Manafonistas

1 – The upcoming festival 

Punkt 2022 (1-3 September): Sidsel Endresen tribute, launch of Punkt Editions label, Avant Joik, Bugge Wesseltoft, David Toop, Nils Petter Molvær, Dai Fujikura, commissioned work by Martin Horntveth and more

Punkt 2022 will take place 1 – 3 September with a return to original venue Teateret, taking over the entire building for a series of concerts and live remixes featuring an exciting and diverse array of artists from the ever expanding Punkt international family.

The festival will open this year with a landmark concert on Thursday 1 September, seeing Punkt celebrate long-time friend and collaborator Sidsel Endresen for a special 70th anniversary tribute concert. Endresen is one of Norway’s most groundbreaking artists and has been hugely influential internationally, with a prolific and diverse career. The evening will feature many of the artists Endresen has worked with and inspired, including Bugge Wesseltoft, Nils Petter Molvær, Jan Bang and Erik Honoré, and more artists to be announced. Also the same evening British polymath David Toop will be joined by Torben Snekkestad and Søren Kjærgaard to perform as a trio for an exciting one-off concert.

Usual suspects like Christoph Giese, Henning Bolte and Michael Engelbrecht will join the event. Any other guys who will go north?

see more here:  https://punktfestival.no

2 – A Sidsel Album Memory – Humcrush w/ Sidsel Endresen: Ha!

Sie grummelt, stöhnt, gibt Laut. Richtige Wörter und Sätze mit Sinn und Syntax nutzt die norwegische Ausnahmesängerin Sidsel Endresen kaum noch. Das hat sie lange genug getan, auf Soloalben, die etwa So I Write heißen, oder wenn sie an der Seite von Bugge Wesseltoft einem Oldie wie Paul Simons 50 Ways to Leave Your Lover das Sentimentale austrieb. Seit Jahren hat sich Sidsel Endresen von der Last des Sinnstiftens, von gepflegtem storytelling gelöst. Ihre Sprachschöpfungen knüpfen an eine Urwelt der Laute an, an wenig erforschte Gesetze von Einkehr und Ekstase. Und so wirken Endresens Eruptionen und Soundforschungen merkwürdig archaisch. Wer weiß, inwieweit sie unbewusst Gesangstechniken übernimmt, die bei fernen Ethnien zu den Ritualen zwischen Leben und Tod zählen!

Jazztugenden from a whisper to a cry realisiert sie allemal mit uralter nordischer Intensität. Die beiden Musiker an ihrer Seite sind das ideale Pendant. Als Humcrush haben der Trommler Thomas Strønen und der Keyboarder Ståle Storløkken schon mehrfach Unverbrauchtes aus der Fusion-Ära (einen Hauch von Joe Zawinul) mit seltsamen Sinnlichkeiten der E-Musik (einer Prise Arne Nordheim) sowie kaum definierbaren Quellen kombiniert, rhythmisch trickreich und sphärisch entrückt. Der elektroakustische Jazz der CD Ha! wirkt wie ein Destillat detailverliebter Studioarbeit, entstand aber, in einer einzigen Stunde wahrer Empfindungen, live in Willisau.

Aus alten Jazzträumen, die sich selbstverliebt im Kreis drehen, wird bei Humcrush w/Sidsel Endresen ungebremster Vorwärtsdrang. Das Unerhörte spielt eine Hauptrolle, und die Sicherheiten des guten Geschmacks helfen nicht weiter. Diese furiosen Unberechenbarkeiten werden zwar niemanden aus dem Diana-Krall-Fanclub überzeugen. Wer aber der Meinung ist, dass es im Jazz beim Singen vielleicht noch um andere Dinge gehen könnte als um gekonntes Wiederkäuen von Nostalgieveranstaltungen in memoriam Ella Fitzgerald im Hochglanzkostüm, wird diese Musik unter der Haut spüren, und sie wird kein Ruhekissen sein. Man kann eben auch mit Lauten jenseits der Sprache richtig spannende Geschichten erzählen.

