Manafonistas

Was Höhen – und Breitengrade sowie Stilfragen angeht, liegen die Soundwelten dieser Stunde weit auseinander, und doch ist nichts wild zusammengewürfelt! Zwölf Alben, zwölf Horizonte. Am Mikrofon begrüsst Sie Michael Engelbrecht. Wir beginnen mit dem neuen Album der „roots-bewussten“ wie radikalen irischen Folkband Lankum, und landen schlussendlich in einer Berliner Dubwerkstatt mit dominikanischen Wurzeln. Genug der Vorrede. Ich habe Ian McLynch von Lankum nach ihrer Handhabung irischer Überlieferungen gefragt, und wieso das Werk, als wäre es eine Fälschung, „False Lankum“ heisst.

 

Besondere  Momente passieren zuweilen, wenn sich, bei der Gestaltung des JazzFacts-Magazins, (fast) alle Teile wie Mosaiksteinchen ineinander fügen. Einen frischen Wind (von nicht so naheligender Seite) bringt Niklas Wandts Beitrag über ein ungarisches Jazztrio, angeblich mit dezenten Anklängen Richtung Prog Rock. Der andere Beitrag von Karl Lippegaus befasst sich mit einer neuen Biografie von Albert Ayler.

A propos „Free Music“: Zu der „woman power“ der JazzFacts vom 12. Januar (Deutschlandfunk, 21.05 Uhr) zählt u.a. das hochspannende Soloalbum der Sängerin und Pianistin Maggie Nicols „Are You Ready“ (das übrigens auch einen Albert Ayler gewidmeten Song enthält – sie ist Jahrgang 1948, war schon 1971 auf dem jüngst wieder aufgelegten Klassiker „Septober Energy“ von Keith Tippetts „Centipede“ dabei – und wo war eine ihrer frühesten Stationen – im Moulin Rouge. Und wenn es klappt mit der Zeit, bringe ich  noch die „Schwarzwaldfahrt“ von Brötz und Bennink unter.)

Drei neue Alben von ECM Records gibt es im Januar, einmal von Mette Henriettes Trio (ts, p, cello), resp. ihrem Album „Drifting“ (ein perfekter Titel!), dann  „A Short Diary“ von Sebastian Rochford, aufgenommen im alten Haus seiner Kindheit in Schottland, und das aus guten Gründen. An seiner Seite der Pianist Kit Downes. Mette und Sebastian habe ich zu ihren Arbeiten befragt.

Das dritte ECM-Album  stammt von dem Bassisten  Anders Jormin und präsentiert eine spannende Verbindung von Lyrik und Jazz, von Improvisation und Folk. Neben der Sängerin und Violinistin Lena Willemark ist auch eine japanische Musikerin an der 25-saitigen Koto mit von der Partie. Die Bandbreite der Lyrik reicht weit, von Tomas Tranströmer über Octavio Paz bis hin zu Lena Willemark selbst (alle Texte liegen in englischer Übersetzung bei). Gesetzt ist, was das weite Feld des skandinavischen Folk-Jazz betrifft, (und als äusserer Rahmen dieser Jazzstunde) auch Uusi Aika aus Finnland. Was Tiefenentspanntheit und traumverlorene  Soundpoesie angeht, könnten sie sich für den nächsten Film von Aki Kaurismäki bewerben. (Update am 12. Januar, 19.00 Uhr – natürlich kann sich jederzeit noch etwas ändern.) 

