Manafonistas

Some months ago, Floating Points‘ album „Promises“ saw the light of day, and turned into one of my favourite albums of the year (after a solitary performance on Sylt’s Uwe Düne in lockdown). It got a lot of great reviews (which, per se, doesn‘t mean a thing, but some of them seemed to have a very fine look into the music). „Throughout its emotional 46 minutes, Promises stirs feelings that can be hard to name“, thus starts Mark Richardson’s 9.0 pitchfork review. On his blog, Richard Williams had a more ambivalent opinion, and every comment there was more on the sceptical side. New age, old-fashioned, losing the bite etc. I thought, well, there should be at least one who sings the praise when reading Richard’s thoughtful mini-essay and its echoes.

„Now a bit late, to be a vital part of the discussion but anyway: I belong to those who love this album from start to end. In the beginning, I didn‘t even want to listen to it: it seemed just a good marketing idea to bring together a legendary saxophone player, a rising star of electronica, and some elements of new classical music. But finally I listened to it. And was thrilled.

Nothing here is underwhelming in my ears. And I‘m a huge fan of Pharoah Sanders‘ TAUHID, and other Impulse stuff with his name. In the 70‘s John Coltrane‘s Live In Japan was a regular companion, with Pharoah, Alice, Rashied… that said, what these albums from the past and PROMISES have in common: I only want to listen to them as a whole, no bits and pieces, and they send me places. A record for special moods and occasions, for sure. Absolutely sublime, even on a Saturday night.“

Was würdest du von einer Insel mitnehmen? Das Tolle an der deutschen Sprache ist, dass kleine Präpositionen eine ganze Meinung verwerfen können. Hier geht es nun um Naturveränderungen durch größtmöglichen Gewalteinfluss. Ich war aktuell zwei Tage auf La Palma. Als ich hinkam, gab es 8 „Münder“, heute sind es 11. Weitere werden folgen. Der Cumbre Vieja hat viel Gas angesammelt, die Magma findet keine Kammern, in die sie fließen kann, sie sucht ihren Weg nach draußen – die Folge sind diese Vulkanausbrüche mit den verheerenden Zerstörungen. Es ist einmalig, Zeuge dieses atemberaubenden Schauspiels zu sein, aber ich habe auch den naiven Wunsch, dass diese Bilder alles nur Aufnahmen aus Robert Emmerich‘s Katastrophenfilme sind. In veridad sind es rotglühende Lavamassen, die sich Wege suchen und alles niederwälzen. Zum Glück sind noch keine Menschen darunter.

Das Knallen der Gasexplosionen, der kilometerhohe Feuerschweif lösen bei den Bewohnern Ängste und Nervosität aus. In El Paso, dem noch nicht evakuierten Ort, wo ich zwei Tage verbringe, läuft das Leben nur vordergründig normal ab. Achtet man auf die Leuchttafeln, die mitten im Ort funkeln, weiß man, dass hier Alarm angezeigt ist. Es gibt Anleitungen zum Verhalten der Einwohner, sollte das Lavamonster auch dieses „Pueblo“ erreichen. Von einer Bar aus kann ich beobachten, wie übervoll beladene Pickups schwankend vorbeifahren, kleine Busse mit Evakuierten, die nur zwei Stunden hatten, sich von ihrem Hab und Gut zu trennen und jetzt zum Fußballstadion gebracht werden, zur ersten Verteilung. Ich sehe uniformierte Guardia civil, die Tiere schultern, sie versuchen, einfach alles zu retten. Die sehr Alten und Behinderten waren schon vor dem Vulkanausbruch in Sicherheit gebracht worden.

Ich stehe in sicherer 2 km Entfernung von der lodernden Feuerfontäne, filme und knipse. Ich weiß, dass der jüngste Vulkan auf El Hierro 100000 Jahre alt ist. Hier bin ich nun Taufpate eines neuen Vulkans, der Millionen Jahre alt werden wird. Was für ein grandioses, einmaliges Lebensereignis für mich. Wie jung ich bin 😀 Ich denke aber auch an Adorno‘ s Satz: die Natur ist feindlich und an Paul Virilio, der in „Fahrn, Fahrn, Fahrn“ so schön den Urkontakt von Fuß zu Boden beschreibt. Das ist hier, wo sich eine scheußliche rotgetränkte Feuermasse vorwärts wälzt, unvorstellbar geworden.