(M.E. – „Die Zeit“ – in dear memory of Konrad Heidkamp) 

In the days before Punkt 2022 we will design a Sidsel Endresen collage made out of texts written on her sounds & visions since the beginning of this blog. And it all will start with my funny conversation with Sidsel in a local Kristiansand pub about the three best Joni Mitchell albums ever. 

John Scofield hat endlich sein allererstes Soloalbum aufgenommen und uns damit einen Einblick in seine Privatsphäre gewährt, die von wunderbaren Erinnerungen und freundlichen Geistern bevölkert ist. Wie ein am Kamin sitzender Konturist lässt Meister ‚Sco‘ seine treue Ibanez Gitarre singen, nur begleitet von einer diskreten Loop-Maschine. Dieser weise, immer sehr grüne Sechssaiter nimmt uns in dreizehn Stücken mit auf eine Reise durch all die Musik, mit der er aufgewachsen ist und gelebt hat. Er improvisiert anmutig über ‚Coral‘, eine Komposition von Keith Jarrett […] Das Original ‚Honest I Do‘ versetzt uns fließend ins Jahr 1991, in die Zeit einer fruchtbaren Gitarrenpartnerschaft mit Bill Frisell. Seine Version des Standards ‚It Could Happen To You‘ ist voller Swing. […] Um diesen Spaziergang durch seinen geheimen Garten zu beenden, gräbt Scofield tief in Hank Williams‘ wunderschönem Country-Song ‚You Win Again‘. All diese herrlichen Melodien werden von einem Musiker auf dem Höhepunkt seiner Kunst leidenschaftlich interpretiert.

Paul Jaillet, Jazz Magazine

Mit seinem Trio (Vicente Archer / Bill Stewart) spielt John Scofield am 24. Juni im Institut Francais in Berlin, umd am 25. Juni im Domicil in Dortmund)

Das Surreale ist etwas, das mich an Califone stets angezogen hat. Auch die seltsamen Ambivalenzen von Melodienlust und ihrer Art, vertraute Ordnungen aufzulösen. Rob Hughes‘ coole Rezension von „Villagers“ adelt Califones neuesten Streich als Album des Monats Juli. In der Musikzeitschrift „Uncut“. Ich habe mir seinen langen Text vorgenommen und behandle ihn in Califone-Art. Nichts ist sicher. Und alles voller verrückter Drehungen. Das Nüchterne schmeisse ich raus, es bleiben die Stories, die Bilder, die Metaphern. Ich mische mich unaufgefordert ein – und der Lesetext darf nicht länger dauern als dreimal hintereinander „Summer In The City“ von The Lovin’ Spoonful. (Als ich heute auf der Spree Boot fuhr, und aus der Ferne Autohupen unter blauem Himmel vernahm, hatte mich der Ohrwurm des Tages gefunden. „Hot town, danger / Moving along the city you help me / Been looking for a different world / Will you let me know the city girl?“)

Insofern, ähem, könnte es dem Leser der folgenden Zeilen so ergehen wie dem Protagonisten des Songs „Comedy“, der hier in meinem Berliner Hotel gerade in einer Endlosschleife läuft, während ich einen unendlich sanften, zimmerwarmen rubinroten Vermouth mit langem Abgang trinke, Schluck für Schluck. Der Typ aus „Comedy“ kehrt nämlich, wenn ich das richtig verstehe, aus dem Krieg nach Hause zurück, aber alles hat sich verändert, vor allem er selbst – und sein Gedächtnis ist, bingo, unzuverlässig. Das Ich ist eine fragile Grösse in diesen Liedern, und im wahren Leben sowieso, und das Gespür von Meister Tim Rutilli für leichte Beunruhigungen spiegelt sich nicht zuletzt in dem Bild einer „Roxy-Music-Kassette, die in der Sonne des Armaturenbretts stirbt“. Genug der Vorrede.

Vor zwölf Jahren versuchten zwei Indie-Filmemacher, der Welt von Califone mit einer Tournee-Dokumentation einen Sinn zu geben. „Made A Machine By Describing The Landscape“ wurde aus Studiosessions, Interviews und Live-Auftritten zusammengestellt und folgte der Band bei ihren Auftritten an kleineren Orten in Europa und den USA, die in einer trüben Heimkehr im Morgengrauen in Chicago gipfelten.

