Manafonistas

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Archives: Oktober 2020

 

Short documentary: Visiting Jan Jedlička in Prague, June 2019

(English translation of the text below in comments)

 
 


 
 

From The Green Hill von Tomasz Stańko ist eine der besonderen, typisch singulären Eicher-Produktionen: Eine einmalige, einzigartige Band kam im Rainbow Studio in Oslo zusammen, wie es sie davor und danach nicht gab. Mit dem 2018 verstorbenen polnischen Trompeter spielten der englische Baritonsax-Individualist John Surman, der argentinische Bandoneon-Meister Dino Saluzzi, die sich rar machende US-Amerikanerin Michelle Makarski an der Geige, der Schwede Anders Jormin am Bass und der ebenfalls unlängst verstorbene, allseits verehrte Schlagzeuger Jon Christensen aus Norwegen. Es war die erste CD von Stanko, die ich entdeckte, und entsprechend ist sie mir bis heute die liebste. Die Musik ist, wie ich es liebe, unklassifizierbar zwischen Genres und Stilen, kein Wunder bei dieser Besetzung. Zu einer ähnlichen Zeit entdeckte ich John Surman auch auf Anouar Brahems Thimar, und so sind diese beiden CDs vielleicht die in meiner Musikbiografie wichtigsten ECM-Alben der 1990er geworden.

 
 


 
 

Immer hatte ich mich gefragt, was auf dem Cover von From The Green Hill zu sehen ist. Offenkundig ist es kein normales Foto – wenn man genau hinsieht, kann man auf dem CD-Cover die Schlieren von altem VHS erkennen. Ich habe mich immer an diesem Bild gerieben, weil ich nicht der größte Fan davon bin, Filmstills von VHS auf CD-Cover zu verwenden. Auch konnte ich mich nie entscheiden, ob ich es eine gute oder eine alberne Idee finde, den grünen Hügel des Albumtitels im Motiv widergespiegelt zu sehen. Andererseits ist das Motiv genauso singulär wie das gesamte Album, und das quasi in der Zeit eingefrorene Feuer und der dazugehörige Rauch ist in jedem Fall eigenwillig.

Da Jan Jedlička über die Jahre noch für eine ganze Reihe anderer einzigartiger und eindrücklicher ECM-Covermotive verantwortlich zeichnet, unter anderem meinem persönlichen Piano-Solo-Lieblingsalbum, Der Bote von Alexei Lubimov, hatte ich immer die Idee, den tschechischen Künstler irgendwann einmal zu besuchen und ihn zu seiner Arbeit zu befragen. Dies sagte ich auch vor Jahren Manfred Eicher, der ein solches Portrait ebenfalls als eine gute Idee bezeichnete, und bei einem meiner Besuche in Gräfelfing tatsächlich direkt mal mit Jan Jedlička telefonierte und ihm das sagte. Es verging noch ein wenig Zeit; die Idee der 50 Kurzfilmportraits reifte, wurde gemeinsam besprochen und bei einem späteren Besuch am selben Ort mit grünem Licht bekräftigt.

Und so machte ich vor rund eineinhalb Jahren gemeinsam mit meiner Frau, selbst bildende Künstlerin, einen Wochenendausflug nach Prag, um Jan Jedlička in seinem dortigen Atelier zu besuchen. Zur selben Zeit war bereits ein tschechisches Team damit beschäftigt, einen längeren Dokumentarfilm über den Künstler zu drehen; sie hatten ihn in seiner Züricher und seiner italienischen Residenz in der Maremma besucht und gefilmt, und aus irgendeinem Grund hatten sie auch die Idee, mich beim Filmen zu filmen. Dies führte zu einer etwas unguten Filmsituation für mich, weil die drei Tschechen entgegen der Absprache nicht nur „kurz“ mit anwesend war, sondern fast den gesamten Zeitraum, so dass ich einigen Aufwand mit dem Bereinigen meiner Tonaufnahmen (lauter Holzboden … geräuschhaft mit Equipment agierende Techniker) hatte und hin und wieder auch den tschechischen Tonmann in meinem Bild hatte.

 
 


 
 

Der Schnitt zog sich bis letzte Woche immer wieder in Etappen hin, da ich die Interviewpassagen mit mühsam millimetergenau schnitt und auch visuell einige verschiedene Vorgehensweisen ausprobierte, bevor ich zu dem vorliegenden Endergebnis kam. Ursprünglich hatte ich den Plan, zu Jedličkas 75. den Film fertig zu haben; nun ist es ein Jahr später geworden. Aber ich denke, das Ergebnis ist sehr schön. Natürlich ist der Aufhänger Tomasz Stańkos From The Green Hill, aber man erfährt auch einiges andere mehr.