Ich gehe mit Asche bedeckt zurück in die einzige Bar, trinke ein Dorada Bier und denke an Deutschland, das ein Jahr in der Pandemie gebraucht hat, die Schulen wieder zu öffnen. Hier nahebei wurde eine Schule zerstört, Tags drauf waren Schulspots für die Schüler eingerichtet. Ich höre von Juristen, die Vorort gekommen sind, um den Evakuierten bei den ersten Versicherungs- und Hilfsanträgen beizustehen. Und im Ahrtal?

Es gibt viele Ferienhausbesitzer aus dem In- und Ausland, die selbstverständlich ihre Domizile den Evakuierten zur Verfügung stellen. Ich bewundere die hervorragende Organisation, die unmittelbare Hilfe und Solidarität. Ich konnte noch aufgrund von viel Geschick, Freundlichkeit und unbürokratischer Erfindungslogistik der Airlineangestellten mit einem kleinen Flugzeug rüber nach Teneriffa fliegen. Auf meinem Balkon auf El Hierro war die Asche schon vor mir angekommen.

Mana-Eintrag, 30. Oktober 2012. Ich wurde nach Mitternacht wach, und statt mich auf die andere Seite zu drehen, oder die wirren Fäden eines Traums zusammen zu fügen, legte ich die beiden Cds des Doppelalbums MAGICO – CARTA DE AMOR auf, das Trio Garbarek – Gismonti – Haden im Amerikahaus, München, 1981. Allein im Haus, verzichtete ich auf die Sittsamkeit der Zimmerlautstärke und liess die Musik so laut erschallen, wie sie damals wohl glücklichen Hörern zu Ohren gekommen sein muss. So viele Jahre liegen zwischen damals und heute, ohne dass irgendwas an diesem Mitschnitt gediegen, in die Jahre gekommen oder sonstwie museal erscheint. Auch die beliebte Rede von „feinen kammermusikalischem Jazz“ oder „weltmusikalischem Horizont“ straft die Intensität dieser Musik Lügen. Selbst wer die zwei Studioaufnahmen des Trios, MAGICO umd FOLK SONGS, kennt, wird hier aus der Verblüffung kaum heraus finden. Und eine Live-Aufnahme aus dem Jahre 1981 kann, denke ich, kaum besser klingen. In dieser Nacht war der intensivste Traum dem Wachsein vorbehalten.

Michael wrote: This is purely „magico“. I listened to it some nights ago, very late in the night, and I could afford to play it loud, on a great sound system. 31 years old, and it sounds fantastic! How do you call it: „world chamber jazz“? Doesn’t matter. This music is so relaxed and intense at the same time, my goodness! How can one bury such a treasure for such a long time! Well, John, old companero of Kristiansand, my enthusiasm for this live document might even surpass your surprisingly cool praise:)

John Kelman wrote: I wouldn’t say my praise is cool…I love the disc….I just don’t get particularly effusive, rat her, I describe the music and let readers make up their own minds.But you are absolutely correct; this is magical stuff, and I can only hope there’s more archival material that might see the light of day from ECM.

Henning Bolte wrote: I’d say: Jan is the magic piper here … (although it’s out of past)

