZ.

Anmeldung hier.

Plattenausleihen, das ist schon eine schwierige Kiste, aber unter Freunden, na klar, kein Problem. Und wenn dann mal eine Scheibe verloren geht, dann muss man das eben aushalten. Anlässlich des Todes von Niels Henning Orsted Pederson am 19.April 2005 hatte ich sie ausgeliehen, diese wunderbare Duoplatte: Paul Bley & NHOP, allein schon die Titelliste dieser Ausnahmeplatte haut den Liebhaber dieser beiden Musiker aus den Puschen: „Meeting“,“Mating of Urgency“, „Carla“, „Olhos de Gato“, „Paradise Island“, „Upstairs“, „Later“, „Summer“, „Gesture Without Plot“. Im Juni und Juli 1973 wurde die Platte damals aufgenommen (hätte ich das geahnt, damals hatte ich gerade das Abitur hinter mir und von beiden Musikern noch nie gehört). Das herrliche „Olhos de Gato“ wurde von Carla Bley komponiert, „Gesture Without Plot“ von Annette Peacock, alle anderen Stücke schrieb Paul Bley.

Die Freude über den Fund war so groß, dass ich sofort Lust verspürte, einmal zu schauen, ob Paul Bley nochmals mit NHOP eine Platte eingespielt hatte. Meine Erinnerung täuschte mich nicht, diese Platte war die einzige Aufnahme dieser beiden. Allerdings gab es ein Nebenprodukt meiner Suche durch die Paul-Bley-Abteilung meines Plattenschrankes: die erstaunliche Feststellung, dass der Meister mit fast allen mir bekannten Bassisten dieser Welt zusammengespielt hat, Hier meine Liste der Bassspieler, die mit Paul Bley musiziert haben: Percy Heath, Peter Ind, Charles Mingus, Stu Woods, Dick Youngstein, David Holland, Jaco Pastorius, Jesper Lundgaard, Eddie Gomez, Kent Carter, Ron McClure, Bob Cranshaw, Marc Johnson, Jay Anderson, Barre Phillips, Furio Di Castri und natürlich Gary Peacock, Steve Swallow und Charlie Haden. Ja und, man glaubt es kaum, auch Annette Peacock spielte in einer Gruppe um Paul Bley den (electric) Bass und zwar auf Annette and Paul Bley – Dual Unity von 1971.

Was ich noch erzählen wollte, als der Freund die LP wieder gefunden hatte, mussten wir sie sogleich gemeinsam anhören, wenigstens eine Seite. Die Begeisterung war riesig, vor allem auf Seiten des Freundes, sodass ich mich entschloss, ihm besagte Platte gleich nochmal auszuleihen. In diesem Moment entdeckte ich in einer Ecke des Raumes eine mir unbekannte Platte, die ich allerdings zu gerne gehört hätte. Klar, ich bekam sie ausgeliehen, auch das eine wundervolle Platte und, wie es der Zufall will, auch diese Scheibe wurde 1973 aufgenommen, und auch auf dieser Platte spielen Wegbegleiter Paul Bleys eine wichtige Rolle. Die Rede ist von Don Cherry und seiner Relativity Suite mit dem Jazz Composer’s Orchestra (Carlos Ward, Charlie Haden, Ed Blackwell, Sharon Freeman, Paul Motian, Carla Bley, Dewey Redman und anderen).

