Manafonistas

Dieses Jahr habe ich wieder einen Großteil der Chili-Ernte verarbeitet und dabei drei Rezepte (abgewandelt) ausprobiert. Für eine leckere Soße: 14 Tomaten halbieren und mit der Schnittseite nach unten in eine Auflaufform (deren Boden mit reichlich braunem Zucker bedeckt ist) legen. Nachdem die Tomaten 20 Minuten bei 220 Grad im Backofen waren, haben sie ordentlich Flüssigkeit verloren, sind schrumpelig geworden und haben braune und schwarze Flecken. Die Haut nun abziehen (ziemlich heiß!), 14 klein geschnittene Chilis, drei Zwiebeln (gewürfelt), Salz, Saft von 4 Limetten und reichlich braunen Zucker dazu mischen und das ganze noch einmal für 20 Minuten in den Ofen. Pürieren – fertig. Dies ist eine recht scharfe Soße – wenn man zum Beispiel nur 3 oder 4 Chilis auf die gleiche Menge Tomaten benutzt, hat man einen leckeren süß-scharfen Ketchup.

Eine zweite leckere und sehr scharfe Soße: 250ml Reisessig mit 200g Chilis aufkochen, ordentlich Salz und Pfeffer dazu, pürieren, über Nacht ziehen lassen.

Dann noch ein Chili Öl, für Ramen oder Dumplings: Auf einen halben Liter Rapsöl kommen 50-60g Chilis, die ich erstmal über Nacht in den Dörrautomat gelegt habe (man kann natürlich einfach Chiliflocken kaufen). Das Öl auf mittlerer Temperatur erhitzen, 5 Sternanis, 2 Esslöffel Nelken, 1 Zimtstange, 3 Esslöffel Szechuan Pfeffer, 2 Lorbeerblätter reintun und eine gute halbe Stunde köcheln lassen; aufpassen, dass nichts anbrennt. Am Ende die Temperatur etwas erhöhen, dann das heiße Öl durch ein Sieb über die grob zerkleinerten Chilis gießen. Über Nacht ziehen lassen und in ein steriles Gefäß füllen (letzteres gilt natürlich für die beiden Soßen auch).

Dazu kann man gut das feine Album des Timo Lassy Trios laufen lassen – Seelennahrung aus Saxophon, Schlagzeug, Bass.

Akropolis, 4. August. Auf Couchdistanz nun im Fernseher. Endlich mal ein Konzert, bei dem ich alle Lieder, bis auf drei neue, mitsingen konnte, jede Zeile. Nah ran kam ich da nur  bei einem Auftritt von Leonard Cohen in Oberhausen. Aber natürlich sang ich nicht laut mit, nur gerade so, hauchzart,  ein fernes Echo nah bei mir. Everything merges with the night. Grossartiges Konzertdokument, beeindruckende Regiearbeit. 

1. 1. Underworld: Drift Series 1 (Box Set)
   2. Sunno)): Life Metal
   3. Joe Lovano: Trio Tapestry
   4. Bill Callahan: Shepherd in a Sheepskin Vest
   5. Lankum: The Lifelong Day 
   6. Lambchop: This (is what I said)
   7. Thom Yorke: Anima
   8. Rabbia / Petrella / Aarset: Lost River
   9. Oren Ambarchi: Simian Angel
   10. Nick Cave: Ghosteen
   11. Rustin Man: Drift Code
   12. Arve Henriksen: The Timeless Nowhere 
   13. Leonard Cohen: Thanks For The Dance
   14. Lee Perry: Rainford

 

Diese Alben sind geblieben, einige haben andere Plätze eingenommen, in sie kann ich heute wie damals kopfüber eintauchen, der Rest meiner Top 40 von 2019 bleibt nur noch speziellen Momenten vorbehalten, historischem Interesse, guter Erinnerung, und qualitativer Wertschätzung. Auf die alte Jahresliste  stiess ich auf Umwegen, weil ich im Archiv vergebens suchte nach „Second Toughest of the Infants“ von Underworld. Ich hatte ein geradezu körperliches Verlangen, einen ganz bestimmten Song der LP zu hören. Und dann hielt ich auf einmal diese „Drift Series Box“ in Händen, und es gab kein Entkommen, ich setzte die Kopfhörer auf und wünschte mir eine gute Reise (s. Foto). Mit einem Schmunzeln erinnerte ich mich, dass ich Karl Hydes Musikwelten erst betrat, nachdem ich ihn in London kennengelernt hatte, in Enos Studio, in dem die zwei aussergewöhnlichen Platten der Zwei entstanden, die eine voller Songs, die andere voller Experimente. 