In der wunderbaren Serie „Nine Perfect Strangers“, die einige Leser dieser Zeilen sicher nicht so wundervoll finden wie ich, gibt es eine herrliche Stelle, in der eine Protagonistin sagt: „Ich weiss, wie das hier läuft. Ich bin mit amerikanischen Serien aufgewachsen“. Die beiden Barden Stevens und De Augustine haben sich im Lockdown eine Weile zurückgezogen von der Welt, wie Millionen und Millionen andere Menschen auch, und sich ausgewählte Kinofilme angeschaut, Klassiker zumeist, wie Millionen andere auch. Am jeweils nächsten Tag haben sie dann allerdings Songs entwickelt, die von ihren Filmerlebnissen beflügelt waren. Ob „All About Eve“ oder „Night Of The Living Dead“ oder „Point Break“ oder „Taxi Driver“. Daraus entstand eine verblüffend herzensoffene Sammlung von Songs, die ein wenig an Sufjan Stevens‘ allerfeinste Weihnachtslieder erinnert (hier werden wieder ein paar Leser stöhnen), und überhaupt an Kammer-Folk der innigen Art. Keine intelektuellen Scharaden, vielmehr Ausschau nach einer Funkensammlung Hoffnung in einer Welt, die mehr denn je an ihrem eigenen Untergang werkelt. Es wäre dreist und weltfremd, wäre es nicht, auf eine besondere und leise Art, ziemlich betörend. Ich empfehle erstmal, die lyrics auf sich wirken zu lassen, dann gehen die Lieder gleich eine Etage tiefer! (Ein wenig Haschisch begleitete mich durch den Nachmittag, aber mein Urteil würde auch stocknüchtern, sagen wir, in einem calvinistischen Geisteszustand, sehr positiv ausfallen. „Amid a clouds of ganja smoke, my thoughts were allowed to settle and flourish.“ Ich vergass, den Titel des Albums zu erwähnen: „A Beginner‘s Mind“. Damit bin ich fast schon wieder bei Donovan gelandet, und bei „Nine Perfect Strangers“.)

Zwei Meter waren es wohl, abwärts, harter Aufprall, abends um 23 Uhr vielleicht, nah an den Triberger Wasserfällen. Das Rauschen in den Ohren verdoppelte sich erstmal. Das Glück, ein anderer Nachtspaziergänger, der mich wachrüttelte, als ich benommen an einem Abgrund lag, der den Namen Abgrund wohl verdient hat. Statt einer Nacht im 4-Sterne-Hotel meines Vertrauens, eine Fahrt ins Krankenhaus, eine Röntgenaufnahme, nichts ist gebrochen, nur verstaucht. – Sie haben grosses Glück gehabt, Herr Engelbrecht! Über Nacht also dortgeblieben zur Sicherheit, wegen des Brummschädels, und heute morgen mit besten Wünschen entlassen. Aber weiter als zum Obstgarten des Hotels zieht es mich nun nicht. Ich konnte schon Post beantworten, von Jan und Richard. Alle Symphonien von Gustav Mahler, Jan, ist das nicht eine Überdosis?! Mein privater Weltrekord bleibt bestehen, ich habe mir noch nie etwas gebrochen. Ich summiere die guten Dinge: die unheimliche Freundlichkeit des Personals, im Hotel, auch die betörende Nachtschwester (wow, dieses Antlitz im Neon, alle Geschenke des Himmels sind irdischer Natur!), die äusserst bequeme Liege, die Kunst von Donovan, jedes Kapitel seiner Lebensgeschichte mit einem unter die Haut gehenden, „blue moment“ abzuschliessen (mentale Notiz: in meinen letzten Klanghorizonten einen Donovan-Song spielen, und einen von der Incredible String Band!) Allmählich addieren sich die Taxifahrten. Es dauert noch bis zum 14. Oktober, bis ich meinen Führerschein zurück erhalte – bin zweimal auf lächerlichen Niemandsstrassen nur halb so schnell wie der Blitz gewesen, und lerne nun die Freuden anderer Transportmittel kennen. Übermorgen dann zurück in die zweite Heimat, Die Grünen wurden  schon per Briefwahl gewählt, die Nachtwanderung auf Sylt, am ältesten Kliff dort, vor Monaten,  meine Stunde mit Jon Hassell aus dem Lautsprecher, in tatsächlich mondheller Nacht,  war eindeutig das etwas feinsinnigere Abenteuer. Und bitte keine Genesungswünsche, das war mehr Slapstick als Trauma.

