Manafonistas

Record Store Day, April 18. The complete original soundtrack to Brian Eno‘s score for ‘Rams’ – Gary Hustwit’s 2018 documentary portrait of legendary German industrial designer, Dieter Rams. This Record Store Day exclusive comes with full colour inner and outer sleeves, contains 11 unreleased instrumentals and is pressed on heavyweight white vinyl with download code.

Vor Jahren war ich mal auf dem Weg zu jener Kirche im Norden Londons, in dem dieses beeindruckende Werk aufgenommen wurde. Oder verwechsle ich da zwei Räume der Andacht und des Rückzugs? Es war der Abend des Tages, an dem ich Scott Walker besucht hatte, es regnete unaufhörlich, und irgendwann war klar, ich würde es nie zeitig dorthin schaffen: ich schaffte sonst alles mögliche in jenen drei Londoner Tagen, ging unfotografiert über den berühmten Zebrastreifen von Abbey Road, stöberte in einem Plattenladen nach alten Vinylschätzen, und sah abends vorm Einschlafen die eine und andere Folge von „Longmire“.

In der Kirche im Londoner Norden liess Scott Walker seine Zusammenarbeit mit Sunno))), „Soused“, laufen, als „release party“, über mächtige Lautsprecher. Ich stellte mir das wundervoll vor, dieses dunkle dröhnige Werk mit Donnerhall in mich aufzunehmen, aber es sollte nicht sein. Ich verirrte mich auf halbem Weg. 

Nun also lausche ich Musik, die tatsächlich in dem Gemäuer in Stoke Newington entstanden ist. Und das, auf alten Fotos, jeder Gespenstergeschichte gutgetan hätte. Wenn der Drummer Sebastian Rochford ein neues Projekt auf die Beine stellt, bin ich immerzu gespannt, und werde seit den Zeiten der Bands „Acoustic Ladyland“ und  „Polar Bear“ nicht enttäuscht. „Same As You“ ist eines meiner Lieblingsalben vom „Polarbären“, und entführt tief in die Mojave Wüste. Nicht viele können behaupten, mit Brian Eno in Notting Hill und  Manfred Eicher in Lugano Musik aufgenommen zu haben. Aber das ist nur eine witzige Randnote. 

Der Schlagzeuger suchte jedenfalls mit Energie nach einem „power spot“ für sein Trio „Pulled By Magnets“, in dem die drei Akteure Schlagwerk, Saxofon und E-Bass spielen, zudem ihre Klänge mit allerlei Elektronik  verwandeln, verbiegen, verrauschen – es gibt keine Gewissheit für den reinen Instrumenenklang. Und er fand seinen „Ort der Kraft“. 

Werfen wir mal einige Wörter in die Luft, die bei solcher Wucht die Runde machen: Grime, Drone, Free, Far Out, Improv, Gothic, Hypnos, Raga. In manchen Passagen klingt es wie eine radikalisierte Version von Bohren & Der Club of Gore, in anderen, als träume Brian Eno von einer expressionistischen Variante von Ambient Music, und würde nur deshalb nicht am Mixing Board sitzen, weil die Musiker und das Kirchenschiff alles selbst regeln.

Ähnlich wie bei seinem einstigem Mitstreiter  Shabaka Hutchings, spielen auch bei „Pulled By Magnets“ die „ancestors“, die Vorfahren eine Rolle, und so, wie Shabaka und seine südafrikanischen Freunde bis in die Karibik, bis nach Jamaika blicken, um einigen „nyabhingi“-Wurzeln und anderes Groovekraut anzuzapfen, nimmt Sebastian auf sehr, sehr sublime Weise Klangspuren Klassischer Indischer Musik auf (er hat einen Familienstammbaum, der eben auch ins ferne Asien reicht).

Da wird keine Ragamusik imitiert, eher schon ein ferne, verblasste Erinnerung an das  Schnurren der Tamboura in ein archaisches Soundgeschehen made in London transportiert. Die Einflüsse sind weit gestreut, ich erfahre, dass Mr. Rochford im Vorfeld der Produktion auch alte Beduinentexte studiert hat. Ist der Jazz, wenn das mal Jazz ist, nicht auch, irgendwie, Geheimwissenschaft?

Die Musik des Trios ist ungemein wandlungsfähig, auch Pete Wareham am Saxofon schreit und wildert nicht in Free Jazz-Arealen, wie man ahnen mag, wenn es, wie hier, keine Kompromisse gibt. Eher ist sein Spiel gebündelt, er lässt Sounds ins verwinkelte Rund schallen, folgt dem Echo, als gebe es kein gestern, kein morgen. Alle Drei, auch Neil Charles, der kundige Dritte, der Mann am E-Bass, fühlen sich sauwohl in diesem Szenario, in dem jeder Sound seine eigene Strahlkraft besitzt, und doch, von einer Sekunde zur andern, verloren gehen kann. Und was hat es mit den Pforten, Schwellen, Durchgängen auf sich, die im Titel anklingen: „Rose Golden Doorways“?  Hat man so etwas schon mal gehört?!