Es ist ein ziemlich erhellendes Stück Vérité. Schlagzeuger Joe durchforstet eine Müllhalde nach allem, was ein anständiges Geräusch machen könnte; die Band vertreibt sich die Zeit im Van damit, kindliche Kunst zu malen, um sie bei Auftritten zu verkaufen; bei Live-Shows gibt es das wiederholte Hämmern auf ein Klavier, experimentelle Schwarz-Weiß-Filme und Songs, die von selbst zu mutieren scheinen. Wenn man es nicht besser wüsste, könnte man schwören, dass sie sich das alles nur ausgedacht haben, während sie auftraten.

Califone mag zurückhaltend und unkonventionell sein, aber sie haben das Geschäft der unpassenden Sound-Collage in eine erfolgreiche Kunst verwandelt. Califone erreichte einen frühen Höhepunkt mit dem 2003 erschienenen Album Quicksand/Cradlesnakes und dem Folgealbum Heron King Blues, ein Konzeptwerk über einen mythischen Menschenvogel, das sich auf antike Texte, Engel und verrückte Hunde bezieht.

Das köstlich seltsame All My Friends Are Funeral Singers aus dem Jahr 2009 – mit Optigan, Fiddle, Ringmodulatoren und vielem mehr – wurde von einem Film begleitet, den Rutili geschrieben und inszeniert hat und der von der konfliktreichen Beziehung einer Hellseherin zu den sie umgebenden Geistern handelt.

„Ich bin der Autor und Cruise Director eines sich wandelnden Kollektivs von Leuten, die immer zu dieser Sache zurückkehren können oder auch nicht. An diesem Punkt fühlt sich Califone wie ein eigenes Universum an. Nach einer gewissen Zeit der Abwesenheit zu dieser Musik zurückzukehren, fühlt sich immer wie eine Heimkehr an.“ Das mag erklären, warum sich „Villagers“ mit Visionen von Zugehörigkeit beschäftigt. Die Texte des Albums sind nicht weniger schräg, als wir es im Laufe der Jahre erwartet haben, aber in der dichten, gebrochenen Bildsprache liegt die Idee der Suche nach Heimat, sei es eine reale oder imaginäre.

Die Ergebnisse sind beruhigend schräg und fabelhaft einfallsreich. Nur sehr wenig hält sich an das übliche Design. „The Habsburg Jaw“ rattert auf einem Schrottplatz aus Gitarre, Bass und Schlagzeug vor sich hin, bevor es von einem Sperrfeuer von schriller Klarinette, Saxophon und disharmonischer Elektronik überrollt wird.

Das erhabene „McMansions“ beginnt mit einem sanften Akustikmotiv und dem schläfrigen Understatement von Rutilis Stimme, nur um dann von Gitarrenkonvulsionen, atonalen Streichern und etwas, das wie ein knarrender Kleiderschrank klingt, der sich über alte Dielen bewegt, abgelöst zu werden.

Nachdem „Skunkish“ als langsame Prozession begonnen hat, um sich dann um ein drängendes Klavier herum zu erheben, fühlt es sich an, als würde es sich auf halbem Weg selbst dekonstruieren wollen. Ein Sample von Arthur Conan Doyle, aufgenommen während seiner Spiritualismus-Phase, ergänzt das Thema einer manipulierten Séance, bei der alles schief läuft. Aber der Song weigert sich, auseinanderzufallen, zusammengehalten von einem vage sumpfigen Funk-Groove, mit sanftem Hintergrundgesang.

Dieses Element ist der Grund, warum Califone so erfolgreich sind. In ihrem Kern besitzen Rutilis Songs eine melodische Wärme und ein angeborenes Rhythmusgefühl, das sie unendlich einladend macht. Und obwohl er seine Leidenschaft für Avantgarde-Noise und vorgefundene Klänge weiter pflegt, ist er im Wesentlichen ein Pop-Songwriter, der weiß, wie man einen guten Hook findet. „Ox-Eye“ ist ähnlich, wie Dionne Warwicks „Walk On By“, das von Krämpfen heimgesucht wird und sich in punkigem Fuzz und blökenden Bläsern auflöst. Beefheart trifft Bacharach. 

