Manafonistas

Oh, oh, the days of „Come On, Eileen“ (… and now, 100 years later…)

https://soundcloud.com/dexys/dexys-nowhere-is-home

some background, offered by THE GUARDIAN:

Dexys Midnight Runners have announced their first album in 27 years – but without the midnight running. Now known simply as Dexys, the band will release One Day I’m Going to Soar on 4 June.

„In the past there was Dexys Midnight Runners, now there is Dexys,“ they announced. As rumoured last year, the English band have finished recording a fourth studio album – their first since 1985’s Don’t Stand Me Down.

Dexys have posted the first two minutes of the album, from a song called Now. It begins with plaintive piano, followed by cello and Kevin Rowland’s unmistakable voice. Then everything changes at 1:16: „Attack the track, I said attack the track!“ they yell, joined by drums, horns and a lazy groove. „Oh I know that I’ve been crazy/ and that can’t be denied,“ Rowland sings. „But inside of me there’s always been a secret urge to fly.“

Formed in Birmingham in 1978, Dexys Midnight Runners were named after the drug Dexedrine, and the boundless late-night energy it gives users. Their debut album, Searching for the Young Soul Rebels, reached No 6 in 1980, and its follow-up did even better: Too-Rye-Ay peaked at No 2 in 1982, while single Come on Eileen spent four weeks at No 1. The group disbanded in 1986, reuniting for a tour 17 years later. Aside from one 2007 demo, Now is Dexys‘ first new material since the mid-80s.

Engineered by the son of Blue Nile producer Calum Malcolm, Mid Air was mostly recorded in Buchanan’s flat, working „civilised hours“ over a couple of years. Half-joking, he likens the process to Ted Hughes’s „sacred trance“: the songs appeared almost by accident while he was „banging away“ in an attempt to come up with something for Garbage singer Shirley Manson, who had approached him to collaborate on her – as yet unmade – solo record. „Shirley is lovely and I really wanted to get what she wanted, but nothing came out of it in the end. It was only when I looked back I thought, I’ve got all these little things that I’ve just noted and put to one side.“

He was writing from emotional necessity rather than any commercial impetus. „At no point did I think I was making a record. It never occurred to me that anybody else would listen to it. Looking back, that was a great thing. That unselfconscious quality becomes more elusive as you go on making music, so it’s nice to be brought back to that very simple expectation. It was almost like starting out again. I wasn’t deliberately making a record of fulfilling a contract. There’s a joy and innocence in that.“

The Blue Nile famously laboured over their records: four albums in 22 years is hardly a prolific batting average. Mid Air, too, comes a full eight years after High. Buchanan says he has no problem coming up with material, so why does the process take so long? „You work and work and work and have the life that you have, and once in a while, sometimes once in a decade, you see a few things you’ve got and think, yes, that’s authentic. You try to stay true to that little moment whatever the costs.“ Such is the distance, it seems, between simply writing songs and chasing starlight. (source: Graeme Thomson, The Guardian)

P.S. I will play 8(!!) songs of Paul Buchanan’s Mid Air on my night show on june 4th, and, well, it is really late night music, very, very quiet. And intense.

„Welche Stücke spielen wir heute abend? Guantanamera?“

„Guantanamera ja – aber nicht ohne Robert Wyatt!“

Caimanera hieß die Version des Ex-Soft-Maschinisten, die diesen Gassenhauer veredelte und damit überhaupt erst spielbar machte – für die Nachwelt in der Kleinkunstszene beispielsweise. Auch ohne Unterstützung der Piraten-Partei wurden damals schon die Gema-Gebühren geschickt umschifft. Ein Song, der gefiel, wurde rücksichtslos gekapert, zwischen Scylla und Charibdis, in Hannover und Umzu. Unter den Opfern waren auch Mercedes Sosa und Milton Nascimento. Und von den Tätern? Keine Spur.

Das von Brian Eno kuratierte 8.Punktfestival präsentiert einen ganz speziellen britischen Komiker, Reggie Watts.

