Manafonistas

Peter Handford has greatly enriched the archive of material relating to the steam age through his brilliant recordings which were initially made with heavy equipment that was difficult to transport to suitable locations. One of his specialities was that recordings frequently included local colour: the sound of semaphore signals changing position, sheep, bird song, bells and railwaymen exchanging information. The marvelous diction of the lady station announcer at York is caught wonderfully. He was born on 21 March 1919 and died in November 2007..

Handford joined the Denham Film Studios as a trainee sound recordist in 1936, followed by war and then working for the prestigious Crown Film Unit before joining MGM at Borehamwood. In the 1950s he started to record the sound of steam locomotives and began marketing his output on a small scale in November 1955 by placing small advertisements in Railway Magazine and Trains Illustrated.

A great affection was developed for the V2 class: „they were a recordist’s dream and for shear variety of sound had no equal“. Like photographers, he was frequently unlucky: bad weather, the class of locomotive was not used that day, and equipment failure (which was far more prevalent than that of cameras). He only just managed to capture the sound of the Midland 0-10-0 working on the Lickey Incline.

His own work: Sounds of railways and their recording. Newton Abbot: David & Charles, 1980 covers his career excellently and the discography which follows was taken from it. Since then much of the material has appeared in CD format. KPJ’s father was generously plied with Transacord records for his assistance in providing lineside permits: naturally these gravitated into his collection. His youngest grandson greatly enjoys falling to sleep whilst listening to a CD compilation which begins at Durham, travels via „This is York“, and if we are lucky is asleep before Peterborough, but hopefully not before we hear a V2 syncopating its way to Stoke Summit.

Damals wusste ich ja, dass über jazz by post, meine Dealer-Adresse, ein kleines Paket kommen würde, mit der neuen LP „After The Rain“ von Terje Rypdal, und konnte es kaum erwarten, das Teil auf den Plattenspieler zu legen. Die Alben davor, seine eigenen, und die zwei Studioaufnahmen in der Gruppe von Jan Garbarek, hatten mich zum Fan gemacht. Ich habe damals „What Comes After“ wohl öfter gehört als „Ege Bamyasi“, und das will was heissen. Als ich nun, einige Wochen vor der Veröffentlichung von „Conspiracy“ am 11. September, das neue Teil in der Post hatte, aus dem Münchner Hauptquartier, war meine Verwunderung gross. Mit einem Spätwerk hatte ich nicht mehr gerechnet, es ist tatsächlich seine erste Studioaufnahme seit zwei Jahrzehnten, der Aufnahmeort das Rainbow Studio, der Produzent Manfred Eicher, und der Nachfolger von Jan Erik Kongshaug gibt den Toningenieur. Ich scheute ein wenig davor zurück, mindestens eine Woche lang, das Album zu hören, befürchtete eine allzu gemütliche Reise in ein altes Jahrzehnt. Aber dann siegte die Neugier. Sechs Kompositionen, jede öffnet eine andere Sphäre, ich schweifte, lauschend, keine einzige Sekunde ab, ein fantastisches Quartett. Es ist schon rätselhaft, dass das hier dermassen taufrisch, so sehr nach einem Heute, klingt, und nicht nach einem erinnerungsselig aufgewärmten Damals. Eine zauberhafte Scheibe. (Ich stelle sie vor in den JazzFacts am 1. Oktober, in den Klanghorizonten am dritten Samstag im Oktober – eine Stunde lang werde ich in jener Nacht, in der „Nahaufnahme“, auch den frühen Klassealben Rypdals widmen – und es ist eines der Alben des Monats hier auf dem Blog im September.)

New and forthcoming albums (1): Michel Benita Quartet / Mohammad Reza Mortazavi & Burnt Friedman / Jon Hassell / Mino Cinelu & Nils Petter Molvaer /  Jon Hassell / Laraaji / Mino Cinelu & Nils Petter Molvaer / Nat Birchall & Al Breadwinner / Nat Birchall & Al Breadwinner / Burnt Friedman & Jaki Liebezeit (Steve Lake is the producer of the forthcoming ECM quartet album by Michel Benita, titled „Looking At Sounds“, excellent chamber jazz with a subtle palette of folk and electronics. La Buissone, the studio on Southern France, a real power spot. Like, speaking of Birchall / Breadwinner, The Bakery is in or near Manchester.)