 

 

No, this pic is not Covid-19-related. It‘s a map of radio stations. Just saying.  David Mitchell had known Brian Eno‘s music a long time before Brian Eno had been reading one of David‘s novels. A question of age. My small contribution to this was that once upon a time I sent David‘s „Cloud Atlas“ to Brian, and, as the rumour goes, Brian disappeared in that book for a while, and, maybe solved some of the musical mysteries inside. Just wait for the day he‘ll come up with some strange Cloud Atlas String & Synth Quartet. Nevertheless they started writing letters to each other. And now again, a new conversation, in times where many of us have a lot of extra time.

 

 

What is it all about? Not to give away too much, Brian has a new favourite app called „Radio Garden“ (see photo above), he had recently been reading David‘s Novel „Die tausend Herbste des Jacob de Zoet“ for the third time („such a fantastic book“), and they both speak of „cliché detectors“, in terms of avoiding traps of habit. There are some thoughts on John Cage, and I didn’t know Joseph Haydn musics once had a certain, discreet impact on the origins of Brian‘s ambient music. And Eno reveals he once had a knack for the Ray Conniff Singers. David loves writing while „Music for Airports“ is hanging in the air, and discovereded some  awesome structural elements of working with time-lines, incl. flashbacks (and flash-forwards), particularly in televisionary narratives on Netflix, and series like „Better Call Saul“ and „Breaking Bad“. Anyways, there‘s much more going on here, and thanks to Tom Boon for making this very special manafonistic Sunday experience possible!

 

 

As a singer, Tweedy patrols the trunk road between regret and resilience. Straight-legged sincerity, when he chooses to use it, is a good look: see the thankful love song “Even I Can See”. Tweedy is probably more instinctively comfortable undermining himself, as on the countrified “Natural Disaster”. That song’s image of “a lightning bolt punch a bird right out of the sky” may be a nod to the sudden death of a flamingo in Charles Portis’s book The Dog Of The South. On a further literary note, Tweedy’s pal, author George Saunders, provides a couple of lines to the sprightly “A Robin Or A Wren”, a song that manages to roll together romantic devotion, love of life, fear of death, and a playful suggestion of reincarnation. Saunders’ lines are about “the end of the end of this beautiful dream”. Tweedy, with his unerring ability to find himself while getting lost, ushers in a conclusion that is happy and sad, with hope kept aflame by his faith in the power of song.

(Dawn Landes, Uncut, December 2020)

 

Jeff Tweedy – „Guess Again“ (Official Lyric Video)

 


Das sind ein paar sinnige, abschliessende Sätze, die Dawn Landes über „Love Is The King“ geschrieben hat. Jeff Tweedy ist ungefähr so hyperkreativ wie Wayne Coyne von den Flaming Lips. Gerade ist Tweedys Buch über die kleinen Geheimnisse des Songschreibens erschienen, und das neue Album lässt auch nicht mehr lange auf sich warten. In den nächsten Klanghorizonten wird es auf jeden Fall auftauchen (oh, hoppla, das Teil erscheint erst im Januar 2021), 
die es im Dezember gleich zweimal geben soll. Postscriptum: The two close-up hours read like old hats, but, believe me, surprises are part of the game!

 

 

 

 

Klanghorizonte 19.12.: Neuland: Elena Duni, Ian William Craig, Hen Ogledd, Lambchop, Dino Saluzzi u.a. / Nahaufnahme: „Das Private und das Politische – Das  Künstlerehepaar Robert Wyatt & Alfie Benge“  / Zeitreise: Bernard Hermann, Ran Blake, Al Green u.a.

 

Klanghorizonte 26.12.: Neuland: Jahresrückblick 2020, mit Jon Hassell, Tony Allen, Michel Benita  u.a. / Nahaufnahme: „Die Soundtracks von Brian Eno für imaginäre und reale Filme“ * / Zeitreise: Herausragende Wiederveröffentlichungen und Ausgrabungen 2020, mit Thelonious Monk, Hiroshi Yoshimura, Terje Rypdal (Descendre, 1979), Beverly Glenn Copeland u.a.

