Manafonistas

 
 

 
 
In September 2012 Touch will present a series of events in Manhattan and at Issue Project Room celebrating the publisher’s 30th anniversary. Since its first release in 1982, Touch has created sonic and visual productions that combine innovation with a level of care and attention that has made it the most enduring of any independent music company of its time. The label has presented a wide range of artists from New Order to Thomas Köner, and now has a strong focus on artists such as Fennesz, Chris Watson, Philip Jeck, Jana Winderen, Hildur Gudnadottir, Oren Ambarchi and Biosphere.

Jon Wozencraft, master of Touch’s cover art, will give a lecture this week at the Punkt Festival, Kristiansand. See program for details.

Excerpt of an interview:

Can you tell me a little about the process in choosing a photo to represent an album, or perhaps, vice versa?

[JW] It’s a tricky thing to explain and it’s maybe in your question about ‘vice versa.’ I see colors and landscapes in music I find touching. When an artist sends me a new work, I (sort of) treat it as a performance; sometimes they take a few moments, some it can take months.

I’d say that for each of our artists, I’ve sort of developed a sense of smell about what is the right image-field for their signature sound. In design terms, it’s the polar opposite of how Peter Saville can operate—he claims to need no reference to the music to find an effective counterpoint. I do admit to trying to extend and intensify this aspect of “parallelism”: it not being the music but the deeper sound behind the music, and how to visually support that in quite an understated but progressive way.

I am quite happy to accept a level of quietness. It takes time …

Paddy McAloon’s solo album is great, a work out of loneliness and illness; he has nearly been blind forever. And you’re right, Ian: these sine waves …

Once upon a time journalist Richard Williams (great guy!) got a promo copy of a new work of John Lennon and Yoko Ono. Highly experimental stuff. One side of the two vinyl records was full of sine waves of a certain kind; Richard listened carefully and went enthusiastic in his review. Well, the sine waves were only there to fill up a side of otherwise total emptiness, they were not there to leave „musical impressions“. John Cage would have smiled!

Dies ist eine besondere Platte, die bei Schnellhörern reserviert aufgenommen werden wird. Die Aufnahmen fanden, wie bei dem exzellenten Vorgänger, in Cape Cod statt, und auch wenn sie durchaus mal „beschwingt“ aufspielen, bleibt die Atmosphäre von Grizzly Bear ungreifbar. So sehr in den Texten Spuren amerikanischer Landschaften auszumachen sind (stille verlassene Orte, keine trendy places), dreht sich in verrätselten Texten vieles um toternste, burleske Spiele von Nähe und Distanz, Fortgehen und Sehnsucht. „Time will do the talking“ heisst ein alter Song, hier könnte man sagen: „Singing does the talking“ – in abreissenden, verschachtelten, hymnischen Gesangslinien wird die Konsequenz erreicht, demgegenüber Sprache selbst nur Stottern, nur Schall und Brauch ist. Wer singt, kann schneller anfangen zu leben! Oder: es tun sich andere Wahrheiten auf, wenn man Sprache pulverisiert. Grizzly Bear machen genau das, in anmutigen, seltsamen Songs, mit „lyrics“, die sich fortlaufend um Sinn und Verstand bringen. Die Musik drumherum hat ein ganz eigenes Kapitel verdient.

Chris DeVille writes: Even as Grizzly Bear has evolved from midnight whispers to gorgeous sonic panorama to exquisitely crafted chamber pop, the band has always been about finesse more than power. When performing at an art museum once, rather than admonish the crowd to “make some noise,” the members praised their audience for being so quietly attentive—the better to appreciate every last meticulous detail. Delicate beauty and refined presentation still rule on the Brooklyn mainstay’s fourth album, Shields, but the balance is subtly shifting. On 2009’s Veckatimest, and especially on signature single “Two Weeks,” the band made an important transition: from sketches to songs, from impressionism to realism, from ghosts to creatures. On Shields, the creatures are back, this time with teeth. Lyrically, Shields finds both songwriters fixated on matters of inclusion/exclusion and coming together/pulling apart, matching the music’s cataclysmic turns with tales of human beings colliding and ricocheting. The rhythm section of Chris Taylor and Chris Bear, a finely tuned partnership in its own right, does its part to stitch the dual songwriters into a singular vision. On an album that touches repeatedly on the barriers people build between each other, the members of Grizzly Bear have forged further ahead into sweet synchronicity. 