Hier eine Kostprobe:

https://www.youtube.com/watch?v=O0RU_Nyr4l4&feature=related

Weitere Verpflichtungen sind die britischen Bands S.C.U.M sowie „Three Trapped Tigers“. Erste Höreindrücke lassen mich leicht irritiert zurück. Fast ratlos … :)

Weingut V. Eckert
2010 Klein-Winternheimer Geiershölle
Rotwein
St. Laurent trocken
Gutsabfüllung

(zu diesem brillianten Rotwein dann  die beiden 1975 Oberheim Two Voice Synthesizer auf sich wirken lassen, aus der CD DROKK, im Dunkeln natürlich! – ah, 1975, das Jahr, in dem  Robert Wyatts RUTH IS STRANGER THAN RICHARD permanent lief, auf einem alten batteriebetriebenen Primitiv-Kassettenrekorder, während einer Autofahrt in die Bretagne; das Duo Gary Burton- Steve Swallow war auch dabei, mit HOTEL HELLO)

Ein Gang zum Plattenschrank, Buchstabe `W´, dann einfach mal alle CDs und Platten von Robert Wyatt herausgenommen, auf den Tisch gelegt, eine Flasche `Domaine des Thermes 2004 rot Cuvée spéciale Dothi´ geöffnet, ein Glas eingegossen und der Abend kann beginnen, der Abend mit Robert Wyatt.
Der am 28. Januar 1945 in Bristol geborene Wyatt hatte vor seinem furchtbaren Fenstersturz, in dessen Folge er querschnittsgelähmt neu mit dem Leben zurecht kommen musste, bereits eine beachtliche Karriere hinter sich, aber, was der Musiker ab 1974 an Musik schuf, das ließ ihn zu einem meiner am meisten geschätzten Musiker werden.
Und natürlich eröffne ich den Abend mit der Platte, die nach seinem Unglück die erste war, die er veröffentlichte: Rock Bottom, inzwischen ein Klassiker und für mich immer noch seine beste Platte. Das Stück Little Red Riding Hit The Road reißt uns mit in schwindelnde Höhen, stellenweise weiß man nicht, läuft die Platte nun vorwärts oder rückwärts.
1974, am 8.September, gab Wyatt ein Konzert mit Freunden, Fred Frith war dabei, Mike Oldfield, Julie Tippets und viele andere. 2005 erschienen Teile des Konzerts auf CD, die Qualität der Aufnahme lässt allerdings alle Wünsche unerfüllt, deshalb greife gleich zur nächsten Veröffentlichung Wyatts und das war Ruth is stranger than Richard aus dem Jahre 1975. Kein anderes Stück als das wunderschöne Solar Flares wird aufgelegt.
Sieben Jahre mussten seine Fans auf ein weiteres Lebenszeichen des Meisters warten und dann erschienen gleich zwei Werke im Jahre 1982, nämlich der Soundtrack zu The Animals Film und Nothing can stop us. Letztere Schallplatte wird aufgelegt, eine Sammlung hochpolitischer Lieder, eine weitere Besonderheit: fast nur Fremdkompositionen. Ich höre Red Flag und natürlich die bewegende Version von Strange Fruit.
 
 
 

 
 
 
Weitere vier Jahre sollte es dauern bis galt, ein neues Meisterwerk zu feiern: Old Rottenhat! Drei Stücke wähle ich aus, das umwerfende Instrumentalstück Speechless, dann The Age Of Self und das Schlaflied für Alfie P.C.A.
Dondestan wurde dann 1991 veröffentlicht – ich lege das Stück Costa auf – , meine letzte SCHALLPLATTE, die ich von Robert Wyatt kaufen konnte, danach war der schmerzhafte Wechsel auf CD durch die Industrie perfekt vollendet worden, das nächste Wyatt-Werk sollte nur noch als CD erscheinen, es war die Mini-CD A Short Break, von der ich Unmasked höre.
 