Ein verdammt kluger Kopf. Shabaka Hutchings zuzuhören, wenn er über emotionale Vieldeutigkeit redet, über seine Liebe zu alten Platten von Impulse! Records wie Pharoah Sanders‘ Album „Thembi“, über Nyabhingi-Trommeln auf Jamaika, oder Tuk-Orchester auf Barbados in den Räumen seiner Kindheit – das alles ist eine Freude! Auf den Punkt, das Abstrakte mit Sinnlichkeit bereichernd, und reich an Nuancen. Und nun wird am 13. Mai das famose  Album „Black To The Future“ seiner Sons of Kemet erscheinen, und wohl kaum kann sich das revitalisierte Label Impulse zum 60. Geburtstag ein furioseres, tanzbareres, vielschichtigeres wünschen wünschen als dieses – es gibt zweifelsfrei eine historische Parallele zwischen der Bürgerrechtsbewegung der spätern Sechziger Jahre, den Impulse-Platten jener Jahre (bis ca. 1975), zu all dem Wahnsinn in den USA heute, und „Black Lives Matter“. Und es ist auch Fakt, dass Shabaka Hutchings‘ Kompositionen auf Universalität zielen und nicht auf seine afro-karibo-amerikanische brotherhood zugeschnitten sind.

Ich bin von dem Reichtum dieser Musik begeistert, von der Palette der Emotionen, von der Durchdachtheit und dem Abenteuer dieses Werkes. Und als ich dann spürte, dass ich für drei Sendungen ausreichend O-Töne hatte, bedankte ich mich für  das Gespräch, und wollte ihn zum Ende hin noch fragen, wie das „street life“ in diesen Tagen in South London aussehe, in denen die Stadt erstmals wieder durchatmen könne. Anders als wir hier in Deutschland.  Aber dazu kam es nicht, weil er feststellte, dass er vergessen hatte, unser Gespräch aufzuzeichnen. Das war hart, aber wir machten nach einer kleinen Pause einen „second take“. Der nicht ganz an das erste Mal rankam, aber nah dran. Und ich weiss nun gar nicht mehr, ob seine Gedanken zu musikalischer Innovation im ersten oder zweiten Durchgang vorkamen. Der Aufhänger war, dass mich sein Album, „with its mix of street credibility and innovation and post-production skills“ an Miles Davis‘ „On The Corner“ erinnert. Aber egal. In den JazzFacts des DLF, am 6. Mai um 21.05 Uhr, und in den Klanghorizonten am 17. Juni, sind „Sons of Kemet“ gesetzt. Wer bis dahin nicht warten möchte, lege „On The Corner“ auf den Plattenteller, oder „Thembi“. Und für Einsteiger in die Welt des Labels „Impulse!“ gibt es auch bald eine feine Compilation. Wer da einmal Feuer gefangen hat …

„RIGHT FROM its inception in 1961 as the jazz imprint of ABC/ Paramount Records, a wellheeled major pop label, Impulse! had the creative mindset of an independent record company. Initially founded by producer Creed Taylor, Impulse! evolved under his successors (Bob Thiele and Ed Michel) into an entity that became synonymous with musical revolution, spiritual enlightenment, Afrocentrism, and sociopolitical commentary during a turbulent time in American history. Those themes resonate deeply in the grooves of the 25 tracks on Music, Message And The Moment, a 4-LP set celebrating the iconic jazz label’s 60th anniversary. Ranging from the spiritual exaltations of the Coltranes (John and Alice) to the astral travels of Pharoah Sanders and the earthbound, bluesy soul-jazz of organist Shirley Scott and saxophonist Stanley Turrentine, the retrospective takes the listener on an exhilarating journey through varied sonic landscapes. The aesthetically pleasing package includes two magazine -style booklets and a vinyl slip mat.“

(Charles Waring, Mojo, June Edition)

In ein paar Tagen stellte Martina ihr Gespräch mit Kristin Breitenfellner in den Blog, und wir lesen dann von neuen Sonetten, einer Gedichtgattung, die wir eher mit alten Zeiten verbinden. Barbara schickte mir einen link zu einer Szene des vielgepriesenen Films „Nomadland“, in der Frances McDormand Shakespeares Sonnet 18 rezitiert, eines von zwei Gedichten, die ich auswendig kenne, und das ich vor Wochen nachts auf Sylt Richtung Meer brüllte, gegen den Wind. Und nun, Vorhang auf, für Gedichte aus der englischen Romantik. Es klingt wie das schrecklichste Eitelkeitsprojekt, das es gibt. Ein alternder Popstar, die eine Auswahl ihrer Lieblingsgedichte aus dem 19. Jahrhundert darbietet, während ihre Kumpels im Hintergrund eine Ambient-Odyssee abnudeln – „nicht auf Melodien oder Akkorde festgelegt„. Nur dass es sich bei dem alternden Popstar um die formidable Marianne Faithfull handelt, und ihre Kumpels Warren Ellis, Nick Cave und Brian Eno sind. She Walks in Beauty ist ein unsentimentales  Album einer Piraten-Crew von Überlebenden, und es grossartig, findet Helen Brown, im „Independant“, und das finde ich auch. Morgen erscheint das Album, ich habe mir die Vinylfassung gegönnt.