Der Klavierdeckel wird geöffnet, ein Pianist sitzt vor dem Instrument – still, unbeweglich, auf die Tasten schauend. Er schließt den Deckel. Ende. Nach vier Minuten und 33 Sekunden. Die Aufführungsdauer des Stücks ist sein Titel – „4’33““ und stammt von John Cage. Es wurde Ausgangspunkt einer musikalischen Revolution. In diesem Jahr feiert der Künstler, der am 5. September 1912 in Los Angeles geboren wurde und am 12. August 1992 in New York verstarb, seinen 100. Geburtstag. 3sat stellte die Schlüsselfigur der Happening– und der Fluxusbewegung mit seinem Leben und Werk am Samstag, 1. September, 20.15 Uhr, in der Dokumentation „John Cage – Alles ist möglich“ von Thomas von Steinaecker vor. Außerdem geht das 3sat-Magazin „Kulturzeit“ am Montag, 3. September, 19.20 Uhr, in zwei Beiträgen und einem Gespräch mit dem Komponisten Heiner Goebbels auf Cage und die Fluxusbewegung ein. Durch seine Ideen und Lehren beeinflusste der Künstler wesentlich die sich formierende Fluxusbewegung, zu deren Aktionen auch die Klavierzertrümmerung im Museum von Wiesbaden vor 50 Jahren zählte. „Kulturzeit“ besucht den Museumsraum, in dem damals alles geschah, und in dem zum Gedenken an Cage nun wieder eines zertrümmert wird. Außerdem hält das Kulturmagazin auch ein Ohr an das von John Cage für über 600 Jahre konzipierte Orgelprojekt in der Kirche von Halberstadt.„An einer Straßenecke in Sevilla bemerkte ich die Vielfalt simultaner visueller und hörbarer Ereignisse, die im eigenen Erleben alle zusammenliefen und Lust und Freude hervorriefen“, erzählt Cage in der Dokumentation „John Cage – Alles ist möglich“. John Cage gilt als einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts und als Auslöser eines radikalen Umdenkens in der Musik. Seine rund 250 Kompositionen und seine theoretischen Schriften haben Sprengkraft, denn sie stellen das bis dato verbreitete Arbeiten mit Klangstrukturen völlig auf den Kopf. (presseportal.de)

 
 

 
 
 
Jan P. Dennis: Magico (and to a slightly lesser extent the companion disc Folk Songs, containing the same personnel) is certainly a hight point in the history of jazz. When Manfried Eicher got Haden, Gismonti, and Garbarek in the studio at the end of the seventies to perform their trio magic, something special, something probably completely unanticipated, happened: haunting, elegiac, ravishingly beautiful songs in the context of lilting collective improvisation. Garbarek with his keening, Nordic sax; Haden with his rock-solid Midwestern American bass; Gismonti with his dancing, mercurial Brazilian guitar and piano: three distinct voices blending and interweaving mysteriously, magically.

