Manafonistas

Michael Shrieve

 

David Crosby has died. This one is tough for me. David was a part of my life since my high school days, when I was a huge fan of The Byrds. The first time I met David, was in RCA Studios in LA. It was 1968, I had taken my first ride on an airplane with Jorma Kaukonen and Jack Casady, from Jefferson Airplane,( I know, I know!) flying from San Francisco, on PSA Airlines, with stewardesses who were all beautiful, and in tight pink miniskirts! Jefferson Airplane were actually considering me as a drummer! Buddy Miles was also on the flight. It was memorable trip for several reasons. First, I was staying with Jorma and he had a bunch of visitors during the day. (Recording sessions, were at night, of course) A couple of notable visitors were Jim Morrison, and Eric Clapton who had brought a cassette of a band he was super exited about. They were called „The Band“. We went to the studio and I was just hanging out, with you know, Jefferson Airplane! And after awhile David Crosby walks in the studio wearing the famous green cape, and carrying a guitar. The band finished what they were working on and David breaks out his guitar, and they gather around him as he presents them with a song, called „Triad“, that The Byrds didn’t want to touch, because of the provocative lyrics; „Why can’t we be three?“ It was beautiful, haunting, and done in what was turning into the modal tune that would turn out to be a big part of David’s sound. It was a heady trip for a teenager. I never made it into the Airplane, but to this day, remain friends with Jorma and Jack. And not too much time later, I was in Santana. All good!

I think it was 1970 I bought my first home in Mill Valley. I believe the price was $62,000! Croz was one of the few LA musicians that was hanging out in Marin County with the Dead, and on Fulton St. in SF with the Airplane. David was living on a houseboat in Sausalito. He loved boats. We ran into each other a few times, and we really connected. We took a liking to each other. We both had an affinity, actually, a passion, for the Welsh Poet, Dylan Thomas. We would read him out loud to each other. „Under Milkwood“…“the sloeback, crowblack, fishing boat bobbing sea“. One day I was in Wally Heider Studios in SF, recording „Abraxas“ with Santana. Creedence Clearwater was recording there as well. David had booked the big room downstairs, and word was going around how these sessions were becoming rather epic. Neil Young, Jack Casady, Jorma, Grace Slick, Jerry Garcia and other members of the Dead, and oh, Joni Mitchell.

At some point Croz learned we were recording upstairs and came upstairs and asked myself and Gregg Rolie to come downstairs and play. We went down and entered the room, and the strong and pungent smell of really good pot, and incense, combined with the red, dimmed lighting, and Indian fabrics, letting you know that you were in a high class hippy vibe recording room. We played and it was such a different vibe than Santana, of course. It really felt like hippy music to me. It was so open, and cozy, so floaty! It felt strange, to be honest. It was an honor to be playing with these folks, of course. Garcia was always a welcome, uplifting presence.

 Later in life, David had a realistic approach to life, knowing that he had escaped death more than several times, and he made the most of, recording some of his best material in his late 70’s. He squeezed the most out his artistic life and, just two weeks ago was talking about going back on the road. I saw some of those shows, and the shows with Graham Nash They were all magnificent.  Here’s to you, my friend, my brother. I’m going smoke a big fat one now in honor of you, while listening to your music.
 
 
„DO NOT GO GENTLE INTO THAT GOOD NIGHT.

OLD AGE SHOULD BURN AND RAVE AT CLOSE OF DAY;

RAGE, RAGE, RAGE AGAINST THE DYING OF THE LIGHT.

THOUGH WISE MEN AT THEIR END KNOW DARK IS RIGHT

BECAUSE THEIR WORDS HAD FORKED NO LIGHTENING, THEY

DO NOT GO GENTLE INTO THAT GOOD NIGHT.

 

 

Bob Dylan 

 

He was a colorful and unpredictable character, wore a Mandrake the Magician cape, didn’t get along with too many people and had a beautiful voice, an architect of harmony. He  could freak out a whole city block all by himself. I liked him a lot…

 

 

Joan Baez

 

In 1965, Bob Dylan and I were discussing the state of the music scene. He said The Byrds, who had made a hit of “Mr. Tambourine Man,” were the only thing happening musically at that point in time.Perhaps an exaggeration, but certainly a tribute to the stellar musicians who formed the budding monster groups of the years to come like The Byrds and CSNY.