New and forthcoming albums (2): Michel Benita Quartet / Shirley Collins / Shirley Collins / Neil Young / Darren Hayman / Darren Hayman / The Jayhawks / Fiona Apple / Fiona Apple / Fiona Apple / Hedvig Mollestad (in spite of a period of silence because of a muted cd-player, this might be, in retrospect, my favourite sequencing of tracks, for this night.)

Close-up – („Into the British hinterland“): Will Burns and Hannah Peel / Shirley Collins / Richard Skelton / Ann Margaret Hogan / The Unthanks / Will Burns and Hannah Peel  / Erland Cooper / Darren Hayman /  Anne Briggs / Green Gartside / Trains In The Night  / Roger Eno and Brian Eno (Luminous – only, if the vinyl arrives on time)

„So abseitig, so gut, Darren Haymans Trilogie „Thankful Villages Vol. 1, 2 & 3“!  Der ferne Erste Weltkrieg ist  zwar hier und da Thema, doch nicht das zentrale – und was für eine Bandbreite:  Schließung örtlicher Schulen,  Liebesaffären, Nazi-Vikare, Badeunfälle, stillgelegte Eisenbahnen, eine  Explosion, mit Leichenteilen überall. „Oral history“ und  Song-Vignetten. Statt einer musikalischen Parade mit Liedern über den Krieg hat sich Hayman also dafür entschieden, nachdenkliche Meditationen über das Landleben, den Wandel und verlorene Lebensweisen zu schaffen. Und er hat ein Händchen dafür, die Freigeister überall ausfindig zu machen. Dass ich nur einen Song seiner Trilogie gespielt habe, lag daran, dass die Sendung übervoll war, und am Ende noch eine Dampflokomotive mit schrillem Pfeifen durch eine Nacht des Jahres 1961 stampfte, aber kein Platz mehr war, im Finale, für die „Elderly Brothers“, und ihren kleinen Nachschlag zu „Mixing Colours“ in Vinyl, namens „Luminous“. Darren Hayman ist übrgens im Blogroll der Manafonisten angekommen.“

Time Travel (1) –  („The Tokyo-Montana Express and other surfing guides“): Shigeru Suzuki, Harry Hosono & Tatsuro Yamashita / Hiroshi Yashamura / The Beach Boys / Hiroshi Yashamura / Pacific Breeze 2 / Nina Simone / Pacific Breeze 2 / Nina Simone / Pacific Breeze 2 / Shigeru Suzuki, Harry Hosono & Tatsuro Yamashita / The Beach Boys / Shigeru Suzuki, Harry Hosono & Tatsuro Yamashita (the last track of this hour was a bit of a stranger on the „Pacific“ album, with  hints to the electro sounds of Yellow Magic Orchesta, and Hiroshi Yashamura‘s perhaps finest ambient music, „Green“ got a great remastering. The title song of Nina Simone’s „Fodder On My Wings“ is one of my most beloved Simone songs, and not really well-known. Thanks to Uli for his insightful words on Hiroshi Yashamura’s  „Green“  which I was ruthlessly quoting without asking.)

Time Travel (2) – („From Rock Bottom to The Bakery“): Robert Wyatt / Robert Wyatt / Robert Wyatt / Robert Wyatt /// Vin Gordon / Vin Gordon  / Birchall & Breadwinner / Birchall & Breadwinner /  Birchall & Breadwinner (the two records from The Bakery are Vin Gordon‘s „African Shores“, and „Tradition Disc in Dub“, and I do very much hope there were people out there who listened to Robert Wyatt‘s „Rock Bottom“ for the first time in their lives. At least for some that might have been a very special experience. I have been listening  to this album all my life.)

