Manafonistas

Zwei Eds spielen ein Rolle. Eine gute. Da ist einmal Ed, das sprechende Pferd, eine meiner liebsten Serien als Kind. Dann, als Student, kam der andere Ed ins Spiel, er half mit, dass ich von einer Hochzeit träumen durfte. Auch Hochzeiten haben ihr Verfallsdatum, wenn man nicht an der Ewigkeit schraubt. Jetzt haben wir einen Jungsurlaub geplant. Mindestens sieben Tage auf eine exotische Insel. Er sagte Sylt, ich sagte, ja, das ist exotisch. Abenteuerurlaub mit Piraten, keine Frage. Der Traum heute Nacht war ein Vorgeschmack. Ed fährt seinen Mercedes, als hätte er einen Rennfahrerkurs gemacht. Kann man so durch Kurven rauschen, ohne aus dem Leben rausgetragen zu werden? Cool. Wir landeten seltsamerweise im Münsterland, auf einer riesigen Hof- und Hotelanlage, mit einem Wasserschloss und galoppierenden Pferden. In einem Garten sassen wir auf einer Bank, der Kinks-Fan und der Beach Boys-Fan, ich drehte mich um und traute meinen Augen nicht. Schau mal, Ed, so etwas habe ich noch nie gesehen! Der Himmel zerfloss in grün durchrauschten Bäumen, ich versuche erst gar nicht, das Farbenspiel zu schildern. Ich sog das Szenario minutenlang auf. Ed, das ist wie ein Traum! Und ich merkte nicht, dass es wirklich ein Traum war, sonst wäre es ein luzider geworden. Es wird Zeit, wir werden uns bald auf den Weg machen. Currywurst a la Sansibar, und Abenteuer ohne Ende.

I was completley stunned when I listened to her two or three appearances on one of the most moving and deep musical experiences i‘ve had in recent times, it took some time to fully realize that STANDARDS VOL. 4 (well, no decent standards, thanks god, no Tin Pan Alley at all, grateful for that) by the, haha, „National Jazz Trio of Scotland“, Mister Wells‘ unique work in progress, is an absolute masterpiece, or, if you think I‘m slightly over the top here, or carried away by enhusiasm, at least it is „a masterpiece of its kind“, and Robert Wyatt would surely be deeply touched and impressed, by a song album that knows so different layers of surface simplicity, and darkness inside. Thank you for the record, Mr. Wells. And, me oh my, the wonderful singer / vocalist at your side! And the art of crescendo!

On an island like Amrum, in a remote forest area (you can always find quiet places in the biggest holiday resorts), it’s easy to complete your desert island collection. Some time ago, I found a Speakers Corner reissue of an album from the summer of love, and, to my own surprise, though not containing any of his great hits, it immediately turned to my favourite Donovan album. And I really own some of his lovingly eccentric deliveries of hope, peace and shangrilas. Helas! When the album came out, our folkie from the Scottish hinterland stopped drugs and turned to meditation. Someone who got similarly impressed by this album, „could almost smell the patchouli incense wafting from his flower-draped recording studio.“ He had a real band playing behind him, harpsicord, B3 organ, bongos, acoustic guitar, flutes – and strings carefully dosed. What really catches me, draws me in everytime, above everything else, is the nonchalance of his singing style, all heartfelt, smiling, with an unashamed sense of optimism. Fucking genius. He‘s „there“, in the moment, no cliche, and the songs are so painfully short, I always feel a shade of sadness when the fade-out is mercilessly ending an atmosphere. I would like so much immersing myself into endless jams of every single song and their stunning variety of moods of naivety, innocence and yearning. But, this way, they never wear out their beauty and make you think: in a life where we will all turn to dust and ashes in the end, with no god in sight, no bardo to be expected, no coming back ever, leaving the ones we love shattered in tears and pain: love is the first, and shortness the second essence of life.

