Manafonistas

Die Jury hat getagt – hier die Ergebnisse der Top25-Jahresbestenliste 2022 der Dependence Berlin.

Es gab keinen klaren, herausstechenden Favoriten in den oberen Rängen, vielleicht muss man sogar sagen: keine eindeutige Nummer 1 unter den ersten zehn.

1. 1. 1. Werner Herzog: Jeder für sich und Gott gegen alle
      2. Mattiel: Georgia Gothic
      3. Franck Vigroux: Atotal
      4. Wolfert Brederode: Ruins and Remains
      5. Kevin Morby: This Is A Photograph
      6. Die Nerven: [Ohne Titel]
      7. Beyoncé: Renaissance
      8. Paul Giger: ars moriendi
      9. Rosalía: Motomami
      10. Big Thief: Dragon New Warm Mountain I Believe In You
      11. Kotra: Radness Methods
      12. Franck Vigroux: Magnetoscope
      13. Mark Turner: Return From The Stars
      14. Moor Mother: Jazz Codes
      15. DeepChord: Functional Designs
      16. Katarina Gryvul: Tysha
      17. King Hannah: I’m Not Sorry, I Was Just Being Me
      18. Björk: Fossora
      19. Alabaster de Plume: Gold
      20. Spiritualized: Everything Was Beautiful
      21. Little Simz: No Thank You
      22. Shygirl: Nymph
      23. Sharon van Etten: We’ve Been Going About This All Wrong
      24. Delay/Aarset: Singles
      25. The Smile: A Light for Attracting Attention

„honorary mentions“ bekommen: Damien Jurado für seine wunderbaren Einfälle auf seinem gefühlt 37. Album Reggae Film Star, da mich diese Songs mit ihren vielen passenden Textbezügen auf Autofahrten durch die Vereinigten Staaten begleitet haben (ebenso wie u.a. die bislang drei Alben von Mattiel), Poles neues Album Tempus, das ich bislang nur live gehört habe (wo die Stücke aber sehr überzeugt haben), Loraine James‘ weitgehend ambient-mäßiges drittes Album Whatever the Weather, da die Liveshow der die elektronische Tanz-Musik neu aufrollenden Londonerin sehr packend war – und nicht zuletzt drei bereits 2021 erschienene Alben, die mir erst in diesem Jahr zu Ohren kamen: Park Jihas minimalistische Stücke auf traditionellen koreanischen Instrumenten unter dem Titel The Gleam (ebenfalls ihr drittes Album), Ben LaMar Gays Open Arms to Open Us, (fantastische Live-Performance beim Jazzfest Berlin) und die radikale Duette-Sammlung Oh No von Xiu Xiu (seit bereits 20 Jahren eine Band, die nach wie vor mit kompromisslosen, mutigen Songs zu überraschen weiß). Den Rest lasse ich fürs erste unkommentiert stehen; mir gefällt es, wie diese bunte Mischung genreübergreifend nebeneinander steht. Aufgefallen ist mir erst jetzt, dass ich 2022 kein einziges Album der Labels Hubro und Intakt erworben (= gehört) habe; eine Lücke, die ich Anfang 2023 mit ein paar Neueinkäufen schließen sollte.

It made me very happy to be was asked if I would like to / was able to be present at another ECM production at the Sendesaal in Bremen to record video and take photos, as I had not expected to hear from ECM again at that time. Apparently, that was because my documentary at Sendesaal during the recordings of Erkki-Sven Tüür’s chamber music album, Lost Prayers, – one that I had mostly talked about with the composer himself a while before the recording date was scheduled – had been received well.

I wasn’t present during the first day of recording (even though I would have liked to, as I always do when I am filming album recordings), and when I came in for the second day, they seemed to have recorded everything they had planned for the album already. Fortunately, though, the recordings continued for another two days, and so they started working in a more open way, encouraged by Manfred Eicher to improvise more freely, play some free improvisations, and to move further away from the scores. 