Rutilis Vorstellungen von Heimat, insbesondere als Ort der Zuflucht, kommen vielleicht am besten in „Halloween“ zum Ausdruck. Es ist teilweise autobiografisch, wenn auch aus der Perspektive eines alternden Gothic-Paares erzählt. Er und seine Frau, die Schauspielerin Angela Bettis, sind seit kurzem auf der Suche nach einem Haus, das sie kaufen und als ihr eigenes abstecken können, was zu den folgenden Zeilen führt: „Wenn wir dort sind, wo wir sind, weißt du, dass die Halloween-Dekoration nie abgenommen wird„. An anderer Stelle werden Kindheitserinnerungen („McMansions“), wechselnde Zeitvorstellungen („Sweetly“) und eine unbehagliche, selbsttäuschende Art von Nostalgie beschworen.

Rutilis gewohnte Ausflüge ins Surreale sind ebenfalls sehr präsent. „Der Habsburger Kiefer“ folgt einer phantasievollen Begegnung mit König Karl II. von Spanien, dem Besitzer der längsten Gesichtsdeformität des Hauses Habsburg, dem entsetzlichen Ergebnis jahrhundertelanger königlicher Inzucht. „Trinkt auf das Geld der Familie, die Chemtrails und die heiligen Grale„, singt Rutili zwischen Entsetzen und Absurdität, „das Licht auf deinem Habsburger Kiefer, der Beweis, dass du dazugehörst“.

In ähnlicher Weise sind es die scheinbar gegensätzlichen Kräfte in der Musik von Califone, die sie so einprägsam machen. Wie die späten Talk Talk, Jim O’Rourke’s Drag City Records oder Low gedeihen Rutili und seine Band im Grenzbereich zwischen zugänglichem Rock und rigoroser Erforschung. Das Cover des Albums ist bezeichnend: ein Haufen disparater, alter Schrott, der sich irgendwie zu einem Ganzen zusammenfügt. Das Bemerkenswerte an diesem Album ist, dass es das auf so spektakuläre Weise schafft.

 

Steven Bernstein (slide trumpet), Briggan Krauss (alto/baritone saxophones, guitar),Tony Scherr (upright/electric bass, guitar), Kenny Wollesen (acoustic/electric drums) Scotty Hard (upright bass, electronic beats and soundscapes, synth bass) Special Guests: John Medeski (Hammond organ, Mellotron), Vijay Iyer (piano), DJ Olive (turntables, synths, sonics)

Hallo in die Runde, sagt Uta Bretsch! Kurz vor dem Wochenende noch diese Nachricht: „Another life in the bush of ghosts. Wieder und wieder traut man seinen Ohren nicht, und kann nicht anders – da in Momenten der Ergriffenheit die Sprache einfach wird, fast schon Halt sucht in einfachsten Wortreflexen – als diese Musik von Caroline Chaspoul und Eduardo Henriquez ‚unheimlich schön‘ zu nennen, unheimlich und schön. Ich gebe dem Album fünf Sterne“schrieb Michael Engelbrecht auf Manafonistas über Nova Materias experimentelles Ambientalbum Xpujil, Jazz thing fand „[v]ertüftelte Sounds zu einer mystischen Klangreise zu verweben, ist die Stärke von Eduardo Henriquez und Caroline Chaspoul“ und Bad Alchemy konstatierte: „Eine feierliche Aura, wie von der Tiefe der Zeit gedehnt, wie in einer Seance mit Jorge Reyes. Dunkle Drones treiben im Traumstoff, durch den der Wind fährt. Wasser gluckst, Metall zittert, der Dschungel kommt nicht zur Ruhe, schon gar nicht in der Nacht.“

Im Sommer letzten Jahres veröffentlichte das chilenisch-französische Duo innerhalb der Made To Measure-Reihe von Crammed Discs das Album, eine vierzigminütige Klangreise durch eine organische und sich verändernde Welt, bei der die Grenzen zwischen Musik, Feldaufnahmen und psychoakustischer Trance verschwimmen. Das zugrundeliegende Material war auf einer Wanderreise im mexikanischen Dschungel entstanden.