Die Wahl, durch ein Buch zu rauschen, wird zügig getroffen. Nie mehr quäle ich mich über 50 Seiten, mittlerweile erkenne ich einen zähen Schinken sehr schnell. Etwas, das ich mir nicht antuen möchte. Zum Beispiel gedrechselte Virtuosität. Oder Geschmackssicherheit. Bücher, die sich so aseptisch anfühlen wie Gefälligkeitssoli von Branford Marsalis auf einem Sting-Album. Doppelte Strafe. John Updike. Richard Ford, meine Lieblingslangweiler. Gescheiterte Ehen, verkrachte Sportreporter, ach, du meine Güte. Immer wieder einen Sog erzeugen die Romane von James Lee Burke. Und jetzt habe ich diesen amerikanischen Klassiker begonnen, der mich vom Stapel der wartenden Bücher anlachte. Bestimmt nicht, weil er als Klassiker gilt. Oder Kult. Und ich fahre ein paar Tage in den Norden, Richtung Wangerland. Feile ein wenig an der Radionacht herum, habe schon die letzten zwanzig Minuten vor sechs Uhr morgens komplett verändert. Keine wortlastige Forschungsreise ins alte Ohio der Fünfziger Jahre, die ist auf Juni verschoben, stattdessen klingt die Nacht aus mit einer wunderbar abgehangenen Jazzballade, die kaum einer kennt, mit dabei der junge John Surman. Ich werde mir einen Strandkorb mieten, mich in eine dicke Decke mümmeln, vom Strandimbiss Reis mit Zimt und Zucker besorgen, und tatsächlich durch „Der Electric Kool-Aid Acid Test“ rauschen, ohne Windeseile, einfach über Tage und alle Wetter hinweg.

Auf den ersten Klang, und auch den zweiten Eindruck hin, sind diese beiden Alben in einander fernen Welten anzusiedeln, auch wenn sie beide Musterbeispiele von „independant production“ sind. Was mögen schon Yo La Tengo und Jakob Bro gemeinsam haben, gelten die einen doch als Nachfahren von Velvet Underground und Erkunder einer unendlichen Plattensammlung, der andere als Spezialist für kammermusikalischen Jazzfeinstoff.

Jedoch: beiden Werken ist selbst im Traumverlorenen der Aufruhr nicht fremd. Am Rande von Nichts und Stille (und dem nicht minder weiten Feld der Melancholie) an Ausstrahlung nicht zu verlieren, ist allemal Kunst, und wie trefflich spiegelt sich das auch im Wettbewerb der Unauffälligkeit, den beide Cover mit guten Argumenten für sich entscheiden könnten!

Solche Alben werden oft marginal wahrgenommen oder pflichtgemäss (im typischen „ECM“- oder „Indie-Rock“-Rezeptionsfeld). Das ist naheliegend, produziert aber leicht vertraute Wahrnehmungen. Dabei lebt jede Besprechung von den Besonderheiten genauer Beobachtung und freischwebender Aufmerksamkeit, und erst die Abweichung von geläufiger Lobrede nimmt die Spur des Besonderen auf.

Neben dem Bassisten Thomas Morgan bereichern auf Returnings zwei Altmeister ihres Fachs das Ensemble, die erstmals, lang ist’s her, auf Terje Rypdals „Fusion“-Meilenstein Waves zusammenspielten: Palle Mikkelborg, Trompete, und Jon Christensen, Schlagzeug. Ist Jakob Bros Gitarrenspiel einmal mehr eine unerschöpfliche Studie in Transparenz, steuern Mikkelborg und Christensen im besten Sinne Eigensinniges bei: der Trompeter mit eindringlicher Strahlkraft selbst in abgründigen Zonen (so verinnerlicht habe ihn bislang nie gehört), der Schlagzeuger, indem er kaum je einen Rhythmus aufrechthält, allein Suggestionen und Schattenklänge zelebriert. In keinem Moment läuft das Album Gefahr, in (blauen) Pastelltönen zu zerfliessen – zwei lange Stücke sorgen, ideal platziert, für  eine Art Wildheit, ja, Furor, die dem Werk immense Spannung verleihen.

