Manafonistas

 The title could be from a movie, or a poem, or a thriller. But it comes from sounds. Ambiguity is a point on the second album of Eivind Aarset and Jan Bang. Always a delight if a certain sound is not linked to a clearly defined emotion. It all moves in between, in moderate tempi, and different modes of slow, slow motion. Daring and adventurous, the duo‘s musics doesn’t serve at all some listeners‘ needs for recognizable grooves or old school ambience. There‘s a free spirit wailing, and chances are good all these strangely constructed, floating pieces of pure imagination put a soft spell on you. Call „Snow Catches on her Eyelashes“ modern mood music if you want – and if you don‘t mind goose skin, a recurring sense of wonder, and moments of pure excitement. 

Michael: This second duo album has a different feel compared to Dream Logic. How would you describe its overall mood, or subtlely changing atmospheres? The title of the album suggests a cinematic flair, though it‘s certainly not related to a certain movie.

Jan Bang: The album was recorded in the Punkt Studio in Kristiansand over a long period of time. Some of the first sketches (i.e. Asphalt Lake) started already in 2012. Others came during the main recording period between 2017 -2019. With the „Dream Logic“ album (ECM), the working process was shorter in span, but that was where we gained a good work flow together in the studio. A lot of the same techniques were repeated on „Snow Collected On Her Eyelashes“, but with different outcome. I like to think of the album and its title as a travelogue. The title refers if you will to a modern traveler in a Northern hemisphere, but can have different meaning to others.

It seems to me that most of the music grew out of improvisations, and post-production has been big deal here. How would you describe the process of these pieces finally finding its shape within a well-chosen sequence?

Not entirely true. Some of the pieces (i.e. Monochrome), and the two „Sphere“ pieces started with both of us in the same room. Serenade, Purplebright and Asphalt lake started with programming which was later carefully shaped with Eivind onboard. The pianist Hilde Norbakken and myself had done a few live performances of Before the wedding, before we decided it would be a possible candidate for the album with a guitar overdub by Eivind. A couple of compositions were more or less his, like „Nightspell“ and „Two days in June“, the latter being, at least in my book, the centerpiece of the album.

Can you describe the process of working on one track of your choice, to make clear how sometimes things fall into place organically, or, on the other side, need some treatments in the details to fulfil the expectations of the two of you?

The above mentioned Two days in June is based on a live performance Eivind did with dancer Christine Brunel who sadly passed away during the making of the album. I added cello and small treated sounds to give it more focus. In the coda I added some programming that I had originally done for the German theremin player Barbara Buchholtz, who sadly passed away far too young. The piece is a celebration in memory of them both. The two „Sphere“ pieces and Monochrome were done pretty fast.

Of course, you shy away from labeling such an album, because every branding narrows the perspective. But can you name some of the inspirations while working on an album that looks through a territory of sounds beyond standard experimentalism.

I guess the material comes together with inspirations from different angles: the baselines you can so often find in music from the past, from the 50´s when bass parts often played single notes without the virtuosity that with exceptions came came later. The other sound ideal comes from modern composition and the way both of us have incorporated a more European contemporary sound world that is an amalgam of the acoustic and electronic world of sounds. Working with the Ensemble Modern, different free improvisers like Sidsel Endresen, Hamid Drake and recently now in London with a recording session with David Toop and Confront label owner Mark Wastell – has given me inspiration to step into the unknown with curiosity. 

It is exciting to hear Jim Jupp’s hallucinogenic sci-fi storybook soundtracks taking root once again in the synthscape wonderland that he’s created for Belbury. With all its rusty strings and analogue hardware. And so far The Belbury Poly really did find some friends among Manafonistas and their readers, with the new album The Gone Away. Grounded in old fairy tales and  TV children shows from the wilder side of the 60‘s,  the album moves through its own parallel universe with distant echoes from Tolkien, Bo Hansson, and the  more surreals side-kicks of early British prog rock and far-out mood music. Here‘s the riddle: what‘s the band‘s name on the photo? Simple as that. Readers who wanna win an official download code of The Gone Away from the Ghost Box universe have to leave their real name in the comment section and one guess only!