 
Postscriptum:

„As for nostalgia: isn’t that ‘the pleasure in re-experiencing something in our minds that is no longer available to us’? Isn’t that a way of digesting past experience, of returning to it in your mind and finding what it was that you liked and wanted and still need from it? We are all living in fast-changing worlds that we have to keep adapting to, and it’s natural that we scan our past experience for clues as to what might be the best ways of living. When I lived in New York for five years I became increasingly aware that I wanted to make a kind of art that gave me a place to get lost, to be alone in a wilder, less populated place which was not controllable. I made the album On Land to be able to access that place.“

(Brian Eno, 2020)

Ist „The History of Crying (Revisited)“ tatsächlich eine Neuaufnahme, und dann mal kein aufgewärmter, fast vergessener Schatz? Oder eine durchdachte Neubearbeitung? Robert Wyatt mochte dieses eigensinnige Duo stets sehr, spürte bei ihnen eine ferne Seelenverwandtschaft zur frühen Soft Machine mit Kevin Ayers, und hat selbst einen Kramer-Song gecovert.

Dieses ungleiche Avant-Rock-Paar hat sich irgendwie bis in die 2020er Jahre durchgeschlagen. Im Jahr 2014 gründete Jad Fair erneut Half Japanese, um in ebenso vielen Jahren sechs lebendige Alben in seinem chaotischen, herzzerreißenden Idiom aufzunehmen. Kramer hat sein Plattenlabel Shimmy Disc 1999 nach einer Klage der ehemaligen Bongwater-Sängerin Ann Magnuson aufgelöst und dann für das Magier-Duo Penn & Teller gearbeitet, aber zwei Jahrzehnte später hat er das Label in Miami im Stillen wiederbelebt.

Hier lassen die beiden eine Partnerschaft wieder aufleben, die 1988 mit Roll Out The Barrel begann, dessen infantiler Hang zu New Yorker Kellerlärm gegen eine unerwartet hochtechnologische Klangpalette ausgetauscht wurde, in deren Mittelpunkt stampfende Drumcomputer und Synthesizer stehen, die aber auch Steel Pans (All I Need Is A Kiss) und zeitweise verrückte Gitarreneffekte von Paul Leary von den Butthole Surfers enthalten.

Insgesamt ist dies eine zutiefst merkwürdige Platte, auf der Red Red Sun und I Won’t Eat ‚Til You Come Back To Me Broadway-Songwriting mit all der mulmigen Ansteckungskraft der Flaming Lips zur besten Sendezeit neu interpretieren. Es ist ein magisches Album geworden, in dem die alten Zeiten  und die neuen aus lauter Durchgangsportalen bestehen.

(Andrew P. & Michael E.)

v i d e o

Ich kenne Brian Enos Ansichten nach all den Jahren ziemlich gut, der Mix aus scharfem Verstand und allerfeinstem (britischen) Humor gefällt mir stets aufs Neue. Ein Highlight, von vielen, im interview in TheQuietus, bezieht sich auf die Missionare katholischer und evangelischer Herkunft, und ihre Umtriebe in Afrika:

„Die armseligen verblendeten Missionare, die Grammophone ins dunkelste Afrika schleppten, weil sie dachten, die Erfahrung, Bach zu hören, würde die Eingeborenen irgendwie „zivilisieren“, irrten sich also in fast jeder Hinsicht: Sie dachten, „die Eingeborenen“ seien unzivilisiert, erkannten nicht, dass sie ihre eigene Musik hatten, und nahmen an, dass unsere westliche Musik kulturell abtrennbar und transplantierbar sei – dass sie irgendwie die Samen der Zivilisation in sich trug. Diese kulturelle Arroganz haftet der klassischen Musik an, seit sie ihren Primat als populäres Zentrum des westlichen Musikuniversums verloren hat, als ob die Tonspur der österreichisch-ungarischen Monarchie im 19. Jahrhundert irgendwie automatisch universell und überlegen wäre.“

Aber das ist gar nicht die kleine Story, die ich erzählen wollte. An anderer Stelle erzählt Brian etwas, das schon näher heranrückt an die Geschichte, die sich an einem Tag des Jahres 1978 in Würzburg abspielt, und eigentlich gar keine richtige Geschichte ist.

