Manafonistas

 

 
 
 

I’m not really embarrassed to say how much I loved this series. It has amounts of both explicit violent gore and sex. This is no private obsession.  I only violated one sociopathic driver on a German highway within the last year (breaking his nose), I recently only offended one cop,  and I’ve never been put in prison. And, yep, if that is all this series was about – or if both of those aspects weren’t flawlessly integrated into making the story–then I wouldn’t write this at all. However, here it all just makes sense. The characters are well drawn out and incredibly sympathetic, making the violence and sex just a part of who these characters are and just part of their stories. And the plot really is intense.

Man gets out of prison, kills some people in self-defense, then impersonates a sheriff all the while trying to stay hidden from a Russian mafia boss who wants him dead as well as maybe win back his ex-girlfriend. I realize that sounds absurd and rather dumb on paper–but again – it just works. In fact, everything would quite frankly either seem voyeuristic or just plain stupid if it wasn’t for the amazing cast. The acting here is top quality and this is what gives the far fetching plot equally weight and a natural impact.

Kiwi Antony Starr has a remarkable talent for being able to mete out extreme violence and yet look sad and regretful the entire time. Hoon Lee as Starr’s sidekick could have been a very camp role as Lee’s character is frequently in drag and spewing catchy one liners – and yet Lee’s character „Job“ is one of the most hardcore and rock like characters in the whole cast. Ivana Milicevic plays Starr’s ex, and her physicality in this role is astonishing. She’s believable as both a warm and loving mother as well as the type of person who you would want by your side to face an angry horde of zombies with. Ulrich Thomsen rounds out the fantastic cast as the local ex-Amish mafia lord who is emotionally caught in two worlds thus slightly sympathetic yet capable of horrible violence. BANSHEE is brutally brilliant. Addictive. Well, in case you enjoy some hardcore Tarantino films, Jim Thompson novels – and the darkest stuff of Shakespeare. You don’t need psychoanalysis in Banshee, you only need a good ambulance.

Sometimes you really have to dig deep to find something of great value in that genre once coined „New Age“, crammed with wrong nirvanas and boring heavens. If heaven actually is a place where nothing really happens, the music of Jordan De La Sierra´s „Gymnosphere“ might be a place of constant wonder: a lot is going on here (in a very silent way) – lonesome notes drifting endlessly through a sacred space. As we know, sacred spaces often are a big deal for long reverberations. Call Eno´s classic „Music For Airports“ a (very) distant relative, and you´re close.

 

The desert has always been a place for inspiration, from Harold Budd to Giant Sand, and Polar Bear´s new album „Same As You“ is no exception. Though it starts with some Woodstock mysticism, invocations of light and love, don´t hesitate to surrender to the overall flow of the six tracks. A wonderful mix using field recordings without any resemblance to the usually „holy desert  sounds“, the album is captivating from start to end. Arthur Russell would been totally enthusiastic about this work of art. The dancing, joyful lines of the two saxophones add to the excellent mix of the primal, the melodic and the experimental. So this may be one of England´s finest contributions to the American „West Coast“-culture ever, known for relaxed moods, skilled studio musicians – and even Sonny Rollins once wearing a cowboy hat.

 

„A Most Violent Year“ is a fantastic movie, a time travel to New York City, 1981 (the year Eno and Byrne created „My Life In The Bush Of Ghosts“, in Manhattan), shot with late 70´s vibes and colors, and, nevertheless, likewise oldfashioned and inventive. That´s saying a lot about a genre movie linked with gangster syndicates, archetypal anti-heroes from another era and the usual suspects from the old „New Hollywood“. The gist of the matter: J.C. Chandor is really doing fine in creating a new skin for an old ceremony. At times with breathtakingly slow speed, packed with the devil in the details (beware of the soundtrack, sparse and subtle), and, one of the most thrilling chase-scenes since Cary Grant had been attacked by a small aeroplane in „North By Northwest“. Chandor knows when it´s time to speed up. Pop corn fodder? Not at all, more of a descent into the underworld (in the psychic sense of the word). For example, within one single shocking second, you are transported from an overcrowded tube train to a deserted, ghost-like station (in the middle of NYC) – a good place to meet the inner demons.