Und Yo La Tengo? Michael Hann nimmt die Echos der Klangfarbe Blau in ihrem jüngsten Werk auf:

The chorus that Georgia Hubley sings softly on the second track of Yo La Tengo’s 15th studio album serves almost as a mission statement for the trio: “Whenever I see you, there are shades of blue.” Yo La Tengo are, as so often, blue: but theirs is not the midnight blue of despair, but the pale blue of melancholy, and sometimes the sharp, unending blue of a cloudless sky. The song exemplifies the group in other ways: its jaunty rhythm is taken straight from 60s beat pop, befitting their record collector reputation, but recast into something somnambulant and soothing all their own.

Natürlich gäbe es noch viel mehr zu erzählen, an dieser Stelle lediglich der auch nicht mehr überraschende Hinweis, der Musik beider Platten am besten in den Abend- und Nachtstunden zu lauschen. Auf jeden Fall für mich das bislang faszinierendste Album von Jakob Bro, und eines der vier reichhaltigsten Werke von Yo La Tengo, neben „I Can Hear The Heart Beating As One“, „And Then Nothing Turned Itself Inside Out“, und „Painful“!

Dear friends,

 

they offered this opportunity, and I agreed. It‘s the infamous „wooden cabin“, known (in general and all its mythical dimensions), as a place for singers and songwriters in recluse, for people reading Thoreau, lovers’ retreat, or just taking a break from mobile phones. This cabin is placed on the island of Amrum, close to a forest – and a place that once offered shelter for the first German Kinks fanclub. From old days on, I stayed in contact with those nice guys, and now they invited me for a freewheelin‘ visit that will end the day before my live show on April 21st. Quiet days, no web, no photos, just listening to the waves and the music, walking, eating fish, writing some lines for my campfire radio night in the long hours before the record store day will open its doors. It‘s quite a pile of records I have transported here. Arriving at night, the first thing I have been listening to is the „Standards Vol. IV“ album from The National Jazz Trio of Scotland. No jazz, no standards, but sublime songs with a nod to the spirit of Young Marble Giants. Oh, a knock at the door. Hope you will join the „Klanghorizonte“!

 

Best, Michael

1982 gehört zu meinen wildesten Jahren, und so wundert es mich, dass ich mich nicht daran erinnere, wann und wie  mich, an einem Tag in jenen zwölf Monaten, die mich gnadenlos durch Höhen und Tiefen purzeln liessen (mit meiner tätigen Mithilfe), via „jazz py post“ (wie sonst am Ende der Welt) ein Päckchen aus München erreichte, mit Gary Peacocks „Voice from the Past“ – diese Wahnsinnsmusik hätte sich, auch mit dem farbig aufgerissenen Himmelsmotiv, bestens in meinen Soundtrack jenes Jahres eingefügt.

Noch heute produzieren die Kompositionen Gänsehaut, so eindringlich, dass man sich ihnen ganz hingeben muss, lauschend: eine Traumgruppe hatte der amerikanische Basssist um sich geschart, und von dem stetig befeuerten Jack DeJohnette abgesehen, spielten Tomasz Stanko und Jan Garbarek mit einer Furiosität,  von der sie in nachfolgenden Jahrzehnten weitgehend ablassen würden, zugunsten anderer Spielideale. Als sollten es die Soli ihres Lebens werden, als würden sie ALLES hineinlegen! Selten passt das Wort „entfesselt“ mehr, und auch die im Titel zu vernehmende „Stimme aus der Vergangenheit“ kommt eher aus slawischen Urwäldern und des Bassmannes Erinnerungen an Jazzclubzeiten mit Albert Ayler, als aus einem idyllischen Shangrila.

„Guamba“ erschien fünf Jahre später, 1987, an das Cover erinnere ich mich, denn ich mochte es auf Anhieb, und es gibt einige dieser Art, bei denen sich sonderbare Gestalten im Vordergrund eher im Kontakt befinden mit dem Horizont und dem Abgelegenen als der Porträtlaune eines Fotografen zu folgen (man denke nur an den Wanderer auf einer John Surman-Platte, „The Amazing Adventures of Simon Simon“).  Instrumental gesehen ist es die gleiche Besetzung, allerdings spielt neben Jan Garbarek Palle Mikkelborg Trompete (ich habe zwei Lieblingsscheiben, an denen der Däne mitwirkt, „Waves“ und „Returnings“, gerade mal vier Jahrzehnte liegen zwischen ihnen, wer sagt, Zeit fliegt?), und am Schlagzeug sitzt Peter Erskine.