Nach der Veröffentlichung baten Caroline Chaspoul und Eduardo Henriquez alias Nova Materia drei bekannte Klangkünstler*innen, Tracks aus dem reichhaltigen Material des Albums zu kreieren:

Donato Dozzy: italienischer Meister des experimentellen Ambient-Sounds mit einer magischen, 18-minütigen Exkursion in die surreal wirkende Welt des Xpujil-Dschungels Lucrecia Dalt: hoch angesehene kolumbianische Avantgardemusikerin, die Affinität zum Geheimnisvollen, der Lyrik, dem Geschichtenerzählen und Feldaufnahmen hat, was sich in ihrem äußerst präzisen Ansatz an das Stück zeigt. Low Jack: Der Franzose Philippe Hallais ist vor allem als Künstler in der elektronischen Musik bekannt. Er ist in Honduras geboren und hat in seinen Garifuna Variations an ethnographischen Aufnahmen gearbeitet, so dass die Anfrage, ob er am Album mitwirken würde, ganz natürlich schien.

Neben diesen drei Stücken ist das ursprüngliche Album von Catherine und Eduardo für das am 24. Juni erscheinende XPUJIL Revisited überarbeitet worden. Der 40-minütige durchlaufende Track ist nun in vier eigenständige Segmente unterteilt, um ein anderes Hörerlebnis zu ermöglichen.

„In Werner Herzog’s „Grizzly Man“ kommt vieles von dem, was Richard Thompson gelernt und geschaffen hat, mit einer Art von wettergegerbter Leichtigkeit zur Geltung. Manchmal fühlt es sich fast wie ein Western-Soundtrack an, in dem die Musik dieser Inseln auf den weiten nordamerikanischen Himmel trifft. Bei all seinen akribischen Notizen und Erkundungen hat Thompson ein überragendes Gespür für den Raum und weiß, was er weglassen und was er einfügen kann. Die Musik evoziert nicht nur die Landschaft, sondern auch die Psyche des Protagonisten, einen trügerisch sanften Fluss an der Oberfläche, hinter dem sich Strömungen, Strudel und Trümmer verbergen, die die Oberfläche immer wieder überschatten. Es herrscht ein heimeliges Gefühl, das durch plötzliche, schrille Überschreitungen unterbrochen wird. Obwohl sein Gitarrenstil ganz und gar sein eigener ist, ist er nicht weit von der Atmosphäre von Ry Cooders „Paris, Texas“ oder Neil Youngs „Dead Man“ entfernt. Indem er zu einer Filmvorführung improvisiert, ob absichtlich oder nicht, verkörpert Thompson die einzige wirksame Reaktion, die wir auf die Natur haben können, nämlich einfach mit der gebotenen Sorgfalt und dem nötigen Respekt auf sie zu reagieren, da wir sonst Gefahr laufen, individuell oder kollektiv vernichtet zu werden, sei es durch Bärenangriffe oder den Klimawandel.“

(Darren Anderson,  TheQuietus)

Although I knew Jonathon Richman and the Modern Lovers through Roadrunner, Ice Cream Man and Egyptian Reggae, which I heard around the time of the first punk explosion, for some reason I never really listened to him very closely until about three or four days ago, which is quite a long time to allow such a great treasure to escape from your life … I can’t even remember the chain of aleatoric thoughts that lead me to him again, but I find myself becoming ever more captivated by his enchanting music.

What I find so great about him is that unlike a band like Coldplay and countless others who need to express BIG emotions and big sounds, which ultimately end up feeling limited and constrained  because of the scale of their ambition, Jonathon Richman’s music is small and homespun in its sound and in its lyrical interest and yet manages to seem limitless in the possibilities it suggests of its possible meaning and its spiritual yearning.