 

 

* For a man as forward looking as Brian Eno, lately his back catalogue has been brought into focus. After the Installations boxset and the half-speed remasters of his solo albums comes this 17-track collection of film compositions spanning 40-plus years. What this compilation reminds us is how wide an audience his film music reaches – for every Arena documentary or Derek Jarman film he’s soundtracked, you’ll also find contributions to Trainspotting, Dune or Married To The Mob. At one point, I misread the tracklisting and thought he’d written music for Cool Runnings – which, weirdly, wouldn’t surprise me. As it is, of course, the standard is uniformly high, from the sinister pulse of the Top Boy theme to the haunting majesty of Dune’s “Prophecy Theme”. These are stunning, ethereal studies in sound – immersive and often dramatic, despite their inherently passive nature. (Michael Bonner, Uncut, December 2020)

There are often bomb attacks happening,” says Aliou. “When the situation is anarchic like that, there are people who will use that situation, and stop the bus at night in the middle of nowhere, take money from people… Things like that happen every single day.” Finding themselves in a strange city – one of the world’s fastest growing – the trio of musicians gravitated to Domino, a bar for people of the Songhoy ethnic group. There, they began playing music together in 2013 with young drummer Nathanael Dembélé. From the start, they were musically unique in Mali – playing a mix of Western heavy rock, funk, Malian desert blues and African R&B. The beginning of Songhoy. (Uncut, December 2020)

 

So much of “Backwater Blues” is anything but country, yet at its heart, it’s as traditionally country as it gets. The drone and bells starting things off are a million miles away from the roots of the genre, yet the song’s vibe is pure country even when the guitar of Vieux Farka Touré adds tonal qualities that are distinctly African. That is to Joachim Cooder’s credit. Rather than being wedded to tradition, he’s more than willing to transform moments to add to the magic. (Spectrum Culture)

 

 
 

Erste Stunde: Songhoy / Paradise Cinema / Joachim Cooder / Nat Birchall meets Al Breadwinner / Shabaka & the Ancestors / Afel Bocoum / Anja Lechner & Francois Couturier

Zweite Stunde: Schlochtermeier / Bill Callahan / Belbury Poly / Hal Wilner & Marc Bolan / Schlochtermeier again / The Flaming Lips / Sankt Otten / Terje Rypdal (2020)

Dritte Stunde: „Terje Rypdal in den Siebziger Jahren“, incl the ECM-albums „What Comes After“, „Whenever I Seem To Be Far Away“, „Odyssey“, „After The Rain“ und „Waves“, and a road story of Steve Tibbetts in regards to Terje Rypdal‘s „Odyssey“

Vierte Stunde: Suzanne Ciani / Two poems by Will Burns, from his book „Country Music“, translated by Lajla and Martina / Bobbie Gentry / Steve Tibbetts / Van Dyke Parks & Brian Wilson / Jason Molina / Suzanne Ciani (again)

Fünfte Stunde: Brian Eno & Jah Wobble (1995) / Miles Davis („The Lost Septet“, 1971)

 

2020 15 Okt.

Damon Albarn in Devon

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„Ein Stück, „The Cormorant“, ist wahrscheinlich mein Lieblingsstück. Ich habe es nur als Gesang aufgenommen, als ich an einem Strand in Devon saß und diesen Kormoran beobachtete, der jeden Tag gegen 4.30 Uhr kommt, wenn das Meer ruhig genug ist, um ein bisschen zu fischen. Manchmal wird er von ein paar Robben begleitet. Ich bin während der Absperrung zu einer Boje in der Nähe des Strandes geschwommen, aber die Strömungen sind sehr unberechenbar, und ich hatte ein paar unheimliche Momente. Wenn man lange genug auf ein und denselben Raum schaut, kann man alles erkennen.“

2020 14 Okt.

Interview mit Michael Fahres

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„De todo el paisaje herreño
lo que mas atención llama
es el balcón de  Jinama.

 

Lajla Nizinski: Michael, auch dich habe ich auf dem Sonntagsmarkt in La Frontera kennengelernt. Du hast Germanistik, Musikwissenschaft, Theaterwissenschaft und Philosophie studiert. Und du bist Komponist. Du lebst in Utrecht, wo du zwei Jahre im Institut für Sonologie studiert hast. Anschließend warst du der Leiter des „CEM“ Studios in Amsterdam. Mit was beschäftigt sich die Sonologie?

Michael Fahres: Die Sonologie ist eine Wissenschaft, die die Welt der Klänge untersucht.