 

 
 
Mit der 1997 veröffentlichten CD Shleep arbeitet Wyatt wieder vermehrt mit befreundeten Musikern zusammen. Im beiliegenden Text zur CD schreibt Wyatt: „ Also, I was really lucky that a few really classy musicians were able to come along and blow some fresh wind into my sails: old friends like Annie Whitehead, Evan Parker, Brian Eno an Plil Manzanera himself, and new friends like Gary Azukx, Chucho Merchan and Paul Weller. I already had Chikako Sato on tape with Philip Catherine for a project that Jo Bogaert began in Belgium….“ Ein weiteres überragendes Meisterwerk! Ich muss natürlich zunächst das Philip Catherine-Stück Maryan hören. Ursprünglich lautet der Titel Nayram und erschien auf einer meiner Lieblingsplatten von Catherine, die er 1974 mit Palle Mikkelborg, Jasper van´t Hof, John Lee, Gerry Brown und Charlie Mariano aufgenommen hatte: September Man. Auch von dieser CD mag man sich nicht trennen, ein Stück sei noch erlaubt: Blues in Bob minor, diese Musik erinnert denn doch sehr an Rock Bottom.
Weitere fünf Jahre mussten wir auf Cuckooland (2003) warten. Wieder waren Brian Eno und Annie Whitehead dabei, erstmals auch  Carla Bleys Tochter Karen Mantler. Von dieser ziemlich jazzigen Platte höre ich Forest und Lullaby for Hamza.
2007 wurden Roberts Fans mit COMICOPERA überrascht, eine Oper in drei Teilen: Act one: Lost in noise / Act two: The here and the now / Act three: Away the fairies. Alte und neue Freunde sind wieder dabei, zu den neuen zählt Anja Gabarek, mit deren wunderschönen Stay Tuned Wyatt die CD eröffnet (Stay tuned erschien 2001 auf Smiling and Waving und auf dieser Platte wirkte wiederum Robert Wyatt mit und übrigens auch Mark Hollis). 2010 vöffentlichte Robert Wyatt sein bisher letztes Werk For the Ghosts Within, aber das ist eine andere Geschichte, die Weinflasche ist ohnehin leer.

In Robert M. Pirsigs Zen und die Kunst ein Motorrad zu warten – dieser Mischung aus Selbstfindungsstory, Roadmovie mit Hippieflair, Vater-Sohn-Geschichte, Thriller, Tragödie, vor allem aber dieser genialen Vermittlung von Philosophie, zu der man nicht gelangt, indem man, einem Sloterdijk-Bonmot gemäß, sich in jungen Jahren schon zu Schanden liest, sondern Fragen stellt, die einem unterm Nagel brennen – stellte der Autor diese Frage: „Was ist Qualität?“ Pirsig war Wissenschaftler, sein mitreisender Kompanion Schlagzeuger. Als dessen Lenker wackelt, schneidet Pirsig kurzerhand aus einer Coladose einen Blechstreifen, unterfüttert damit das defekte Teil, macht es wieder funktionstüchtig. Doch sein Freund ist entsetzt: „Wie kann man ein Motorrad optisch so verschandeln? Da kommt nur das Original von Firma Harley dran!“ Aus diesem Disput entwickelte der Autor dann das Gegensatzpaar klassische und romantische Weltanschauung – die Klassiker als Konstruktivisten und die Romantiker als ästhetische Idealisten. Was aber wollten beide? Qualitität. Vielleicht hätte die Jazzpianistin Carla Bley, wäre sie damals mitgereist, den Disput der Motorradfahrer auf dritte Weise geschlichtet: sie erzählte einmal in einem Filmporträt von einem Tarot-Kartenspiel. Ihre Tochter Karen war noch ein Kleinkind und hatte eine Spielkarte zerissen. Die Mutter sah bestürzt, dass ihr schönes Kartenset nun nicht mehr ganz war. Sie klebte die kaputte Karte. Dann aber wurde es zu ihrem Lieblingskartenspiel: veredelt durch den reparierten Riss hatte es eine besondere Identität, ja geradezu Kultstatus erlangt. Was die Werbung uns verschweigt: Produkte brauchen Gebrauchsspuren, durch die das Licht einfällt. Und nicht alles von Wert lässt sich kaufen.

