Manafonistas

„Bryan Ferry war so freundlich, mich einzuladen, den einleitenden Essay für das Programm der Konzerte zum 50-jährigen Bestehen von Roxy Music in Nordamerika und im Vereinigten Königreich beizusteuern. Also ging ich gestern Abend ins O2, um den letzten Termin der Tournee zu sehen und Zeuge dessen zu werden, was, wie ich annehme, ihr letzter gemeinsamer Auftritt gewesen sein könnte. Ich mag keine Arena-Shows, aber als sich der Sound erst einmal beruhigt hatte, konnte man genießen, was die vier Mitglieder, die 1972 auf dem Debütalbum mitspielten – Ferry, Andy Mackay, Paul Thompson und Phil Manzanera – und ihre sechs Hilfsmusiker und drei Backgroundsängerinnen leisteten. Und natürlich gab es da dieses komische, bittersüße Gefühl, das man bekommt, wenn man sieht, wie etwas, das man vor einem halben Jahrhundert zum ersten Mal in einem Keller mit ein paar Dutzend anderen Leuten gesehen hat, in seiner endgültigen Version zu weltbeherrschenden Ausmaßen heranwächst. In meinem Essay schrieb ich über die Unvermeidlichkeit des Prozesses, durch den das, was als Experiment begonnen hatte, zu einer Performance wurde, aber ein Hauch der ursprünglichen Aufregung und Ungewissheit der Kunstschule schaffte es, sogar die heutigen Produktionswerte und Ressourcen zu überleben, und die Beleuchtung und die Rückprojektionen – endlose Autobahnen für „Oh Yeah“, Warhol-Bilder für „Editions of You“ – machten es schön anzusehen. Die Show begann mit Erinnerungen an die etwas unbeholfenen frühen Stücke („Re-make/Re-model“, „Ladytron“) und endete mit Vollgas-Favoriten („Love Is the Drug“, „Virginia Plain“), aber dazwischen gab es eine lange Passage, in der sich das Tempo zu einem ruhigen Herzschlag verlangsamte, während üppige Texturen und romantische absteigende Muster die Oberhand gewannen. Eingeleitet durch das wortlose „Tara“, zog die Abfolge von „The Main Thing“, „My Only Love“, „To Turn You On“, „Dance Away“, „More Than This“ und „Avalon“ elegant in einer langen, kerzenbeleuchteten Ohnmacht vorbei. Kein schlechtes „Envoi“, wenn es das war.“ (Richard Williams, The Blue Moment, 14.10.22)

Hi, Michael! In my opinion, the lyrics in ’These Small Voices’ refer to the end of humanity/civilisation. The lyrical imagery of ‘We Let It In’ and ‘Garden of Stars’ and even the last verse of ’There Were Bells’ suggests that humanity’s destiny (and the fate of all life/matter in the universe) is to burn. My interpretation is that the ‘hope’ of life persisting/surviving beyond our extinction event is the uncanny voice on the final track. The sound of emergence and something strange/new/familiar/different to us. But that’s just my reading of it, based on a few weeks of listening. I think it’s a fantastic album, up there with his best work ever. Profoundly moving, and beautifully executed.

[verantwortlicher herausgeber des blogs, zudem ansprechpartner in fragen der technik und des layouts ist jochen siemer. verantwortlich für den inhalt von beiträgen und kommentaren ist michael engelbrecht, der zudem vorrangiger ansprechpartner bei internen konflikten ist.]

P.S. So far, so funny. Anyone who wants to enter the world of ZZ Top now, can not go wrong by starting with „Tres Hombres“ and „Eliminator“.

Steve Tibbetts „The Hellbound Train“ ist 2022 erschienen, eine fantastische Compilation seiner ECM-Jahre. Es war das letzte Jahr meiner 32 Jahre Klanghorizonte im Deutschlandfunk, da erzählte mir Steve Tibbetts diese Story über Manfred Eichers Begegnung mit japanischen Tonspezialisten während Keith Jarretts legendärer „Sun Bear Concerts“ …

„Nach über 30 Jahren als Anführer von „Nashvilles abgefucktester Country-Band“ hat der schüchtern-subversive Songwriter die amerikanische Musik immer wieder aufgebrochen und neu aufgebaut, wenn auch viel subtiler als die meisten Bilderstürmer. Wagners Welt funktioniert in einem kleineren Maßstab: Er schreibt Lieder, die sich wichtig anfühlen, obwohl sie von einsamen Haushunden handeln oder von einem Donut auf dem Heimweg. Für Wagner geht es weniger darum, neue Genres auszuprobieren, als vielmehr darum, seine Weltanschauung behutsam zu entkräuseln. Obwohl er schon immer gerne mit seltsamen elektronischen Geräten herumgespielt hat, hat er in den letzten Jahren seine Klänge noch weiter in den Äther getrieben, seine eigene Stimme in Vocoder gehüllt und seine Musik in einen geisterhaften Dunst aufgelöst. Für einen Künstler, der immer auf einer gewissen Ebene der bescheidenen Obskurität gedieh, waren Wagners spätere Jahre ein stetiger Prozess des Verschwindens, der sich fast vollständig in Luft auflöste.