 
 


 
 

Du hast viele Projekte durchgeführt. Ich schlage vor, wir nehmen uns die für dieses Interview ausgewählten Projekte chronologisch vor. Bereits 1982 wurde dein Album „Piano. Harfe“ von ECM aufgenommen. Wie bist du in den heiligen Gral von Manfred Eicher gelangt und wie war die Zusammenarbeit mit ihm?

1979 habe ich das „European Minimal Music Project“ gegründet. Wir wollten untersuchen, ob es auch europäische, nicht nur amerikanische minimal Musik gibt. Es war Jürgen Drews, der damalige Leiter des Musikreferats des Goethe-Instituts, der die Verbindung zu ECM herstellte. 1980 entstanden dann meine beiden Stücke „Piano“ und „Harfe“. „Piano“ wurde dann etwa ein halbes Jahr später vom Rundfunk gesendet. Daraufhin rief mich Eicher aus dem Auto auf seiner Reise in die Schweiz an und bot mir einen Plattenvertrag an.

Wir haben über die beiden Stücke lange diskutiert. Er wollte als zweites Stück meine damals neue Komposition „Glasharfe“ nicht so gerne aufnehmen. Wir haben uns dann auf „Harfe“ geeinigt. Ich fuhr 1982 nach Ludwigsburg und habe da die Aufnahme meiner beiden Stücke realisiert. Eicher hatte damals auch Steve Reich unter Vertrag. Die Minimal Musikszene wurde also interessant. 1985 erschien dann die LP.

1994 hast du ein 16stündiges iKonzert am Masadafels in Israel aufgeführt. Der Ring von Richard Wagner dauert ebenso lang. „Sunwheel“ hat die Sonne zum Thema. Wie hast du das gemacht?

Zunächst wurde das Konzert 1992 in Lelystad / Holland in dem Sonnenobservatorium von Robert Morris uraufgeführt. Die Proben fanden übrigens im ATA TAK Studio in Düsseldorf statt. „Sunwheel“ ist eine Landschafts-Umgebungs-Musik, eine Sonnenuhr, die die Geschichte des Lichts erzählt. Zunächst habe ich die Sonne untersucht. Ich wollte die Sonne zum Klingen bringen. Wie ich das gemacht habe, steht hier. 1992 und 1994 haben wir ebenfalls mit den Knistergeräuschen von Feuer gearbeitet.

Auch in Masada zeigten wir am Ende den Film Lektionen der Finsternis von Werner Herzog. Er handelt von den Ölfeldern in Kuwait und zeigt, wie amerikanische Truppen die Ölfelder in Brand steckten. In Masada verwendeten wir auch einen Sonnensynthesizer, der Klänge produzierte, wenn die Sonne darauf scheint. Wir waren die ersten deutschen Musiker, die in Israel in Masada auftraten. Es war ein Gemeinschaftsprojekt mit israelischen Musikern. Schirmherr war das Goethe-Institut in Tel Aviv.

 
 


 
 

Wir sind hier in El Hierro. Nicht weit von deinem Haus fällt eine steile Felswand hinab in die Golfebene. Friedrich Nietzsche schrieb in „Jenseits von Gut und Böse“:  „Und wenn du lange genug in den Abgrund blickst, blickt der Abgrund auch in dich hinein.“ Ist der Titel deiner LP „Tibataje Abseits Jenseits Davor“ eine Entlehnung von Nietzsche?

Ja, das kann man so sagen. Als Kind empfand ich Berge als sehr bedrohlich. Als ich hierher kam, hatte ich Schwierigkeiten mit der riesigen Wand. Ich hörte damals ununterbrochen Arvo Pärt: „Tabula Rasa.“ Ich glaube seine Musik hat mich vor einer Depression gerettet. Seine Musik half mir, die Gewalt des Berges auch als positive Kraft der Natur zu sehen.

Wie seid Ihr bei diesem Projekt bei den fieldrecordings vorgegangen?

Die Musiker spielten Variationen von Rhythmen auf drei großen Trommeln, die auf Hierro hergestellt werden. Diese Rhythmen werden alle vier Jahre zu Ehren der Maria aufgeführt. Vor den Schlagzeugern wurden drei Mikrofone aufgestellt.