In meiner leicht pastell getönten, flüchtigen  Erinnerung (ich verlor das Werk bei irgendeinem Umzug) ist das Album im Vergleich viel melodischer, weniger ekstatisch. Es hat also bei mir nicht so viele Spuren hinterlassen, und doch möchte ich es gerne auf Vinyl wiederhören. Ich wäre sehr, sehr gespannt, wie dann diese „Stimme aus der Vergangenheit“ tönt.

Kate Sudgen

»She’s as good as people like Liz Fraser«, Mr. Wells says, and he adds: »It’s almost like her voice sounds like it’s double tracked without it being double tracked, like Gerry Rafferty or Robert Wyatt. There’s a graininess to it.«

This will be a new series, and nearly everyone can contribute. The double review of Jakob Bro and Yo la Tengo (the albums of this month) maybe strange, on first sight, but makes sense. This forthcoming series does not imply extended reviews, but short reflections on two (!) new, old, ancient, whatever ECM albums of your choice. It can include personal memories, memories of first listening experiences, a change of perception within years, quotes of other reviews, fictional elements. My first text will be about two Gary Peacock albums, „Voice from the Past“, and „Guamba“. The first one is one from my 100 favourite ECM albums of all time, the second one a record I have simply lost – now having to rely on pale memory only. Interesting. Gregor, for example, could make some „Plattenschrank Openers“ with this „Double Take“ as second title :)

Different ways of getting, having, and holding. Sometimes, in the past, it was simply there, from one moment to the other, on air, on Europawelle Saar, in the room of your teenager buddy – your life‘s musical history is accompanied by regularly  falling in love at first sound. It was more complex when you know the music of your desire would arrive, someday soon, you may have read about it – oh, this rough mix of joy, impatience, daydreaming! At this point in time, and after several disappointments in 2018 (Laurie Anderson, David Byrne a.o. old company)  there is no record to be seen in the near future that makes me bite in my teeth, shiver with pre-excitement, wanting to share my untamable enthusiasm for an album that is not yet there. Is this the final arrival of the all-encompassing age of  recycling and rewinding so that (in the end) only those records make you hum that are full of distant echoes, and close to falling apart in the most beautiful ways. They have a hidden f o r t e, no doubt, but  great records  like the ones from Yo La Tengo, Jakob Bro, John Surman or Andy Sheppard send you into dreamspace, for all the good reasons.

I go to the rock arena, and what do I get: a ridiculously bad Jack White album, an agitated  post-punk horseshit that real critics applaud to like something that would not be forgotten by the end of the year. I remember the days I waited for a Robert Wyatt or Brian Eno song album many, many moons, and when it was clear, they would land in my small place on the planet, a kind of Christmas vibe was all around. Days ago, I got an email from the son of the late „fifth man“ of The Beatles, no kidding,  and he wrote though things are in preparation, it would definitely not yet be clear that the Fab Four‘‘s „White Album“ would be reissued, sensurround and all, in the autum of 2018. My most anticipated album from 2018 stems from somewhere deep in the last century.

I  contacted Green Garthside,  because I know Scritti Politti is working on the next album,  but it is all delayed and questionable. At least Robert Forster said, a new song cycle might appear. A man and his guitar will rock you. You like the woman at his side on violin. She makes you think of Regensburg. You had another love there, slim, brown, sexy. You made love to her, near the big river, no, she made love to you, you both went to a gig  of a band that was writing German Rock History, „Fehlfarben“, they toured their „Monarchie und Alltag“-album. Did it rock you? No, a bit only. She did rock you. Memory mode in pastel. Memory fade mode. All quiet. Dark night. Coming. A sound out of nowhere. Like, like…, yes: The The did rock you, „Soul  Mining“ was a killer.