„The Bible“ ist mit Abstand Lambchops düsterstes Werk. Der 62-jährige Wagner ringt in seinen Liedern mit dem Tod und konfrontiert den Lauf der Zeit mit der gleichen amüsierten Exzentrik, die schon immer das Lebenselixier seiner Musik gewesen ist. Stilistisch klingt die Band freier als je zuvor, denn Wagner, der Pianist Andrew Broder und der Produzent Ryan Olson brauen einen sich wandelnden Cocktail aus Bacharach’schem Barockpop, schrägem Digi-Funk, ausgeflipptem Gospel und dekonstruierter Kammermusik. Für Lambchop ist es das, was Goodbye to Language für Godard war: die Art von kühnem späten Triumph, der nur von einem alten Meister kommen konnte, der sich spielerisch mit den Mitteln unserer unheimlichen Gegenwart auseinandersetzt.“

Fellner: „Wie haben Sie bemerkt, dass Sie … Also wie haben Sie diese plötzliche Besessenheit gespürt?“

Befragte: „Plötzlicher Brechreiz, wenn ich ein Kreuz sehe. Tiere betrachten mich stumm und regungslos, wenn ich vorbeigehe. Und das Essen.“

Eisner: „Welches Essen?“

Befragte: „Hundefutter.“

Wie die meisten seiner Werke hat der in Chicago lebende Komponist, Produzent und Multiinstrumentalist Makaya McCraven sein neues Abum aus einer Reihe von organisierten Jam-Sessions und Live-Auftritten zusammengestellt und damit das Erbe des legendären Produzenten Teo Macero und seiner Arbeit an Miles Davis-Alben wie Live-Evil von 1971 und On the Corner von 1972 fortgesetzt. Wie immer fällt seine Musik vordergründig unter das Dach des Jazz, aber selbst McCraven selbst empfindet diesen Begriff als etwas unzureichend, um genau zu beschreiben, was er tut.

In These Times hat fast so viel mit Library-Funk, instrumentalem Hip-Hop und Bartok’schem Folk gemeinsam wie mit kodifizierten, traditionellen Vorstellungen von Jazz. Es funktioniert wunderbar auf einem Kopfhörer an einem leeren griechischen Strand (s Foto), wie beim Betrachten des Nachthimmels über Langeoog, oder in einem prunkvollen Konzertsaal, würdig einer strengen intellektuellen Prüfung, aber genauso leicht einzusetzen, um high zu werden.

Das Werk entstand bei Sessions in vier verschiedenen Live-Räumen und fünf verschiedenen Studios mit Talenten wie Junius Paul (Kontrabass, Schlagzeug, E-Bass usw.), Jeff Parker (Gitarre), Brandee Younger (Harfe), Lia Kohl (Cello), De’Sean Jones (Flöte), Matt Gold (Gitarre, Schlagzeug und Baby Sitar), Marquis Hill (Trompete, Flügelhorn)  und Joel Ross (Vibraphon, Marimba). Musikalisch treibend und fesselnd, scheinen ihre neu kombinierten Bemühungen wie aus einer anderen Vergangenheit zu stammen, ein wahr gewordener Big-Band-Traum.

Geschmackvoll in Applaus gehüllt, als ob das Album live vor einem Studiopublikum aufgeführt worden wäre, saugt die nahtlose Mischung den Hörer in eine Welt, in der sich diese Art von unwirklicher Szene möglicherweise abspielen könnte. Irgendwas ist hier sehr seltsam, der mal verwaschene, mal glasklare Sound, die Raffinesse, die sich ein Quantum smooth jazz gönnt,  das elegische Flair, das auch in einer Strandbar auf Ibiza kaum Stirnrunzeln hervorrufen würde. Irgendwas fasziniert mich fast durchweg und lässt mich andocken, an diesem Album, aus dem ich aber nicht so ganz schlau werde. Olaf, die Scheibe liegt auch dir vor. was wird in deinen Empfindungen vor sich gehen, nach ein, zwei Hörrunden?

Auf der Espressomaschine traf sie seinen Mund,
einen kurzen Mund mit Zähnen aus Chrom.
Der Atem beschlug ihre Augen,
und sie rauchten sich Worte ins Ohr.

Sein Wagen hockte neben der Tür zur Bar,
ein kurzer Wagen aus Polster und Chrom.
Sie rauchten und strichen die Angst ins Haar,
als sich die Straße im Wind verlor.

In einem Feldweg verdrehte er seine Hand,
eine kurze Hand mit Nägeln aus Chrom.
Als sie in ihrem Körper verschwand,
wußte sie, daß sie fror.

Von Telegrafendrähten tropften Lieder ins Gras,
kurze Lieder aus schimmerndem Chrom.
Wolken flatterten, wurden naß,
Atem verbrannte ihr Ohr.

Speckmond im gelben Licht.
Scheibenwischer aus schimmerndem Chrom.
Wischten Regen aus ihrem Gesicht,
als sich die Straße im Wind verlor.

Auf der Espressomaschine traf sie seinen Mund,
einen kurzen Mund mit Zähnen aus Chrom.
Der Atem beschlug ihre Augen,
und sie rauchte Worte und fror.

„I think of this record as taking place at night, in contrast to the daytime setting of Home Time. This is an album about empty dance floors, lacklustre parties and lonely night buses home.“ The record is entirely electronic and recorded on Darren’s collection of ’70s synthesisers. „These instruments themselves are very fragile and mortal, they corrode and decay and behave in erratic ways. They do however, remain alive, for now.“


Darren is the only musician on the album and the music conforms to a strict set of self-imposed rules; only one voice, only 12 tracks, only one polyphonic instrument. ̈Through this control and limited palette I found new melodies and structures. I wanted these old machines to guide me towards my most human record. ̈

‚A Real Human Being‘ is inspired by Darren’s experience of life drawing. „Modern life encourages us to reduce people to images, jokes, memes. In life drawing, you’re treating the person as a form, watching where the light and shadows fall, and then you’re reminded that they are real, alive.“