There has been a strange (some would say a dramatic) in-out-game here in recent months. All in all, more stayed outside than came back. Perhaps it went unnoticed that I was a participant in this game. I don’t want to write about leaving because I would have to explain why I was absent for a few weeks. I pondered a little bit about why someone wants to be an author on the Manafonistas blog. Manafonistas are or were here for different reasons:

Some come for entertainment

Others escape loneliness

It may be essential to someone

Someone thinks it’s the best prophylaxis against old age dementia

Many or few delight in happy discourses

You experience resonance. It is good for the soul to be in a community

For others it is like a weekend pub visit, a beer, good conversations …

Even if it is not a diary, it is a storage for personal memories

Maybe it can even be used as a platform for playful self-expression

The blog has brought me a lot, including it helped me to regain quality of life after a depressive mood. I have found at least one friend. The blog is probably more important to me than I am to the blog. Why did I join? I say it frankly and freely: from a motive that has always distinguished my actions: from pure egoism. Who is afraid of the number 13?

Zum Beispiel das Magazin vom 5. März, das man abends um 21.05 Uhr hören kann. Im Deutschlandfunk. Und sieben Tage lang, danach, in der Mediathek des Senders. Ein Magazin, in dem alles bloss unverbunden nebeneinander steht, mag ich nicht. Ein Strauss Buntes ist zwar nicht zu verachten, aber ein Strauss Buntes ist eben nicht einfach ein Strauss Buntes. Da können Welten zwischen liegen. Es kommt auf die Komposition der Farben an. Ich mag rote Fäden, die en passant auftauchen, oft erst in der Planung, oder beim Verfassen des Skripts. Diskrete Leitfäden.

So diskret natürlich nicht, wenn man in einen öffentlichen Raum spricht. Ein Leitfaden diesmal sind sogenannte „alte Werke“, Schallplatten und Cds, die zwischen 1971 und 2018 rauskamen. Sie fliessen am Rande ein, aber bei manchem Hörer wird dann der Griff in den Plattenschrank (oder die Lust am Verfolgen einer Spur) so naheliegend sein wie der Wunsch, vielleicht die eine oder andere der neuen Produktionen zu erwerben. Welche historischen Aufnahmen werden also anklingen, ohne einen einzigen Ton von ihnen zu spielen? Hier sind sie: Carla Bley: Escalator Over The Hill. Paul Bley: Open, to Love. Gil Scott Heron: Pieces Of A Man. Ralph Towner: Solo Concert.

Und natürlich, wenn man sich die Sendung ein- oder zweimal anhört, und meinen dezent servierten, rein verbalen, Schlussknall nicht überhört, eine hübsche Breitseite für stockkonservative Musiklehrer, Gema-Lobbyisten – und Bierzeltbewohner des Jazz, dann weiss man, wo hier der Hase im Pfeffer liegt.

Dass es beim Hören von Musik, die nicht auf glattrasierten Oberflächen dümpelt, stets eine Tiefenstrukur, oder, weniger Chomsky-like, einen doppelten Boden, einen Abgrund, diverse „roots“, und zuweilen eine Unerschöpflichkeit gibt (warum sonst zu ihr zurückkehren?), das sollten die eingehend vorgestellten neuen Produktionen idealerweise belegen. USA: Gil Scott-Heron & Makaya McCraven. Jeff Parker. Transatlantische Bündnisse: Carla Bley Trio. Wolfgang Muthspiel Trio (diese beiden ECM-Produktionen werden von Bert Noglik und Thomas Loewner mit Interviewpassagen präsentiert). England / Südafrika: Shabaka and the Ancestors. Europa: Samuel Rohrer.

Und im Laufe der Zeit werden Sie auch die Stimmen von zwei Schlagzeugern vernehmen, von Samuel Rohrer aus einem aktuellen Interview, und von Jon Christensen aus einem Gespräch aus dem letzten Jahrhundert. Samuel Rohrer schrieb mir vor Tagen: „Jon Christensen war und bleibt mein erster großer Held!“ Und so wäre es auch gar nicht verfehlt, ein paar der grossartigen Alben zu nennen, an denen der Norweger mitwirkte. Ich habe mich auf ein einziges beschränkt, statt gleich ein Dutzend aufzuzählen, weil ein Magazin eben nicht ausufern sollte. Und „Sich-Auf-Die-Suche-Machen“ ein Teil der Freude auf Entdeckungsreisen ist.

