Manafonistas

That what it‘s all about. No doubt it‘ll all end up in tears. Or sudden death, tears only for the leftovers. Death by chocolate, death by wrong time, wrong place. Or you‘ll see the golden light, but it‘s all endorphines, morphines, and the brain protecting you a last time before the curtain‘s falling. You won’t see anyone again really. There may be an afterglow, but it‘s a matter of seconds, though the tricky neurochemical game of passing away forever might suggest eternity. So many people are trapped by illusions of an afterlife. Come on, Laurie Anderson: The Tibetan Book Of The Dead. Really? But, then again, how long did it take for Sawyer, Kate, Juliet, and all the others on the island, to realize that they ARE dead? In other words, LOST. So, no doubt the six seasons of one of the best TV shows ever are a second version of the Tibetans‘ survival manual. We better start asking some essential questions now. What is life all about? NO! Why are you still worried? YES! Worried about what? YES! The sound of someone going away? YES! They are all going away all the time. It happens every moment. Marriage doesn’t work either (rare enough). Too many miserable safety nets. Safety is the big illusion. See what happened to Satie when he had been striving for recognition – the hell of dead music! So the real question is: when do you start living? Or to make it utterly simple (from my basic lessons as a life coach): when do you start this fabulous day? Because, being dead will be easy anyway for a very long time. You think this guy is some hardcore atheist! No, I do believe in angels, for example. Yes, you can see them everywhere, just open your eyes. They don‘t do a very good job most of the time, they drink too much, they prefer escapism, tropical island discotheques, and some real good fuckin‘. They are humans in the end. Heaven is the place where nothing really happens. So here we are, down to earth, and you listen to a piece of music titled „The sound of someone you love who’s going away, and it doesn‘t matter“.

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Erik Satie has been on my mind lately. I’ve been reading Mary E. Davis’s excellent biography, Erik Satie (Reaktion Books, 2007), as well as listening to and playing some of his music for piano.

Satie was a complex man who struggled with opposing parts of his nature. He was at various times a bohemian, a religious zealot (he formed his own church,) Dadaist, bourgeois wannabe, and on rare occasions, a romantic. Like the late Frank Zappa, he shared a yearning to be taken seriously, injecting satire and humor into his pieces just in case he wasn’t—as if to say, “Hey man, it’s all a joke anyway.” And maybe just because, at heart, he was simply an absurdist.

Satie admired and befriended Debussy, who admired him back and borrowed liberally from him. Debussy proved to be the better orchestrator and a master of the long form, but Satie’s ear-inspired miniatures live on, continuing to delight and baffle musicians and music lovers. Debussy often gets credited for being the first modernist, (as he was in a recent NYT article,) but Satie was playing in the same harmonic sandbox at least a decade before „Prélude à l’après-midi d’un faune.“ Furthmore, it could be argued that Satie was the first minimalist as well.

One such piece, „Vexations“ was written in answer to his feelings of anger and grief over the loss of his one true love, Suzanne Valadon, an artist and fellow bohemian. Completely taken with the young painter and ex-circus performer, Satie asked her to marry him the day they met. She politely demurred, but shortly after, moved into the room right next door to Satie’s apartment in Montmartre. He called her Biqui and once wrote, “Impossible to stop thinking about your whole being: you are in me complete, everywhere, I see nothing but your exquisite eyes, your gentle hands, and your little child’s feet.“ Their turbulent fling lasted all of 6 months, and after that, it is said Satie never took another lover. Summing up his experience, he said that he believed love to be simply “a sickness of the nerves.”

„Vexations“ is a short, slow little piece of which Satie asks the player to perform no less than 840 times. Last September at the Guggenheim Museum in New York City, it was played for almost 20 hours by 20 pianists in something that resembled a marathon relay race or an ancient, esoteric ritual: One by one, as one pianist was finishing their hour of repetitions, another would slowly step up and seamlessly begin the piece over again without missing a beat. Incidentally, just to mess with the player a little more, „Vexations“ is written with strange enharmonic spellings, and no matter how many times it’s played, somehow one still feels it’s anyone’s guess what the next note might be. It is rife with tritones, an interval traditionally thought to be extremely dissonant – every beat contains one. Perhaps this was Satie’s way of venting, or doing penance for his transgressions. (He blamed himself for the falling out with Valadon.)