 

And coming to terms with your own demons, you might want to enter the sceneries of the „Thriller of  April“. I´m still running through the last hundred pages, and, as you know, you shall not sing the praise of day till the last ray of light has vanished from the sky, and darkness surrounds you with all horror or relief delivered on the last page. Will the story linger in your mind, or is it just a cheap thrill and utterly forgettable? Wait and see. Manafonista Wolfram recently recommended an ancient thriller by Chester Himes. That book might be the other option. Himes can compare in quality to Chandler and Hammett, and he clearly is commenting on and developing their novels, plots and style. The past remains a treasure grove. But you can easily be trapped by it. Chester Himes, and J.C. Chandor luckily know the exit signs.

Michael schrieb kürzlich hier über seine großen Singles-Zeiten, als er Radio Caroline, Europawelle Saar, Radio Luxemburg und BFBS hörte; ich ergänzte im Kommentar Radio Nordsee und vor allem den Hessischen Rundfunk. Aber gemach, zunächst einmal gilt es für die jüngeren Leser von manafonistas festzuhalten: unsere Musik lief in den 60er und Anfang der 70er Jahre im Radio nur ganz spärlich. Und immer gab es Probleme mit dem Empfang der Lieblingssender. Ich weiß noch gut, dass ich mir eine zwei Meter lange Radioantenne heimlich gebastelt und aufs Dach montiert habe. Diese wirkte Wunder, mein Röhrenradio von Loewe bekam so richtig Stoff: Im HR konnte ich nun alle Sendungen von Hanns Verres hören, natürlich war ich auch treuer Hörer von Atze und Henry. Häufig war ich aber dem HR untreu, denn ich war süchtig nach MEHR, also: Radio Luxemburg (eher die englische Version), Radio Nordsee, Radio Caroline, BFBS und auch dem Soldatensender aus der DDR, der ja zuweilen beste Rockmusik brachte, die die eigene Bevölkerung nicht hören durfte, habe ich gelauscht. Meinem gestrengem Herrn Vater gegenüber, der neben Richard Wagner kaum etwas gelten ließ, durfte ich von meiner Musikleidenschaft nichts erzählen. Er verachtete sie abgrundtief, also musste ich die Musik heimlich hören. Mit einer selbstgebauten Alarmanlage ausgerüstet, hörte ich die Musik meines Geschmacks mit Hilfe dieser Riesenantenne und meinem alten Loewe-Röhrenradio. Wenn der Vater dann kam, war ich vorgewarnt, das Radio natürlich sofort aus. Aber mein Vater, nicht von gestern, berührte mit der Hand das magische Auge des Radios, merkte, dass es warm war und schon war der Teufel los. Aber, was tat man nicht alles fürseineLieblingsmusik.

 
 
 

 
 
 

Ganz verboten war übrigens der BEAT-CLUB. Wir hatten zwar ohnehin kein Fernsehgerät und in der Kneipe um die Ecke konnte ich gerade einmal Fußball oder „Mit Schirm, Charme und Melone“ schauen, BEAT-CLUB wurde niemals eingeschaltet, das ging höchstens heimlich bei Freunden. Und so sind diese Sendungen von Radio Bremen (Michael Leckebusch) fast ganz an mir vorüber gegangen. Aber: das kann man nachholen: Es gibt seit 2009 drei DVD-Boxen: 1965-68, 1968-70 und 1970-72. Neulich habe ich einmal mehr die eine oder andere DVD gesehen. Richtig interessant ist es, im Rückblick von über vierzig Jahren, die Entwicklung dieser Musiksendung zu sehen: von der reinen Hitparadensendung hin zur progressiven Rockmusik, von der Musik aus der Konserve hin zum Liveauftritt. Das ganze experimentell aufbereitet durch Michael Leckebusch und ab der 35igsten Sendung auch begleitet von redaktionellen Beiträgen des WDR. Die ältere Generation hasste diese Sendung abgrundtief, bei den jüngeren Leuten war der BEAT-CLUB aber so beliebt, dass er sich doch bis ins Jahr 1972 halten konnte. Die Box 1970-72 ist besonders interessant, hier kann man live Softmachine, Santana, Jimmy Hendrix, Black Sabbath, Jethro Tull und z.B. auch Emerson, Lake and Palmer genießen. 1971 spielten Emerson Lake an Palmer „Pictures of an Exhibition“ ein, eine tolle Platte … die musste auch endlich mal wieder die Nadel des Plattenspieles erblicken!

 
 
 

 

michael: friends of mine recently travelled through the desterted north of canada. they love these open landscapes. sebastian, where have you been in America, what were the places that inspired the relaxed, joyful, open atmosphere of „Same As You“?