In the end, when I received the finished album and went through my footage, I noticed that, to my surprise, most of the selected tracks were from the second and third recording days. Of course that was really helpful for me to sync the finished music with my video footage. It would have been very tedious to edit a nice documentary about an album recording if the album had been compiled only from music from the day I was not present to document.

I have been present during a few album recordings with Manfred Eicher, and, even though they were all very different from each other, they were all very inspired sessions — and also very inspiring to me, even though I am not able to play any instrument myself (unless one considers the camera an instrument, as I tend to do). What was very different this time around, though, was that Manfred Eicher was present right next to the musicians all the time, while his assistant was doing all the organising work in the background and was up there with the engineer, Stefano Amerio – whom I was very pleased to meet, finally, after I have spent some time in studios with some of the other regular ECM engineers, Jan Erik Kongshaug, Martin Wieland, Gérard de Haro, and even the great Audun Strype, who unfortunately did not record as many albums f0r ECM, even though I feel it would have been terrific if he did. 

Wolfert also told me that it had been the most relaxed and inspired recording he had experienced with Manfred Eicher to date, and he also said that this was due to the circumstances mentioned above. Manfred Eicher was in a good mood and I felt that he had a very positive influence on the musicians and their performance, even his rare critical remarks were conveyed and welcomed with a sense of humor.

As with my previous short documentaries for ECM, it was gratifying to be very free to shape the final clip as I saw most fit; and I wasn’t pressured into any creative decisions I was uncomfortable with. I would love to do more similar short documentaries about album productions, even if I wouldn’t get paid to do those. It’s just always very rewarding and a great, invaluable inspiration.

However, unfortunately –even though I feel I shot a bunch of genuinely accomplished photographs I was quite happy with– none of them were used for the album. These photographs bear further witness to how close Manfred Eicher’s collaboration with the musicians on this album actually was. A large number of musicians I have spoken to in recent years like to point out that, for them, Manfred Eicher is always an equal to one of the musicians playing on an album recording, like the „third man“ on a duo recording (remember that album, The Third Man, by Enrico Rava and Stefano Bollani – and its telling cover image?) or the fourth member of a trio etc. I would have loved to see those photos be part of the finished album. Regardless, Ruins and Remains is a great album, and I sincerely hope it will be recognised as such by many listeners interested in music that is truly unique, falling somewhere between jazz and chamber music.

Here’s the short documentary about the Ruins and Remains recording.

Bei ECM sind in diesem Sommer und Herbst nicht wenige ungewöhnliche Neuveröffentlichungen im Angebot, darunter freilich auch neue Alben und Projekte von einigen zuverlässig erstklassigen Komponisten und Interpret(inn)en, die seit langem zum kreativen Stamm des Labels gehören – wie etwa die neuen, sehr zeitgemäßen Werke von Heiner Goebbels (A House of Call) oder Valentin Silvestrov (Maidan) sowie Carolin Widmanns neues, famos zusammengestellte Solo-CD L’Aurore. Gerade habe ich ein paar der Frühjahr-Erscheinungen nachgekauft; die Suiten Return from the Stars (Mark Tuner Quartet) und Naked Truth (Avishai Cohen Quartet) kommen als Vinyl-Ausgaben ganz besonders schön – erstere 65 ausladend spannende Minuten, letztere sehr dichte 35 Minuten, die sich nicht sofort erschließen; und auch die LP-Hüllen mit den Fotografien von Thomas Wunsch und Juan Hitters gefallen mir in dieser Größe besonders gut.

Das alle anderen in den Schatten stellende Werk ist allerdings  Paul Gigers ars moriendi. Was für eine Platte! Gigers (wenige) bisherige ECM-Alben kann man ohnehin durchweg nicht hoch genug schätzen – jedes öffnet eine eigenes (Klang-)Welt; ars moriendi scheint mir vieles davon wieder aufzugreifen, kompositorische Spuren, Einflüsse aus anderen kulturellen und musikalischen Universen, Streichensembles, Gesang, seine Liebe für Bach, die Einladung in die Stille (Towards Silence) und zur inneren Einkehr – oder Meditation durch Musik, aber auch Berührungspunkte mit dem Tod, mit der Natur, mit anderen Künsten.