Vor gut fünf Jahren erschien zum 80. Geburtstag von Gary Peacock das Album Now This mit Marc Copland und Joey Baron. Ich hatte die einmalige Chance, den Aufnahmen mit Jan Erik Kongshaug und Manfred Eicher in Oslo beiwohnen zu dürfen. Nachvollziehbarer Weise ist es für mich seither stets eine ganz persönliche Sache, das Album zu hören, und ich liebe besonders die späten Einspielungen der Stücke Gaia und Moor, die Peacock schon Jahrzehnte lang begleitet hatten. Im letzten September unternahm ich die Anstrengung, einen gemeinsamen Wiedersehenstermin zu finden, um mit den Musikern über die Aufnahmen und über ihr Selbstverständnis als Künstler zu sprechen. Am Ende fand das Treffen an eben jenem Tag statt, an dem ich (vormittags) auch Steve Swallow und Carla Bley besuchte, die nur rund 20 Minuten in nördlicher Richtung entfernt leben, ein paar Kilometer westlich von Woodstock. Marc kam eigens zu diesem Treffen aus Brooklyn angefahren (zweieinhalb bis drei Stunden Fahrtzeit), und ich verbrachte zwei Stunden mit den beiden nahe dem Ashokan Reservoir in dem Dörfchen Olivebridge (zu Olive gehörend) im Staate New York, das sicherlich kaum jemand einmal aus Versehen passiert. Ein paar Eindrücke von diesem Ort und aus dem Gespräch habe ich in diesem kleinen Gesprächs-Kurzdokumentarfilm zusammengestellt, den ich im Mai – mit ein paar bislang unveröffentlichten Fotos aus dem Rainbow Studio in Oslo im Juli 2014 – zu Garys 85. Geburtstag teilte. Als kleine Hommage auch eine Aufnahme mit dem zwischenzeitlich verstorbenen Tonmeister.

Als ich Gary das fertig montierte Gespräch zu seinem Geburtstag im Mai schickte, wusste ich bereits, dass er nicht mehr spielen und touren würde; schon zu meinem Besuch hatte er seinen Bass seit rund neun Monaten nicht mehr angefasst, und im Frühjahr 2019 hatte er sich einer schweren Operation unterziehen müssen, infolge der er sich nicht mehr von seinem Haus fortbewegen konnte. Er hörte zwar bereits ziemlich schlecht (was in unserem Gespräch gelegentlich dazu führte, dass er etwas ganz anderes antworte, als ich gefragt hatte), das war bereits in Oslo im Sommer 2014 offenkundig gewesen. Er hatte aber an einem Buch geschrieben, das zumindest im Herbst 2019 noch nicht ganz abgeschlossen war.

Ein paar Tage später ergänzte ich dieses Gespräch übrigens noch um dieses „Outtake“, in dem Gary und Marc sich speziell zu Manfred Eicher und ECM äußerten. Das hatte in dem eigentlichen Kurzfilmchen (Episode 2015) keinen Platz gefunden.

Das letzte, was Gary mir im Mai, als Antwort auf meine Geburtstagsmail schrieb, war: „Whatever has a beginning has an end.“

„Mehr Transparenz!“ wird allerorts gefordert – wobei ja diese Durchsichtigkeit auch schnell ins Negative kippen kann: Entzauberung und Überwachung wären dann die Folge. Darüber schrieb ja auch der koreanische Philosoph Byung-Chul Han in einem Buch mit dem Titel „Transparenzgesellschaft“, das zu jenen zählt, die ich immer wieder lese: denn gute Gedanken und Formulierungen haben kein Verfallsdatum, lesen sich auch nicht zur Neige, so wie man eine Schachtel Zigaretten „aufraucht“.

Gestern verfolgte man beeindruckt ein Live-Konzert in Kristiansand, mit dabei die Herren Bang und Aarset. „Ja, was kommt denn nun von wem?“ war die bange Frage. Eine Handbewegung des Gitarristen Eivind verriet es: ah, dieser Basslauf kommt aus seinem Instrument! Was ein Zauberer und Zubereiter namens Jan da zelebriert, bleibt geheime Alchemistenküche. Sein empathischer Körperausdruck jedenfalls ist eine Show. Auch der dargebotene Sound: vom Feinsten. Waren die Bild-Projektionen zufällig oder Punkt-genauestens zur Musik plaziert?

Summa summarum jedenfalls bekam unsereins beim Hören dieser Klänge sofort Lust, selbst Musik zu machen, was ich heute dann auch tat. Eine zuweilen zeitraubende Angelegenheit, bei der man vom Hundertsten ins Tausendste kommt, von Sirenensounds betört die Richtung verliert, wie das einst schon Odysseus drohte. Immerhin, kleine Erkenntnisse und noch ein kurzes „Mikado-Spiel“ zum Abschluss der Tages-Session: eine erste Spur wird hingeworfen, dann direkt die zweite Spur dazu gespielt. Ein bisschen Schnitt noch, fertig sind die transparenten Schritte.

Of course some have
but surprising it is that
no writer is mentioning
the long long long silences
between each and every song

All the words though
Matter at night time
Not all the words a lot just
Turn to sound sound sound
Or the space in between

And I may have been wandering too long
In love with wandering, wandering, wandering love
Words of Bill I like following
His quietly stumbling flow the soft attacks
The painted clouds precison and loss

These songs you call lo-fi
But surprise sees them overflowing
On second listen carrying caring for
Tiny exlosives the words
Silent killers lifting off off off

(for whom it my concern)