 

sebastian: i have spent three months of the last year in the mojave desert in california, it’s really a magical place for me, and the community there are so welcoming. being in this landscape made me feel differently about space and space in music, space in rhythm, and i love that when you’re out in the desert you feel the same as every other living thing out there, like you are shown your place by nature.

 

michael: ah, that’s where the title comes from. I try to imagine the sound …

 

sebastian: the sound is like a thick silence but then a noise far away can feel close to your ear. also, with some events in my life and being aware of all the greed, war and prejudice in the world, i felt to make something centred around positivity and love and breath.

 

michael: i think that it’s a bit easier to make an album full of misery und falling apart than it is to make something profound about the joyful things of life. has the mojave been a love at first sight-thing?

 

sebastian: yes, from the first moment i stepped out the car in the mojave, it was like my mind cleared and felt like a child in my clarity, this was special to me, finding this in london can be difficult sometimes. i was speaking to a man out there about how i felt a great energy and vibrance out there, and he told me, yes, well, every animal and plant is struggling to survive out there, so maybe that’s what you are feeling. made me think that is how in some ways it’s similar to london, it’s not a slow energy in the desert but a very aware and alert one. you have to be alert and present as your life can depend on it. you dont want to get lost there.

 

michael: an interesting connection between the big city and the middle of nowhere! The album was produced in your hometown, right?

 

sebastian: we recorded it in assault and battery in west london and then i made some echoes and spacial things at my place, i felt these like our sound bouncing off the desert mountains. the album was mixed by ken barrientos at red barn recorders in the high desert. when i heard iman omaris‘ album „viberations“ i was totally blown away also by the mix. so i looked into who did it and when i listened to kens music and other things he had been involved in, they all had this very special quality, like invisibly psychedelic and very physical.

 

michael: … and then you met this man you’ve never seen before …

 

sebastian: i read an interview with him and my instinct told me to contact him about mixing our album with my music, personal connections are important to me, so in a way felt like a risk cause i had never met him before but when i did, was like i had known him for a long time, he’s a really unique and special person. we started with a couple days at his studio, then we headed out to the desert to mix at red barn. ken also had the idea to visit the integratron as a start to our mixing. to me, he has really captured in the mix how the desert makes me fee spacious but close.

 

michael: in what way did he capture it?

 

sebastian: when i listened out there, the bass and drums are the earth, john is like the air and sky and saxes are the birds circling and swooping. another part of this album is also my learning about ancient kemetic philosophies from michael who does the piece at the beginning of the album. some of the music was made by me using audio to make symbols representing kemetic gods.

 

michael: don’t know about kemetism, sounds like something paegan. but i know about your love of raga music. in a special way this album works in its length, un-interruptedness and flow like a western jazz raga with some kind of dancefloor compatibility. i mean Arthur Russell would have loved it, wouldn’t he?

 

sebastian: yes is great you feel this, i love how in classical indian they stretch your perception of time, this definitely influenced me and the landscape in the desert feels like this, you can drive for hours in the states and it feels like nothing

 

michael: It is quite subtle how leafcutter john and you made use of field recordings without making them a cliche.

 

sebastian: the field recordings were made by me and laid under each track, i wanted the desert to be in there always, i really love what ken did with them by using compression,he made them move with the drums.

 

michael: SAME AS YOU is utterly accessible and experimental at the same time. How did the idea grow that the sax players of polar bear, pete and mark, should prefer simple short lines, no big solos?

 

sebastian: the saxes represent to me on this album the feeling of freedom and happiness, the lines i thought about a lot, meaning like a thick sauce you might get in a restaurant, not much of it but an intense flavour, this was my intention anyway,
i said to them they could solo for as long as they wanted but just said i wanted the music not to have an element of angst, it could be as experimental and free as they wanted but needed to retain the the feeling of expansion

 

michael: your drumming sounds very special, too. precise and loose. did you have rattles on your arm that vibrate when hitting on something? Everything seems to vibrate on the album …

 

sebastian: think maybe what you are hearing are the jingles on my little snare and possibly the rivets on all my custom cymbals. i used a bass drum,two hihats, three snare drums and two bombe legueros on this album.

 

michael: and so the whole music is …

 

sebastian: … inspired by indian classical, the desert and the desire to put love into the world.