Der Großteil des Albums wurde bereits 2015 aufgenommen, erschien erst jetzt, anlässlich Gigers 70. Geburtstag im August 2022. Allein das eröffnende, 19 Minuten lange  „Guggisberglied“, das Giger alleine auf der Violino d’amore aufgenommen und aus mehreren Schichten bzw. Einzelstimmen zusammensetzt, ist den Preis der CD wert. Schön auch die Fotos im Beiheft, sowie zwei Gemälde des Tiroler Malers Giovanni Segantini, von denen eines sehr der verschneiten Landschaft ähnelt, die ich Anfang Februar 2019 hoch oben in den Schweizer Bergen angetroffen habe, als ich Paul Giger und Marie-Louise Dähler auf 1000 Meter Höhe für dieses Interview/Portrait besuchte. Und wenn ich schon dabei bin: Hier auch noch ein Link zu meinem Interview/Portrait mit dem Fotografen Jan Kricke; es freut mich, dass Manfred Eicher ein tolles Foto von ihm für diese CD ausgewählt hat; Jan schickte mir im Juli erfreut einen Link dazu, als er den Hinweis auf die CD bei Amazon entdeckte.

Ob ars moriendi („Die Kunst des Sterbens“) Gigers bestes Album ist…? Schwer zu sagen – bei der „Konkurrenz“. Auf jeden Fall ist es – neben Ruins and Remains – mein ECM-Highlight in diesem Jahr. Und hat seinen Platz in meiner „Top 10“ sicher.  Und was für ein unbeschreiblicher, fantastischer Klang!

(Christian) Fennesz war für ein recht kleines „Clubkonzert“ zu Gast in Neukölln, und ich nutzte die Gelegenheit, ein paar Fotos zu machen und ein paar Worte zu wechseln. Fenneszs Soloalben sind eh allesamt hervorragend und empfehlenswert, daher so als Hörempfehlungen ein paar meiner Favoriten, die Christian in Kollaboration mit anderen gemacht hat und die sicher nicht jeder auf dem Schirm hat:

Einen ganz großartigen Remix lieferte er 2004 für das Duo Junior Boys [nicht zu verwechseln mit den Pet Shop Boys, wenngleich eine gewisse musikalische Verwandtschaft z.T. nicht von der Hand zu weisen ist] für ihren ohnehin schönen Song Last Exit – ich liebe diese radikal umgewandelte Version sehr. Einen kaum weniger tollen, aber nicht ganz so kraftvollen Remix  durfte er drei Jahre später für das „Year Zero Remixed“-Album Y34RZ3R0R3M1X3D von Nine Inch Nails beisteuern: In This Twilight. Außerdem hier noch der Link zu X-Ray Heartland (Fenneszs Remix), aus der Zeit von Soap&Skins erstem Album Lovetune for Vacuum (2009), bei dem Fennesz beim Song The Sun mitwirkt.

Einen starken Gastauftritt hat Fennesz auf David Sylvians ansonsten extrem radikal-minimalistischen, spröden Album Blemish (2003), bei dem, wenn ich mich recht erinnere, neben Sylvians Stimme nur Gitarre (Derek Bailey) zu hören ist. Den im Verhältnis zum übrigen Album geradezu warmen Abschluss bildet A Fire in the Forest im Duo mit Christian Fennesz. Ein Jahr später gastierte Sylvian im Gegenzug auf Fenneszs Soloalbum Venice (ohnehin ein 5-Sterne-Album, für mich vielleicht sein bestes, ggf. neben Bécs – nicht zufällig haben die beiden Alben wohl den gleichen Titel, nur in unterschiedlichen Sprachen) auf dem Song Transit. Apropos Sylvian, natürlich soll auf diesem Blog nicht außer acht gelassen werden, dass Christian Fennesz auch auf dem Album Manafon, nach wie vor ein einzigartiges Album (gerade auch in Kombination mit Died in the Wool – Manafon Variations), einer der wichtigen (durchgehenden) Mitwirkenden ist.