Satie’s music is full of eccentric directions to the player. One of  the most famous of these is the direction to play a passage “like a nightingale with a toothache.” Satie was also fond of writing little stories beneath the music. Sometimes they were programmatic, other times they were seemingly completely unrelated. The text serves as a subtext that subtly informs the player’s interpretation. At times, while reading these, one gets the sense that a crazy but harmless grandfather is whispering in one’s ear. There’s even a piece which explicitly admonishes the player never to read the text aloud while being performed—because it might precipitate the Apocalypse.

Looking recently for a complete set of Satie’s piano music, I found that there really isn’t one; every “complete set” is missing something. On top of that, there are many posthumously unearthed piano pieces, some of which have only been published in the last 50 years.

I just came across a fairly comprehensive recording of Satie’s piano music, performed by the very gifted Cristina Ariagno. She has the touch and gets the tempos just right, not too slow as many pianists, such as Leeuw, make the mistake of doing, and never rushed. Unfortunately, this collection doesn’t include any of the pieces Satie wrote for 4 hands. In an inspired bit of programming, this set is organized by thematic material (Greek-inspired, Rosicrucian, whimsical humor, Sports and Divertissements, music for theater, etc.) as opposed to the usual chronological order. As such it really sheds light on the different sides of both the man and the artist. (Ms Ariagno also plays the aforementioned Vexations 42 times, filling up disc 6.)

My first introduction to Satie’s music came in the form of  the lovely and appropriately quirky album, The Velvet Gentleman, Music of Erik Satie. Performed by the Camerata Contemporary Chamber Group, this strange and surprisingly beautiful album came out in about 1970; thus far it has never been released in digital form. Capturing both the beauty and humor of his music, it features a number of his most popular pieces and some lesser known compositions,  arranged for a small chamber orchestra with Moog synthesizer. It’s a little dated today, but that’s part of its charm. And after all, we’re talking about Erik Satie here, so charm is an essential ingredient.

The Camarata made a couple of other Satie albums. One that’s almost impossible to find (and which I’ve yet to hear,) is called Through the Looking Glass. Another, The Electronic Satie, is available for free in MP3 format here. It’s not nearly as good as The Velvet Gentleman, though, relying far too much on the Moog synthesizer for my tastes.

As I mentioned earlier, Satie struggled to find a sense of artistic legitimacy; he desperately wanted to be respected by his peers. At 39, he went so far as to enroll in the conservative Schola Cantorum to study counterpoint with Vincent D’Indy. After about 5 years of study, he made it through the entire program, securing his degree. But when he went back to composing, although his new pieces were rigorously constructed, employing strict counterpoint in fugal, chorale, or sonata form, he soon realized his music had suffered at the hands of his hard-earned academic rigor. “What on earth have I been doing with D’Indy?” he wrote. “The things I wrote before had such charm! Such depth! And now? How boring and uninteresting!” Eventually, he abandoned these labored efforts and went back to a more natural writing style.

Which reminds me of a story:

I once had a composition teacher who, the first time I came to see him, asked me to play for him. After my nervous performance, he said, “There once was a man who lived in the middle of the forest. He built a little cabin in the woods, where he cleared the trees and planted a garden. He lived in the middle of this woodland paradise with his lovely wife. But it wasn’t enough for him. Instead of staying in his peaceful forest retreat, he went on a quest, looking for answers, the holy grail, more knowledge—even he wasn’t sure what he was looking for. Meanwhile, his beautiful wife sat alone in his secluded forest home, pining away for him.”

It appears eventually Satie returned home to a tiny suburban retreat outside Paris, where he set up house with his muse and continued to compose. For the last 20 odd years of his life, he never let anyone enter his apartment, which after his death, amidst the squalor, was found to be filled with drawings, writings, and quite a number of unpublished pieces, both unfinished and complete.

 

 
 
 
 
 

 
 
 

Tatsächlich schliessen und öffnen sich in diesen 55 Minuten diverse Kreise, und einiges käme zusammen, wollte man die Cover aller am Rande erwähnten Alben nebeneinander platzieren. TRIPTYKON, Garbareks drittes Album etwa, oder Keith Jarretts Auftritt im NDR-Funkhaus 1972, die beiden Alben von Rühmkorff, Naura und Gefährten, ganz zu schweigen von dem ganz weit ausholenden Bogen der Jazzhistorie in der Michael Naura-Anthologie. Und weil es eine Sendung ist, in der so viele neue ECM-Produktionen auftauchen, werden quasi beiläufig Erinnerungen wach, an besondere Augenblicke und Hörerlebnisse, und wie gut, dass sich die Geschichte des Labels und seine Geschichten anno 2018 fortschreiben, statt sich im Kreis zu drehen! Nur so funktioniert das mit dem Schliessen und Öffnen der Kreise.