 

So begeisterte sich Ian McEwan für L.P. Hartleys „Ein Sommer in Brandham Hall“, dass er sich im Laufe seines Lebens immer wieder an das Buch erinnert fühlte und die darin sich entfaltende „Atmosphäre der Sehnsucht nach vergangenen Zeiten und kindlicher Unschuld.“ Ob mit dem Briten da ein paar Gäule durchgegangen sind, frage ich ich mich schon nach 80 Seiten, denn eins ist mal gewiss: eine Menge kindlicher Durchtriebenheiten und Seelenschmerz pur erfährt und erleidet bis dahin schon unser Protagonist mit Namen Lionel (den er selbst als „überkandidelt“ empfindet). Natürlich gibt es auch rauschhafte Erfahrungen des Kindseins, des Heranwachsens: beim Versinken in diesen Seiten aber ahne ich, dass für beinah jede Art von naivem Staunen und Ergriffensein ein Preis zu zahlen sein wird (und da ich überzeugter „Anti-Calvinist“ bin, ist auszuschliessen, dass ich dem Lauf der Ereignisse eine engstirnige Weltsicht verpasse oder hineinprojiziere). Hartleys Werk ist, neben dem sinnlichen Flow der Sprache (und allem anderen), eine verdammt fein geschliffene Analyse von Klasse (social class), Anpassung und Unterdrückung. Ein Happy End sehe ich da nicht kommen, leider nein, die Andeutungen des Erzählers machen zudem klar, dass alles auf ein erstklassiges Desaster hinausläuft. Toll geschrieben, toll erzählt. Es ist das Jahr 1900. Da sieht man sie schon lebendig vor sich, die Snobs, die „Etonians“, die grosskopferten Vorläufer eines Boris Johnson und seiner Sippschaft, mit ihrem dezenten Grössenwahn. Aber so funktionieren nun mal Reisen in die Kindheit anderer, dass sich das Unbewusste des Lesers seine ganz speziellen Wege bahnt, und einen Abgleich vornimmt mit Räumen der ureigenen Kindheit und Jugend. So geschehen heute Nacht in meinen Träumen, und wohl nicht zum letzten Mal. Plötzlich war es das Jahr 1970, und ich kehre in den Wildbahnweg zurück, ein heisser Sommertag im Dortmunder Süden. (Fortsetzung folgt.)

 

All of a sudden, that creaky bass, murmur
of water and wind (blown away
by dark, green vinyl). If the
window is shut, open it (a second),
the animals will take center stage
among the garbage and the flowers.
„Uusi Aika“, this sweet distant cousin
to Jone Takamäki’s „Universal Mind“
and Edward Vesala‘s „Nan Madol“!
We don‘t describe Finnish horizons here.
We avoid buzzwords – more helpful
anyways, that good connection
to wolves in the backyard,
strolling, roaming, having a word.

 

OTTO ESKELINEN alto sax, shakuhachi, alto clarinet, vocals / JOHANNES SARJASTO piano, synth, accordion, vocals / TAPANI VARIS double bass, vocals / AMANDA BLOMQVIST drums, percussion, vocals / (not to forget that cat with the short apparition of a sitar) 

That’s how it is. Music that dwells between all horizons is hard to grasp. Listening in briefly is not an option here – lingering is the magic word, all stranger things considered. At the end of this journey, a certain Loplop is wandering around in the forest. Do you know Loplop? I didn’t know the journeyman until now. Nor those paintings by Max Ernst in which he captured dark forests on canvas that human beings should better not visit. Only the magical bird Loplop succeeds in these forays.

The prelude to these ten excursions into rare, real, surreal terrain is entitled „This Town Will Burn Before Dawn“. When the piece first took shape, the composer, whose instruments are listed as „electronics & sampling“, had in mind a pulsating, shining city full of inventions that is burnt down by barbarians, but without destroying the last traces of hope.

From track to track, the scenery is changing. Years ago, an asteroid approached Earth, stopped just before entering our orbit, and sped off in the opposite direction. Even scientists couldn’t come up with a completely plausible explanation, and the internet was flooded with theories that, of course, included extraterrestrial life. „Oumuamua, Space Wanderings“ is the apt name of the composition of a wonderfully strange album that apparently sets itself no limits thematically.

We travel in 80 worlds around the day anyway (some just don’t realise it). One thing at least seems to permeate all these ascetically conceived pieces: a sense of transformation, of traces of light in the darkest zones. Such things can easily go wrong, with minor-key textures, soaring pathos, plainly knit „new age“ props, and strained big-art bric-a-brac.