 

David Crosby was among the monster group icons who continued a solo career with the kind of success reserved for great musicians. And he could sing the hell out of a harmony.

He was also a friend to me. He was always, I repeat, always present for me, to defend my character and politics, and often included over the top (sometimes unwarranted) praise. He was funny, clever, and refreshing to be around. And I was honored that he chose my portrait of him as his last album cover.

He will be missed by millions, including myself. Sending my love to Jan and his family.

 
 

 

Endlich habe ich sie in Ruhe gehört, von vorne bis hinten, und die lyrics gelesen. Ich habe etliche Lieder im Auto mitgesungen, auf meinem Phone poppten sie Zeilen nach und nach auf, gross genug, um sie sich im Tempo eines Lidschlags zu eigen zu machen, und mitzusingen, mitzuhauchen, -flüstern, -schmettern – diese wunderbar verhuschte Stimme, die so viel mehr kann als nur präsent zu sein! Und die lyrics sind klasse. Immer ein Bein im Traum, eins in der Wirklichkeit. Horizonte wechseln sich ab mit Schnitt und Gegenschnitt, oder überlagern sich in einem einzigen Bild. Die Band wirkt selbst da klangbewusst und einfallsreich und leftfield, wo die Konventionen von straight und dirty und country und crooning nicht fern sind. Endlich ist das Album „physisch“ angekommen. Haptisch. Ein Sinn dazu. Und alle beieinander. Und ich mache die gelegentliche Karaoke im Toyota. Gut, dass die Duette mit Jeff Tweedy nur ich höre. Frauen würden sich in mich verlieben (ein Witz, oder nicht?!) Sie kommt so gut. Wilcos Neue. Cruel Country. Ist das ein fantastisches Doppelalbum! Noch viel besser als jene flüchtigen ersten Eindrücke, aus der Zeit, als das Album nur als Datenstrom erhältlich war. Beglückend selbst in der Dunkelheit: „From the vault inside the mountain / All the coins from every fountain / And from the sun that ‚round us rolled / Cars and streets everything gold / Lightening dashed, tossed and torn / I, at last, took demon form. All I’ve loved / I’ve loved alone.“ In der Nacht träumte ich, ich hätte Jeff in Hoboken getroffen in einem Diner. Daraus wird wohl ein langes Rock‘n‘Roll-Gedicht. (Der Tagesrest: ich las einen wundervollen Artikel gestern in Uncut über Yo La Tengo. Die leben in Hoboken, und „This Stupid World“ heisst ihr neues Album.) 

 

 

 

 

Two covers, and one record I love. (Click on them, enlarge!) After the Big Three left their marks with solo piano albums that hammered one milestone after the other into the road of instant classics, Paul Bley, Keith Jarrett, and Chick Corea, two gentlemen followed on their tracks, Richard Beirach and Steve Kuhn. I remember that „Ecstasy“ delivered an enchanting atmosphere from the first encounter onwards. Mr. Kuhn knew the grand gestures of Russian masters like Tchaikowski and their sense of drama and upheaval, and self-vonsciously transported well-dosed elements of it into his elegant and deep performances. Along with a free floating romanticism. The gift of the moment. The album was filled with melodic seductiveness, yet never lost its sense for restraintment in the right moments. The cover paintings of Maya Weber in the 70‘s may have raised some eyebrows, but in the long run they remain a strangeley compelling company to the musics inside.

i think of „Playground“ as one of the few ECM albums of the first 15 years of the label I haven‘t owned or even heard. And I didn‘t look for some clever crash course in filling up holes lately. As far as I remember, Sheila Jordan isn‘t a singer that ever rang a bell. That doesn‘t mean anything, beware, I only like one album of Ella Fitzgerald. A certain kind of jazz singing simply doesn‘t kill me softly. But when by chance I stumbled on this cover, it  made me think: I love it so much, that I would normally have bought the album for that cover only, knowing you can‘t really go wrong with Mr. Kuhn (except one of his later works for ECM with piano and strings that was utterly boring). This cover photo is so inviting, it makes me look around – and sigh: I would love to have been there and change places with the woman in the foreground. Or sit beside her. Lovely. Just put on this record, and tell where its sends you!