 

michael: how did you find the cover art for the album?

 

sebastian: it is by an artist i love called sanchita islam, she made four different paintings that are part of our artwork as well as a poem by my father about love and celebrating diversity. i felt sanchita would understand the colours i was seeing, even from my first email to her, she wrote back with the colours she felt and they were perfect to me. so happy she agreed to make this for us. i wanted the album to look beautiful and vibrant, there is a booklet that comes with it.

 

Ein Philosophieprofessor in Freiburg erzählte, er hätte ein Jahr lang Descartes´ „Meditationen über die Grundlagen der Philosophie“ in der Jackentasche getragen, das Buch also immer bei sich gehabt und immer wieder darin gelesen. Was geschieht mit einem solchen Verstand? Und so sehe ich mich endlich gezwungen, zuzugestehen, dass an allem, was ich früher für wahr hielt, zu zweifeln möglich ist. verum aut falsum? vacuum! Work while you work, play while you play. Diesen Satz fand ich in seiner im Deutschen sehr muffig klingenden Variante in Reimform in meinem Poesiealbum und ich ärgerte mich schon als Kind darüber. Die Unterscheidung von Arbeit und Vergnügen entlarvte Adorno in No. 84 seiner „Minima Moralia“ (Reflexionen aus dem beschädigten Leben) als eine der Grundregeln der repressiven Selbstdisziplin. Die oft nur eine Seite langen gesellschaftskritischen Kurzessays atmen den Duktus des Großbürgerlichen, methodisch an der Dialektik geschult, sprachlich erkennbar am nachgestellten „sich“, das in bestimmten Frankfurter Kreisen in die Alltagssprache übernommen wurde: „Im Reich der erotischen Qualitäten scheint eine Umwertung sich zu vollziehen.“ (No 12). Wie wirkt es sich aus, wenn jemand die „Minima Moralia“ fünf Jahre lang unentwegt bei sich trägt? Peter Gente gründet einen Verlag und nennt ihn nach dem Vornamen seiner Frau Merve. Fragmente, Gespräche, Listen. Bis an die Grenze der Literatur. Revolution als Textarbeit. Gegen die systematische Philosophie. Drei Jahrzehnte lang, von 1960 bis zum Ende der großen Erzählungen, um das Jahr 1990 herum.

 
 
 

 

Als Jan Garbarek einst eine Platte mit dem Violinisten L. Shankar aufnahm, SONG FOR EVERYONE, entbrannten wütende Diskussionen, weil der Norweger (der dann leider auch bald seine besten Jahre hinter sich haben sollte) bei einem langen Stück einen maschinellen Trommelrhythmus einsetzte. Kommt heute noch gut! Aber da kamen die Jazzpuristen gleich um der Ecke geschossen, sowas gehe gar nicht, da würde keine „jazzaffine Interaktion“ stattfinden, das sei doch wohl kommerzielles Kalkül. So ähnlich, nur etwas höher gehängt, ging es  in bunter Vorzeit zu, als Pharoah Sanders und andere Cracks die Trommelkulturen ferner Ethnien nutzten für ihre Vorstellungen. Da wurde gleich „Kulturkolonialismus“ gewittert.

 

 
 
 
Messerscharf. Keine Szene und kein Dialog zuviel. Keine ueberfluessige Sekunde.

Mit diesem Stoff koenntest du in Deutschland jahrelang von einer Produktionsfirma zur naechsten und von einem Sender zum naechsten laufen. Niemand wuerde diesen Film machen.

Deswegen interessiert sich in den USA kein Hund fuer deutsche Filme. Und das ist in Ordnung so.
 

 

 
 
 
Den Lesern dieses Blogs muss man nicht erklären, wer Eberhard Weber ist. Résumé ist seine tatsächlich von ihm selbst geschriebene Autobiografie, parallel mit seinem Album Encore veröffentlicht.

Da erzählt jemand, was ihm aus dem vielen Jahren seiner Karriere in Erinnerung geblieben ist — Begegnungen mit Kollegen, Reiseerinnerungen, Flugplatzabenteuer, sein Instrument, die Arbeit mit Manfred Eicher, der Einsatz von Verstärkern und Elektronik im Jazz, der Konzert- und Tourneebetrieb, die (teils deftigen) Unterschiede zwischen dem deutschen und dem amerikanischen Jazzbusiness, die Existenz als „Telefonbassist“, wie er sich einmal einen LSD-Trip mit Wolfgang Dauner geteilt hat. Und noch vieles mehr, was in eine Autobiografie gehört. Das alles ist ein bisschen unsystematisch, ein bisschen sprunghaft, manchmal heiter, manchmal mit Widerhaken versehen (das ist dann besonders interessant), nie langweilig. Résumé liest sich, als würdest du mit Weber beim Glas Wein zusammensitzen.