She Walks in Beauty finds Faithfull ablaze and afloat on a misty soundscape of waves, birdsong, synths, loops, street sounds, piano and cello. The album includes some of the best-known poems in the canon: Byron’s “She Walks in Beauty”, Shelley’s “Ozymandius” and Keats’s “Odes to a Nightingale” and “To Autumn”. Many listeners will know them from old school textbooks (some of us by heart). But Faithfull lifts them from the page with a compelling combination of crispness and tenderness. She doesn’t use that soporific “poetry voice”. Instead, she can make 200-year-old visions of beauty, love and death feel as urgent as the latest true-crime podcast.

„Die vier Männer, die in der Halloween-Nacht 1975 die schweißtreibende Bühne des Stuttgarter Gustav-Siegle-Hauses betreten, machen dies ohne großes Theater. Im Gegensatz zur Theatralik anderer Progressive-Rock-Gruppen jener Zeit tragen sie weder ausgefallene Kostüme noch kommen sie mit einem aufwändigen Bühnenbild – keine Schlösser, Styropor-Megalithen oder Eisbahnen hier. Die Musik, die sie leise anstimmen – aus einem brummenden Synthesizer und einer wimmernden E-Gitarre, ohne aufwändiges visuelles Feuerwerk – beschwört neblige Ausblicke auf ferne Hügel herauf. Nach drei Minuten kommt durch dieses wirbelnde Gewebe der leichte Tritt eines Schlagzeugmusters, wie ein in den Sümpfen verlorener Krieger. Stampfende Bassnoten tragen den Geschmack persischer Tonleitern in sich. Alle Elemente drehen sich umeinander, verschmelzen und münden schließlich in einem Groove, den wir im 21. Jahrhundert als Techno-Puls erkennen würden. Dies beschreibt die ersten sechs Minuten von Live In Stuttgart 1975, der ersten in einer Reihe von restaurierten Live-Aufnahmen von Can.“

(Rob Young, Uncut, June 2021; übersetzt von D.L. und M.E.)

Die einen berichten davon, oft Bildhaftes bei (bestimmten) Musikstücken zu erleben, andere erleben solche optisch-akustischen Verschränkungen so gut wie nie, oder allenfalls in raren Zuständen von geleiteter Trance und Tiefenentspannumg („kathathymes Bilderleben“). Manchmal „denkt“ man auch an (bewegte) Bilder, ohne sie plastisch vor sich zu sehen, während des Hörens. Man kann auch einfach beim Klang verweilen. Mehr als einen Hauch von Kino erlebe ich bei diesem neuen Song von Lambchop, und, ehrlich gesagt, ohne Bilder. Kurt Wagner ist in gewohnter Art und Weise experimentell an das im Mai erscheinende Opus von Lambchop herangegangen. Eine Art digital vermittelter Instrumenten-Transfer stand am Anfang des Prozesses, aus dem „Showtunes“ werden sollte. Der Songschmied aus der berühmten Countrymetropole hatte zu Beginn Gitarrenklänge aufgenommen und in MIDI-Pianospuren umgewandelt.

Plötzlich entdeckte ich, dass ich Klavier „spielen“ konnte. Es war eine Offenbarung, dass ich aus diesen Konvertierungen jede Note manipulieren und die Akkorde und Melodien in einer Form hinzufügen, subtrahieren, arrangieren konnte, die keine der Einschränkungen aufwies, die ich bei meinen früheren Schreibmethoden mit einer Gitarre hatte.