MAGICO hiess die eine Langspielplatte, die das Trio schuf, FOLK SONGS die andere. Damals konnte der Produzent Manfred Eicher kaum irren, wenn er seine Musiker in immer neuen Kombinationen anregte, luftige und intime Musik zu gestalten. Fast jede Platte geriet im „hot spot“ der ECM-Ästhetik (die von früh an weit gefächert war) unter Meilenstein-Verdacht. Speziell  MAGICO  wurde von der Kritik gefeiert: das Trio schien unmittelbar einen Draht zueinander zu finden, obwohl jeder eine sehr eigene kulturelle Historie mitbrachte: die Cover waren für ECM-Verhältnisse ungeheuer farbenfroh, das Cover von MAGICO würde ich mir jederzeit in Grossformat an die Wand hängen. Es ist alles andere als eine Enttäuschung, ins Archiv zu greifen, und diese so hochkonzentriert wie entspannt dargebotene Melange aus Jazz, Folk und undefinierbaren Zwischenräumen ans (am besten allerdings gedämpfte) Tageslicht zu befördern. Am 5. Oktober, habe ich zufällig bei Amazon / jpc gesehen, erscheint nun eine Doppel-CD des Trios: MAGICO – CARTA DE AMOR. Die Gruppenfotos zeigen diese Musiker in jungen Jahren, und, da die Spielzeiten der damals im Studio aufgenommenen und nun wieder dargebotenen Stücke – es scheinen auch unbekannte Kompositionen dabei zu sein – unterschiedlich sind, bleibt nur die Schlussfolgerung: ein Live-Dokument aus alter Zeit! Wir sind gespannt. Denn was da so manchmal unverhofft aus dunklen Kellern auftaucht, ist schon, wie jüngst im Fall von SLEEPER mit Jarrett/Garbarek/Christensen/Danielsson, verblüffend, ja, sensationell.
 
 
 

 
 
 
P.S.: A fascinating set from three strong and contrasting musical personalities: Norwegian saxophonist, Brazilian guitarist-pianist, and US bassist making purposeful and creative music together on this previously unreleased live recording. Carta de Amor documents music captured at Munichs Amerika Haus in April, 1981. Two years on from the much-loved albums Magico and Folk Songs, the trios improvisational empathy and sensibilities were further honed by experiences as a touring group. Repertoire includes five pieces from Gismontis pen, with the title track heard in two variations, opening and closing this enthralling double album. Also heard here are Garbareks folk song arrangements and an extended, freewheeling version of his composition Spor. Charlie Haden brings in La Pasionaria, from the repertoire of the Liberation Music Orchestra and All That Is Beautiful, not previously documented on disc. Recorded by Manfred Eicher and Martin Wieland in 1981, mixed from original analog tapes by Eicher and Jan Erik Kongshaug in 24 bit/96 kHz in 2012.

 
Cat Power: Sun

Eigenwillige Lebensmutmusik, mit Multi-Instrumentalistin Chan Marshall im Stimmen-Spiegel-Kabinett (***1/2)

David Byrne & St. Vincent: Love A Giant

Wie einst mit der Dirty Dozen Brass Band, setzt Byrne wieder mal auf Blasinstrumentenmusik und ausgefuchste Gesänge (***1/2)

Swans: The Seer

Besser spät entdecken als niemals: Musik als uraltes Ritual, Schamanismus mit den Mitteln des Post-Rock (****1/2)

Calexico: Algiers

Jetzt sind Joey Burns und seine Freunde in einen Vorort von New Orleans gezogen. Ein schönes, nur allzu vorhersehbares Werk, mit viel Staub und Spätsommer (***)

Greta Aagre & Erik Honore: Year Of The Bullet

Ein dunkel funkelnder Songreigen mit der alten Punktbande (Jan Bang, Arve Henriksen u.a.): Ohrwürmer in Zeitlupe, und knärzende doppelte Böden (****)

Stian Westerhus: The Matriarch and the Wrong Kind of Flowers

Seltsame Gitarrenmusik aus einem Mausoleum, die gar nicht nach Gitarre klingt; aus der Abteilung „Psychedelik“ der Neuen Kammermusik! (****)

Animal Collective: Centipede HZ

Neue Hippie-Musik mit hohem Hipness-Faktor fürs Feuilleton, leider auch mit hohem Nervfaktor (**)
 
 
 

(Cover: Swans)
 

Musik hinter den Dünen

 
Es gibt ein Leben für Musikliebhaber jenseits vom Knopf im Ohr, auch im Urlaub. 2,3 km hinter den Dünen entdeckt man nahe der spanischen Grenze, kurz vor San Sebastian, den Ort Urrugne.
Hier findet sich die Kirche Saint Vincent, erbaut schon im zehnten Jahrhundert, zerstört Anfang des 16.Jahrhunderts, 1550 aber schon wieder aufgebaut. 2009 bekam diese Kirche nun eine fantastische neue Orgel, davon später. Im Nachbarort, Ciboure, nimmt der erstaunte Tourist zur Kenntnis, dass es auch hier eine Kirche Saint Vincent gibt, leider noch ohne Orgel, die soll erst in zwei Jahren dort eingebaut werden.
 