„Diese Art von Musik sagt: (…) Es wird nicht viel passieren, und das könnte genau das sein, was Sie jetzt brauchen. Die Zeile aus dem Lied der Talking Heads hat mir immer gefallen: „Heaven is a place where nothing really happens“. Und ich mochte immer die Idee, in einen Club zu gehen, in dem man, anstatt sich zu stimulieren und auf Touren zu bringen, sich beruhigt und Raum zum Denken und Fühlen findet. Das ist sicherlich eines der Dinge, die wir uns von der Kunst wünschen – die Chance, in einer anderen Welt oder in einer anderen Version dieser Welt zu sein.   In einer Situation, in der es nicht so viel zu tun gibt – die Situation, in der wir alle in den letzten Monaten gewesen sind – gibt es zwei große Möglichkeiten. Die erste besteht darin, neue Dinge zu erfinden, wie Sauerteigbrot zu backen, TikTok-Videos zu drehen oder unseren Haustieren das Stricken von Pullovern beizubringen. Die zweite besteht darin, so weit zu kommen, dass wir es genießen, nicht mehr viel zu tun zu haben.“

Damals stand ich, in einem Jahr, als es drunter und drüber ging in meinem Leben, im Zeitschriftenladen Montanus, und stöberte durch den „Melody Maker“. Das war eine unserer Verbindungstüren in eine andere Welt, wir lasen da über Schallplatten, die erst Wochen später in Deutschland ausgeliefert wurden, keine Vorab-Tracks, keine Werbevideos, nur die Worte eines Hörers, der dafür bezahlt wurde, sie zu Papier zu bringen. Und da stand ich und las über Brian Enos Ambient Music-Album „Music For Airports“. Es war das erste Mal, dass der Begriff „Ambient“ im Zusammenhang seiner Musik fiel, kein Wunder, Brian hatte ihn selbst geprägt.

Woran erinnere ich mich? Der Rezensent machte sich lustig über den Begriff, die Ideen dahinter, die Musik, den kompletten Blödsinn dieser Klänge – er war glühender Verehrer der Punk-Musik, und hatte hier ein neues Feindbild im Visier: „Ambient Music“. Nun hatte Eno schon vor „Music for Airports“ Musik veröffentlicht, die man gewiss als „ambient“ bezeichnen kann, die fantastische Ausführung von „fast nichts“ auf „Discreet Music“,  oder die sehnsüchtigen Kreisläufe der ersten Seite von „Evening Star“, einer  Schallplatte von Fripp & Eno. Kurz und gut: was er bisher fabriziert hatte auf dem Gebiet von „heaven is a place where nothing really happens“, war schon formidabel. Und stand seinen Songalben in nichts nach. Ich war so glücklich über diesen Totalverriss (der offensichtlich von einem blasierten Volltrottel verfasst wurde), und fing an von dieser  Musik zu träumen, auf der ja auch angeblich der geschätzte Robert Wyatt ein paar Pianotupfer hinterlassen hatte.

Das ist die Erinnerung, die mir durch den Kopf ging, als ich Brian über den Himmel reden hörte, in dem einen Talking Heads-Song. Dass ich damals über Wochen leidenschaftlich auf eine Musik wartete, auf der nicht viel passieren würde. Aber so ist das eben oft, die Sache mit der Oberfläche und der Tiefenstruktur. Hinter der systemischen Kühle verbarg sich, zwei Plattenseiten lang, lebendige Melancholie. Ein berauschendes Nichts. All gates open …

It was months ago, but it could have been weeks, days, or even hours since then. I stopped wanting to hear loops, I wanted to stop it. I added brass; trumpets, trombones, and more horns. I cut it out like words from a book, and sewed it back together. Burroughs. These movements are merely to stay alive, to stay moving.

You wake up from a truck horn passing in the early morning hours on the nearby freeway, or from a dream that you can’t tell was a nightmare or a loving memory.

Someone walks by on the street wearing the same perfume. I drew out each place, each scene, and put the story there. It might have been with you, or without you. All I know is that you were there somehow the whole time, even if you weren’t.

I saw rainbows from under the bridge by the river, and the sun shot up through the clouds of the golden hour. It didn’t help, and there was no one around. Your chest is even with your knees, and you’re sitting in the dirt. The sun keeps going down, and eventually you make your way home. It’s not very much the same as it was anymore. The horns are deafening, but after, the echoes let me see the way away.

The light keeps coming, and it keeps going. Songs of surroundings, the silent, the heartbeats, the tears. We’ve all had them, and we’ll never be rid of them.

