Manafonistas

In der wunderbaren Serie „Nine Perfect Strangers“, die einige Leser dieser Zeilen sicher nicht so wundervoll finden wie ich, gibt es eine herrliche Stelle, in der eine Protagonistin sagt: „Ich weiss, wie das hier läuft. Ich bin mit amerikanischen Serien aufgewachsen“. Die beiden Barden Stevens und De Augustine haben sich im Lockdown eine Weile zurückgezogen von der Welt, wie Millionen und Millionen andere Menschen auch, und sich ausgewählte Kinofilme angeschaut, Klassiker zumeist, wie Millionen andere auch. Am jeweils nächsten Tag haben sie dann allerdings Songs entwickelt, die von ihren Filmerlebnissen beflügelt waren. Ob „All About Eve“ oder „Night Of The Living Dead“ oder „Point Break“ oder „Taxi Driver“. Daraus entstand eine verblüffend herzensoffene Sammlung von Songs, die ein wenig an Sufjan Stevens‘ allerfeinste Weihnachtslieder erinnert (hier werden wieder ein paar Leser stöhnen), und überhaupt an Kammer-Folk der innigen Art. Keine intelektuellen Scharaden, vielmehr Ausschau nach einer Funkensammlung Hoffnung in einer Welt, die mehr denn je an ihrem eigenen Untergang werkelt. Es wäre dreist und weltfremd, wäre es nicht, auf eine besondere und leise Art, ziemlich betörend. Ich empfehle erstmal, die lyrics auf sich wirken zu lassen, dann gehen die Lieder gleich eine Etage tiefer! (Ein wenig Haschisch begleitete mich durch den Nachmittag, aber mein Urteil würde auch stocknüchtern, sagen wir, in einem calvinistischen Geisteszustand, sehr positiv ausfallen. „Amid a clouds of ganja smoke, my thoughts were allowed to settle and flourish.“ Ich vergass, den Titel des Albums zu erwähnen: „A Beginner‘s Mind“. Damit bin ich fast schon wieder bei Donovan gelandet, und bei „Nine Perfect Strangers“.)

Zwei Meter waren es wohl, abwärts, harter Aufprall, abends um 23 Uhr vielleicht, nah an den Triberger Wasserfällen. Das Rauschen in den Ohren verdoppelte sich erstmal. Das Glück, ein anderer Nachtspaziergänger, der mich wachrüttelte, als ich benommen an einem Abgrund lag, der den Namen Abgrund wohl verdient hat. Statt einer Nacht im 4-Sterne-Hotel meines Vertrauens, eine Fahrt ins Krankenhaus, eine Röntgenaufnahme, nichts ist gebrochen, nur verstaucht. – Sie haben grosses Glück gehabt, Herr Engelbrecht! Über Nacht also dortgeblieben zur Sicherheit, wegen des Brummschädels, und heute morgen mit besten Wünschen entlassen. Aber weiter als zum Obstgarten des Hotels zieht es mich nun nicht. Ich konnte schon Post beantworten, von Jan und Richard. Alle Symphonien von Gustav Mahler, Jan, ist das nicht eine Überdosis?! Mein privater Weltrekord bleibt bestehen, ich habe mir noch nie etwas gebrochen. Ich summiere die guten Dinge: die unheimliche Freundlichkeit des Personals, im Hotel, auch die betörende Nachtschwester (wow, dieses Antlitz im Neon, alle Geschenke des Himmels sind irdischer Natur!), die äusserst bequeme Liege, die Kunst von Donovan, jedes Kapitel seiner Lebensgeschichte mit einem unter die Haut gehenden, „blue moment“ abzuschliessen (mentale Notiz: in meinen letzten Klanghorizonten einen Donovan-Song spielen, und einen von der Incredible String Band!) Allmählich addieren sich die Taxifahrten. Es dauert noch bis zum 14. Oktober, bis ich meinen Führerschein zurück erhalte – bin zweimal auf lächerlichen Niemandsstrassen nur halb so schnell wie der Blitz gewesen, und lerne nun die Freuden anderer Transportmittel kennen. Übermorgen dann zurück in die zweite Heimat, Die Grünen wurden  schon per Briefwahl gewählt, die Nachtwanderung auf Sylt, am ältesten Kliff dort, vor Monaten,  meine Stunde mit Jon Hassell aus dem Lautsprecher, in tatsächlich mondheller Nacht,  war eindeutig das etwas feinsinnigere Abenteuer. Und bitte keine Genesungswünsche, das war mehr Slapstick als Trauma.