My first Donovan memory is equally down to earth and unreal and leads me back to the old schoolyard at the „Gebrüder Grimm Volksschule“ (no kidding) in the southwest of Dortmund. I got the ball from the left side, and a quick sharp shot let me score a nice, quite cool goal, Reinhold Wosab-style. Afterwards we were sitting on a bench near an old church, my blood brother Mathias turned on his transistor radio… and there it was, Donovan‘s long, long song „Atlantis“. I really don‘t know how these two memories can sit so close to one another, and I doubt it all happened on that same afternoon, but it is true anyways.

In the times thereafter (no other magic involved than young lads with a football and listening to music that kept more promises of worlds to come than the priest‘s sermon in Sunday‘s church) I was always wondering how much I loved the opening spoken word passage of the track, even more so than the melodic counterpoint with its invocation („wayyyy downnnnn…“) of a distant sunken planet. The whipper-snapper greenhorn critic in early action, and for sure, Donovan Leitch kept his place in my heart in the years (and decades) to come.

Some said he was just a kind of  Dylan for the poor, or just a soft hippie with a guitar, but they could say what they fucking wanted, I loved that guy, being a soft young hippie without a guitar myself. His hits and some of his early albums from the 70‘s kept company, and in recent years, the wonderfully remastered „Wear Your Love Like Heaven“ is a regular guest on my turntable. The songs there are all so beautiful and always too short, but that‘s probably part of the trick of their never ending attraction.

In my early years as a music journalist, I was often sitting in Thomas Köner‘s home studio in Dortmund, and was a bit surprised when the „drone master“  one day put on „Sutras“ with a big smile on his face, a Donovan album from the 90‘s, produced by Rick Rubin. Thomas was impressed by the beautiful recording of the voice – and the heartfelt elementary impact of the music. There he was again, my hero from schoolyard days. And, no wonder, I‘m now, after all these years, in my recluse in the Black Forest,  slowly rushing through the pages of his wonderfully written autobiography. Makes me revisit so many places of my life, catching voices, vistas, faces, kisses, sounds, feelings, and, well,  the wind. The book just had to find me. Awesome.

Richard Williams’ fine music blog is now on our blog roll („thebluemoment“). By chance, he has posted, today, a background story about a Barney Wilen album that has just been reissued (with a short appearance of young Jackie Terrasson, whose album „Smile“ has recently been praised by Mr. Klinger). Here‘s my old story (the Deepl version with some refinements) on another Barney Wilen classic, „Moshi“, from August 2017. Etliche Wege führen derzeit zum Schwarzwald, zum Bodensee. Nach Afrika, und nach Paris.

They called him Barney, but he was French. Bernard Jean „Barney“ Wilen, born in Nice in 1937. A wanderer between worlds, with a saxophone in his suitcase. Early on he accompanied Miles Davis to the running pictures of the Louis Malle classic with Jeanne Moreau, „Fahrstuhl zum Schafott“.

He played with three quarters of the Modern Jazz Quartet, free jazz and fusion music in the sixties. Jazz history in high-speed mode. Joachim Ernst Berendt brings him to Donaueschingen (1967) for „Jazz meets India“, and while we’re in that corner – he also plays in the legendary Lindau jazz club „Zur Fischerin“. Young Manfred Eicher helps organise the club’s programme and sometimes gets in on the action with his double bass. I was at this very place weeks ago, now a good restaurant, I would have preferred a time machine to my „Forelle Müllerin“.

In the wild year of 1968, the underground also arrived in the Black Forest. At MPS, „Barney Wilen and his Amazing Free Rock Band“ came into being – with Joachim Kühn, Aldo Romano and other cracks, he recorded  „Dear Prof. Leary“. Leary was never a professor, as Jan Reetze recently noted.

His dream: Africa. With the former model from a wealthy family, flag-waver 68 in Paris, girlfriend and filmmaker Caroline de Bendern and a rather large entourage, he set off in 1970 – funds flowing from a cultural foundation. That’s the big dream, the destination: Zanzibar. They sing about the island, but they never get there. If you had followed the planned route, you would have easily died in war zones. Life, jazz, adventure, all one. In 1972 they return.

The result: the album Moshi. Released by a small label at the time, it is celebrated, remembered, almost forgotten, and  an expensive collector’s item. Now the label Souffle Continu has reissued „Moshi“ as a double album on vinyl, with an illustrated book, noted memories and a documentary film by Carolin de Bendern on DVD.