Auf dem heurigen Wiener Opernball war eine Besucherin in einem Flöge Kleid zu bewundern. Ich war begeistert. Emilie Flöge (1874-1952) war die erste Modemacherin in Europa. Sie führte mit ihren Schwestern einen Nähsalon, in dem betuchte Frauen wie Alma Mahler und die Wittgensteins zur erlesenen Kundschaft gehörten. Ich hatte Emilie Flöge im Zuge meines Interesses für Stoffe entdeckt. Von jeder Reise bringe ich mir ein edles Tuch mit, entwerfe selbst gerne Muster. Michael hatte schon mal eine Kostprobe geschätzt. Frau Flöge reiste zweimal im Jahr nach London und Paris, um neuestes Design nach Wien zu ordern. Sie revolutionierte die Mode insofern, als dass sie das enge Korsettgeschnüre abschaffte und durch lange, elegante und weich fallende Kleider ersetzte. Gustav Klimt fotografierte ihre Entwüri81fe, wir kennen die geschmeidige Ornamentik von ihm und seine zum Übergreifen einladenden offenen Frauengemälde. Das Erstaunliche an Emilie war, dass sie bis zu Gustavs Tod seine Urvertraute war, aber aufgrund ihrer Freiheitsliebe nie eine Liaison mit ihm eingegangen war.

Wenn es in der öffentlichen Meinung um Frauenthemen geht, schaue ich gern bei Camille Paglia nach. Sie ist seit den frühen 90er Jahren die wichtigste Frauenstimme für mich. Als wir Susan Sontag verloren hatten und mit der Diskussion um die „Männerphantasien“ von Theweleit durchwaren, horchte ich auf, als uns plötzlich eine Frau die Kulturgeschichte erklärte. Paglia denkt meist in Vergleichen, ist ziemlich provokant und angstfrei in der Argumentation. Herrlich, wie sie die bescheidene, auf Hobbys wertlegende Merkel auf die Glamour und Geld liebende Hillary ansetzte.

In der #metoo Debatte stellt sie die Arbeiterin, die ihren Chef nicht so einfach nach Belästigung anprangern kann, weil sie von ihrem Job abhängig ist, die gebildete middle-class woman gegenüber, die es nicht scheut, ihre Würde und ihren Selbstrespekt unter ihre Sucht nach Karriere zu stellen.

Um einen sinnlichen Bogen zu Jochens Brasilianerinnen zu ziehen, möchte ich einladen zu „À primeira Vista“ auf YouTube, um Daniela Mercury bei ihren freien Tanzbewegungen und ihrem Song „Nobre Vagabundo“ zuzusehen. Sie ist die angesagte Sängerin von Camille Paglia. Sie ist gut.

Immer schon schaute ich gerne Film- oder Fernsehporträts eindrucksvoller Persönlichkeiten. Das konnten Schauspieler sein, Musiker, Maler, Politiker, Buchautoren oder einfach ganz besondere Menschen. Kürzlich entlieh ich aus der Bücherei Wer hat Angst vor Sibylle Berg? – das Porträt einer Schriftstellerin, deren Schaffen ich seit langem interessiert verfolgte, ähnlich wie das des Peter Sloterdijk, den ich auch schon las, als ihn kaum jemand kannte. Sein spiritueller, tiefgründiger Skeptizismus, der zwischen Licht und Abgrund oszillierte, sprach mich spontan an. Das Interesse für „ungehöriges“ Denken flammte auch auf beim Lesen der Bücher von „Frau Sibylle“, im Kontext einer Begeisterung für Cioran und andere, die Gottes Schöpfung für weniger gelungen hielten, als es der fromme Kirchgänger tat.