Dass das, was das Publikum wahrzunehmen glaubt, nicht immer mit dem übereinstimmt, was die Musiker auf der Bühne empfinden, wenn sie es spielen, ist eine Erkenntnis, die vielleicht manchen überraschen wird, ebenso, dass die Musik auf der Bühne anders klingt als im Saal. Als Hörer macht man sich das selten klar. Eine andere interessante Erkenntnis Webers ist, dass gerade in den 60er Jahren die Grenzen zwischen Jazz und Schlager fließend sein konnten, die Musiker das aber nie gestört hat (anders als oftmals die Kritiker). Nicht allen wird gefallen, was Weber über den Free Jazz schreibt. Er weist nicht nur auf das Dilemma hin, dass, wenn alles erlaubt ist, kaum noch Variationsmöglichkeiten existieren und das Ganze dann ziemlich einförmig wird, sondern er beschreibt auch, dass es zwei Free-Jazz-Fraktionen gab, nämlich eine „Hardcore“- und eine „Happening“-Fraktion. Erstere nahm ihr Wirken todernst, letztere nicht. Deswegen konnten sich beide gegenseitig nicht ausstehen. Mittendrin finden sich einige nette Anekdoten über den „Jazzpapst“ Joachim-Ernst Berendt, dessen Verdienste als Gründer und damaliger Leiter der SWF-Jazzredaktion zwar unbestritten sind, der sich aber gelegentlich, wie Weber hier an einem Beispiel schildert, in Widersprüche mit seinen eigenen Forderungen verwickelte — etwa, indem er Musikern vorschrieb, wie sie „free“ zu spielen hatten. (Der geschätzte Werner Burkhardt hat Berendt mal eine „rührende Humorlosigkeit“ bescheinigt. Das findet sich hier bestätigt.)

Weber geizt nicht mit Meinung. Immer schimmert dabei ein stilles Augenzwinkern durch den Text hindurch. Selbst dann, wenn er über seinen Schlaganfall spricht. Auch hier nimmt man ganz beiläufig Erkenntnisse mit, auf die man sonst nur kommen kann, wenn man direkt mit dem Thema konfrontiert ist — etwa, dass der Schlag nicht nur körperliche Auswirkungen hat, sondern auch die emotionale Wahrnehmungsweise des Gehirns verändert. Seinen Humor hat Weber trotzdem nicht verloren: „Ich kann nicht Bass spielen. Aber ich weiß, wie’s geht!“

Ein sympathisches Buch.
 

Eberhard Weber:
Résumé – Eine deutsche Jazz-Geschichte
sagas.edition, Stuttgart 2015, ISBN 978-3-944660-04-2
 

Eine Nachbemerkung sei noch gestattet: Ich weiß nicht, weshalb gerade die Verleger von Musikbüchern immer wieder zu glauben scheinen, sie müssten die Regeln der Typografie neu erfinden. Dieses Buch ist eigentlich schön aufgemacht, sogar mit Lesebändchen. Um so mehr irritiert mich die verwendete Schrift, eine serifen- und gesichtslose Type, die an Formulare vom Finanzamt erinnert und das Lesen von Seite zu Seite anstrengender macht. Liebe Buchgestalter, ihr wisst es doch: Ein Buch stellt andere typografische Anforderungen als, sagen wir, ein ECM-Booklet. Selbst wenn ihr die Garamond nicht mehr sehen mögt, es gibt viele Möglichkeiten. If in doubt, set in Caslon. Funktioniert immer. Oder von mir aus sogar in Times New Roman — besser als dies hier wäre selbst das. Danke fürs Zuhören.

You don’t know what love is – Ella Fitzgerald

You don’t know what love is – Nina Simone

 

David Samuels vibraharp, percussion
Michael DiPasqua drums, percussion
Paul McCandless soprano saxophone, oboe, english horn
David Darling cello
Ratzo Harris bass
Recorded May 1981 at Sound Ideas Studio, New York
Engineer: David Baker
Produced by Manfred Eicher