My first Donovan memory is equally down to earth and unreal and leads me back to the old schoolyard at the „Gebrüder Grimm Volksschule“ (no kidding) in the southwest of Dortmund. I got the ball from the left side, and a quick sharp shot let me score a nice, quite cool goal, Reinhold Wosab-style. Afterwards we were sitting on a bench near an old church, my blood brother Mathias turned on his transistor radio… and there it was, Donovan‘s long, long song „Atlantis“. I really don‘t know how these two memories can sit so close to one another, and I doubt it all happened on that same afternoon, but it is true anyways.

In the times thereafter (no other magic involved than young lads with a football and listening to music that kept more promises of worlds to come than the priest‘s sermon in Sunday‘s church) I was always wondering how much I loved the opening spoken word passage of the track, even more so than the melodic counterpoint with its invocation („wayyyy downnnnn…“) of a distant sunken planet. The whipper-snapper greenhorn critic in early action, and for sure, Donovan Leitch kept his place in my heart in the years (and decades) to come.

Some said he was just a kind of  Dylan for the poor, or just a soft hippie with a guitar, but they could say what they fucking wanted, I loved that guy, being a soft young hippie without a guitar myself. His hits and some of his early albums from the 70‘s kept company, and in recent years, the wonderfully remastered „Wear Your Love Like Heaven“ is a regular guest on my turntable. The songs there are all so beautiful and always too short, but that‘s probably part of the trick of their never ending attraction.

In my early years as a music journalist, I was often sitting in Thomas Köner‘s home studio in Dortmund, and was a bit surprised when the „drone master“  one day put on „Sutras“ with a big smile on his face, a Donovan album from the 90‘s, produced by Rick Rubin. Thomas was impressed by the beautiful recording of the voice – and the heartfelt elementary impact of the music. There he was again, my hero from schoolyard days. And, no wonder, I‘m now, after all these years, in my recluse in the Black Forest,  slowly rushing through the pages of his wonderfully written autobiography. Makes me revisit so many places of my life, catching voices, vistas, faces, kisses, sounds, feelings, and, well,  the wind. The book just had to find me. Awesome.

Richard Williams’ fine music blog is now on our blog roll („thebluemoment“). By chance, he has posted, today, a background story about a Barney Wilen album that has just been reissued (with a short appearance of young Jackie Terrasson, whose album „Smile“ has recently been praised by Mr. Klinger). Here‘s my old story (the Deepl version with some refinements) on another Barney Wilen classic, „Moshi“, from August 2017. Etliche Wege führen derzeit zum Schwarzwald, zum Bodensee. Nach Afrika, und nach Paris.

They called him Barney, but he was French. Bernard Jean „Barney“ Wilen, born in Nice in 1937. A wanderer between worlds, with a saxophone in his suitcase. Early on he accompanied Miles Davis to the running pictures of the Louis Malle classic with Jeanne Moreau, „Fahrstuhl zum Schafott“.

He played with three quarters of the Modern Jazz Quartet, free jazz and fusion music in the sixties. Jazz history in high-speed mode. Joachim Ernst Berendt brings him to Donaueschingen (1967) for „Jazz meets India“, and while we’re in that corner – he also plays in the legendary Lindau jazz club „Zur Fischerin“. Young Manfred Eicher helps organise the club’s programme and sometimes gets in on the action with his double bass. I was at this very place weeks ago, now a good restaurant, I would have preferred a time machine to my „Forelle Müllerin“.

In the wild year of 1968, the underground also arrived in the Black Forest. At MPS, „Barney Wilen and his Amazing Free Rock Band“ came into being – with Joachim Kühn, Aldo Romano and other cracks, he recorded  „Dear Prof. Leary“. Leary was never a professor, as Jan Reetze recently noted.