Ich bin gespannt, wie sich dieser Ansatz auf das neue Album auswirkt. Im Laufe der Jahre haben sich bei Lambchop immer wieder andere Ansätze des Songschreibens und Song-Entwickelns ergeben, ein Grund für ihre ungebrochene Kreativität. Wie gesagt, „A Chef‘s Kiss“ enthält in meinen Ohren mehr als einen Hauch von Kino. Mit oder ohne Bilder im Kopf. Aber machen Sie sich doch bitte selbst ein Bild! 

Fifty years ago today, at 10 o’clock on the morning of Monday 17 April 1972, the photographer Val Wilmer and I arrived at Abbey Road Studios to hear Ornette Coleman recording The Skies of America with the London Symphony Orchestra. It was the first of four three-hour sessions, held on consecutive days, during which the entire work was committed to tape. (r.w.)

And what an album that was – and still is, with some strange folk spheres and distant echoes of the blues sent up into American skies with a sense of yearning, lament, and danger. The idea of the piece came to Ornette while visting an Indian reservation in Montana in the 1960s. The album had countless admirers of musical visionaries, from Scott Walker to Mark Hollis or Gavin Bryars. Richard Williams is back again on his blog The Blue Moment (see our blog roll)  and remembers. (m.e.)

„… and then you’re left in this wonderful area of floating which i love so much“  (David Darling, 1994, in that old radio show)

THE FIRST HOUR 

Pino Palladino & Blake Mills: Just Wrong (from Notes With Attachements)  / Thomas Stronen, Marthe Lea, Ayumi Tanaka: Varsha (from Bayou) / Sinikka Langeland: Wolf Rune (from Wolf Rune) / Simon Goff: Wooden Islands (from Vale) / Nik Bärtsch speaking / Nik Bärtsch: Modul 55 (from Entendre) / Ballaké Sissoko: Kora (from Djourou) / Daniel Lanois: Every Nation (from Heavy Sun) / Valerie June: Stardust Scattering (from The Moon and Stars: Prescription for Dreamers) / Balmorhea:  …  (from The Wind)

THE SECOND HOUR

Sternzeit – /  A Winged Victory for the Sullen: Total Perspective Vortex (from Invisible Cities) / Daniel Lanois: Under The Heavy Sun & Mother’s Eyes (from Heavy Sun) / Lana del Ray: Chemtrails over the Country Club (from Chemtrails Over The Country Club) / Floating Points, Pharoah Sanders, London Symphony Orchestra: Movement 7 (from Promises) / Joshua Abrams speaking* /  Natural Information Society with Evan Parker: Part III (from: Descension (Out Of Our Constrictions – out now on Aguirre Records, promoted in Germany at least, by Werner and Klaus, no kidding) / Balmorhea: some more quiet moments from The Wind)

Joshua Abrams (transcript of his special „solo speech“): „At the time of this recording we had performed descension (Out of Our Constrictions) 17 times in concert over a period of 5 months. i wrote the music in February of 2019 for the current touring incarnation of Natural Information Society made up of Lisa Alvarado, Mikel Avery, Jason Stein & myself. Lisa plays harmonium amplified with effects, Mikel – drums, Jason Stein – bass clarinet & i play guimbri.  The guimbri is a 3 string bass lute sometimes called a sintir or a hajhouj. It is Gnawan instrument that can be heard in sacred & secular music. I like to think of the guimbri as a sophisticated form of soundmaking technology for focusing & guiding concentration.

The music i write for Natural Information Society is interwoven & multilayered. we are all weaving a sound together. With time & experience performing the piece we find new paths, resting places & occasional detours.  it is the woven nature of the composition that gives descension (Out of Our Constrictions) its hypnotic qualities. The music encourages the band’s members to find variation & embellishment & is written with room for mutability & improvisation.  