Die Musiker standen etwa 50 Meter vom Berg entfernt und in Abständen von 100 Metern zueinander. Außerdem ist weiter oben am Hang ein weiteres Gerät installiert, das überkuppelnd das gesamte akustische Geschehen aufnimmt. Um eine Synchronisation der jeweiligen Tonbandaufnahmen zu gewährleisten ist ein spezielles Beginnsignal, das Schlagen zweier Holzblöcke, vereinbart. In der Landschaft waren Ziegen, Falken, Geckos. Dies alles zusammen echote gegen die riesige Felswand, die das Echo zurück warf. Das war das Neue, ich fing den Sound auf und vermischte ihn mit den Klängen der Musik.

 
 


 
 

Deine kompositorische Formel könnte lauten: „Performance plus Natursound plus Naturecho“.

Ja, das stimmt.

Auf unserem Blog geht es viel um Ambient und seinen Erfinder Brian Eno. In seiner Sendung am 26.12. wird Michael Engelbrecht Musik von Jon Hassell spielen. Auf deiner CD The Tubes, die du auch auf Hierro aufgenommen hast, hört man die Wellen gegen den Stein schlagen. Und dann setzt die Trompete von Jon ein.

Ja, das sind keine Wellengeräusche. Der Klang kommt von der Bewegung der Wellen des Meers, die das Wasser in die Vulkan-Röhren drücken, deswegen auch „Tubes“. Rein und raus. Das ist ein sehr entspannendes Geräusch, so als ob wir gleichmäßig ein- und ausatmen. Von den 15 Stunden Tonaufnahmen konnte ich allein etwas eine Stunde verwenden, da die Luftgeräusche die Aufnahme übersteuerten . Das war die Urversion. Später kam dann die Version „Crosscurrents“ mit dem aboriginal Didgeridoo Spieler Mark Atkins in Sydney zu Stande – und dann natürlich „The Tubes“ mit Jon Hassel und Mark Atkins zusammen. Wir nahmen übrigens die Trompete mit dem besonderen Röhrenmikrophon von Daniel Schwartz auf, das Mikrophon, das auch Miles Davis verwendete.

Michael, herzlichen Dank für das spannende Gespräch.

 

2020 13 Okt.

Eine Nacht

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Sie klopfte, öffnete die Tür, schloss sie hinter sich. Und mein Herz klopfte auch. Es war drei Uhr nachts, und bei mir liefen beide Seiten von Terje Rypdals Album „Whenever I seem to be far away“. Ich dachte wirklich einen Moment, ich träume, aber sie hatte mich erst Tage zuvor, als wir uns zufällig in der Stadt sahen, ihren Eltern vorgestellt, die aussahen wie harmlose Wandersleute, die daheim Gartenzwerge aufstellen. Es war komplett unwirklich, weil sie so umwerfend schön war wie die junge Nico. Und obwohl in ihrer Grundart herzenslieb, war ich zu schüchtern, ihr Avancen zu machen. Ihr indianisches Aussehen passte gar nicht zu ihrer Familie, und ich war sicher, sie sei adoptiert worden. Alles an ihr blendete mich, so dass ich abends gerne eine Sonnenbrille aufgesetzt hätte, als wir hoch oben über unserer Studentenstadt Obstwein tranken. Niemand auf der fünften Etage des Wohnheims beschwerte sich über Rypdals Gitarre, tief in der Nacht, und meine Musik infiltrierte die Träume meiner Zimmernachbarn. Sie wusste, dass ich nachts manchmal im Sommer allergisches Asthma hatte (die City im Tal, ein Pollenkessel), und diese Droge mit Ephedrin nehmen müsse: nach zwanzig Minuten war die Luft stets wieder da, und ich ziemlich high. Genau in so einem Moment der Beglückung (Luft, Rypdal, Ephedrin) klopfte sie, kam herein, und schloss die Tür. Luft, Rypdal, Ephedrin, Andrea: ein euphorischer Taumel, denn sie kam unerwartet, wie aus dem Nichts. Geht es dir wieder gut, fragte sie mich, und ich hauchte mein Ja in zitternde Luft. Michael, du hast erzählt, dass du nachts Musik hörst, und ich bin dem Klang nachgegangen. Ich möchte mit dir schlafen.