Drei Mal war Christian Fennesz bislang bei ECM vertreten, auf den drei letzten Alben von Food (mittlerweile im Wesentlichen ein Duo mit Gästen, Thomas Strønen und Iain Ballamy luden zuletzt EIvind Aarset, Nils Petter Molvær, Prakash Sontakke und eben Fennesz ein). Beim gestrigen Wiederhören merkte ich, dass mich die ersten beiden der drei – Quiet Inlet (2010) und Mercurial Balm (2012) – überraschend distanziert ließen. Das bislang letzte Food-Album This is not a Miracle (2015) erscheint mir hingegen mittlerweile als das stärkste und überzeugendste, vielleicht auch weil es als Quasi-Trio-Album am ehesten eine durchgehende Linie hat und Christian Fennesz präsenter ist. Vor allem in der zweiten Hälfte sind doch einige sehr bestechende Stücke.

Und noch eine albumlange Zusammenarbeit, die hier vermutlich kaum eine/r auf dem Schirm hat: Edition 1, ein einstündiges Album von King Midas Sound & Fennesz. King Midas Sound ist eines von zahlreichen dub-inspirierten Projekten des ebenfalls von mir sehr geschätzten Kevin Martin (sonst auch bekannt als „The Bug“, mit vielen sehr, sehr guten CDs), mit den beiden Stimmen von Roger Robinson und Kiki Hitomi. Edition 1 erschien 2015 als Doppel-CD, auf der ersten mit Gesang, auf der zweiten als Instrumental-Album, weitgehend sehr Ambient. Beide CDs sind auch für sich genommen hörenswert, wobei anzumerken ist, dass auf der ersten Scheibe ohnehin ein sehr langes Instrumentalstück ist. Als Anspieltipp hier We walk together.

Fenneszs letztes Soloalbum Agora erschien 2019; viele auf diesem Blog schätzen es. Es bleibt spannend zu sehen bzw. hören, welche Wege er zukünftig einschlägt. Im Februar wirkte er in Paris bei einem Jazz-Ensembleprojekt von Sylvie Courvoisier mit; ich wäre fast dabei gewesen. Eigentlich hatte Wadada Leo Smith dabei sein sollen, doch der musste kurzfristig die Reise nach Paris absagen und wurde von Nate Wooley vertreten. Im November soll das Werk dann – nach einem Konzert in Brooklyn – mit beiden Trompetern, Fennesz und Sylvies Trio im Studio eingespielt werden. Diese Woche wird Fennesz in Mailand an zwei Abenden mit Enrico Rava(!!) und jeweils einem anderen Perkussionisten auftreten. Ich hoffe, dass wir davon auch irgendwann etwas zu Gehör bekommen werden.

Ich nutzte die gestrige Gelegenheit auch, endlich mal zu fragen, ob es jemals Pläne für ein Fennesz-Album bei ECM gab. ich bin sicher nicht der einzige, der ein solches gerne hören würde. Und tatsächlich, ja, es gab vor Jahren Gespräche mit Manfred Eicher, aber dann wurde nicht mehr draus. Es blieb bei der Interessenserklärung. Christian meinte, er wisse zwar nicht, ob er überhaupt so gern mit einem Produzenten arbeiten wolle, und er sei mit seinem Label (Touch) ohnehin sehr zufrieden, aber natürlich würde er ein ECM-Album nicht grundsätzlich ausschließen.

Nach fünf Jahren endlich was Neues von Björk. Für die Aufnahmen bzw. für die Entstehungszeit ist sie für ein paar Jahre nach Island zurückgegangen, hat diesmal auch wieder isländische überlieferte Songs einfließen lassen. Aber schon allein die Vielfalt der teils fragilen, teils harschen Arrangements und die radikale Kombination von musikalischen Ideen ist wunderbar wie eh und je. Ein großes, Fantasie anregendes, in unzähligen Farbtönen schillerndes Album, das sicherlich auch Liebhaber von Kate Bushs Œuvre begeistern dürfte.