Die längere Wartezeit im Wartezimmer einer Praxis liess sich wieder einmal gut überbrücken mit der Lektüre eines mir sonst nicht zugänglichen Zeitschriften-Artikels. Aus dem Inhalt wählte ich etwas über Nawalny, doch das daneben sprang mich direkt an: ein Interview mit Andreas Reckwitz und Hartmut Rosa anlässlich ihres gemeinsamen Buches. Mein Instinkt funktioniert eben doch so, dass ich der Philosophie den Vorzug gebe vor so manchem Politikum (und sei es das von Dissidenten). Hochspannend also nimmt das Gespräch viele Gedanken auf, die mich auch in diesen Tagen beschäftigten: so die Frage, warum Grün und Gelb sich so sondierungsselig und harmonisch aneinander schmiegten. Andererseits logisch, trifft sich doch dort das hippe akademische Bürgertum, die Homeoffice-Elite. Oder eine andere Frage: wird die Zukunft utopisch oder dystopisch sein? Reckwitz sieht’s wohl eher düster, glaubt nicht an einen Wandel des Systems. Rosa ist mehr positiv gestimmt, kein Wunder, seine Begriffe von „Resonanz“ und „Unverfügbarkeit“ sind ja in aller Munde. Fehlte nur noch ein Dritter im Bunde, nämlich Byung-Chul Han: dem wiederum begegnete Gerd Scobel und das Gespräch kann ich nur empfehlen. Han wirkt dabei wie eine Spinne im Netz ihrer eigenen Gedankenkonstrukte, die sich, ähnlich den Modulen des Pianisten Nik Bärtsch, grenzenlos ineinander verschachteln liessen. Insofern wundert’s nicht, wenn dieser auch zum Abschluss meint: „Wir könnten ewig weiterreden“. Han ist Pessimist, aber das Zuhören und das Lesen lohnt sich.

It is a memoir, a story, a mirror – living hauntology. A revelation. It only throws glimpses to that special period. Everyone gets a decent quantum of experience mirrored and propelled by a big city‘s inner life. Everything is never the deal. That‘s why I love this rather fragmented, yet illuminating little book, inspiring own memories (entering automatically in between) about an old London that never leaves my heart. Full of life, and full of ghosts, that‘s what it  has always been – even when strolling through Sansha‘s Dance Shop. Or sitting with Brian Eno (years later) in a room where they once rehearsed the first Roxy Music album. My endless walk through Hampstead Heath in December 1982 (old ladies with white dogs passing by), and Jah Wobble‘s Invaders of the Heart at the Marquee Club on that very same day. And another thing, unforgettable, from early on: the smells of the underground and the music of the trains rolling in. Those street musicians and their „heart of gold“ fighting the rust, the laughter, and the forgetting. Please do yourself a favour, and start reading Michael Bracewell‘s „Souvenir“. 121 slowly flying pages.

Dedicated to the music lovers of the Punktfestival 2021, all of them who came by boat, by feet, by car, by airplane, by train, to dig and dive deep into the music played on the highest floor of Hotel Norge and elsewhere in town.

