Manafonistas

Julian Lage was just a kid when I first heard him play, maybe around 12 or 13. He would get onstage with some heavyweight at the Healdsburg Jazz Festival and just blow everyone away. His dad took him to all the shows, where he met everybody and often got to jam with them onstage. He was a bonafide wunderkind.

At the tender age of 15, Julian went on the road with Gary Burton and the rest is, as they say, history. He has since released 6 solo albums and it turned out that not only could the kid play – he can write.

I saw him for the first time as leader of a trio a couple years ago with Scott Colley on bass and Kenny Wollesen on drums. Dave Holland, Charles Lloyd and Richie Beirach were among the jazz luminaries in the audience, but it didn’t faze the 28 year old prodigy: he played a confident and loose set, smiling much of the time as he performed his no tricks guitar pyrotechnics without breaking a sweat.

I just saw him last night at the Raven Theater in Healdsburg CA with his current touring trio, bassist Jorge Roeder and drummer Erick Doob. They tore it up, playing tunes from his rootsy and diverse Arclight as well as the new release, Modern Lore.

What I get from watching Lage is he has this great love affair going on with the guitar. He makes it sing, growl, scream, shout and croon. He played slow, slinky ballads and wild uptempo Ornette inspired free pieces, and just about everything in between with aplomb. He played the craziest intro I’ve ever heard to the old standard I’ll Be Seeing You, sounding as my guitarist friend said, Bach on acid. No shit, it really did. He has this way of rocking out, that reminds me of some of the early rock guitar legends, such as Johnny Guitar Watson, and rockabilly maestros such as Carl Perkins, not to mention country (and sometimes jazz) guitarist Chet Atkins. In this regard, he has a kindred spirit in Bill Frisell, a guitarist who often sounds very country when he’s not reaching for the stratosphere with loops and other effects.

But Lage uses no effects whatsoever, yet he manages to coax an extraordinary number of diverse sounds out of his Telecaster and a Fender amp, with just his fingers and a tone knob. The word ‘resourceful’ comes immediately to mind: He seems to be inventing techniques on the fly, as he grabs the middle of the neck and strums it while picking a separate line, or plays muted arpeggios while managing to lay a beautifully rendered melody on top. He does these wildly accurate chromatic runs up the neck, often ending in little screech that has a signature sound, reminding me of Kenny Wheeler’s flugelhorn squeals. One minute he can be as down home and bluesy as B.B. King, the next as heady and melodic as John Abercrombie. You can hear the entire history of the guitar, sometimes in one song, sometimes in one solo.

Another thing that really sets him apart from his peers is his amazing range of dynamics. It’s as though most players have something like maybe 5 gears of loudness; Lage has perhaps, 25 levels. He uses his dynamic sensibility to create musical tension that draws the listener in, sometimes coming down to an absolute whisper and then roaring back with a single powerful strum.

It’s great to hear such music, so filled with good feeling, humor, wit, humanity and optimism, played live. He was clearly enjoying himself, playing two 45 minute sets and after a standing ovation, coming back for a sweet encore with a ballad off the new album.

I just found out Julian will once again be opening the next Healdsburg Jazz Festival, this time playing duos with Bill Frisell. Perfect. Now that is a show I won’t miss.

Da ich mein Aufnahmegerät nicht länger als 45 Minuten allein lassen kann, höre ich Michaels Sendung seit einigen Monaten komplett live mit, diesmal zum ersten Mal die ganze Zeit über Kopfhörer, was ein leichtes outlaw-Gefühl verschafft, wenn ich den Lautstärkeregler nach oben drehe. Ich habe noch nie während und nach einer Sendung so viele CDs bestellt wie in dieser Nacht, ich bin von einer Begeisterung in die nächste getaumelt. Dictaphone läuft schon seit Wochen auf meinem Plattenteller, insofern war ich hier eher auf die Auswahl der Tracks gespannt. Von Roger Eno mochte ich den Text auf dem beiliegenden Booklet sehr, den Michael gelesen hat, mit den Beschreibungen eines verlassenen Ortes (weil die Bilder – Synchronizität! – gerade in eine Arbeit von mir passen), oder war es Michaels Beschreibung der Fotografien? Andy Sheppards Lässigkeit habe ich erst jetzt richtig wahrgenommen, wenn mir auch der Name bekannt vorkam. Von Fire! habe ich schon etwas in meinem Plattenschrank (She Sleeps), aber „The Hands“ treffen mich noch mehr ins Zentrum. Kim Myhr habe ich gern gehört, leider ist exakt diese Aufnahme unterhalb der Hörschwelle geblieben und ich dachte wieder einmal an Tanja, die mich vor Monaten fragte, warum ich eine Sendung aufnehme, wenn ich sie doch live höre. Die Retrospektive von Flying Saucer Attack hat mich an eine Klanghorizonte-Sendung über Labradford erinnert (aus der Zeit, als die Klanghorizonte noch jeden zweiten Montag von 1.05 bis 2 Uhr liefen), was die Veränderungen der Arbeit der Band anging, ins Reduzierte, ins Karge hinein. (Hoffentlich löst sich die Formation nicht auf.) Ich mag solche Rückblicke, Spurensuche, und habe mir von Flying Saucer Attack fast alles bestellt, was ich noch nicht hier hatte. Wie gern hätte ich diese Alben schon in den 90ern gehört! Manchmal denke ich an Gregors Satz, dass Musik überlebensnotwendig ist und wie er es gemeint hat oder eher, wie ich es verstehe. Es klingt pathetisch, aber wir wissen, dass es so funktioniert: Das aufmerksame Zuhören, die Konzentration auf eine musikalische Arbeit, die uns im Innern berührt, bewirkt, wie jede gelungene Kunst, eine Transformation.