His dream: Africa. With the former model from a wealthy family, flag-waver 68 in Paris, girlfriend and filmmaker Caroline de Bendern and a rather large entourage, he set off in 1970 – funds flowing from a cultural foundation. That’s the big dream, the destination: Zanzibar. They sing about the island, but they never get there. If you had followed the planned route, you would have easily died in war zones. Life, jazz, adventure, all one. In 1972 they return.

The result: the album Moshi. Released by a small label at the time, it is celebrated, remembered, almost forgotten, and  an expensive collector’s item. Now the label Souffle Continu has reissued „Moshi“ as a double album on vinyl, with an illustrated book, noted memories and a documentary film by Carolin de Bendern on DVD.

Barney Wilen and his companions spent two years travelling through the Sahara and the Sahel. For African-American jazz musicians, Africa is either their original home or a myth. Pharoah Sanders, Art Blakey, Randy Weston, Don Cherry and many others had been there, some of them for quite a time, and so did European free spirits. The African roots, nourished politically or romantically, were supposed to create a new consciousness during and after colonialist turmoil, utopias of a free life were in demand, but the continent, despite all the changes, still experiences political, social and existential nightmares today.

Countless rock and jazz musicians were drawn to Morocco at the end of the sixties, but not all of them were happy. The foreign country often takes its toll, the intoxication can turn into fear. The double album „Moshi“ is a dazzling collage that does not pretend a fusion of worlds. One plays with locals, makes friends, studies new percussion instruments, sings old and new hymns. The musicians from France get involved with the foreign country skin and hair, get to know the blue people, tribes that stage surreal masked balls.

At some point, the French foundation turns off the money tap, but Caroline de Bendern finishes her film, which is as fragmented as the music and dispenses with any clever off-screen commentary. There have already been enough ethnologists who spread distorted images of Africa with their Western thinking of domination. In some places, life with African friends has something communal about it, jamming through the nights, erotic frenzy, friends for life, and they also encounter death in their close circle.

Barney Wilen died in France in 1996. Only in the last few weeks have I taken a closer look at his life, I got hold of an old soundtrack from a French film noir with Lino Ventura, and I can very well imagine him as a young slag in the jazz club „Zur Fischerin“, in 1968, in Lindau, on the Swabian Sea. Manfred Eicher told me he once had the idea to produce a Barney Wilen record. Never happened. Time runs fast.

Mike von „Life In Surround“ wird für einen Augenblick sprachlos, wenn er beschreiben will, wie der Song „Let It Be“ ihn berührt, in der neuen 5:1-Darbietung. In der Schule diskutierten wir einst heiss, ob dieser Song nun reiner Kitsch sei oder nicht. Die Stones- und die Beatlesfraktion halt. Bei all seinen Beiträgen zur Kunst, Phil Spector war kaum je meine Tasse Darjeeling, und ich mochte nur sehr selten das Pathos, mit dem er speziell den Beatles auf ihren Schwanengesängen, oder George Harrison auf „All Things Must Pass“, zu Leibe rückte. Mike kann ich aber gut verstehen. Wenn dieser Song kommt, jukeboxerprobt, und nun in 5:1 – waves of longing and surrender, simple as that, my sentimental friend. Das ganze Album erschien nach dem Ende der    Beatles und kommt nicht annähernd an die Klasse von SP, TB und AR heran, ist aber immer noch spannender als jedes Stones-Album seit „Tattoo You“. Und letzteres ist gerade 40 Jahre alt geworden. Beatles-Fraktion halt, und die Kinks sowieso forever!

I‘m leaving, heading south.

This is an open letter to you, dear Jan! And nothing to worry about, haha. Since I know it belongs to your morning rituals to look at manafonistas, I thought this to be a good idea and take you by surprise. Thousands are reading this now – my friend in Northern California, an old buddy in Würzburg, even some wonderful people near your hometown I met this year at PUNKT …

Now, I don‘t know what the others will write within the next weeks, they might supply you with some worthy stories and informations, but in many cases you have to use the translation magic of Deepl (that made it, for instance, possible, that I could translate the forthcoming PUNKT 2021 review by our Italian friend Damir Ivic for the Italian ROLLING STONE).