 

 

(ONE) Mathias Eick: Arvo (from: When We Leave) / Big Red Machine: Birch (from: How Long Do You Think It’s Gonna Last) / Catherine  Graindorge: Butterfly In A Frame (from: Eldorado) // Haiku Salut: Entering (from: The Hill, The Light, The Ghost)* / Gaspar Claus: Une faule (from: Tancade) / Dark Star Safari: Murmuration (from Walk Through Lightly) / Ayumi Tanaka Trio: Ruins (from: Subaqueous Silence) / Trond Kallevag: Amerikabaten (from: Fengelsfugl) // Villagers: Full Faith in Providence (from: Fever Dreams) / The Grid & Fripp: Fire Tower (from: Leviathan)

* Engagingly wistful fifth album from Derbyshire Dales instrumental trio. Starting life as a series of field recordings captured in charged locations – an abandoned house in Germany, the birdsong-framed Peak District countryside – The Hill, The Light, The Ghost is pitched as “a miniature exploration of sound in relation to memory”. From this near-Proustian premise, multi-instrumentalists Louise Croft, Sophie Barkerwood and Gemma Barkerwood conjure nine wordless, shape-shifting essays using keyboards, electronics, guitars and orchestral instruments.

(David Sheppard)

(TWO) – STERNZEIT – // ToiToiToi: Never A Dull Moment, Whimsical Waltz, Kuckuckswalzer (from: Vaganten) / Villagers: Fever Dreams (from: Fever Dreams) / Haiku Salut: Trespass (from: The Hill, The Light, The Ghost) // Michael Mantler: Folly Suite (from: Coda (Orchestra Suites)* // Low: More, The Price You Pay (It Must Be Wearing Of) (from: Hey What) / Jo Berger Myhre: Everything Effacing, Smallest Things, Part 1, Aviary (from: Unheimlich Manoeuvre) 

* Austrian trumpeter-composer Mantler makes music that can move from shadow to light in a moment. The mercurial moods of this accomplished and articulate set are its strongest suit, and the stylistic breadth of the writing and arranging serves notice of an artist who has duly fulfilled the potential he showed way back in the late ‘60s as a member of the Jazz Composer’s Orchestra. […] While the shape-shifting nature of much of the material is impressive the emotional charge of the strings, which are icily seductive and seductively icy, is strong, and greatly enhanced by the interplay of Mantler and guitarist Bjarne Roupé, a skulking presence for much of the performance. ‘Coda’ makes a very convincing case for Mantler’s gifts as a composer, and stands as work that has considerable appeal for the role of improvisers, including himself, who are woven into the scored materials in a highly disciplined way that does not make their individual flourish any less engaging.

(Kevin Le Gendre, Echoes)

(THREE) – „Open the Gates – a Rhapsody in Dub (and  Jazz)“  – a discreetly hypnotizing mix of Various Artists – Studio One Dub Fire Special, The Congos: Heart of The Congos (40th anniversary edition), Lee Perry and The Upsetters: Black Ark In Dub & in the middle, surrounded by waves and waves of Rastaman chants, John Coltrane’s A Love Supreme Live In Seattle* – KALENDERBLATT (Vor 175 Jahren – die erste Vollnarkose)

* „You have to get a bit used to the „stage presentation“ of the instruments here: the saxes „leftfield“, and the biggest space reserved for Elvin and McCoy (left to center, and right) – somehow funny, because the two did leave soon, being not too happy with Coltrane‘s quite radical departure! After a while it all works – the saxophones never buried in the mix!

In the world of John Coltrane, even „A Love Supreme“ was not carved in stone. To experience, how the whole band is opening all gates, leaving no stone unturned, is such a delight. Young Pharoah didn‘t need long to find the right chemistry.

Here I have to smile a  bit: it is Mr. Sanders‘s second appearance in 2021: in Seattle, being part of a crew that set „A Love Supreme“ on fire (without doubt one of the most adventurous archival discoveries of the year), and, as a master of less-is more, on Floating Points‘ fantastic album „Promises“ (not so much loved by the readers of TheBlueMoment:))

P.S. I always found „Live At The Village Vanguard Again“ being the best entrance to Coltrane‘s late years. „Coltrane in Japan“ is gorgeous, too, though only in ancient mono!