 

2020 13 Okt.

seasons since summer

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Big Little Lies zählt zu den wenigen Highlights des TV-Erlebens jüngeren Datums. Meryl Streep: great acting, hart an der Schmerzgrenze, weil: that performed lady seemed to be a „psychopath“. Succession ist mein Champion. Ein Soundtrack aus überwiegend klassischer Musik, der an weihnachtliche Festtags-Stimmung denken liess, passte hier perfekt in das dekadente Ambiente einer familiären Medien-Bourgeoisie. Das in den Dialogen vorherrschende „Fuck off!“ gab dazu den idealen Kontrapunkt. Ja, diese Serie war ein Fest. Ansonsten war bei all der Streaming-Vielfalt „mediocre“ das Mantra: viel gut gemachtes Handwerk ohne erhebenden spirit. Alles sehr schön bunt hier. But David wants to fly! So schade, dass aus dem einst Besonderen schleichend das Gewöhnliche wird. Auch hier scheint Entropie zu wirken. Selbst Hochgelobtes und handwerklich Tadelloses „flutscht“ (Verbform von flow) oft nicht. Zeit, sich davon abzugrenzen. Apropos David, vor ein paar Tagen zeigte mir ein Regisseur mit grossem Namen, was man von einer guten Fernsehshow erwarten darf: dass sie auch die tiefsten Schichten des Unbewussten (Freuds „Es“) anrührt und auf die visuelle Reise mitnimmt. So wie die wundersamen Werke der Malerin Oda Jaune, jüngst beiläufig und neugierig entdeckt.

 

 
 

Jemandem eine selbst gesprochene digital gespeicherte Nachricht zukommen zu lassen, ist heutzutage für viele selbstverständlich geworden. Einen anderen Flair hat eine solche Aufnahme, wenn sie auf einem Trägermedium gespeichert wird und nicht mehr verändert oder gelöscht werden kann, zum Beispiel auf einer Schallplatte. Wie das funktioniert, kann man in Terrence Malicks faszinierendem Film Badlands sehen. Kit beschließt nach einem Gewaltakt, mit seiner Freundin Holly aus Fort Dupree/South Dakota zu fliehen. Um die Autoritäten auf eine falsche Spur zu locken, produziert er eine Sprachnachricht, die dann in einem Loop auf einem Plattenspieler neben einem brennenden Haus ein uns andere Mal abgespielt wird. In einem telefonzellengroßen Mini-Studio (Record Booth) kosten fünfzig Sekunden Aufnahme im Jahr 1959 fünfzig Cent. Man muss zwischen einer Aufnahmegeschwindigkeit von 78 oder 45 Umdrehungen pro Minute wählen. Am Ende fällt eine kleine Schallplatte aus einem Schacht, wie wir ihn aus Fotoautomaten kennen. Das Aufnahmegerät ist ein Voice-O-Graph. Mitte der 1930er Jahre erfand Alexander Lissiansky ein Vorläufermodell; am 31. Dezember 1940 reichte er ein Patent für den Voice-O-Graphen ein. Bis in die 1960er Jahre wurden die Modelle weiterentwickelt, dann wurde die Produktion eingestellt. Vermutlich hatten Tonbandgeräte und Kassettenrecorder die Funktion des Voice-O-Graphen übernommen. In zahlreichen Filmen, von Marine Raiders aus dem Jahr 1944 über M*A*S*H* (1973) bis Masters of Sex (2013) tauchen Szenen mit einem Voice-O-Graphen auf, hier eine Filmliste und ein Zusammenschnitt der entsprechenden Voice-O-Graphen-Szenen. Falls sich von Filmen auf die Realität schließen lässt, könnte man vermuten, dass diese Aufnahmeboxen in den USA vor Jahrzehnten geradezu weit verbreitet waren. In Großbritannien und Frankreich scheint es einige Sondermodelle gegeben zu haben. Wie bei der Jukebox, gibt es auch beim Voice-O-Graphen einen Retrotrend. Wer seinen Voice-O-Graphen verkaufen möchte, findet über diese informative Seite glückliche Abnehmer.

 
 
Sicher wird niemand widersprechen, wenn ich sage, dass die Talking Heads eine der prägenden Bands der 1970er/80er Jahre gewesen sind. Noch heute haben ihre Platten kaum Staub angesetzt. Da sollte man annehmen, dass die Autobiographie eines ihrer Mitglieder eine interessante Lektüre sein müsste. Aber dieses Buch hinterlässt einen schalen Nachgeschmack.