Prolog: Innenstadt von St. Paul/Minnesota, 1976

Ein 22-jähriger Mann mit einem roten Pferdeschwanz schlurft an einem lausig kalten Dezembernachmittag ziellos einen vereisten Bürgersteig entlang.  Er hat einen Aushilfsjob beim Sender Minnesota Public Radio, und anstatt seine Mittagspause im trostlosen MPR-Speisesaal zu verbringen, beschließt er, die winterlichen Straßen von St. Paul zu durchstreifen. Als er an einem Plattenladen vorbeikommt, fällt ihm etwas im Schaufenster ins Auge. Er zögert, die Hände tief in seine Taschen vergraben, dreht sich um, geht zurück und betritt das Geschäft.

„Wenn die Musik so klingt wie das Cover aussieht …“, sagte ich zögernd, als ich Terje Rypdals „After The Rain“ im Three Acre Woods-Plattenladen in der Innenstadt von St.Paul kaufte. „Das tut sie“, antwortete der mürrische Plattenverkäufer.

Und dann: 

Er hatte recht. So begann mein Leben als ECM-Fan. Fünf Jahre später fand ich mich in Oslo/Norwegen wieder. In den Pausen zwischen den Aufnahmen für „Northern Songs“ saß ich Manfred Eicher, dem Gründer des Labels, gegenüber und aß ein Ziegenkäse-Sandwich. Ich wollte etwas über die Geschichten hinter dem ECM-Katalog erfahren. Ich überschüttete ihn mit Fragen. Warum gab es zwei verschiedene Backcover zu Bill Connors‚ erstem Album? „Das ist dir  aufgefallen?“, sagte Manfred ungläubig. (Ich hatte bereits ein Exemplar des Albums verschlissen und zwei weitere verschenkt). Ich fragte ihn nach der Talent-Studio-Aufnahme von Egberto Gismontis erstem Album „Dança Das Cabeças“. Manfred sagte: „Kaum dass Naná und Egberto aus dem Flugzeug gestiegen waren, sagten sie:’Hier in Oslo ist es zu kalt, um zu spielen, zu kalt, zu viel Schnee!’ Manfred rieb seine Hände aneinander. „Zu kalt! Aber am nächsten Tag gingen wir ins Studio und begannen mit den Aufnahmen. Wir haben das Album in drei Tagen aufgenommen und gemischt.“

Auf meinen Reisen habe ich überall fanatische Anhänger des Labels getroffen. 1983 wollte ein Manager von Warner unsere Kaffeerechnung begleichen, warf einen Blick auf den Bon und sagte „Red Lanta“. Ich entgegnete: „Wie bitte?“ Er antwortete: „Die Rechnung beträgt 10,38 Dollar. Das ist die Katalognummer von Art Landes ‘Red Lanta’. ECM 1038. Kennst du das Album?“ Fans des Labels haben es sich zur Aufgabe gemacht, andere Fans auf im Katalog versteckte Juwelen aufmerksam zu machen. 1986 gab ich Leo Kottke eine Kopie von Ralph Towners „Solo Concert“. Und 1987 überreichte ich Manfred Eicher eine Kopie von Leo Kottkes Album „Guitar Music“.

Das Label und die Leute, die dort arbeiten, haben meine Ästethik auf vielerlei Weise geformt: hohe Produktionswerte, detailreiche Aufnahmen und ein von Intelligenz und Würde geprägtes Marketing-Bewusstsein. Natürlich kann man nicht über die Ästhetik des Labels reden, ohne über Manfred Eicher zu sprechen. Ich werde mich aber darauf beschränken zu sagen, dass jeder, der in irgendeiner Form mit dem Label gearbeitet hat, diese drei Gedanken nur allzu gut kennt: 1. Manfred wird dieses Ding sehr gut gefallen. 2. Manfred wird dieses Ding nicht gefallen. 3. Warum kümmert es mich, ob dieses Ding Manfred gefällt oder nicht?

So ist mein musikalisches Bewusstsein im Laufe der Jahre langsam von den Künstlern des Labels, seinem Gründer und seinen Mitarbeitern verzerrt worden.

 geschrieben von Steve Tibbetts