 

 

 

 

Evgueni Galperine doesn’t fall into any of these traps on „Theory Of Becoming“, an album that, despite its continuously surprising contrasts, gives space and depth to every single moment. Quiet seductively, the pieces (apparitions) let fall one mask after the other  – sometimes we hear the dancing swing of a children’s song, sometimes a barely disguised earworm, a lost score of late romanticism, a Jules Verne-tested space travel or a chronicler of real horror.

„Theory of Becoming“ is completely cliché-free meditation music. And exciting to boot. It could become a new favourite album for listeners who appreciate the collected areas and immersions of Steve Tibbetts‘ „Life Of“ or Arvo Pärt’s „Tabula Rasa“, or the solo album by Mark Hollis, probably also for those who like to return to one or the other classic from the treasure troves of „Made To Measure“ and „Obscure Records“, historic labels and playgrounds for the undefined (founded once upon a time, deep in the last century, by Marc Hollander and Brian Eno).

And anyway, this terrific album bears the signature „produced by Manfred Eicher“. As a somewhat quieter presence, the strange bird Loplop was certainly also present in the Paris studios. And he knows the fast ways out of the protective zones of sheltered high culture and  into the beating heart of our wilderness!

 
 

„Hello, Uschi, hello, Übersee, you‘re in a Dylan song now: if you see her, say hello!“ „Und, wirklich, Gudrun, sie kam in dein Büro, um sich die Haare zu mit warmem Wasser waschen zu können. Wunderbar, so war es im Hinterland.“ Manchmal kam sie, und wir liebten uns, während der charmante Garagenrock des Debuts meiner neuen australischen Lieblingsband lief. 1982. Scheint eine Weile her, aber zuweilen sind wir zeitlos. Obwohl das erste Werk nur eine vage Andeutung des Zaubers war, der auf dem Zweitwerk rundum eingelöst wurde, etwa mit dem Jahrhundertsong „Cattle and Cane“, machte es klick. Als wir in Regensburg in einer Studentenkneipe sassen, erklang einer der Hits aus dem damals viel gefeierten Album „The Lexicon Of Love“ von ABC. Das war nicht meine Musik, zu glitzernd, zu pathetisch, zu schmalztollig (ich sollte nie ein Fan der Produktionen von Trevor Horn werden und „Frankie Goes To Hollywood“ ging an  mir komplett vorüber, selten eine Band gehört, die mich mehr anödete). „Lexicon Of Love“ war immerhin ein Titel, zu dem ich in meinem Leben einige Einträge beisteuern wollte, solche mit „forever and a day“ und dergleichen. Also wurde der Soundtrack unserer Story auch von ABC mitgeschrieben. „Come on, Eileen“ traf meinen privaten Rauschzustand am besten.

Damals, nah der tschechischen Grenze, war es nicht so leicht, über neue aufregende Musik auf dem Laufenden gehalten zu werden, aber in irgendeinem Magazin, und hier wird die Erinnerung hauchdünn, glaubte ich, gelesen zu haben, wie Grant McLennan und Robert Forster auf den Namen ihrer Band kamen. Vor ein paar Tagen fielen mir der Guardian in die Hände und ein Essay von Geoff Dyer. Ich las, worum es ging, schmunzelte, schnitt den Text aus, ohne ihn en detail gelesen zu haben, und verstaute ihn in meiner Schatulle für kleine Texte, deren Zeit noch kommen wird. Ich gab eine Bestellung auf, und eine Woche später hielt ich das Buch in den Händen, das ihr oben abgebildet findet. Ein Mängelexemplar, aber in meinen Händen fühlte es sich wie neu an. „Ein Sommer in Brandham Hall“ erschien 1953 und gilt mittlerweile als Klassiker. Geoff Dyer kannte die Verfilmung, und geriet wohl jüngst vollkommen in den Bann dieses „alten Schinkens“ von L. P. Hartley. Soviel war beim Huschen über den Text zu erkennen. Übrigens, der Originaltitel lautet „The Go-Between“. Bingo.