 
 

 
 
 
Beide Kirchen glänzen mit einer so wunderbaren Akustik, dass Manfred Eicher von ECM, wüsste er davon, sofort von St.Gerold in Österreich als Aufnahmeort Abschied nehmen und zum Atlantik umziehen würde.
Der Akustik wegen – aber auch, weil ein berühmter Musiker aus Ciboure stammt, nämlich Maurice Ravel – finden dort im Sommer zahlreiche Konzerte statt. So konnte man in Saint Vincent Ciboure in diesem Jahr Guillaume Sigier (piano); Samika Honda (violon) und Iris Zerdoud (clarinette) mit Werken von Claude Debussy, Gilbert Amy, Bela Bartok und natürlich Maurice Ravel hören.
In einem anderen Konzert war in derselben Kirche das Quatuor Hermes (Omer Bouchez, Elise Liu, Yung-Hsin Chang und Anthony Kondo) mit Josef Haydn, Claude Debussy und Maurice Ravel zu genießen. Der Höhepunkt der musikalischen Genüsse sollte aber erst noch kommen: ein Orgelkonzert in Saint Vincent Urrugne. Auf der wunderbaren Orgel spielte ein mir vollkommen unbekannter junger Mann, Jahrgang 1990: Thomas Ospital!
Vor zwei Jahren schrieb die Badische Zeitung nach einem Konzert Ospitals im Freiburger Münster: „Der 1990 geborene Ospital, der 2009 als jüngster Teilnehmer völlig überraschend den Wettbewerb in Saragossa gewonnen hat, bot am Hauptspieltisch eine so packende wie reife Lektion in Sachen französische Orgelkultur des (frühen) 20. Jahrhunderts, wobei sich allein schon durch die Widmungsträger der Werke Bezüge ergaben. So ist Viernes dritte Sinfonie Marcel Dupré zugeeignet und Maurice Duruflés „Veni Creator“-Opus dem Kollegen Vierne. Dass Ospital, der am Pariser Conservatoire Koryphäen wie Olivier Latry und Thierry Escaich zu seinen Lehrern zählt, technisch und musikalisch bereits überaus fit ist, hörte man.“
 
 
 

 
 
 
Das war im August 2010, zwei Jahre später im Konzert am 19.08.2012 in Urrugne wäre meine Meinung über Ospital nicht, dass er musikalisch `überaus fit sei´, nein, er begeistert. Diesen Namen muss man sich als Liebhaber französischer zeitgenössischer Orgelmusik wirklich merken.
In Urrugne spielte Thomas Ospital Bach, Mendelssohn Batholdy, Robert Schumann, Louis Vierne, Valèry Aubertin, Maurice Durufle und – Höhepunkt für mich – Olivier Messiaen. Eine Kostprobe seines Spiels, damals war der junge Organist gerade einmal 20 Jahre alt, kann man auf Youtube genießen: Thomas OSPITAL interprète la „Toccata en ré mineur“ (Bux 155) de Dietrich BUXTEHUDE (1637-1707) sur le grand orgue de la cathédrale St-Léonce de Fréjus, le 11 avril 2010.
CDs gibt es von diesem genialen Musiker noch nicht, zum Trost lege ich Olivier Messiaen im Original in meinen Player. Auf der 4CD -Box Messiaen par lui-même kann man hören, wie eine der größten Komponisten der Musikgeschichte seine eigenen Werke interpretiert.
 