Videolink: Björk on Mushrooms and the Meaning Behind Her New Album Fossora

„On this soul-nourishing tour de force, her one-of-a-kind mix of innovation and emotion is as inspiring as it’s ever been over her decades-long career.“ – Heather Phares

„Der Tanz mit einem Björk-Song mag fordernd sein, doch die Belohnung fällt unter die größtmöglichen, überwältigendsten Sinneserfahrungen, die Musik überhaupt leisten kann. Als wäre man eins mit der feuchten Erde unter den Füßen und würde das zerebrale Netzwerk der Natur zu vibrieren beginnen.“  – Marvin Tyczkowski

On top of all this, after Steve Tibbetts has suggested to me several times that I have to meet and talk to Hans Wendl, one of the earliest people that worked for ECM (from when he was just 16 years old, in 1969, until 1985), I drove from the Mexican border to Californian wine region Sonoma via Bishop, CA, where Hans has moved a few years ago — after having lived in Berkeley since his departure from ECM. We sat down in his backyard and he shared all kinds of amazing insights, until three in the morning — among other things that he was driving the band on Oregon’s first European tour in 1974 — and obviously, everyone was quite moved by remembering those early years. Glen even brought me a recent recording of Oregon’s 1974 concert in Bremen, a tape they had kept in the vault for almost 50 years, recorded in the Sendesaal, where I just filmed and took photos of two very ECM recordings. According to Glen, this is the band at their best, and like everyone else he spoke about those years with Collin Walcott only with the nicest words. (Photo of Inyo Mountains, where Hans Wendl lives, and from a hike at the Sonoma coast with Brian Whistler, below. Do yourself a favour, and click on it.)

Vor 11 oder 12 Jahren bei der Arbeit an meinem Dokumentarfilm über Maja S. K. Ratkje hatte ich den Plan, anstelle eines konventionellen Protagonistinnen-Interviews für ein klassisches Dokumentarfilm-Voice-Over bzw. für die üblichen „Talking Head“-Zwischenschnitte durch den Film hindurch lieber ein persönliches Gespräch mit einer Musikerin oder Künstlerin aus einer anderen Generation in die Wege zu leiten, das uns dann Material für interessante und vor allem eher szenische bzw. filmische Momente anstelle reiner Informationsvermittlung geben würde. Ich schlug Maja eine norwegische Musikerin vor, die mir spannend genug als Gesprächspartnerin für einen Austausch auch zwischen Generationen und künstlerisch-musikalischen Herangehensweisen schien. Wir sprachen über diesen Ansatz, aber Maja fand meine Wahl nicht so ideal und schlug stattdessen Sidsel Endresen vor – eine Musikerin, die ebenfalls die Stimme als ihr erstes Instrument hat und die eine Generation älter ist. Auch bestünde seit langem eine Freundschaft und ein großer gegenseitiger Respekt zwischen ihnen, meinte sie.

Der Vorschlag fiel bei mir auf fruchtbaren Boden, waren doch mehrere Alben von und mit Sidsel Endresen wesentlich mit daran beteiligt gewesen, dass ich einst die für Innovationen offene norwegische Musikwelt lieben lernte. Undertow und In There. Out Here. zählen bis heute zu meinen ca. 20 bis 25 Lieblingsalben überhaupt. Sehr wenige Songwritingalben vermochten mich über viele Jahre hinweg so sehr zu fesseln. 