Die erste Story aus Jonathan Lethems Erzählsammlung Men and Cartoons (New York 2004, deutsch: Menschen und Superhelden, 2005) hat den Titel Vision. Vision ist der Name eines Jungen, der dem Protagonisten, Joel Porush, im fünften Schuljahr während eines Kickball-Spiels in der Turnhalle der Public School 29 zum ersten Mal begegnet. Dann gibt es einen Zeitsprung und Vision ist ein erwachsener Mann im Sweatshirt, der Umzugskartons in das Haus, das dem von Joel benachbart ist, transportiert. Joel wird zu einem Spiel-Abend eingeladen. Für das Mafia-Spiel brauchte man 15 Personen. Eine davon ist der Erzähler. Diese Rolle übernimmt Vision. Dann werden durch verdeckte Karten Rollen verteilt. Es gibt drei Mafiosi und elf Dorfbewohner. Das Spiel wird geprägt durch den Rhythmus von Tag und Nacht. Nachts müssen alle die Augen schließen und die Köpfe senken. Nur die Mafiosi dürfen sich untereinander mit Blicken darauf verständigen, welchen Dorfbewohner sie umbringen wollen. (Das Spiel erfordert einen Erzähler, der streng über die Einhaltung der Regeln wacht.) Am Morgen scheidet die ausgewählte Person dann aus. Tagsüber dürfen alle miteinander sprechen. Die Mafiosi sind darauf bedacht, nicht erkannt zu werden. Am Abend einigen sich die Dorfbewohner auf eine verdächtige Person, die gelyncht wird, also ebenfalls aus dem Spiel ausscheidet. Der Reiz des Spiels besteht darin, die anderen über die eigene Identität zu täuschen, wenn man zur Mafia gehört, und die anderen Spielerinnen und Spieler einzuschätzen. Ziel des Spiels ist es, als Gruppe zu überleben. Als Gesellschaftsspiel für eine Einladung, auch noch für eine erste Einladung, kommt es mir aus europäischer Perspektive etwas gewalttätig vor. In der Story geht es auch noch um eine Comicfigur, um große Bekenntnisse während eines weiteren Spiels und um einiges mehr. Ich hatte von Jonathan Lethem noch nichts gelesen und wollte mir einen Eindruck verschaffen; es ist eine klassische, US-amerikanische Story, alltagsbezogen und etwas schräg, für meinen Geschmack etwas zu sehr von creative writing-Methoden und ihren angeblichen Erfolgsrezepten geprägt. So könnte die Story Vivian Relf auf folgender Hausaufgabe basieren: „Schreiben Sie über eine Begegnung von zwei Personen auf einer Party, die beide davon überzeugt sind, einander vorher schon irgendwo getroffen zu haben. Weitere Begegnungen nicht ausgeschlossen ;) Achten Sie auf Humor, auf funktionierende Dialoge und auf die Spannungskurve. Schreiben Sie 15 bis 20 Normseiten.“ Die entscheidende Frage der Story ist natürlich die, wo sich die beiden zuerst getroffen haben. Jonathan Lethem erhält einen Pluspunkt für die Idee, dass sich beide geirrt haben. Sie haben sich auf der Party, auf der sie einander wiedererkannt haben, zum ersten Mal gesehen.

 

We haven’t had the chance to hear the JBL Paragon in person, but from what we gather, the speaker (that looks like furniture) has a very distinctive sound “signature” due to its single cabinet curved refraction design. The Paragon is capable of filling up a room in a uniquely powerful way that could be somewhat be compared (not in sound, but effect) to how Klipschorns fill out a room unlike any other speaker. Interesting to note, the sound is supposedly smoother the further away you are from the speaker and can sound a bit strange at close distances.