 

„The Matriarch And The Wrong Kind Of Flowers“ was recorded at the Emanuel Vigeland Mausoleum in Oslo, a tomb with a 20 second natural reverb and a constant temperature of five degrees Celsius. No surprise, then, to find a suite of solo improvisations that match the space´s cold grandeur and cavernous scale. Westerhus sites King Crimson as an influence, and „Shine“ borrows the bathysphere ping of Pink Floyd´s „Echoes“ before ascending to Popol Vuh´s vertiginous spiritual heights. Throughout, Westerhus shrouds the guitar in a series of disguises – mournful violin, hurdy-gurdy drone, country fiddle and non-musical sounds like distant guns and humming machinery – folding multiple textures in on themselves to create abstract narrative arcs. (thewire.co.uk)

Die Tourdaten:

2012

September: 23 Stian Westerhus solo – Leipzig Jazz Festival (D) / 28 Stian Westerhus solo – Tonne, Dresden (D) / October: 12 Stian Westerhus solo – Bunker Ulmenwall, Bielefeld (D) / 13 Stian Westerhus solo – Domicil, Dortmund (D  / 17 Stian Westerhus solo – Stadtgarten, Köln (D) / 19 Stian Westerhus solo – HBC, Berlin (D) / 27 NPM – Frankfurt (D) / November 2 NPM – ewz-Unterwerk Selnau, Zürich (CH) / 3 NPM – Hansesaal, Lünen (D) / 11 Stian Westerhus solo – S’Hertogenbosch (NL) / 13 PUMA – Hamburg (D)

2013

January: 30 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Stadtgarten, Köln (D) / 31 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Vooruit, Gent (B) / February: 1 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Porgy and Bess, Vienna (A) / 2 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Woman in Jazz Festival, Opera, Halle (D) / 4 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Moods, Zürich (CH)  / 5 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Vortex, London (UK) / 6 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Unterfahrt, München (D) / 7 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Sendesaal Bremen (D) / 10 Sidsel Endresen / Stian Westerhus – Bee Flat, Bern (CH) 

Soul: das ist nicht die Musik, bei der ich normalerweise zerfliesse. Voluminöse, gefühlsschwangere Stimmen einer bestimmten Sorte lösen bei mir eher Ermüdung als Ergriffenheit aus, von der mich derzeit von Plakatwänden anstarrenden Joss Stone, bis zu dem neuen Liebling aller Schwiegermütter, Michael Kiwanuka, oder wie immer der genau heisst. Es gibt Ausnahmen, Altmeister/innen aus einer Ära, als man Recycling noch für eine neue Art des Fahrradfahrens hielt. Und es gibt die, deren Stimmen im Alter noch mal gewaltig zulegen an Falten und Rissen und Frissuren: Mavis Staples gehört dazu, und Bettye Lavette. „The walls may come tumblin‘ down“. Eine junge weibliche Stimme, die der Alabama Shakes, hat auch die richtigen Lektionen gelernt und singt nicht „von der Stange“. Wer die Stimme der Bettye Lavette so unwiderstehlich findet wie ich, der möge einen Blick auf die „tracklist“ ihres in der zweiten Septemberhälfte erscheinenden Werkes werfen: Vorfreude! Besonders gespannt auf die Interpretationen des Neil Young-Songs (aus seinem fruhen, zweiten Studioalbum), auf das Dylan-Lied (aus OH, MERCY), und die langsame Version von „Dirty Old Town“. Da zeitgleich ihre Lebensgeschichte veröffentlicht wird, scheinen mir die Titel nach autobiographischen Aspekten ausgewählt zu sein.