Dieses Filmporträt der Neuschweizerin aus Weimar nun, die zuweilen „moralinsaures Monster“ und „Predigerin des Schreckens“ genannt wird, halte ich zwar nur für halbwegs gelungen, allerdings nicht ganz verfehlt, gibt es doch allerlei Details preis. Es beginnt gleich gruselig zombieesk in einem Traumhaus in Los Angeles („We fuck off!“) und wiedereinmal zeigt sich, wie hohl doch mancher Traum ist, wird er erst materialisiert. Ohne Moos nichts los? Es ist wohl eher kulturelle Bildung, die den Ausschlag gibt. Nie wollte ich es jemals ausplaudern, was K mir damals anvertraute in jenem sagenhaften Computerseminar: dass Frau Berg sich das Gesicht mit brauner Schuhcreme färbte, einst in gemeinsamer Hamburger WG-Zeit, sich dazu Rastalocken flocht und angab, sie sei Brasilianerin. Im Film gibt es die Autorin ja nun selbst preis. „Was macht die eigentlich jetzt beruflich?“ Verduzt ob der Unkenntnis lieh ich K meine Berg-Bücher, auf dass sie ihr auch literarisch nahekomme.

Wie so oft beim Schreiben verselbstständigt sich eine Abdrift der Gedanken: vom Thema abgekommen, das eigentlich Geplante fast vergessen. Denn wenn der Flow entsteht – und die Erinnerung ist dafür immer eine gute Quelle – macht sich das Sagenwollen locker, leicht und selbstständig. Schreibblockaden verschwinden flugs am Horizont. So auch hier und jetzt: denn in den Sinn kam mir ursprünglich ein TV-Porträt aus längst vergangenen Zeiten, in denen das Internet noch in den Kinderschuhen steckte und man sich Illusionstoff auf ganz andere Weise schaffte. Porträtiert wird diesmal eine „echte“ Brasilianerin, die ursprünglich Kunst (oder war es Design?) in Paris studierte, dann in Rio (oder war es in Sao Paulo?) einen reichen Möbelfabrikanten heiratete, somit zur High Society des Landes avancierte.

Das jedoch reichte dieser Dame nicht als Lebenssinn. So nahm sie sich der Strassenkinder an. Man sah sie beispielsweise nachts auf staubigem Gelände, sie hielt den Kopf eines verwahrlosten Strassenjungen in ihrem Schoss und zupfte ihm die Läuse aus dem Haar. Heerscharen anderer Kinder standen um sie rum. Obwohl sie regelmässig Parties feierte mit den Reichen ihres Landes, war doch die Strasse eher ihr zuhause. Einmal sah man sie duschend unter einem Wasserfall, umringt von Bananenbäumen und Papageien: eine barocke Naturschönheit, wie sie wohl nur Brasilien bisweilen aus dem Zuckerhut zaubert. Power, Eros, atemraubend. Warum ich das überhaupt hier schreibe und dieses Filmportrait nicht vergesse? Festhalten, jetzt kommt´s! Auf die Frage, ob sie Freunde habe, antwortete sie – erdverbunden, lebensfroh und sozial kompetent, wie sie war: „Nein, eigentlich nicht.“

Dann stutzt sie, überlegt und korrigiert sich: „Doch, mein Computer ist mein Freund.“

Für mich bleibt das schlechteste Musikstück der Welt „Jingle Bells“
(Wolfram Gekeler)

„Jingle Bells“ hat vor circa 2 Jahrzehnten eine marginale Rolle für mich gespielt. Das kam so: Ein ehemaliger Schüler leistete nach dem Abitur Sozialdienst im Krankenhaus Kronach. Der Chefarzt der Abteilung kannte ihn als Gitarristen der Voodoo Shakers, deren einziges Album – man glaubt es kaum – bei Spotify, Qobuz, Amazon und wer weiß wo noch kaum beachtet auf Hörer wartet. Weihnachten stand bevor, und der Arzt bat Chris, er möge doch die Weihnachtsfeier mit seinem Guitarspiel verschönern. Nun, Solospiel ist eine schwere und einsame Aufgabe. Chris suchte Helfer und sammelte auch mich ein. Schließlich waren wir ein Quartet und hatten dem Anlass gehorchend einige Weihnachtslieder im Programm, ausschließlich dieses anglo-amerikanische Zeug, dem ich nicht viel abgewinnen kann.

Hätte ich schon damals Wolframs Verdikt von „Jingle Bells“ vernommen, ich hätte sicherlich zugestimmt. Im vergangenen Jahr ist mir folgende Aussage in die Quere gekommen.