Whether he is writing about being a mosquito or about honey bees or parachute jumpers, whether about the joys of driving along a New England freeway or dancing in a lesbian bar; however small or parochial the nature of his concerns, the expansive nature of the joy that the lyrics give rise to in the listener and the vibrancy and ebullience of the music are such that any one of his songs could charge you with sufficient energy to single-handed build a pyramid, fight a Roman legion (assuming there was one in the vicinity of the pyramid) and still have room to counter the next wave of misery that is an inherent part of the human condition, but which he manages to somehow dissipate through his songwriting.

Although there are so many of his songs that are great, I particularly love ‚Twilight in Boston‚ because it expresses the joy of the mundane – of the prosaic, with precisely the deftness of touch that avoids slipping into the mawkish (of course, this is subjective). It happens to refer to Boston, but this could be an experience that anyone could have, anywhere in the world – at any time. It’s sung with that gleeful sense that enjoyment comes from the here and now, from the smallness of things, which at the same time are connected to something greater.

(bob. t. bright, 2013)

imagine a summer campfire feel, all
along tracks of purity and wit, and a hat
for bo. now imagine these songs being
even more naked than you thought they
were in their salad days, rocking
in quite nonchalant ways. as
a last step, imagine a room with
a flower, a shadow of the disappeared,
and strum simple, strum, strum – the guitar.

(m.e.)

Und plötzlich stockt der Fluss der Zeit. Als sein Vater einen Herzinfarkt erlitten hatte, stolperte Morby über ein altes Foto des Patriarchen (der sich glücklicherweise erholte) in seiner Blütezeit: Brust raus, oben ohne und – wie der begnadete Texter in dem stampfenden Wirbel des Titeltracks erinnert – „bereit, es mit der Welt aufzunehmen“ (natürlich singt er dies in nicht ganz Kentuckyfreiem Amerikanischen Englisch). Später im Song blättert Morby zu einem anderen Familienfoto, das seine „Mutter im Rock / Im kühlen Staub von Kentucky / Lachend im Garten“ zeigt, und spekuliert, dass „der Schimmer in ihren Augen“ … zu sagen scheint: „Das ist es, was ich am Leben vermissen werde’“

Kevin Morby wäre in den Siebziger Jahren wohl einer der grossen Stars des Amerikanischen Songwriting geworden, aber, nun denn, als Nachgeborener, lernte er seine Lektionen von Dylan, Reed, Cohen und Co. – die facttenreiche und fulminante und mitunter sanft taumelnde Klangwucht ist nie verdächtig, in falschen Pathos zu versinken, zu sehr geistern diverse gelebte Leben durch sein Werk. „Vorsicht, zerbrechlich“: das Prädikat scheint jedem dieser Songs anzuhaften. Und man muss auch nicht immer die Einflüsse aufführen. „This Is A Photograph“ ist ein echer Morby.

Die Zeit, so erinnert uns Morby, ist „der unbesiegte, der Schwergewichts-Champion“, also nehmt alles hin. „Bittersweet, TN“, ein Duett mit Erin Rae, bringt es auf den Punkt, wenn er singt: „The living took forever, but the dying went quick.“ Mit Eric Johnsons Banjo allein wäre der Song ein sanfter Folk-Klassiker; als die Streicher einsetzen, wird er zu etwas Besonderem. Am Ende des Albums, in „Goodbye to Goodtimes“, besucht Morby noch einmal die Stadt namens Bittersweet und reduziert den Sound auf seine Gitarre und Sam Cohens Lap Steel und Tamburin. Er blickt auf ein weiteres Foto, „ein Fenster zur Vergangenheit“, und versucht, etwas festzuhalten, von dem er weiß, dass es ihm immer wieder entgleiten wird. (m.e.)

Ergänzung: Hier gibt es eine hörenswerte Folge des Podcasts „Song Exploder“ mit Kevin Morby, in der er einen persönlichen Einblick in Hintergründe und Entstehungsprozess des Titelstücks gibt.  (i.j.b)

„Recurring themes throughout Cruel Country include love, death, fear, death, regret, death, forgiveness, death, languor and, you guessed it, death.“

(Ben Salmon)

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