Leider kam es damals nicht zu dieser Zusammenarbeit, was, wenn ich mich recht erinnere, im Wesentlichen damit zu tun hatte, dass Sidsels Telefon oder Mac irgendwelche Probleme hatte und wir sie nicht erreichten bzw. längere Zeit keine Antwort von ihr erhielten. So jedenfalls ihre sehr herzliche Entschuldigung, nachdem wir den Drehtag dann mit Rolf-Erik Nystrøm durchführten. (Was auch super war, vor allem spannend für mich, ein zweistündiges Gespräch zwischen befreundeten Musiker/innen auf norwegisch zu inszenieren, obwohl ich kaum mehr als einzelne Worte verstand. Nach langer Schnittarbeit bliebe allerdings letzten Endes nichts aus dieser Szene / aus diesem Gespräch im fertigen Film.) Viele Jahre behielt ich Sidsels SMS auf meinem Händi, und wir tauschten später auch ein paar E-Mails, da ich mein Interesse bekräftigte, irgendwann einmal etwas mit der Kamera mit ihr zu machen oder sie vielleicht doch noch in dem Film unterzubringen.

Über die Jahre sah ich sie natürlich hin und wieder bei PUNKT in Kristiansand, stand auch bei einem Konzert direkt neben ihr im Publikum, verpasste dann aber den Augenblick, mit ihr ins Gespräch zu kommen. (Während eines Konzerts schien mir das nicht der richtige Moment.) Ein paar Jahre später, als ich die 50-teilige ECM-Kurzfilmreihe anging, war natürlich klar, dass ich sie dabei haben wollte. Ich organisierte ein gemeinsames Gespräch zwischen ihr und den beiden Musikerinnen Vilde und Inga, die Studentinnen von ihr an der Musikhochschule in Oslo gewesen waren. (Sidsel hatte wohl dafür gesorgt, dass Vilde&Ingas selbst aufgenommenes erstes Album Makrofauna bei ECM veröffentlicht wurde.) Ich bereite dieses Gespräch mit den Beteiligten gut vor, und wir hatten, zwischen anderen Arbeitstagen mit Vilde und Inga während der Aufnahmen zu ihrem dritten Album, dessen Produktion ich mit der Kamera begleitete, einen Drehtag in Sidsels Büro in der Musikhochschule angesetzt. (Bei ihr zu Hause sei ihr privater Raum, da sei es absolut tabu zu filmen, erläuterte sie.) Doch dann schrieb sie mir spät in der Nacht vor dem Drehtermin, dass sie nicht ganz gesund sei und zu ihrem großen Bedauern leider doch absagen müsse.

Dann hatte ich fast ein Jahr später, im Rahmen eines weiteren Besuchs in Oslo, wieder einen neuen Termin mit ihr angesetzt, Mitte März 2020, um dieses ECM-Interview mit ihr alleine zu führen, wieder im Hochschulbüro. Dann wurde, corona-begründet, just am Vormittag meiner geplanten Grenzüberfahrt, von Schweden kommend, die norwegische Grenze für alle Nicht-Landesbürger geschlossen. (Ich hatte abends zuvor im Hotel bei Göteborg noch überlegt, ob ich sicherheitshalber schon um 6 Uhr weiterfahren sollte, damit ich noch vor der möglichen Grenzschließung um 9 oder 10 Uhr am Vormittag ins Land komme… aber letzten Endes stand ich dann um ca. 11 Uhr vor verschlossenen Grenztoren.)