Gut geschrieben ist das Buch. Entweder, Chris Frantz kann es tatsächlich, oder es war ein guter Editor am Werk. Wir erfahren allerlei aus Frantz‘ Jugend — das in Autobiographien Übliche. Schon dabei erweckt Frantz den latenten Eindruck, ein Dampfplauderer zu sein, aber darüber kann man zunächst noch hinwegsehen. Liest man, was er mit 15 bereits alles getan haben will, kann man das schmunzelnd glauben oder nicht. Liest man, wie er später zur Rhode Island School of Design (RISD) empfohlen wurde, könnte man meinen, hier sei der Welt ein neuer Warhol erschienen. Gut, dieses Institut gilt als Harvard des Kunststudiums. Was genau er dort gemacht hat, bleibt aber im Dunkeln. Statt dessen erfährt man alles über die Einrichtung seiner Studentenbude, wird mit den Namen von Kommilitonen zugenagelt und darf allerlei Histörchen über sich ergehen lassen, die wohl jedem vertraut sein dürften, der selbst mal eine Uni von innen gesehen hat. Und auch hier gilt wieder: Was man glauben möchte oder nicht, bleibt jedem selbst überlassen. Immerhin lernt er Tina Weymouth kennen, und das ist eine bis heute andauernde Lovestory.

Das New York der 1970er Jahre, in dem die beiden dann landen, war ein hartes Pflaster, jedenfalls in den Gegenden, die für noch ziemlich mittellose Artschool-Absolventen in Frage kamen. In diesen Schilderungen ist das Buch wirklich interessant. In Hell’s Kitchen oder in Bowerynähe konnte man für 150 Dollar im Monat eine Fabriketage mieten. Die hatte üblicherweise weder Dusche noch Küche, dafür musste man sie mit Kakerlaken und anderen unwillkommenen Mitbewohnern teilen. Und am Abend stellte sich die Straße als belebter Straßenstrich heraus und die Zuhälter grüßten sich von einer Straßenseite zur anderen. Es dauerte eine Weile, bis sowohl sie als auch die Frauen begriffen hatten, dass Tina keine neue Konkurrenz war, sondern dort wohnte.

Dafür aber — und dafür beneide ich die beiden schon ein bisschen — waren dann das CBGB’s, Max’s Kansas City und Warhols Factory um die Ecke, Debbie Harry, Chris Stein und die Ramones wohnten in der Nachbarschaft, man konnte beim Krämer William S. Burroughs, Lou Reed, Patti Smith oder John Giorno über den Weg laufen. Wer New York auch nur ein bisschen kennt, weiß, wie diese Stadt jeden, der sich dort aufhält, unter Strom setzt. Alle diese Leute lernten sich schnell untereinander kennen und halfen sich mit Duschgelegenheiten und bei anderen Problemen aus. Geld hatten sie alle nicht viel, aber unglaubliche Mengen an Phantasie und Improvisationsvermögen. Das führte fast zwangsläufig dazu, dass neue Bands, Auftrittsmöglichkeiten, kleine Labels, einfache Studios und alle möglichen künstlerischen Projekte entstanden, wie sie nur hier entstehen konnten. Manche Leute, wie etwa Lou Reed, wurden dabei auch ziemlich tricky. Auch Patti Smith oder Mitglieder der Ramones kommen bei Frantz nicht besonders gut weg. In diesem Chaos jedenfalls hoben Chris, Tina und der inzwischen mit ihnen zusammenlebende David Byrne die Talking Heads aus der Taufe; lange Zeit als Trio, später gesellte sich ihnen Jerry Harrison von den Modern Lovers hinzu.

Dass sich Chris stets als quietschmunteres Rehlein darstellt, das unbeschwert durch die Welt hüpft, mag in Ordnung sein. Vielleicht ist er das ja wirklich. Dass er zwischendurch ein Koksproblem entwickelt, wird immerhin nicht verschwiegen. Zunehmend ärgerlich wird aber seine Masche, sich selbst und Tina als Unschuldsengel zu stilisieren, die immer alles richtig machen und die Verantwortung tragen, während alle anderen Beteiligten ständige Störfaktoren sind oder — wie Jerry Harrison — überhaupt nur am Rande vorkommen. Statt dessen hat Frantz die Namedropping-Krankheit. Und dabei geht es nicht um die an der Karriere der Band Beteiligten, sondern jeder Kneipenwirt, jeder Tourbusfahrer und jedes Zimmermädchen in jedem Hotel werden genannt. Bei der Hochzeit von Tina und Chris wird uns buchstäblich jeder Verwandte, jeder Freund und jeder sonstwie Beteiligte vorgestellt (und es sind große Familien!). Das Buch entwickelt sich von Kapitel zu Kapitel mehr zu einer nichtendenwollenden Aufzählung von Tourneestationen, Studiosessions und Partys, und was es dort zu essen gab. Typisch auch ein Kapitel, das in den Compass Point Studios auf den Bahamas spielt. Es trägt die Überschrift „James Brown“. An dessen Ende haben wir erfahren, dass er da war. Das ist alles.