Barney Wilen and his companions spent two years travelling through the Sahara and the Sahel. For African-American jazz musicians, Africa is either their original home or a myth. Pharoah Sanders, Art Blakey, Randy Weston, Don Cherry and many others had been there, some of them for quite a time, and so did European free spirits. The African roots, nourished politically or romantically, were supposed to create a new consciousness during and after colonialist turmoil, utopias of a free life were in demand, but the continent, despite all the changes, still experiences political, social and existential nightmares today.

Countless rock and jazz musicians were drawn to Morocco at the end of the sixties, but not all of them were happy. The foreign country often takes its toll, the intoxication can turn into fear. The double album „Moshi“ is a dazzling collage that does not pretend a fusion of worlds. One plays with locals, makes friends, studies new percussion instruments, sings old and new hymns. The musicians from France get involved with the foreign country skin and hair, get to know the blue people, tribes that stage surreal masked balls.

At some point, the French foundation turns off the money tap, but Caroline de Bendern finishes her film, which is as fragmented as the music and dispenses with any clever off-screen commentary. There have already been enough ethnologists who spread distorted images of Africa with their Western thinking of domination. In some places, life with African friends has something communal about it, jamming through the nights, erotic frenzy, friends for life, and they also encounter death in their close circle.

Barney Wilen died in France in 1996. Only in the last few weeks have I taken a closer look at his life, I got hold of an old soundtrack from a French film noir with Lino Ventura, and I can very well imagine him as a young slag in the jazz club „Zur Fischerin“, in 1968, in Lindau, on the Swabian Sea. Manfred Eicher told me he once had the idea to produce a Barney Wilen record. Never happened. Time runs fast.

If you look at the tracklisting of „When We Leave“, you’ll notice that the songs have only one-word titles. Norwegian trumpeter Mathias Eick likes to let the music speak for itself, and the titles are simply there to provide a small basis for what the music elaborates on.

(A review remix is a rare thing. How does it work? You take a review and change it. Extend it. Cut it shorter. Add your own perspective. Make it a dialogue. Strengthen it. Don‘t earn money with it to prevent copyright issues. In fact, this is quite an interesting approach to album reviews. This remix is more on the ornamental side, but there could be texts that only take single phrases and add a very different rating. I’ve done it years ago with a thumbs down-review of a Bill Callahan album who delivered a dub version of one of his song albums. The reviewer didn‘t like it. But I did.)

Consider the fact that this is a completely instrumental jazz album, one that relies on imagery and delicate little touches to get its point across. Are you looking for a bombastic jazz record that’s showy and grand? You’re not going to get that here. These are quiet, meditative, hypnotic pieces of smooth jazz (smooth in an adventurous way) that benefit from turning small shifts in tone into a cinematic picture you can get lost in. It fills us in on certain details, while leaving enough to the imagination for us to keep returning to speculate on its mysteries.

(Only few changes in this text. For example: „(smooth in an adventurous way)“. Though the original writer, Brendan, has never reviewed this Mathias Eick album, it makes sense to credit the text to him. How come?)

What’s amazing about „When We Leave“ is that, while it does seem very personal to Mathias Eick himself, the way he portrays this material can just as easily apply to many of our personal experiences we’ve had growing up. Presenting it as a soft, understated jazz record with many intricate details is just as brilliant, as you can dive right back in to hear whatever small touches you missed the first time around. And it’s not like being soft doesn’t make it engaging either. It isn’t super flashy – the beautiful sense of instrumental storytelling is what makes it so engaging. This is a man who’s able to tell a story without even telling the story. The album is out tomorrow. On ECM.

(The whole review stays artfully vague. With some decent observations. In fact, it is Brendan‘s review of the penultimate album from the Norwegian Trumpet player, „Ravensburg“ that has been remixed here. Easy. The same band. Even another album with titles with one word only. The same musical spirit. Just a few updates, like the release date. The band‘s alchemy is rich enough to follow its own footsteps. To reward conscious listening. End of my breakfast notes from Romantik Hotel Rindenmühle.)