 

 

 

„I will bring you through the night“ (Laura Nyro)  NEULAND: Flying Saucer Attack / Mike Cooper / Hilde Marie Holsen / Dino Saluzzi / Sokratis Sinopoulos / „Eine Olive des Nichts“ / Robert Forster / Codex // Moritz von Oswald Trio (w. Tony Allen) / Fennesz + Ozmotic / Monkey Plot / Brutter (w. Christian Wallumrod) / Radio Vietnam / Heitor Oliveros // NAHAUFNAHME: Terje Isungset // ZEITREISE: Arthur Russell / Brian Eno / Michael Mantler / Dieter Moebius / Lloyd McNeill / David Toop / Michael Head / Terry Riley // Art Lande / Jan Garbarek / Peter Rühmkorf / Steve Kuhn

It is not a good advice, to end a night with exstatic music, but „Ecstasy“ was running on the record-player that night, and it was a long piece taken from the solo piano album with the same name. Deeply romantic! I had brought along my original first pressing, and it was surely turning its rounds with some cracks. I cannot imagine who, by chance, listened to that beauriful soumd of  the Steinway in the early hours, but a handful of people (at least) must have fallen in trance, and the day before their  eyes will have  looked very different.

Auch wenn ich nicht der gröBte Liebhaber von Jahreslisten bin, mach ich doch hie und da mit. Eine der letzten Listen im jährlichen Aufmarsch ist der EL INTRUSO Critics Poll, an dem mehr als 60 Kritiker weltweit teilnahmen. Die Bandbreite an verschiedenen musikalischen Universen und Hör(er)dramaturgien bleibt erstaunlich und das Gesamtergebnis hat seine bedenklichen und merkwürdigen Seiten. Ab und zu geht’s auf keine Kuhhaut, zB wenn Musiker und Gruppen genannt werden, die nicht oder kaum noch auftreten (für mich eine zentrale GröBe) oder sogar schon nicht mehr leben. Viele sitzen sehr in eigener Höhle. Es ist die allerdings die Evidenz der Tatsächlichkeit und man kann noch das eine oder andere entdecken.

 

Immer noch schlicht ein Skandal, dass wieder so wenige Europäer einen gebührenden Platz bekommen haben. Das geht anno 2022 gar nicht mehr. Rodrigo Amado ist schon länger die groBe Ausnahmen, auf die sich viele einigen können.

 

Ich habe mich daran orientiert, welche Gruppen und Musiker ich tatsächlich live gesehen habe oder die auch sonst verfolgen konnte. Und es kam mir darauf an, jüngere Musiker als Gegengewicht einzubringen. Und einige Male, habe ich mich dafür entschieden, nicht den groBen Namen zu bringen, sondern einen hervorragenden anderen, der Aufmerksamkeit verdient. Joe Lovano gehört bei den Tenorsaxophonisten sicherlich zu den gröBten, aber Tobias Delius musste von mir aus diesmal Erwähnung finden. Das Problem bei solchen Listen ist ja auch, dass es keine klaren, für alle leitenden Kriterien gibt und somit automatisch ein Sammelsurium programmiert ist. Es stellt sich dann aber am Ende heraus, wer – aus welchen guten oder zweifelhaften Gründen – hoch btw. am höchsten gehandelt wird. Hier meine Liste auf Elintruso und HIER der Link zum gesamten Panoptikum:

 
 
 

EL INTRUSO 2022

Henning Bolte

 
 

Musician of the Year:

Sylvie Courvoisier, Ingebrigt Håker Flaten,  Alexander Hawkins 

 

Newcomer Musician: 

Nick Dunston, Kateryna Ziabliuk, Sun-Mi Hong 

 

Group of the Year:

Kaja Draksler Octet  

Amir ElSaffar Rivers Of Sound

Paal-Nilssen Love Circus 

 

Newcomer Group: 

Pietre  (Alessandro Fongaro/Nicolo Ricci/Jesse Schilderink/Sun-Mi Hong)

Økse (Mette Rasmussen/Petter Eldh, Savanna Harris, Val Jeanty)

Mysterial Layers (Sanem Kalfa, Marta Warelis, Tineke Postma, Sun-Mi Hong)

 