Zu den romantischen Highlights meiner Teenagerjahre zählen die fünf Minuten, in denen das schönste Girl der Bittermark mir auf einer Wiese im Westfalenpark, ziemlich windschief, auf der Querflöte das von Jethro Tull in die Hippiewelt entführte Bourée vorspielte. Näher kam Johann Sebastian Bach mir nie, und ich Regina auch nicht, okay, einmal fünf Minuten knutschen, das war es dann auch schon. Leider verbinde ich mit Marc Bolans Knallern kaum rauschhafte Zweisamkeiten, obwohl die Musik von Tyrannosaurus Rex ideal zum Kiffen und Träumen war, und die Hits von T Rex zweifelsfrei erste Sahne beim Vorspiel. Die Songs rauschten wohl irgendwie durch, so allgegenwärtig waren sie in den frühen Siebzigern. Nach wie vor zählt „Cosmic Dancer“ zu meinen TOP TEN Liedern, und Marc Bolan finde ich ja spannender als die Mehrzahl der Manafonisten, wie ich neulich herausfand. LOL. Heute ist Hal Willners letzte Produktion erschienen, seine Hommage an den König des Glam-Rock, und ich fuhr gestern zu einer versteckt liegenden Schlossanlage in Dortmund-Bodelschwingh, um mir die Original-Doppel-Cd zu sichern. A fairytale surrounding. Dreieinhalb wohlverdiente Sterne, einige Versionen sind grossartig. Hier meine TOP SIX des Doppelalbums:

One – Ballrooms of Mars – Emily Haines
Two – Cosmic Dancer – Nick Cave
Three – Scenescof – Devendra Banhart
Four – Life’s a Gas – Lucinda Williams
Five – Main Man – Father John Misty
Six – Bang a Gong (Get It On) – David Johansen

v i d e o

1997

Ein später Nachmittag im Dezember. Nach einem Besuch in den Plattenläden der Zossener Straße muss ich zu Fuß zum Karstadt am Herrmannplatz gehen. Zwei Kilometer, der Wind weht mir den strömenden Regen entgegen, Winter in Berlin. Aus Sorge, dass die Cover trocken bleiben, falte ich den oberen Rand der dünnen Plastiktüte um und drücke die Platten fest an mich. So trage ich „Brand“ von Keith Hudson durch den Winterregen. Die Spuren jenes Tages, die Öffnung ist leicht gewellt, zwei Ecken eingeknickt, haben inzwischen Gesellschaft bekommen: die Rundung der Schallplatte zeichnet sich auf dem Cover ab, die Kanten sind abgescheuert, die weiße Hintergrundfarbe auf der Rückseite gelblich verfärbt. Die Musik verströmt für mich noch dieselbe Magie wie vor 23 Jahren. Leider habe ich nie wieder eine LP von Keith Hudson in einem Laden gesehen. Besonders gerne hätte ich das düstere Sinners auf Vinyl (auf „Brand“ immerhin in einer Dub Version enthalten). Keine Ahnung, was ich an dem Tag noch gekauft habe und ob das jemals so wichtig war, wie diese reduzierten und rhythmischen Klänge.

1999

Frühjahr. Mein Mitbewohner hat Besuch aus den USA, zwei Freizeit Techno DJs aus Kalamazoo, Michigan, die unbedingt bei Hardwax Technoplatten kaufen wollen. Am Abend hocken sie bei mir im Zimmer und hören lautstark ihre neuerworbenen Schätze: harte Beats im 4/4 Takt, immer auf die zwölf, eine dicht gedrängte, hektische Klangkulisse. Mir fehlen Raum und Weite, meine Gedanken verklumpen, das Sprachwirrwarr aus Deutsch und Englisch tut sein übriges, ich werde ruhiger und freue mich, als alle zum Ausgehen aufbrechen. Vor dem Aufräumen lege ich mein neues Album auf, „Forward the Bass“ von den Impact Allstars. Gitarre und Saxophon sind kaltes klares Wasser an einem heißen Tag, die weiträumige Produktion lässt Luft zum Atmen, der Bass beruhigt, angedeutete oder verfremdete Sounds erzeugen einen inneren Klangraum, manchmal scheinen sich rätselhafte Muster in den Songs zu verbergen – meine Welt kommt wieder in Fluß.

(Norwegian = Middle European times)

THURSDAY 3 SEPTEMBER

19:00 Moskus

19:45 Live Remix: Kristian Isachsen / Kristine Hoff

FRIDAY 4 SEPTEMBER

18:00 Mats Eilertsen «Reveries and Revelations»

19:00 Arve Henriksen / Eivind Aarset / Jan Bang «The Height of the Reeds»

21:00 Anja Lauvdal «The School of Lost Borders» (Commissioned Work)

21:45 Live Remix: Nils Petter Molvær / Jan Bang / Erik Honoré

SATURDAY 5 SEPTEMBER

18:00 Audun Kleive

18:30 Frode Haltli / Erlend Apneseth

19:15 Live Remix of Concerts 1 & 2: Vilde&Inga / Erik Honoré

20:15 Eivind Aarset / Jan Bang «Snow Catches on her Eyelashes»

21:00 Live Remix: Nils Petter Molvær / Kristian Isachsen / Audun Kleive

22:00 Finity

22:45 Live Remix: Tone Åse / Veslemøy Narvesey