Wir mussten unser Interview also ein weiteres Mal vertagen. Im Sommer besuchte ich Django Bates für ein ECM-Interview in Bern; dabei sprach er voller Bewunderung über die Zusammenarbeit mit Sidsel bei den beiden ECM-Alben, darüber, wie sehr ihn die Arbeit mit den leisen Norwegern damals geprägt habe und dass er seit langem gerne noch einmal ein Duoalbum mit ihr aufnehmen würde. Norwegen öffnete die Grenzen wieder im August, und dann ließ sich endlich der Gesprächstermin mit Sidsel in Oslo einrichten. Da sie aus Angst vor Corona alle Begegnungen in Innenräumen und auch die Musikhochschule konsequent mied, konnten wir uns sogar in ihrem Garten treffen – mit gebührendem Sicherheitsabstand. Es war eine überaus inspirierte und inspirierende Begegnung, die in mir noch lange nachwirkte. Offener als nahezu alle anderen Musiker/innen, die ich getroffen habe, erzählte sie von der Zusammenarbeit mit Manfred Eicher und ordnete ihr eigenes Lebenswerk zumeist sehr selbstkritisch ein; gerade mal ein oder zwei ihrer Alben ließ sie als rundum gelungen stehen, was sie als mit Ausschlag gebend dafür nannte, dass sie nur noch sehr selten ins Studio gehe (wenn überhaupt) oder CDs veröffentliche. Ein Duoalbum mit Django Bates könne sie sich allerdings sehr gut vorstellen. Ich hoffe, dass – sollte es dazu kommen – die beiden an mich denken und mich als Fotografen bei der Aufnahme genehmigen. Das editierte Gespräch aus dem August 2020 in Sidsels Garten ist (mit einem Gastauftritt von Django Bates) nach wie vor HIER zu sehen.

In Texas ist bekanntlich alles größer als anderswo; so prahlt diese kleine Stadt hier mit der weltgrößten Erdnuss am Ortseingang. Im Fernsehen, hier im Motel dieser abgelegenen Kleinstadt, deren Namen der bzw. die geneigte Leser/in innerhalb von drei Minuten eh wieder vergessen würde, lief eben der Western „Santa Fe“ von 1951 (Foto 1); gedreht wurde er allerdings nicht in New Mexico, sondern in Arizona (Bild 4). Dazu: Wein aus California, vom Gut eines (ehemaligen?) Filmregisseurs. Im Anschluss läuft nun „Jeremiah Johnson“, 1972 der überhaupt erste Western im Programm des Filmfestivals in Cannes (im Wettbewerb!); er weist einige offenkundige Parallelen zum Film „The Revenant“ auf – jede Wette, Iñarittú hat den auch gesehen. „Jeremiah Johnson“ sollte ein Western von Sam Peckinpah mit Clint Eastwood werden, doch die beiden verstanden sich nicht und verließen das Projekt. Eastwood drehte stattdessen dann „Dirty Harry“; sein Ersatz Robert Redford brachte Sydney Pollack an Bord und setzte durch, dass der Film teuer „on location“ (im Winter!) in zahllosen Orten in Utah, u.a. in und bei St. George (wo ich vor zwei Wochen Foto 2 gemacht habe) in Utah und dem nahegelegenen, (heute) besucherstarken Zion-Nationalpark gedreht wurde. Die Produktion war wohl eine unglaubliche Herausforderung, Pollack verpfändete schließlich sein Haus, damit der Film fertig gestellt werden konnte – aber am Ende müssen die Einspielergebnisse wohl das 15-fache des Budgets gewesen sein. Und man bekommt etliche, oft spektakuläre, utah-typische Orte in dem Film zu sehen.

Auch wenn in Utah fünf der bekanntesten und attraktivsten Nationalparks gibt, wirkt das ganze Land auf mich ohnehin jedes Mal wie ein einziger, riesiger Nationalpark. Man kann wirklich überall herumfahren und wird ausschließlich attraktive Landschaften und einige der eindrucksvollsten Straßen (Bild 5, Scenic Byway 12) überhaupt finden. Für mich ist es immer wieder eine große Freude, durch dieses Land zu fahren, das abseits der Großstadtregion Salt Lake / Provo weitestgehend recht menschenleer ist und fast keine weiteren Städte zu bieten hat. Doch auch hier in Texas (Bild 6) gibt es endlose, beeindruckende Landschaften und die Möglichkeit, während langen Autofahrten kaum andere Verkehrsteilnehmern zu begegnen.

Two years ago our summer-long trip to the United States was cancelled by higher forces — which is probably the key reason I started being seriously interested in – and have been buying – different Californian wines for the past two years. Now I go to supermarkets here in the American West, and there are so many fascinating wines on the shelves! I’d like to taste them all, but there are just too many! Most of them I have never seen in Europe.