Wenn einem gerade das Knie schmerzt, weil man aus Wut gegen die Waschmaschine trat, die unwuchtig im Schleudergang versagte, und keine HB griffbereit zur Hand liegt … dann greift man eben zur passenden Lektüre, die ermahnt und erinnert an die Vorzüge der Affektfreiheit und auch ansonsten gründlich aufräumt mit so manch falscher Vorstellung vom Glück. Nicht Selbstbeherrschung und Selbstentfaltung sind die Garanten dessen, wie uns der französische Philosoph Michel Foucault einst darlegte, sondern sondern die Aufgabe eines Glaubens an „das Selbst“ und andere kontraproduktive Einbildungen. So erklärt es Robert Pfaller in seinem Buch „Die Illusionen der anderen“:

„Denn für Kyrenaiker, Kyniker, Stoiker, Epikureer und Pyrrhoniker geht es niemals um Beherrschung eines Selbst, sondern vielmehr um Beherrschung der Einbildung. Wenn darum der Begriff der Beherrschung, wie Foucault es tut, als Selbstbeherrschung aufgefasst und auf ein Verhältnis zweier Teile derselben Seele, etwa Platons Bild vom Gespann mit den zwei ungleichen Pferden, bezogen wird, dann verfehlt dies nicht nur die glücksphilosophische Fragestellung; es führt sogar dazu, das man geradewegs aufs falsche Pferd setzt. Was die Glücksphilosophien meinen, ist nämlich keineswegs, daß dafür gesorgt werden müßte, daß das edlere Tier die Herrschaft über das struppigere ausübt. Im Gegenteil: Was bekämpft werden muss, ist genau die Einbildung, daß es ein solches edleres Pferd gäbe, welches Unterstützung in seinen Herrschaftsansprüchen verdiente.“

Wir ahnen, warum das HB-Männchen so schnell und ständig in die Luft ging. Es fand den Stachel nicht im Fleische: den Irrglauben an ein Ideal-Ich und das versteckte Leiden an dessen Herrschaft; die Vorstellung, ein edles Pferd müsse gegen ein struppiges siegen. Sieht man hier nicht auch eine Parallele zu all den Derivaten des Fanatismus mit seinen versteckten und offenen Moralismen, diese Verteufelung struppiger Pferde? More Momo than Moral! Wohl dem, der seinen Pullover noch verkehrt herum anzieht, zuweilen im Schlafanzug zum Kiosk rennt oder einfach eine raucht. Und morgen geh´ ich zum Friseur, vielleicht. Seis drum, Freunde der Hochglanz-Fassaden: das Leben ist anderswo.

The music made by this French quartet on their third album, and first on Rune Grammofon, manages to convincingly straddle the increasingly slender hinterland that separates Earth in their current incarnation and Laughing Stock-era Talk Talk. The opening title track begins with a passage of low, ruminative electric guitar similar to Dylan Carson on his current form, but then suddenly stops to splinter into an extended ambient and atmospheric form of improvisation. Much of „High Blues“ stays within this register, although there are shades of musical film noir within the guitar twangs of „Suite“. The sense of slow drift, of music to contemplate dust particles floating through the air, is heightened by Astrïd´s arrangement of a piece by Erik Satie. It´s an appropriate fit as, like Satie, Astrïd produce chamber music which allows the mind to focus or wander at will.
Rock-a-Rolla (UK)

HIGH BLUES von ASTRID ist ein Highlight von Rune Grammofon 2012.

Debussy is closer to the expressionism of Schoenberg than to the chiselled sonorities of a Chopin or the extravagant virtuosity of a Liszt, even if his refined art can still be seen in the line of tradition of 19th-century music. This is frequently forgotten in the interpretation as well as the assessment of his oeuvre. Debussy himself decried the concept of musical impressionism because he feared, rightly, that superficial refinement would degenerate into musical mist, concealing the subtleties of a new musical idiom and its structural logic. Thus, for example, instead of heading his 24 “Préludes” in two books with programmatic titles in his autograph score, he appended them at the bottom of the individual pieces. Perhaps, even though their popularity makes it almost impossible, we ought simply to forget about the titles when playing or listening to these pieces and recall something else that Debussy once said: “Music is a free art gushing forth, an open-air art boundless as the elements, the wind, the sky, the sea.” It is in this manner – sans rigeur, as Debussy repeatedly marked his music – that Alexei Lubimov plays the “Préludes”. The recording also contains the “Trois Nocturnes” in Maurice Ravel’s two-piano transcription as well as a two-piano arrangement of Debussy’s seminal orchestral masterpiece, the “Prélude à l’après-midi d’un faune”.