H. und ich gingen damals an einem Wochenende kreuz und quer durch Regensburg, und da ich gerade mal wieder zwei Kapitel von „Der schwarze Hund von Bergeinöden“ geschrieben habe, erobern die Erinnerungen alte Farben zurück, und spezielle Orte. Ich muss mit H. auch in der Buchhandlung Dombrowsky gewesen sein (dem Terrain der baldigen Lebensgefährtin von RF), und noch wusste ich nichts von so manchen dezenten biografischen Parallelen mit den Australiern. Meine Einträge im „Lexicon Of Love“ endeten für eine ganze ganze Weile im Oktober 1982. Zwei Monate später stand ich im Laden von „Rough Trade“ in Notting Hill und kaufte eine Single von „Aztec Camera“. Nun habe ich den Prolog des Romans gelesen (wow!), und habe keine Zweifel mehr daran, wie die beiden „best buddies“ blutjung auf ihren Namen stiessen – a perfect match! Zum Frühstück liess ich das neue Album von Robert Forster, „The Candle and The Flame“, erschallen. Wunderbar. „I don‘t do drugs, I do time.“

 

(thanks to Tapete Records, Hamburg, for kind support and a special gift for Christmas)

 

Lonesome fields. In diesem Jahr erzählte ich öfter, eingerahmt von Stories über die Solojahre von Robert Fripp, oder in kurzen Reminiszenzen, von der alten Bande von Furth i.W. – oder besser, von alten Banden, wir waren ja keine Verbrecher, wir waren mit Herz und Kopf bei der Sache, als „Pioniere“ der Behandlung von Suchterkrankungen mit dem Reservoir der Kognitiven Verhaltenstherapie. Ralf, Uwe, Petra, Willi, Gudrun, Hansjörg, und all die andern… Im Mai traf sich der „harte Kern“ wieder, im damals von uns so wahrgenommenen „Nirgendwo“.

Lifers, actually. Damals fanden auch die Go-Betweens zu meiner Soutterainwohnung am Ausläufer des Hohen Bogens. Mit ihrer ersten Platte „Send Me A Lullaby“. Aus der gar nicht so grossen Ferne nahm ich da wahr, wie Robert Forster, unweit von mir, und parallel zu meiner sehr viel kürzeren Love Story, seine grosse Liebe fand, Karin Bäumler (in Heidelberg und der Buchhandlung Dombrowsky in Regensburg). Mit Robert und Grant, und später auch Karin (Violine spielend an der Seite Roberts), flogen die Jahrzehnte vorüber. Das war und ist lebensbegleitende Musik. The deep stuff. Nach der plötzlichen Krebsdiagnose von Karin wurde das gemeinsame Spielen daheim Zuflucht, Ritual, Teil der Therapie. 

The deepest stuff. Bald  (im Frühjahr 23) tourt Robert Forster wieder durch die Lande, mit der neuen Platte im Gepäck. A family album. Und an dieser Stelle fehlt mir der zündende nächste Satz, zwei konkurrieren miteinander: in dem einen konnte ich mir Brian Eno als Teil des Hintergrundchors von „Tender Years“ vorstellen, im anderen geht es um den seltsamen Gedanken, sich gut zu überlegen, von wem man sich das Herz brechen lässt (das ist natürlich Blödsinn, denn, ja, es war ein Traum, und ich war, once upon a time (in einem früheren Leben), in the Bavarian woods, one hour from Regensburg, genau dort, wo ich einzig und allein sein wollte, in ihr, in ihren Augen, in ihren Armen).