From time to time we have the pleasure of having guests join the group.  when we last played in berlin, a couple days before this recording, Tony Buck, Magda Mayas & Theaster Gates all joined us at Arkaoda.  other guests have included Chris Abrahams, Josh Berman, Hamid Drake, Alexander Hawkins,  Tomeka Reid, Dave Rempis & Helge Sten.  In most cases guests are free to improvise along with the group and respond to the vibration and context of the piece (music)

Evan Parker needs no introductions for his contributions & innovations to free improvisation, the saxophone & music in general.  Far be it for me to tell him what to play or say.  he’s a free agent.  It is always a challenge & an honor to try to rise to what he brings to the music.  What you will hear is side C of a recording from a concert we presented at Cafe OTO in London. The piece is about 1/2 way through a 70 something minute performance.  The music is opening up, Jason is soloing a little, trying to catch up to Evan and the band is fully in.  CAFE OTO is one of the group’s favorite places to play & this night was no exception. The audience was crowded & the room was full of good energy bouncing off the walls.  playing the concert was a thrilling experience & and the hang (was) a fine time to boot.“ (translated by Deepl. in comment 3) 

THE THIRD HOUR 

This theme hour on DAVID DARLING will be quite a surprise. Deep in the archives Odilo C. found two portraits I did about the music of the late composer and cello player, from the years 1994 and 2001. – what a joy, to listen once more to Darling’s voice and musical confessions, not to forget the days in the studio with Manfred Eicher working on „Cello“. The second show has the better title: „Mr. Darkwood und die Langsamkeit der Steine“, but I will broadcast  „Das Herz der Dunkelheit“,  which is more centered around his primal inspirations, with music mainly from the solo cello albums JOURNAL OCTOBER and CELLO. And some excerpts from Darling‘s duo album with Terje Rypdal, EOS, and his album as band leader, CYCLES. 20 years of  great achievements, produced by  Manfred Eicher between 1979 und 2000. Here the old show in its entirety, without introductory and closing words  from the radio broacast yesterday … 

THE FOURTH HOUR 

Beverly Glenn-Copeland (from Keyboard Fantasies)
Various Artists:  Made To Measure, Vol. 1 (Minimal Compact)

Die Welttraumforscher: two tracks  from DIE RÜCKKEHR DER ECHTEN MENSCHEIT: DIE JAHRE 1981-1990

Grandaddy: He‘s Simple, He‘s Dumb, He‘s the Pilot (from The Sophtware Slump….on a wooden piano)

Die Welttraumforscher: two tracks from WIR ARBEITEN FÜR DIE NÄCHSTE WELT: DIE JAHRE 1991-2012

Various Artists:  Made To Measure, Vol. 1 (Aksak Maboul)
Beverly Glenn-Copeland (from Keyboard Fantasies*)

V.A. – Soul Jazz Records presents Studio One Dub Fire Special 

*Re-release of Beverly Glenn-Copeland’s rural Canadian  suite for DX7 and TR707 …keyboard fantasies… with new carefully reconstructed glasswork design by Alan Briand.  Beverly Glenn-Copeland is already known amongst collectors and music heads for two sought-after albums of folky jazz in the key of Joni. But it was this album, originally self-released on cassette in 1986 that really caught our attention. The album, entirely recorded on DX-7 and TR-707, lies somewhere between digital new-age and (accidentally) early Detroit techno experiments. The inimitable style of BGC here is both peaceful and meditative while simultaneously rhythmic and bass heavy. The album was recorded in the northern Canadian town of Huntsville where BGC was living at the time and is a beautiful fusion of personal vision, technology and place.