(Michael Engelbrecht, comment on Rirchard Williams‘ review in his music blog The Blue Moment)

(FOUR) Rhythm & Sound: (from: Rhythm & Sound) / Rip Hayman: Waves for Flutes (from: Waves Real And Imagined)* / Leonard Cohen (from Thanks for the Dance) / Thomas Köner: Takla-Kahan (from: Aubrite, reissue 2021, Mille Plateaux) / Leonard Cohen (from Thanks for the Dance) / Rip Hayman: Seascapes (from: Waves Real And Imagined)* (excerpt) / Gas (aka Wolfgang Voigt): Königsforst 2 (from: Königsforst) 

* „Archival and new work from student of John Cage, Ravi Shankar and Philip Corner Rip Hayman. Pastoral multitracked flute music on one side and chilly nautical field recordings on the other: quite lovely. ‚Waves: Real and Imagined‘ is another solid release from Sean McCann’s Recital imprint. A founding editor of Ear Magazine and boss of NYC’s oldest bar, Hayman is a fascinating character. This release collects a piece he recorded back in 1977, a decade before his debut „Dreamsound“, and pairs it with a piece he recorded last year. The two compositions work astonishingly well together. ‚Waves for Flutes‘ is calming and delicate, with multi-tracked flutes reminding fondly of Mary Jane Leach or Hayman’s Recital labelmate Sarah Davachi. The track sits completely out of time, sounding as transcendent and otherworldly as ambient music and as spiritually rousing as sacred music. ‚Seascapes‘ achieves a similar goal, but uses only environmental recordings. Hayman recorded it in two sessions last year on the Pacific ocean, and the fizz of the waves effortlessly lull us into a meditative state. It’s not far from Irv Teibel’s iconic „Environments“ recordings, and that’s about the highest praise we can give.“ 

(FIVE/1)  Robert Wyatt: Old Europe (from: Cuckooland) / Barney Wilen: Harlem Nocturne / Besame Mucho / Goodbye  (from: La Note Bleue)* / Barney Wilen: All Blues, live with young Jackie Terrasson)

* Dear Micha! Very good to hear from you. Thanks for letting me read your piece (on Barney). There should be a Barney Wilen Appreciation Society for people like you and me… he had such an interesting life and seems never to have played an unworthy phrase. All best. Richard (Williams)

(FIVE/2) Bob Marley and The Wailers: Rastaman Chant (from: The Capitol Sessions 73)* / War: The World Is A Ghetto (from: The World Is A Ghetto)**

* „Sometimes we look back on things we did when younger and cringe. Sometimes we laugh at ourselves. Sometimes, as with War, and particularly this important album, we can knowingly nod and say, „I knew it all along.“ Even as a zit-faced white kid growing up in Arkansas, it was abundantly clear to me that this music was far more interesting than most of what I could hear on the radio; its racially homogenous, heavily percussive sound with „boys night out“ group vocals still, to this day, hits the spot like none other. Along with the sounds of similarly themed and likewise wonderful bands like Santana and El Chicano, with the music one could practically taste, smell, and get a tactile feel of what they were all about.“

(Brian Hulett) 

When I think about my relationship to listening to new music, I remember that Gary Larsen cartoon in which a student raises his hand and says, “May I be excused? My brain is full.”

Between the stuff people have laid on me over the years in the form of burned CDs and files, plus my burgeoning CD collection, not to mention my vinyl, hi-def downloads etc., I have enough music to listen to for the rest of my life. I have to confess: There are CDs in my collection I have yet to break the plastic off of.

That being said, being a Mathias Eick fan, I had to listen to his new album, When We Leave. I like it so much I’ve listened to it a number of times, and I’ve bought the HD download (saves space and sounds magnificent).

When We Leave has a similar feel to Eick’s last albums, Ravensburg and Midwest, which in this case is not a bad thing at all. It features the same core members as Ravensburg. There is a cohesion here, a genuine band sound, that only occurs with a working, touring band. Eick is an excellent composer of almost—dare I say it—hooky jazz infused with folk elements. It’s easy-to-digest comfort food for the spirit. The melodies are often memorable, even singable, yet somehow he avoids triteness and sentimentality. There’s a universal quality to his music. His burnished trumpet sound, while far from incendiary, has a kind of power and warmth that really imbues the instrument with his humanity. What comes out is often reflective, sometimes ruminative and sad, sometimes hopeful and at times, epically triumphant. There is an optimism to Mathias’ writing and playing that I find uplifting in these troubling times.