 

 

The Candle And The Flame. Ich rief gleich, als ich den Song hörte (und ich hörte ihn wieder und wieder), in meinen Ohren einer der ergreifendsten Liebeslieder der letzten und vorletzten Zeiten, bei Robert Forsters Hamburger Label an. „Ich brauche die Platte einfach vor Weihnachten.“ In der MOJO vom Februar 2023 (bereits erhältlich) findet sich ein exzellentes, langes Interview mit Robert Forster, und eine, uns Freunden der alten Band, fraglos berührende Bildergalerie. Und, ach, ach, dieser aus der Hüfte geschossene Satz aus einem anderen, neuen Lied von Mr. Forster: i don‘t do drugs, i do time. „Tender Years“ ist ein „heartbreaker“! And it does time.

(„The Candle And The Flame“ erscheint am 3. Februar bei Tapete Records – ich spiele ziemlich sicher einen Song daraus in den Klanghorizonten, am 27. März, zwischen 21.05 und 22.00 Uhr, im Deutschlandfunk)

Mein Faible für Michael Nauras Sendungen begann schon vor meinem Abitur, wenn ich in den grossen Ferien auf Langeoog oder Borkum seinen Konzertmitschnitten lauschte, oft bereits zur Mittagszeit. ECM Records in den Siebzigern, the golden years, ich denke, die Hörer im Norden konnten kaum eine der ersten dreihundert Produktionen von Manfred Eicher verpassen. Musik war eine Sache von „Body and Soul“, und ein kleines Phänomen, das mir elegant den Boden unter den Füssen wegzog, woosh!, und ganz viel mit „Body and Soul“ zu tun hatte, traf mich unverhofft, als ich mich an der Rezeption des Nordseehotels (das an der Kurpromenade von Borkum, mit Blick zum Meer in den teureren Zimmern) umdrehte, und ein „Girl“ sah, dass direkt dem gleichnamigen Beatles-Song entsprungen zu sein schien, der Melodie, nicht den lyrics.

 

Ich erspare mir die Beschreibung dieser absoluten Schönheit, ich erspare dem Leser dieser Zeilen aber nicht, dass sie mich anschaute wie ihren zukünftigen Gemahl. In Woody Allen-Filmen ist das der Moment, wo der Angeblickte sich umschaut nach einem Adonis, der womöglich das wahre Objekt dieses verliebten Blickes ist. Sie meinte mich. Und hier stellte sich auf Anhieb das „Licorice Pizza“-Problem dar (in Abwandlung). Dort verliebte sich ein 15-jähriges Greenhorn in eine 25-jährige Frau, hier stand mein 19-jähriges Ich (a deep romantic, no lucky fucker) einem 15-jährigen Mädchen gegenüber. So hinreissend. Sie. So unwiderstehlich. Sie. So offen. Sie. Und natürlich begann ich das Gespräch. Sie schmolz vor meinen Augen dahin, es war völlig unglaublich, und ich besass dafür keinerlei Abgleich jenseits reiner Träumerei.

 

Wir gingen Pflaumenkuchen essen in der windigen Strasse mit den zwei Kinos (Claude Lelouch und alte Western), hielten die Hände am Meer, übertrafen einander in der Tiefe unserer Blicke. Sie hörte mit mir auf der Couch, in meinem Zimmer, Dave Liebmans Lookout Farm, den jungen Jan Garbarek, wir flogen. Ihre Küsse waren Honig, Alabaster, Onyx und Blue Velvet. Sie zerfloss, wie ich zerfloss. Das ist seltsame Musik, flüsterte sie in mein Ohr, und küsste das Läppchen. Dann, anderntags, in ihrem Zimmer, wir entblössten uns, obenrum, es schien ein Märchen aus 1001 Nacht Gestalt anzunehmen und die Tür öffnete sich und ihre Tante stürzte mit entsetztem Aufschrei herein. Sie beendete den Zauber, drohte mir mit einer Anzeige sowie Hotelrausschmiss, und ich sagte: „Es ist alles in Ordnung. Ganz ruhig. Wir wissen, was wir tun.“ Der letzte Satz war tollkühn. Die Tante liess sich allerdings gar nicht beruhigen.