Before I arrived in Phoenix, Arizona, a couple of weeks ago, two different people (musicians) independently of each other suggested I try to arrange to meet two Oregon musicians — David Rothenberg said I have to meet bass player Glen Moore in the far south of Arizona (in the small village Arivaca, a mere handful of miles from the Mexican border, see images above), and Brian Whistler pitched the idea of visiting Paul McCandless who lives less than 20 minutes away from him in Sonoma County, north of San Francisco. Having spend several hours with Ralph Towner last year in Berlin, I felt this is a once-in-a-lifetime opportunity to meet all (surviving) original members of the band Oregon within one year and talk to all of them about their early (and also their later) years. I don’t know that anyone has done that… Ralph and Glen, friends since 1959, have not talked with each other since Glen left the band in 2014. 

On top of all this, after Steve Tibbetts has suggested to me several times that I have to meet and talk to Hans Wendl, one of the earliest people that worked for ECM (from when he was just 16 years old, in 1969, until 1985), I drove from the Mexican border to Californian wine region Sonoma via Bishop, CA, where Hans has moved a few years ago — after having lived in Berkeley since his departure from ECM. We sat down in his backyard and he shared all kinds of amazing insights, until three in the morning — among other things that he was driving the band on Oregon’s first European tour in 1974 — and obviously, everyone was quite moved by remembering those early years. Glen even brought me a recent recording of Oregon’s 1974 concert in Bremen, a tape they had kept in the vault for almost 50 years, recorded in the Sendesaal, where I just filmed and took photos of two very ECM recordings. According to Glen, this is the band at their best, and like everyone else he spoke about those years with Collin Walcott only with the nicest words. (Photos of Inyo Mountains, where Hans Wendl lives, and from a hike at the Sonoma coast with Brian Whistler, below.)

As chance would have it, I found a bunch of old Oregon records in a Phoenix record store — in amazing shape and for the best prices, so I just had to buy several of them. I asked three different Manafonistas for their suggestions, and Michael, Brian and Hans-Dieter each named their favorites — each named pretty much the same records, only in different order. Brian and Hans-Dieter also provided me with long and detailed comments sharing their deep appreciation of the whole Oregon discography, and Brian on top played me music from the whole McCandless catalogue throughout the day, to prepare me for my meeting with Paul in Healdsburg. On the way there we drive through a beautiful wine region (wine that I later also was offered by my friends in Berkeley), and in general I learned a lot about Brian’s 70 years in California and the Sonoma region in particular. (Tom Waits also has been living in the next town — in the other direction, though — and it’s apparently not that unusual to see him around there.)

Paul McCandless, whom Brian and I went to see together, as Brian has known his and Oregon’s music since their earliest albums, also was in a talkative mood; even though, due to his health, he talks in a rather low voice and somewhat slower that powerhouse octogenarian Glen Moore. On Paul’s CD shelf I spotted lots of interesting music, The Surgeon Of The Nightsky Restores Dead Things By The Power Of Sound, among others, which I believed to be the one Jon Hassell album I never heard (not being aware of the collaboration album with Bluescreen, Dressing For Pleasure), and when I mentioned this, Paul just gave me the CD. Funny to now have a rare Jon Hassell album as a souvenir from a visit to Paul McCandless‘ living room.

As the final stop (so far) on my interview tour across the West, I then went to see Lee Townsend – in his psychology practice in Berkeley. Having studied psychology in his early years, Lee not only went back to this profession after 30 years in the music industry (while still producing a couple of albums each year, Bill Frisell’s mostly), but also shared a lot of knowledgeable insight into his formative years working for ECM during a significant part of the 1980s.  It will take a bit of time, but I will be honored to share those interviews with all of you once they have been edited properly.  

(The final photo is from Big Sur, inspiration for Charles Lloyd’s Notes from Big Sur, and Bill Frisell’s Big Sur.)