1. Everything is Broken (Bob Dylan)

2. I’m Not the One (Daniel Auerbach/Patrick Carney)

3. Dirty Old Town (Ewan MacColl)

4. The More I Search (The More I Die) (Kim McLean)

5. I’m Tired (Chris Youlden)

6. Crazy (Brian Burton/Thomas Callaway/Gian Piero Reverberi/Gian Franco Reverberi )

7. Yesterday Is Here (Tom Waits)

8. Thankful N‘ Thoughtful (Sly & The Family Stone)

9. Fair Enough (Beth Nielsen Chapman)

10. Time Will Do the Talking (Patty Griffin)

11. Everybody Knows This is Nowhere (Neil Young)

12. Dirty Old Town* (slow version)

Das erste Mal, dass man bei Bob Dylan von einem Spätwerk sprach, war 1982, als das famose Album OH, MERCY erschien. Schliesslich war es damals noch in Mode, jedem über 30 zu misstrauen, Dylan war um die 40, hatte eine Drogenphase hinter sich, einen verheerenden Motorradunfall, und etliche Klassiker in die Welt gesetzt, es gab also Gründe, bereits damals ein Spätwerk auszurufen. Danach gingen die Jahre ins Land, ohne dass etwas Herausragendes von His Bobness veröffentlicht wurde. Aber dann, Monsieur Lanois war wiederum der Produzent, 1997, gab es das nächste fulminante Spätwerk, TIME OUT OF MIND. Rabenschwarz, wie es sich für ein ordentliches Spätwerk gehört. Ich kaufte mir die CD in Portsmouth, an meiner Seite Susanne, allemal so hinreissend wie Dylans Sarah, und nachts lief die Musik in dem Haus, in dem Daphne de Maurier einen berühmten Piratenschinken geschrieben hatte, wir vögelten in einem violetten Himmelbett. Die Dylanologen betrieben alsbald wieder fleissige Sitzungen, die Texte zu deuten. Das sind Leute, die schon im Morgengrauen, lange vor Geschäftsöffnung, vor Plattenläden Schlange stehen, um die edle Ware eines neuen Opus zu erstehen. Man tauscht neue Erkenntnisse aus, und manchmal streitet man sich über die Wichtigkeit älterer Werke: war DESIRE wirklich so gut? Wieder gingen die Jahre vorüber wie nichts Gutes, dann kam nach einigen Petitessen das nächste beeindruckende Spätwerk: MODERN TIMES. 2006. Einsame Klasse. Diesmal produzierte Jack Frost, und das ist Dylan persönlich. Die never-ending-tour schien nie zu enden, Dylan zersägte seine alten Lieder, erfand sie neu, beissend und knurrend, Marginales folgte, ein Doppelalbum, aus der Hüfte geschossen, nicht wirklich wichtig, dafür essentielle Produktionen aus der OFFICIAL BOOTLEG SERIES, das letzte Wort war aber noch nicht gesungen. Über Dylans nächste Partyplatte gab es auch nichts Tolles zu sagen, sie verkaufte sich wie warme Semmeln, Dylan fur Nostalgiker und Barbecue-Freaks. Eher eine Regression im Dienste des Ichs, als ein weiteres mögliches Vermächntnis. Eine schrullige Platte mit Weihnachtsliedern gab es auch noch. Die Stimme hat manchen Winz gewiss tief erschrocken. Nun aber ist es soweit, 2012, TEMPEST, das nächste imposante Spätwerk. Die ersten Sounds tönen wie aus einem alten Radio, und als Dylans Stimmbänder ohne die letzte Ölung loslegen, inmitten eines alten Swingsounds aus den 30er/40er Jahren, mit Gitarren, die wie Klarinetten klingen, denke ich kurz an Louis Armstrong. Ein Hauch von Armstrong in Dylans Stimme? Unglaublich. Ein Freund aus England hat mir die neue Musik via Download geschickt, und ich gehe erst weit nach Mitternacht ins Bett. Es gibt Platten, die können Perspektiven über Nacht verändern, einen Spurwechsel bewirken, eine neue Wachheit provozieren. Man sollte sich besser davor hüten, solche Stimmen, mit denen uns eine lange Geschichte verbindet, als Ruhekissen zu begreifen, als Stillhalteabkommen, als Verwalten der eigenen Träume jenseits der Verwandlungslust. Es ist soweit, ich muss nur noch ein paar Mal in die Lieder hineinkriechen, es wird höchste Zeit, es ist schon spät! (für E.)