 

Danach schrieben wir uns, sie wohnte im Spessart, in Amorbach, wo sonst, und ihre Antwort auf meinen lyrischen Zeilenzauber war auf Micky Mouse-Papier verfasst, in purer Schönschrift, und las sich wie aus einem Poesiealbum der frühen Schultage – ich erkannte meine Blindheit, und es tat einen Moment lang weh. Sie einfach zu sehr Girl, zu wenig Woman, und mit allerliebsten Worten nahm ich Abschied. Ich legte Ruta and Daitya auf von Keith Jarrett und Jack DeJohnette und wusste, wenn ich einen langen Atem gehabt hätte, hätte, hätte … – dann hätte ich mich vielleicht nur zwei Jahre gedulden müssen, und sie wäre wieder aufgetaucht, mit silbernen Küssen, Schneezauber und Unendlichkeit. A smart cracker. A heartbreaker. So etwas fällt einem ein, auf einer langen Autofahrt von der Küste an den Niederrhein, mit Keith Jarretts „Facing You“ im Cd-Player meines Toyoten, nach zwei Stunden Blitzeis, und einem Schleudermanöver dritter Klasse. 

 

Diesmal gilt es sechs bis sieben Fragen zu beantworten. Nur wer mindestens sechs der sieben richtig beantwortet, erhält den ersten und einzigen Preis, und der hat es in sich. Keith Jarretts Bordeaux-Konzert, The Ruby Cord von Richard Dawson, und Oded Tzurs „Isabel“, alle als CD. Geht auf den Postweg vor Weihnachten. Ich reagiere bei den comments erst, wenn es einen Gewinner gibt. Die Antworten müssen hier, gebündelt in einem einzigen comment, auftauchen, jeder hat nur einen Versuch. Deadline ist der 20. Dezember, 12 Uhr mittags.

 

1) Wer ist der Musiker vor der guten alten roten Telefonzelle?

 

 

2) Wie heisst die erste Langspielplatte, auf der Klänge von Bill Frisell auf einer ECM-Platte zu hören sind?

3) Wer war der berühmte Klavierlehrer des deutschen Pianisten Sebastian Sternal, dessen feinen Solopianoalbum „Thelonia“ im Kammersaal des Deutschlandfunks aufgenommen wurde?

4) Bei welchem berühmten indischen Musiker ging Oded Tzur „in die Lehre“, sozusagen?

5) Welchem Virtuosen aus der Klassischen Musik hat Brian Eno eine Reihe raffiniert-vertrackter, rhythmischer Tracks zugesandt, mit der Frage, ob er Lust habe, mit diesen Sounds zu arbeiten, für ein gemeinsames Album?

6) Wie lautet der Name des Pianisten, der auf einer ECM-Produktion als Sideman eine kleine, in Teilen defekte, „organ“ spielt? Das Album wurde von Richard Williams einst im Melody Maker gepriesen, in einer Dreifachbesprechung, neben Brian Enos „Music For Films“, und Weather Reports „Mr. Gone“.

7) Wie hiess eine Lieblingsplatte von Jo Siemer im Jahre 1978 (ist nicht unbedingt aus dem Jahr 1978), die er wieder und wieder, besonders auf einer langen Englandreise hörte, und unlängst mit nicht nachlassender Begeisterung wiederentdeckte: John Coltrane: Ascension / oder Little Feat: Waiting For Columbus / oder Gustav Mahlers 3. Symphonie (Dir: Leonard Bernstein). Think twice, good luck!

 