This album is a series of tone poems with simple titles like “Loving,” “Caring,” and “Turning” that seem to suggest that everything is going to be alright. Yet for all his melodicism and seeming simplicity, there is hidden complexity in these graceful arrangements and a level of detail that invites the listener to revisit them again and again.

As in the last release, Ravensburg, violin and Hardanger player Hakon Aase continues to add his special magic to the proceedings. Who would’ve thought trumpet and violin could blend so seamlessly? In a way, Aase is really the secret sauce in this group. Personally, I believe Eick’s musical identity really began to coalesce when he brought in Aase and crystallized the current lineup. Aase is a very original improviser; often his playing evokes the stark winter landscapes of northern Norway. While he evinces a strong understanding of Norwegian folk traditions, he’s also an out-of-the-box player who is capable of surprising the listener, sometimes taking sonic journeys through other musical landscapes. But it’s his rootsy-ness that I find so attractive and which brings a certain depth and mystery to the mix.

Besides the usual trumpet, violin, piano, and drums, the album has pedal steel guitar, played by guest artist Stian Carstensen. Usually associated with country music, the pedal steel is far more versatile and can fit into other genres, conjuring a feeling of keening longing, and sometimes evoking otherworldly atmospheres. I remember once seeing Harold Budd conduct a choir that was accompanied by pedal steel, Fender Rhodes, and harp. I had never heard anything like that before. The pedal steel lavishly slid from one beautiful sonority to another, chords hanging in the air like ripe apricots. Such is the way the pedal steel is used here, as a color, a kind of organic pad for the music to rest on.

My only criticism of this album (and indeed the last couple of Eick’s releases) is that at 37 minutes, it seems a bit short. But it’s all good stuff. Perhaps the thinnest track is “Flying”—it’s certainly the least structured piece on the album. But there’s a lot of deep listening going on and it is growing on this listener, as indeed the whole album continues to do. Eick keeps on delivering albums that hearken back to ECM’s seventies glory days, and the world is better for it. 

Mathias Eick: trumpet, keyboard, vocals
Hakon Aase: violin, percussion
Andreas Ulvo: piano
Audun Erlien: bass
Torstein Lofthus: drums
Helge Andreas Norbakken: drums, percussion
Stian Carstensen: pedal steel guitar