Der Spruch, es gäbe nur zwei Arten von Musik, gute und schlechte, ist Unfug.
(Josef Bulva)

Der Spruch ist mir geläufig, ich habe ihn aus dem Munde meines Violinprofessors an der Musikhochschule München vernommen, ich war gewissermaßen ein Anhänger dieser Auffassung, für mich war klar: Messiaens „Vingt Regards sur l’enfant-Jésus“ sind bessere Musik als der ganze anglo-amerikanische Weihnachts-Klingklang. Josef Bulvas Satz empfand ich als provokant, aber auch irgendwie sympathisch, weil er meine längst betonharte Meinung bröselig machte. Das schaffte der oben zitierte Satz nicht allein, sondern auch jene, die ihn begleiten, weshalb es nicht schadet, Bulvas Gedanken hier nachzulesen.
 
 
 
     
 
 
 

Unter den Jazzern diesseits meines Klanghorizontes, die „Jingle Bells“ überhaupt anfassen, finde ich nur Carla Bley. Ihr vertraue ich blind, ihre Musik hat mich nie enttäuscht. Ich war gespannt, wie „Jingle Bells“ – welches übrigens gar kein Weihnachtslied ist – auf ihrem 2009 veröffentlichten Album „Carla’s Christmas Carols“ zubereitet wird. Nach dem heiter-ernsten „Jesus Maria“ (für mich eine der schönsten Kompositionen Carlas) erklingt ein skurriles „Jingle Bells“, wie vom Dorfmusikantenquintett aus Kingston gespielt. Richtig gute Musik.

Jetzt, wo doch längst alle Schokoladenweihnachtsmänner zu Osterhasen umgegossen sind, ist mir das anglo-amerikanische Weihnachtslied „Santa Claus is Coming to Town“ zu Ohren gekommen. Gänsehaut läuft mir über den Rücken – das hätte ich (früher) diesem Song nicht zugetraut. Aber wenn es mit derart hinreißendem Groove, bar jeder Routine gespielt wird, dann ist es allerbeste Musik. Zu hören auf diesem am 2. März erschienenen Album.
 
 
 
     
 
 
 

Der Spruch, es gäbe nur zwei Arten von Brettspielen, gute und schlechte, ist Unfug. Ist Schach das bessere, ist Mensch ärgere dich nicht das schlechtere Spiel? Bestimmt würden nicht Wenige das so sehen. Es ist vielmehr so: Schach ist ein um Größenordnungen komplexeres Spiel als Mensch ärgere dich nicht.

Der Spruch, es gäbe nur zwei Typen von Sportarten, gute und schlechte, ist Unfug. Ist Fußball die bessere, Biathlon die schlechtere Sportart? Nein, Fußball ist einfach um Größenordnungen komplexer als Biathlon.

Allerdings: man kann richtig schlecht Fußball spielen.

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You know that investment yo u made in steel reinforcements for your music shelves? It’s about to pay off, big time. 4th May will see the worldwide release of UMC’s Music for Installations, a new box set that collects some of the music Brian has created for his video and sound installations from 1985 through to 2017 and beyond. Will be released in May, the month of his 70th birthday.

Designed by Brian and his long-time collaborator Nick Robertson, the beautifully bound package comes with a 64-page ubooklet featuring rare and unseen exhibition photographs and a new essay written by Eno. A few pieces were previously released through EnoShop and Lumen London but are difficult to find now, and there is a fair amount of unfamiliar and new material. For tracklisting go to EnoWeb on our blog roll …

Bill Frisells reines Soloalbum gehört zu seinen grossen Alben, keine Frage. Und so ein Werk  schüttelt man nicht aus dem Ärmel. Routine ist die Gefahr. Also spielte  er vor den Studioaufnahmen live, Abend für Abend, in einem New Yorker Club, mit strategischem Kalkül, gegen die eigene Zufriedenheit:

„Each night I attempted new music that I’d never played before. I was purposely trying to keep myself a little off balance. Uncomfortable. Unsure. I didn’t want to fall back on things that I knew were safe. My hope was to continue this process right on into the studio. I didn’t want to have things be all planned out beforehand.“

1. Rustin Man: Drift Code
2. The Unthanks: Lines (three cd-slipcase)
3. Lambchop: This (is what I wanted to say)
4. Joe Lovano: Tapestry
5. Sleaford Mods: Eton Alive
6. Larry Grenadier: The Gleaners
7. Deerhunter: Why Hasn‘t Everything Already Disappeared?
8. David Torn: Sun of Goldfinger
9. Robert Forster: Inferno
10. James Yorkston: The Route to the Harmonium