I do write that cause I will be absent for a while on a „psychedelic retreat“ in the Black Forest, with a good quantum of shamanism, meditation and other stuff of making you fly and high and dance,  without mobile phones, Ipads, internet. But with On Land, The Survivors‘ Suite, and Rock Bottom. Three secret horizons. In fact I‘ll be lost in the woods on a quite adventurous trip. A different kind of journey, to quote the subtitle of Eivind Aarset’s fantastic new album. Hopefully a happy return on September 29.

So, Jan, on its way to Kristiansand soon, via Christoph Giese’s special parcel service, two vinyls, and one comes from my archive. When that album was reissued not long ago, after decades,  I got two items by error, from this long lost treasure – and after our recent talk about early encounters of David Sylvian with Jon Hassell and Ryuichi Sakamoto I thought  this album might put you in a state of wonder. Chances are you never heard it. Look at the cover, and you might think of a seascape near your hometown at first glance, but look again, it IS the Pacific

The familiar sound of a cocktail shaker full of ice and distant seagulls gives way to a simple melody, a rhythm lolling in the light. We are on a journey back in time to an old Japan half of a lifetime ago. The seventies of the 20th century, that foolhardy decade.

Back then, we dreamed of Mount Fujiama that looked out at us on large postage stamps, playful and majestic, when we were baby boomers. Japanese guys dreamed differently. And so we find ourselves right in the middle of a music that conjured up their choice holiday paradises in those days of economic prosperity. The southern islands in the Pacific.

„Pacific“ is the title of this long-playing record. The work was composed in 1978. Okay, I know you missed the 70’s LIVE, but I am very sure you have been THERE quite a long time, via old and ancient records, early Norwegian ECM stuff etc etc etc

Almost all of PACIFIC is instrumental, except for the one song line that sums up all the reverie „with the summer in her hair“. Three PACIFIC explorers: Shugeru Suzuki, Harry Hosono, who was soon to co-found the Yellow Magic Orchestra, and the third, one of the cracks of the Japanese City Pop scene, Tatsuro Yamashita. And an old acquaintance who also played on the album, Ryuichi Sakamoto. Bloody young, you wouldn’t believe it.

What an album! A pinch of early synth-pop, the Japanese version of American exotic dreams a la Les Baxter, melodic funk rhythms, a floating drift from horizon to horizon, a shangri-la for samples, a healthy breeze of New Age – easy peasy, soft and breezy. Safe journey.

Take care, Michael!

Three movies. Seen (and listened to) between January and October 2021. Silence here is not the most beautiful thing, it just secures survival. The evil lurks everywhere. Welcome to the world of three movies. The genres: horror and war. The way in which Sam Mendes‘ film „1917“ is choreographed,  is pure genius. Composer Thomas Newman  adds layers of bravura artistry to create an experience that will leave you breathless, heart pounding and absolutely emotionally wrecked by the end. A similar response is waiting when watching „A Quiet Place“, and „A Quiet Place 2“. By the way, John Krasinski takes all the juice out of his visual storytelling, connecting with all the characters even with them not being in the same space. An incredible sequel. And the world of noise, sound, and silence is another winner in these three works of cinema (you will never forget the Neil Young in-ear-moment in „A Quiet Place“!), though it is inappropriate to speak of winners, in worlds of regret, death, pain, danger, and constant loss.

Es war doch Weihnachten, wenn ich mich recht erinnere, dass viele vor dem Fernseher sassen, in der alten BRD und weltweit, a long, long time ago, um der live ausgestrahlten Premiere eines Beatles-Songs zu lauschen. Nun erinnere ich mich auch daran, dass „Love Is All You Need“ mich nicht gerade vom Stuhl haute, und sicher zu den schwächeren Songs des Quartetts aus Liverpool zählt. Weihnachtsbonus halt! Und den gibt es nun auch, auf einer Compilation aus dem Hause der Deutschen Grammofon Gesellschaft: Künstler zwischen Ambient und Neo-Klassik spüren programmatisch den Weihnachtsräumen ihrer Kindheit nach. Der herausragende Track dieses Werkes ist ein nahezu klassisches, neues Weihnachtslied der Eno-Brüder, das genauso eine Botschaft der Liebe zelebriert wie einst die Beatles. Keine subversive Lesart, kein Weihnachtsprotestlied. Und keine Angst vor Sentimentalität.