Jan Bang wrote me something that sounded interesting, in regards to small bass lines in old music from the 50‘s, as part of an e-mail interview, concerning his forthcoming album with Eivind Aarset, „Snow Catches On Her Eyelashes“ (Jazzland). I really didn‘t know exactly what he meant (just had some ideas) and asked for examples – among them, then, a song by Marlene Dietrich, „Lazy Afternoon“. Listen to the track, and you’ll understand. By the way, it‘s such a wonderful song, its mood, its slowness. The interview with Jan will be posted here on the day of the album‘s release, on March 13th. After playing one track from it, in my last radio night, „The Witness“, the responses were quiet enthusiastic, from Harald Rehmann, Martina Weber, and other friends and strangers. Stunning, for an album that owns all features of experimental music in its truest sense, a strange hybrid of musique concrète, free improv, ambient – one of these records for the infamous imaginary movies in our heads, which, I have to admit, I never have seen when listening to even the most „in-between“-music.

Michael: Now I listened to that two note thing of the bass in Marlene‘s song you mentioned. Such a sound from the bottom, minimal impulse, discreet company, but what an impact, IF you focus on it. I think I wouldn’t normally realize these tiny fragments when listening to the song. Mhm. One could possibly write a little book on it, a universal pattern, a link between decades, cultures, styles, nearly archetypal. All these things at the  margins.

Jan: It surely is effective, and worth an article if not a book on the subject matter.

Michael: A small book it would be, Jan, on that two tone thing, sure, not as big as the ones on twelve tone music.

Jan: Haha.

The three albums, the original City: Works of Fiction and the two archival reissues, Psychogeography and The Living Garden, guide you through Hassell’s thought process to link them together as a whole. This doesn’t feel or seem like a systems approach to music but something far more organic in its final process. These are pieces that can be viewed individually or as a complete piece of work. They are a triptych that can also be heard on their own separate levels. The vibrancy of the performances stretch out beyond the canvasses they were created for into a distinct new life of their own.

Als ich Samuel Rohrer nach dem Titel fragte, hatte ich eine Ahnung, was er antworten würde, aber meine Ahnung irrte sich. Er entnahm den Titel einem Buch des Philosophen Ken Wilber, der unter „continual decentering“ ein Muster versteht, welches die Entwicklung eines Menschenlebens widerspiegelt.

„A Brief History Of Everything“ heisst das Buch, auf das sich Rohrer bezieht, der Titel der deutschen Übersetzung, „Eine kurze Geschichte des Kosmos“ sei nicht so gelungen, verrät mir einer, der sich bei diesem Bewusstseinsforscher und Philosophen gut auskennt.

Nachdem ich das beeindruckend nonchalante Album für Schlagwerk und Elektronik mehrfach gehört habe, halte ich meine Ahnung von dem, was der Ausdruck „kontinuierliches Dezentrieren“ im Zusammenhang des Hörens in mir auslöst, immer noch für schlüssig.

Der Schweizer hat dieses Werk solo eingespielt, und dabei in einem Sound-Szenario gearbeitet, in dem die kleinsten Perkussionsimpulse Trigger sein können für elektronische wie räumliche Ausdehnungen.

Was da in einem überwiegend improvisierten Werk entsteht, ist ein immenser Resonanzraum, in dem der Trommler im klassischen Sinn nicht Mittelpunkt eines Kraftfeldes ist, sondern mehr und mehr hinter den sich bildenden Klanggestalten zurücktritt, als könnte er, in aller Gelassenheit der Entwicklung von Soundfiguren folgen, und spontan auf sie reagieren.

Das kann man ja nun auch als „fortschreitendes Verschwinden aus dem Zentrum“ verstehen. Vielleicht ist ja dieses Entfernen vom Ich, hin zu einem anderen Selbstverständnis, einer ich-befreiten Zone, einem zweiten Weg um das Gehirn herum (less control, more surrender), nicht so weit weg von Ken Wilber.

Und dabei ereignet sich die Musik in maximaler Transparenz, und wirkt, allen Effekten zum Trotz, seltsam effektfern. Nicht so häufig kommt auf dem Solowerk eines Perkussionisten, eines Spezialisten also für „Erschütterungen“, Vibrationen, und Zeiteinteilungen, dermassen viel Ruhe und Stille ins Spiel.

All dieses De-Zentrieren wirkt im übrigen, die nächste Paradoxie, verblüffend konzentriert.

„This is not a social record in the sense that it be played at a gathering. Indeed, it is a rather personal thing to be reflected upon (as musical cinematography) alone, or with a dear close friend.“

„It is a social record in that it reminds us of the fact that most of us made our first social contacts and early transactions in our neighborhood streets How familiar, how indelible the pictures are: aromas of soft velvet days. strong friendships, fears. hates. loves … our first brush with such mystical elements as sex and power.“