Das zieht sich durch das Buch. Auf der einen Seite wird man mit banalen Details erschlagen, auf der anderen Seite werden ganze Jahre in der Karriere der Talking Heads auf einer halben Seite abgefeiert oder ganz übersprungen. Das Zustandekommen ihrer wichtigsten Alben (Fear of Music, Remain in Light, Speaking in Tongues) wird zu kurz abgehandelten Nebensachen.

Insbesondere hat sich Frantz auf David Byrne eingeschossen. Dem spricht er zwar sein Können nicht ab (das wäre lächerlich, das ist ihm klar), aber dessen Anteil am Erfolg und Auftreten der Band wird ständig heruntergespielt. An Byrnes Persönlichkeit lässt Frantz von der ersten bis zur letzten Seite kein gutes Haar. Mit Sicherheit hatte Byrne seine Macken. So hatte sich die Band etwa darauf geeinigt, alle Namen in alphabetischer Reihenfolge als Autoren der Songs auf der Platte zu nennen. Byrne hintertrieb das dadurch, dass er kurz vor Drucklegung des Covers die Credits in „David Byrne and Talking Heads“ ändern ließ. Das ist fraglos eine Frechheit, auch wenn sie finanziell niemanden benachteiligte. Die Beteiligung Brian Enos als Produzent und sein kreativer Input werden einerseits sehr positiv hervorgehoben (auch hier wäre alles andere lächerlich), gleichzeitig wird Eno aber dargestellt als jemand, der sich ständig in den Vordergrund zu stellen und im Bündnis mit David als Co-Komponist in die Credits zu schmuggeln versuchte. Unter gleichberechtigten Bandmitgliedern gibt es zwei Möglichkeiten: Entweder, man klärt solche Unstimmigkeiten sofort an Ort und Stelle und macht klar, wo die rote Linie ist — oder man nimmt die Vorkommnisse hin, genießt das resultierende Bankkonto und hält den Mund. Sich aber 40 Jahre später hinzustellen und in einem Buch zu lamentieren, der Betreffende sei aber ein Arsch gewesen — das ist schlechter Stil.

Anderes Beispiel: Chris berichtet, wie Tina und er in irgendeinem Provinzkino Davids Film True Stories (an dem sie immerhin als Mitwirkende beteiligt waren) sahen. Er schreibt, wie angeblich die Zuschauer reihenweise gelangweilt den Saal verließen und am Ende er mit Tina allein im Kino saß. Auch hier gilt wieder: Man mag es glauben oder nicht. Aber man merkt die Absicht und ist verstimmt. In einem anderen Fall, den ich hier nicht ausführen will, wird David auf eine fast schon infame Weise ein unsägliches Verhalten dem Hotelpersonal gegenüber unterstellt und dann im Nachhinein gesagt, man wisse gar nicht, ob der Vorfall überhaupt von ihm ausgegangen sei oder von einem der Roadies. Und weil das noch nicht reicht, wird dem Leser an anderer Stelle zugetratscht, auf wie schäbige Weise sich David angeblich von seiner Frau getrennt habe. Selbst wenn es wirklich so gewesen sein sollte, wäre das eine Privatangelegenheit zwischen David und seiner Frau, und es steht Frantz nicht zu, sie in einem Buch in die Welt zu blasen.

Wie immer in solchen Fällen erfährt man mindestens so viel über den Kläger wie über den Beklagten.

Konsequenz: Schauen wir mal wieder, was David Byrne als Solokünstler gemacht hat, und vergleichen es mit dem, was man von Chris und Tina gehört hat. Da steht dann My Life in the Bush of Ghosts als eine der wichtigsten Platten der 1980er Jahre gegen den Tom Tom Club, der zwar zugegebenermaßen unterhaltsam ist, aber mehr wohl nicht. Klar, eine gute Band ist immer mehr als die Summe ihrer Mitglieder. Aber der Film Stop Making Sense zeigt noch immer unabweisbar, wer das Image der Talking Heads geprägt hat. Einem Menschen mit einigem Verstand — und das ist Chris Frantz — sollte es möglich sein, das zuzugeben.
 
 


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