Den Rückblick kann ich wagen, weil ich bis Weihnachten, was das Lesen angeht, ausgebucht bin, mit drei Büchern, die fernab des Thriller-Genres zuhause sind. Bis auf ein Buch liegen alle Krimis in deutscher Übersetzung vor, die englischsprachigen habe ich in der Regel schon vor längerem gelesen. Platz 1 gebührt, mit denkbar knappem Vorsprung, Attica Locke: Black Water Rising.  Platz 2 ist eine wahre Entdeckung und erinnert mich an die Zeit, als ich als Teenager in Eugene Sues „Die Geheimnisse von Paris“ versunken war: Juan Gómez-Jurado: Die rote Jägerin (ein Klasse-Schmöker aus Spanien, sehr ungewöhnlich, sehr schwarz, noch schwärzer, und doch mit Momenten feinen Humors durchsetzt). Platz 3, wahrlich keine Überraschung über die Jahre, ein alter Favorit: James Lee Burke: Dunkle Tage im Iberia Parish (wunderbar, die Edition des Pendragon Verlages, höchste Qualität von Band zu Band). Platz 4 geht an den unermüdlich wagemutigen Heinrich Steinfest: Die Möbel des Teufels (so kann das Surreale den Zauber des Magischen Realismus entfalten). Platz 5 ist nicht minder überbordende Fantasie, und ein Genre-Mix für Freunde von R. L. Stevenson und Sir Arthur Conan Doyle, ein Rausch der Verwegenheit, der dennoch keinen einzigen Spannungsbogen überdreht: Stuart Turton und sein etwas anderer „Historienroman“ Der Tod und das dunkle Meer. Platz 6 verdanke ich der Empfehlung von Laura Wilson, ein Lob an dieser Stelle der „Thriller-Kolumne“ des „Guardian“: David Heska Wanbli Weiden: Winter Counts („this book is both,  a solid take on a trope familiar to readers of crime and western genres – the lone man’s quest for justice – and an authentic and humane view of a largely unreported world, ravaged by years of systemic oppression.“, Laura Wilson) / Platz 7 geht an S. A.  Cosby und seinen temporeichen wie tiefgehenden Roman Blacktop Wasteland (wer den Film „Driver“ liebte, kann hier einen weiteren „Driver“ erleben, und einen amerikanischen Alptraum vor dem inneren Auge abrollen lassen. Fucking genius, Mr. Cosby).  Platz 8 verbreitete sich in meinem Bekanntenkreis wie warme Semmeln am Samstagmorgen – bei aller Hochspannung  aber keine so leichte Verkostung – das Buch der Dänin erhält von mir den Stieg Larsson-Gedächtnispreis: Anne Mette Hancock:  Leichenblume. Der nächste skandinavische „Burner“: auf  Platz 9 der mir bis hierhin völlig unbekannte Christoffer Carlsson und sein Roman Unter dem Sturm (raffiniert gebaute Familiengeschichte, umheimlich subtil, und unheimlich spannend!) Könnte bis Weihnachten noch ein paar Plätze klettern – wirkt immer noch nach (Lektüre gestern beendet). Platz 10 ist jahrgangsunabhängig einem Klassiker (all time favourite) meiner Thriller mit Tiefgang vorbehalten, ich las das Buch im Laufe der Jahre zweimal, und selbst beim Wiederlesen war es episch-ungebremste Wucht: Val McDermids Echo einer Winternacht. 

Die Drehung der Schraube. Das Drehen der Schraube. Das Drehen an der Schraube. Hinter der Wendung steckt jedoch mehr. The Turn of the Screw ist auch ein idiom. Das Cambridge Dictionary erklärt die Bedeutung so: „an action that makes a bad situation worse, especially one that forces one to do something“. The Turn of the Screw, so heißt eine Gespenstergeschichte von Henry James. Die deutsche Übersetzung ist unter verschiedenen Titeln erschienen: Das Durchdrehen der Schraube. Der letzte Dreh der Schraube. Schraubendrehungen. Daumenschrauben. Das Geheimnis von Bly. Es ist eine Geschichte in einer Geschichte. Freunde, Bekannte sitzen um die Jahrhundertwende vom 19. zum 20. Jahrhundert, wir schreiben das Jahr 1898, am Kamin und tun etwas Ähnliches wie das, was wir Manafonisten rund um unsere Notebooks oder ipads tun: Sie erzählen einander. An einem Donnerstag Abend liest jemand aus dem Kreis den anderen ein umfangreiches Manuskript vor: alte verblasste Tinte und mit schöner Handschrift verfasst. Geschrieben von einer Frau, die das Manuskript dem Mann, der es besitzt, vor ihrem Tod geschickt hat. Bly liegt in Essex, England. Es ist ein Landgut. Eine junge Gouvernante wird hier eingestellt, um in großzügig ausgestatteter Umgebung ein zauberhaftes Mädchen zu unterrichten. Deren Bruder wurde vom Internat verwiesen und verbringt nun auch seinen Sommer auf Bly. Die Wahrnehmung wird Stück für Stück demontiert. Es tauchen rätselhafte Personen (Geister? Gespenster?) auf, von denen man nicht weiß, wer sie sieht. Ich dachte an den Horrorfilm It Follows, den einige von uns kennen, hier aber sind die Verfolger:innen konsequent nur für die Infizierten sichtbar, für alle anderen nicht. In Bly liegt die Sache anders. Die Erzählerin entzieht uns Stück für Stück den Boden unter den Füßen, indem sie mit den in unserem Alltag angeblichen Gewissheiten von Raum, Zeit und Ich jongliert. Identitäten sind unklar, uneindeutig, verändern sich. Zeitebenen geraten durcheinander. Die Logik wird, je weiter die Erzählerin an der Schraube dreht, außer Kraft gesetzt. Die Energie von The Turn of the Screw beweist sich auch darin, dass die Arbeit vielfach in anderen künstlerischen Genres interpretiert wurde.