THE FIFTH HOUR (PART 1) 

Eduardo Ramos: Vocacion Revolucion / Groupo Mounmental: Hasta Los Cuantas / Los 5 U 4: Solo Esta Musica / Grupo de Experimentacion Sonora del ICAIC: Concion Con Todos / Orquestra Los Van Van: Yo Se Que Van Van / Grupo Monumental: Nadia Se Siente Cansado / Orquestro Ritmo Oriental: Maria, Baila El Son / Juan Pablo Torres Y Algo Nievo: Rampe Cocorioco (all tracks from the Soul Jazz Records compilation:  V. A. – Cuba Music And Revolution – Culture Clash in Havana Cuba – Experiments In Latin Music Vol. 1)*

THE FIFTH HOUR (PART 2) 

Omar Khorshid   (from Omar Khorshid with Love)**
Ayalew  Mesfin: Mot Aylerim (from Tewedije Limut)
Marcos Resende & Index: My Heart (from Marcos Resende & Index)

*Like Manna from the heavens, this superb collection heralds in the New Year and has to be one of the most significant compilations for many a decade.  Released as both a heavyweight 3 x vinyl LP and deluxe 2xCD set, this Soul Jazz Records album is the culmination of some 20 odd years of research and crate-digging by compilers Gilles Peterson and Stuart Baker. Featuring a number of legendary Cuban artists who flourished in the 70s and 80s, for example Los Van Van, Grupo Irakere and Pablo Milanés,alongside other lesser-known performers, such as Grupo De Experimentación Sonora Del ICAIC, Grupo Monumentaland Orquesta Ritmo Oriental, who remain unknown outside their native country, virtually none of the tracks appearing on the collection have ever been heard outside of Cuba.

** „With Love“ released by the Beirut-based Voice of Lebanon label in 1978 is a testament to Omar Khorshid’s greatness and encapsulate the unique sound of his guitar playing over modern arrangements establishing him as one of Arabic music’s true innovator. Featuring reworkings of such favourites as Mohamed Abdel Wahab’s „Ahwak“, Farid El-Atrache’s „Hebbina Hebbina“ (a Brian Eno Favourite), and the Rahbani Brothers‘ „Rahbaniyat“, the album is a fascinating example of modern arabic music that aimed at fusing traditional influences with the more contemporary ones, and has become highly sought-after by lovers of this Middle Eastern sounds around the world.“

Brooklyn, späte 60er Jahre: „Deacon Cuffy Lambkin of Five Ends Baptist Church became a walking dead man on a cloudy September afternoon in 1969. That’s the day the old deacon, known as Sportcoat to his friends, marched out to the plaza of the Causeway Housing Project in South Brooklyn, stuck an ancient .38 Colt in the face of a nineteen-year-old drug dealer named Deems Clemens, and pulled the trigger.“ Die Tat setzt zahlreiche Charaktere, deren Wege sich an seltsamen Stellen kreuzen, in Bewegung – ein irischer Cop, afroamerikanische Frauen und Männer, die noch das Leben im Süden kannten und erst im zum Teil fortgeschrittenen Erwachsenenalter nach NYC gekommen sind, deren Kinder, die nur das Leben in den „project houses“ kennen, italienische Mobster und viele andere. Zwischen ihnen gibt es Unsicherheiten und Missverständnisse, die zum Teil in Gewalt eskalieren, aber auch Respekt und Humor.

Deacon King Kong von James McBride zeigt New York kurz vor der großen Heroinwelle, bevor die Drogen den Alltag in den dominieren. Liebevoll wird ein Sammelsurium von Figuren geschildert, wird gezeigt, was sie verbindet und zusammenhält – eine Feier der Gemeinschaft, die von der Nachbarschaft, den Mietskasernen und von einer in Eigeninititative geschaffenen Kirche, der „Five Ends Baptist Chruch“, gestiftet wird.

Aus irgendeinem Grund hatte ich erwartet, einen geradlinigen Krimi zu lesen und fand mich dann in diesem Panorama oder Wimmelbild wieder, das mich mit seiner Vielzahl an Figuren immer mal wieder an den Rand der Überforderung gebracht hat. Trotzdem war die Lektüre dieses warmherzigen, lustigen und trotz wütenden Untertons positiven Romans kurzweilig und sehr lohnend.