Album of the Year:

Jakob Bro/Joe Lovano – Once Around The Room (A Tribute To Paul Motian). ECM

Ruben Machtelinckx/Arve Henriksen – A Short Story. Aspen Edities

Vadim Neselovskyi – Odesa – A Musical Walk Through A Legendary City. Sunnyside

 

Composer: 

Amir ElSaffar, Roberto Bonati, Petter Eldh

 

Drums:

Hamid Drake, Jim Black, Michele Rabbia

 

Acoustic Bass:

Claude Tchamitchian, Thomas Morgan, Petter Eldh

 

Electric Bass:

Steve Swallow, Simon Jermyn, Dan Peter Sundland 

 

Guitar:

Eivind Aarset, Gordon Grdina, Marc Ducret 

 

Piano:

Sylvie Courvoisier, Kris Davis, Jason Moran

 

Keyboards/Synthesizer/Organ:

Craig Taborn, Dan Nicholls, Kit Downs

 

Tenor Saxophone:

Rodrigo Amado, Charles Lloyd, Tobias Delius

 

Alto Saxophone:

Steve Coleman, Mette Rasmussen, Silke Eberhard

 

Baritone Saxophone:

Mats Gustafsson, Guiseppe Doronzo, John Dikeman

 

Soprano Saxophone:

Alexandra Grimal  

 

Trumpet/Cornet:

Amir ElSaffar, Ambrose Akinmusire, Arve Henriksen 

 

Clarinet/Bass Clarinet:

Aviva Endean, Oguz Büyükberber, Louis Sclavis

 

Trombone:

Jacob Garchik, Samuel Blaser, Gianluca Petrella  

 

Flute:

Naïssam Jalal, Sylvaine Hélary, Mark Alban Lotz

 

Violin/Viola:

Régis Huby, George Dumitriu, Mat Maneri

 

Cello:

Vincent Courtois, Tomeka Reid, Judith Hamann

 

Vibraphone:

Taiko Saito, Pasquale Mirra, Christopher Dell

 

Electronics:

Jan Bang, Ikue Mori, David Torn 

 

Other Instruments:

Gordon Grdina (oud), Mishiyo Yagi (koto), Sophie Bernado (bassoon)

 

Female Vocals:

Elaine Mitchener, Sanem Kalfa, Sunny Kim 

 

Male Vocals:

Theo Bleckmann   

 

Record Label:

Clean Feed, Relative Pitch Records, Pyroclastic Records

 

 

On that hot and sunny afternoon I met Brian Eno in Kilburn, in the year of „Neroli“, we at some point spoke about the two „ambient works“ he did with Harold Budd, and he explained how he worked on the sound of „The Plateaux Of Mirror“. All very technical, I responded, but, being a convinced agnostic by heart meeting an atheist by confession, I asked him about the deep impact this music often had, and for example, on me.

I hesitated to use the word but then dropped it: spiritual. Can agnostics attest music a spiritual, or, as I added, strangely otherworldly quality? He, the atheist, doesn‘t even think in these words. At least in that summer „Neroli“ was released, inspired by the experience of an orange garden. Already in early years, he spoke about his lust to put systems in motion and become an observer of the results. There is something about this that resembles a paradoxon. How can music go so deep when being regarded as „pure system music“ with not too much input from the creator, like „Discreet Music“? Or „Music for Airports“? Well, it can. But how?

At times, and quite often,  I have to say, Brian Eno stumbles, by chance and genius, into areas of sound that can have a variety of impacts on the listeners, and one of them being a profound, unsurpassable deepness. „The Plateaux Of Mirror“ or „Discreet Music“ or „Music For Airports“ contain and create, with all their surface shimmer and unspeakable magic, the same deepness as „A Love Supreme“ or Mahlers „6th Symphony“.

This is my experience. And Eno knows to leave (forever and a day) the landscapes he has once created. Would be much more easy to write about deepness when putting „On Land“ on the record player. No one doubts deepness when roaming through the wilderness. But when confronted with a tape loop running mistakenly half-speed!?  I can listen to „Discreet Music“ a thousand times without being bored. And I always feel it is moving as deep as deep can go.