Während eines Konzerts in Paris kam Julio Cortazar die Idee zu den «Cronopien», jenen «nassgrünen Dingerchen»: Borstig sind sie, unordentlich und lässig, verträumt und intuitiv, poetische Nonkonformisten, vertrauensvolle Optimisten, humorvolle Lebenskünstler, beste Freunde, die philosophische Nonsens-Dialoge führen können. Viele sehen in ihnen das vitale Alter Ego des Autors. Cronopien benutzen nie liniertes Papier, um zu schreiben, drücken die Zahnpastatube auch nicht von unten nach oben. Für alle Fans wurden die Cronopien zum Inbegriff Cortázars, seiner Sicht der Welt.

Alex Petridis hatte meine volle Zustimmung, als er sich für diese Box begeisterte. Julio hat sie leider nie gehört. Irgendjemand musste mich ja mal auf die Spur der spannenden Spielarten dieser Musik bringen. Die, die einst „Acid House“ erfanden, hatten etwas Universelles und Zeitloses freigelegt. Und wollten urprünglich nicht mehr als flüchtige Gegenwart einfangen. Rausch in strenger Taktung. „Blaue Stunden“, so nannte Julio diese Zwischenreiche. Keine Musik zuvor oder danach hat die schweisstreibende Intensität, mit der man sich in den frühen Morgenstunden auf einer Tanzfläche verliert, besser eingefangen (ausser vielleicht „Saturday Night Fever“) – man musste nicht umgeben sein von Menschen, die von Drogen und der schieren Lautstärke so wahnsinnig wurden, dass sie weinten oder in Ohnmacht fielen oder anfingen, es miteinander zu treiben, um dieses seltsame, gleichzeitig beschwingte und leicht beunruhigende jenseitige, besser, Ich-Grenzen überschreitende, Gefühl zu kennen. Ich war nie im Leben auf einer Techno-Party, habe nie Ecstasy, MDMA, oder andere Partydrogen jener Ära konsumiert. Ich besitze diese Box namens „Acid Rain“, ich habe ein paar Platten von Robert Hood, mittlerweile auch vier grossartige Alben von Underworld. Besser spät als nie. Dazu gesellen sich noch ein paar Klassiker von Kraftwerk. Diese kleine Sammlung reicht aus für meine mittlerweile berüchtigten „Techno-Parties“. Bei diesen Parties ist immer nur eine Person anwesend. Männlich oder weiblich, auf jeden Fall ein Cronopium. Der Sound ist hervorragend, und auch wenn der jeweilige Gast ab und zu wie wild durch den Raum wirbelt, sitzt er meist schweissnass im „sweet spot“ vor den Boxen. Er hat eine kleine Einführung bekommen, und nur die Alben von Underworld, Kraftwerk, Mr. Hood, und „Acid Rain“ zur Hand. Sweet dreams are made of this. Wenn ich diese „Parties for One“ veranstalte, sorge ich dafür, dass das Haus leer ist, das Nachbarhaus sowieso. Manchmal kommt dennoch die Polizei vorbei, weil Leute denken hier würden gefährliche Dinge abgehen, nur weil ab und zu das Dach zittert. Alles harmlos. Wir sind liebe Menschen, die die Stille lieben. Und genau wissen, wann „PLAY IT LOUD“ die richtige Losung ist. (Natürlich sind stets ein paar Gegenwelten zur Hand, um „runterzukommen“, sich zu erden. „Music for Airports“, „Lifestyles of the Laptop Café“, und „The Best of Al Green“.)