So ist es. Nicht mal ein berühmtes Label (ECM) reicht aus, heutzutage, einer Musik, die zwischen allen Horizonten haust, grösseres Gehör zu verschaffen. Bestimmte Klänge erscheinen kaum greifbar, zu sehr „in between“, wenn sie gleichsam aus dem Nichts auftauchen. Kurz reinhören geht hier gar nicht – Verweilen ist das eine Zauberwort. Sich-Überraschen-Lassen das andere. So treibt sich am Ende der Musik ein gewisser Loplop im Wald herum. Kennen sie Loplop? Ich kannte den Gesellen bislang nicht. Auch nicht jene Bilder von Max Ernst, in denen er dunkle Wälder auf die Leinwand bannte, die menschliche Wesen besser nicht aufsuchen sollten. Allein dem magischen Vogel Loplop gelangen diese Streifzüge. Der Auftakt dieser zehn Exkursionen in rares, reales, surreales Terrain trägt den Titel „This Town Will Burn Before Dawn“. Als das Stück erste Gestalten annahm, schwebte dem Komponisten, als dessen Instrumente „electronics & sampling“ gelistet sind, eine pulsierende, leuchtende Stadt voller Erfindungen vor, die von Barbaren niedergebrannt wird, ohne aber letzte Spuren der Hoffnung zu vernichten. Doch wie in jenem legendären Kurzfilm „Meshes of The Afternoon“, archetypisch vorgeführt von Maya Deren, ändert sich die Szenerie mit jedem Schritt ins Unbekannte. Erinnern Sie sich? vor Jahren näherte sich ein Asteroid der Erde, der kurz vor dem Eintritt in unseren Orbit Halt machte, und in die umgekehrte Richtung davonzog. Selbst Wissenschaftler kamen zu keiner rundum einleuchtenden Erklärung, das Internet wurde geflutet  mit Theorien, die natürlich auch extraterrestrisches Leben ins Spiel brachten. „Oumuamua, Space Wanderings“ ist der treffliche Name der Komposition eines Werkes, das sich thematisch anscheinend keinerlei Grenzen setzt. In 80 Welten um den Tag reisen wir ohnehin (manche merken es nur nicht). Eines scheint all diese asketisch angelegten Stücke zu durchdringen: das Gespür für Wandlungen, für Spuren von Licht in finstersten Zonen. Sowas kann leicht schieflaufen, mit mollgetränkten Texturen, auffahrendem Pathos, schlicht gestrickter „New Age“-Requisite, und angestrengtem Grosskunst-Brimborium. 

In keine dieser Fallen tappt Evgueni Alperine auf „Theory Of Becoming“, einem Album, das seinen fortlaufend überraschenden Kontrastierungen zum Trotz, jedem einzelnen Moment Raum und Tiefe gibt. Verzettelung ist ein Fremdwort für ein Werk, das, durchaus verführerisch, eine Maske nach der andern falllen lässt – mal mutiert es zur tänzerischen Schwingung eines Kinderliedes, mal zum kaum verkappten Ohrwurm, zu einer verlorene Partitur der Spätromantik, zu Jules Verne-erprobter Weltraumfahrt oder zum Chronisten realen Schreckens. „Theory of Becoming“ (Lp/Cd) ist eine Art vollkommen klischeebefreiter Meditationsmusik. Und spannend obendrein. Es könnte ein neues Lieblingsalbum werden für Hörer, die die gesammelten Areale und Versunkenheiten von Steve Tibbetts „Life Of“ oder Arvo Pärts „Tabula Rasa“ schätzen, oder das Sololbum von Mark Hollis, wohl auch für solche, die gerne mal zu dem einen oder anderen Klassiker aus den Fundgruben von „Made To Measure“ und „Obscure Records“ zurückkehren, diesen historischen Labels und Spielwiesen für Undefiniertes von Marc Hollander und Brian Eno. Und sowieso trägt das Teil die Signatur „produced by Manfred Eicher“. Als etwas stillere Präsenz war gewiss auch der seltsame Vogel Loplop zugegen, in den Pariser Studios. Und der kennt die schnellen Wege, raus aus den Schutzzonen behüteter Hochkultur, und, wie aus dem Nichts, hinein in all unsere Wildnisse!

 

(Das ist meine Weihnachtsbotschaft, „meine kleine Winterreise“, und ich denke, am 27.März in den Klanghorizonten des Deutschlandfunks um 21.05 Uhr werde ich eine dieser Kompositionen des in Paris lebenden Russen in die Umlaufbahn schicken, ungefähr um 21.45 Uhr, in bester Gesellschaft. So macht man das mit dem „Unerhörten“.)