Dark in the world, our path is so uncertain
Stories once told, are not helping us through
When our days are done, we go behind the curtain
Will there be a place which is golden and new?

So beginnt das Lied, das von Brian Eno mit seiner mittlerweile tiefer gelegten Stimme hinreissend vorgetragen wird, und eine Bewegung von der Dunkelheit ans Licht beschreibt. Da seine Stimme zu meinen Lieblingsstimmen gehört, hätte ich mich auch gefreut, wenn er eine ganze Sammlung traditioneller Weihnachtslieder gesungen hätte, oder das berüchtigte Telefonbuch. Oder Elvis Costellos „New Year’s Model“ von 1977 neu intoniert hätte. Letzteres haben nun einige spanische Stimmen mit Bravour getätigt. 

So eine Liebesbotschaft brauche ich auch nicht wirklich, aber das ist halt in der Weihnachtszeit so, und das haben die  Beatles damals ganz ähnlich gehandhabt. Und, ja, „Wanting To Believe“ ist ein feiner Titel, den Brian als hin und wieder sich outender Atheist da gewählt hat. Vielleicht wechselt er gerade in mein Lager hinüber, das der Agnostiker. Klar, viele werden den Song superduperkitschig finden, ich erinnere mich an eine Mail von Jan und einen Kommentar von Uli.

Aber das mit dem Kitsch ist relativ relativ (das ist kein Doppler jetzt): das gerne allseits in den Himmel gehobene Abschiedswerk von Lyle Mays ist in meinen Ohren, bei allem Respekt für Mays, seine Vita, seine Widmung Richtung Eberhard, und die beteiligten Musiker, ein aber mal so heftig verzuckertes Opus von frappierend-virtuoser Banalität – Meilen und Meilen und Meilen entfernt von der Klasse von Seite 1 seines mit Pat Metheny geschaffenen Werkes „As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls“. Eigentlich sollte letzteres damals ein Soloalbum von Lyle Mays werden, aber das Ego von Metheny funkte wohl dazwischen, wie ich mal gelesen habe. Das Album mit dem Telefonhörer auf dem Cover ist für mich sein wahres Vermächtnis, eine Sternstunde fürwahr. Man kann zu „As Wichita Falls, So Falls Wichita Falls“ (Seite 1, wie gesagt, die Grosskomposition, Seite 2 ist deutlich schwächer) immer wieder zurückkehren, und immer wieder wird man Neues, Unerwartetes entdecken.

Aber hier, bei dem Album „Eberhard“, was gibt es da, um Himmels Willen, für unerhörte Räume?! Da scheinen mir religiöse Menschen – resp. Mitglieder eines Fanclubs – ggf. ihren privaten Traum eines sanften Hinscheidens (oder einfach nur  die Bewunderung für den Verstorbenen) hineinzuprojizieren, in all dieses säuselnde, schillernde, süsse Gewalle und Geraune. Als Besänftigung, akustisches Valium, taugt diese Musik unter gewissen Umständen schon. Und für Lyle Mays war die Arbeit und Fertigstellung des Albums zweifellos eine erfüllte Sterbebegleitung voller guter Geister, aber deshalb allein noch lang kein Kunstwerk von grosser Strahlkraft. Es gibt natürlich noch zwei andere Erklärungen für meine recht solitäre Wahrnehmung: als ich das Album hörte, könnten meine Ohren, psychoakustisch, eine desolate Tagesform gehabt haben, und mir sind vielleicht all die zahllosen magischen Details eines grossen Wurfes entgangen. Fair enough. Und die zweite: „de gustibus non est disputandum“.

sending us places

and without wordy words

the surgeons of the nightsky

recall those who are gone

by  the power of sound

(in memory of j.h.)