The ungraspable, next paragraph: on another sunny afternoon, with (as I remember) Alan Bangs waiting slightly impatiently with his TV team for an interview, I came to speak with Laurie Anderson on „Music For Airports“, and how Bang On A Can delivered their version. She said something like this:

 

„Isn‘t it incredible that Brian‘s original, as a piece regarded „functional music“, has so much deep melancholia engraved in the four parts of the work, that a group of classical violinists and violas have to come to bring these deeply hidden emotions more to the surface – and even tears to the eyes? But this deepness was there, from the very start …“

 

The hushed notes on the piano, only these few notes, played by Robert Wyatt on „1/1“, the first part of „Music For Airports“ –  their return on loops, the sparse surroundings, the breath of machines in between, the hiss, the space near emptiness, and that road to silence not taken before, the hand at the machines rolling, the careful deleting of everything that has not to be, all that and much more is happening when nothing really happens.

 

War is a lesser or greater part of human’s daily reality. Almost a year ago it came very close to all of us and changed a lot. We don’t have to be speechless and also can dance. 

 

It has left its traces in music openly, subliminal, hidden, furiously, shadowing, encouragingly, desperately, hopefully …  I posted an example by Jason Moran from Saalfelden. Here’s is another one by Arve Henriksen in trio with Jakob Bro and Jorge Rossy. It was February 25 at Amsterdam Bimhuis, the day after RuZia’s raid on Ukraine … It’s these emerging moments that stuck. Here an impression in four (short) steps:

 
 

VIDEO 1

 

VIDEO 2

 

VIDEO 3

 

VIDEO 4

 

 

Die liedhaften, andeutungsweise hymnischen, Kompositionen diese aussergewöhnlichen Albums entstanden sehr kurz nach dem Tod des Vaters und Lyrikers Gerard Rochford, in heimischer Umgebung. Man kennt Rochford von seiner Gruppe Polar Bear (deren bestes Album in der Mohave-Wüste entstand), von den jungen, wilden Sons Of Kemet und dem ultramelodiösen Trio Libero. Hier nun wollte er den Sound  seiner Kindheit und Jugend einfangen – und Trost finden zugleich. Etwas wachrufen. 

Bei den fünf Stufen der Trauerarbeit ist die Akezptanz nach Kübler-Ross die abschliessende fünfte. In einer Besprechung des Albums bringt Oliver Coates die „sechste Stufe“ der Trauerarbeit ins Spiel, und zitiert diese „Ergänzung“ von David Kessler: „Meaning“. Rochford und Downes seien noch nicht ganz bereit, nach dem Sinn zu suchen, schreibt Coates. Stattdessen „sässen sie in trauter Zweisamkeit zusammen, an dem Ort, an dem die Abwesenheit am stärksten zu spüren ist.“ Als wären sie noch nicht bereit,  im Prozess der Überwindung der Krise neue Einsichten zu gewinnen, und dadurch ihr Leben reicher zu machen. Eine psxhologische Prozessbeschreibung einem Kunstwerk überzustülpen, ist oft genug ein wenig platt, und in diesem Fall darüberhinaus deplatziert.

Die „Bedeutung“ liegt doch gerade im  schöpferischen Akt des Erinnerns. Die Haus der Kindheit erhält seine Dämmerung, seine alten  Schwingungen gleichsam gespiegelt und verwandelt zurück. Mehr „meaning“ geht nicht. In diesem Sinne ist „A Short Diary“ eindringlich-elementare Musik, welche man zwei anderen aussergewöhnlichen „home recordings“ des Labels ECM an die Seite stellen kann, den Solo-Piano-Werken „At Home“ von Misha Alperin, und „The Melody At Night With You“ von Keith Jarrett. Alle drei Werke belegen eine von jedem Überschwang befreite Innerlichkeit.

P.S. – … und, a propos „meaning“ – „Bedeutung“, schreibt ein Mr. Harris die perfekte Ergänzung: „The tracks feel unhurried but concise enough not to be just drifting along, and as a meditation on memory / mortality it works at a high level in its efforts to convert sound into meaning.“