Brendan Schroer (remixed by Michael Engelbrecht)

Mathias Eick: trumpet, keyboard, vocals
Hakon Aase: violin, percussion
Andreas Ulvo: piano
Audun Erlien: bass
Torstein Lofthus: drums
Helge Andreas Norbakken: drums, percussion
Stian Carstensen: pedal steel guitar

P.S. Michael‘s Black Forest Playlist: „Nancy and Lee“ / „When We Leave“ / „Winter Tales“  / „After The Goldrush“ / „The Waterfalls of Triberg“ (live) / ToiToiToi: Vaganten (the origins of this album lie deep in the Black Forest) / Angelo Badalamenti: Twin Peaks (die Obstwiese des Romantik Hotels. Der Wald dahinter. Die Wasserfälle von Triberg. Mehr als ein Hauch Twin Peaks.)

Wann habe ich zuletzt im öffentlichen Raum über Kunst gestaunt, bin stehengeblieben? Doch was verschwunden ist, lebt subkutan weiter und taucht wieder auf. Es war vor ein paar Tagen, als ich mit einer Einkaufstasche im Fahrradkorb loszog, und dann auf einem großen Platz vor einem ehemaligen Straßenbahndepot, in dem inzwischen Konzerte stattfinden, erst sehr coole Elektroklänge hörte und dann die herumstehenden Menschen sah. Hinter dem rotweißen Absperrband war eine Fläche ausgelegt, etwa 3 mal 3 Meter groß. Hier bewegte sich eine Gruppe junger Tänzerinnen und Tänzer. Sie trugen Sporttrikots, jeder etwas anderes. Sie tanzten, auf nackten Füßen, mal einzeln, mal in wechselnden Konstellationen, immer in eigenem Stil (zwischen ruppig-roboterhaft und fließend, geradezu fröhlich): ein Wechselspiel von Eigensinn, Rückzug, Distanzierung und Heraustreten, Annäherung, Interaktion, klassische Elemente. Immer wieder Spiegelungen in der Bewegung, alles improvisiert. Manchmal verließ jemand die Fläche und blieb am Rand, einmal tanzte nur noch eine Person. Es war nicht nur die Schönheit: Der politische Aspekt dieser Performance hat uns, die Umstehenden, in Bann gezogen und gehalten. Zuhause habe ich mir überlegt, welche Musik dem, was ich gehört habe, am nächsten kommt, und ich legte das Album SHADOWS DOCUMENTS von Schneider Kacirek auf. Ja, das kam hin. Seither ist das Album, das ich länger nicht mehr gehört habe, schon einige Male auf dem Plattenteller gelaufen. Und ich habe angefangen, zu der Musik in der Art, wie ich es gesehen habe, zu tanzen, wenn auch auf einer kleineren Fläche. Dank der Spiegelneuronen trainiert unser Körper beim bloßen Zuschauen Bewegungsabläufe ein.

Introducing Winter Tales – a new seasonal album featuring music from some of the label’s star composers, who were invited to reimagine the music of Christmas and Chanukah, drawing inspiration from their childhoods and homelands. The album, which is due for release on 21 October, comprises 12 very personal responses to that creative challenge, all of which have something fresh and timely to say about winter’s promise of renewal and light’s power over darkness. A new Brian Eno song is a rarity anyway, and can already be heard on youtube.

Michael is sending heartfelt greetings from the Black Forest, and, according to a rather cryptic postcard, he has by now finished his autumnal retreat and found shelter from the stars in a fine hotel at the margins of a small town named Villingen. He is meanwhile lost in season 1 of the wonderful series „Nine Perfect Strangers“ and calls that one his second parallel world experience in a very short time: microdosing LSD seems to be the call of the season, but he prefers the simple illusions of  red wine. Or so he says. The books on his night console: „The Hurdy Gurdy Man“, by Donovan, and „Harlem Shuffle“ by Colson Whitehead. Obviously in time traveling mode, the only record he is listening to these days, is „Nancy & Lee“, the one with „Sand“ and „Summer Wine“. Ready now for „Winter Tales“. Or so it seems.