 
„Before and After Roger“
 
 

The first hour of the night – a mix of quiet moods. I didn‘t talk much, I wanted to find a way a way to get through the night without losing part of my utterly seductive voice in the dry studio air. It worked. And the sequence of tracks, pure joy in my ears. Maybe the penultimate track  was a bit too vivid for the overall mood, but then again, the rhythmic pulse of Frahm‘s „Kaleidoscope“ may have kept eyes and ears open late at night.

Dictaphone really should be a discovery for some people. Norma Winstone‘s album of „songs for films“ is so delightful and makes you wanna watch some of the old movies. Roger Eno‘s first solo work in seven years is a document of radical reluctance and accompanied by short short stories offering a desolate East Anglia coastline as a fascinating state of mind. Andy Sheppard‘s quartet music is so brilliant, and some Manas already share my enthusiasm for it.

Nils Frahm‘s album is the real surprise for me, because I didn‘t think he could offer much more than smart wallpaper music. In slight difference to Gregs, I also like the way he works with voices, but then again, the jukebox man and myself always had nice arguments about the sense and nonsense of Leonard Cohen‘s female background singers.

 
 
 

 
 
 
„The Ocean And The Hinterland“
 
 

This is a love-it-or-leave-it-hour about the music of Flying Saucer Attack. David Pearce and his lo-fi-aesthetics don‘t mess with modernity, persona, technology – and create a world full of distant echoes. His unexpected return in 2015 with the album „Instrumentals 2015“ didn‘t deliver anything different, except the fact that it WAS different, in the most subtle ways. Turn on the volume, and lose yourself in a twilight world of distortion and disturbing beauty. This is the end of campfire guitar romance in the British pop culture, so to speak.

„Farewell Aldebaran“
 
 

Now prepare yourself for the last twenty minutes (nearly) of the night. Before this „live-radio-mixtape“ (the last hour is always split in two halfs by the news at 5.30), I played Richard Horovitz‘s „Elephant Dance“ commenting on the fabulous reissue of EROS IN ARABIA without much ado about its position at the crossroads of Fourth World music and minimalism.

And I wished everybody a nice weekend shortly anouncing what to (vaguely) expect during the night‘s last passage: selected bird songs from the album „The Beauty of The Sound Approach“, and a song about the end of the world (both on ECC Records).

What I didn‘t say, is this: you can find that song named „Lullaby“ on the three-vinyl-box „The Self Preservation Society“, a good example for a great cover album project. The artists went on treasure hunt in the late 60‘s and early 70‘s. You‘ll there make the aquaintance of rather unknown gems (like this lullaby, originally part of a psychedelic folk album, a REALLY psychedelic folk album named FAREWELL ALDEBARAN. And you‘ll make the aquaintance of passionate takes on well-known songs like „White Rabbit“.

And what I didn‘t say, too, was how these twenty minutes will end. I didn‘t know that myself. Then, while one of these exotic birds were taking center stage, I saw an old vinyl album in a corner. In fact, I forgot it in the studio, months ago. And I looked at the tracklist. And I smiled. Everything fell into place.

 
 
 

 

 

 
 
 
Die erste Staffel wäre geschafft … Babylon Berlin, die ersten acht Folgen, deutsch mit englischen Untertiteln im US-Netflix, selbstverständlich nicht etwa „set in Berlin of the Golden Twenties“ oder „in the Weimar Republic“, sondern „in pre-Nazi Germany“. Germany ohne Nazis ist hier einfach nicht vorstellbar. Dabei kommen in der ersten Staffel noch nicht mal welche vor. Interessant gleichwohl, dass die Serie hier zu sehen ist, lange bevor sie im deutschen Free-TV gezeigt werden darf — die ARD hat sich wohl irgendwie von Sky über den Tisch ziehen lassen. Immerhin ist sie an der Finanzierung nicht ganz unbeträchtlich beteiligt.

Ich habe mich in den letzten Jahren ziemlich intensiv mit den Zwanziger Jahren beschäftigt, unter anderem wegen hier, aber auch wegen eines Drehbuchs, weil ich stolzer Besitzer der 22-bändigen Tucholsky-Gesamtausgabe bin (Habt ihr gehört, Rowohlt? Ich bin das!), weil ich das stumme deutsche Angstkino der Langs, der Murnaus und der Wienes liebe, und überhaupt, einfach eine sehr spannende Zeit … Wenn Zeitreisen möglich wären: Berlin, Hamburg, New York, Paris und London der Zwanziger wären meine Stationen. Ein Trip in die Ära der Romantik käme erst danach.

Um es vorwegzunehmen, Babylon Berlin bekommt hiermit meine offizielle Empfehlung. In Babylon Berlin steckt ein für deutsche Verhältnisse ungewöhnlich hoher Etat, und das sieht man. Die Serie gehört optisch zum Besten, was in Deutschland seit Edgar Reitz‘ Heimat fürs Fernsehen produziert worden ist. Vom ersten Moment an spürt man die wirklich exzellente Besetzung selbst kleiner Nebenrollen, die liebevolle Kostümbildnerei, die Ausstattung, die Kulissen — und zwar gerade dadurch, dass man sie eigentlich nicht bemerkt. Selten nur stolpert man über allzu raffiniert ausgetüftelte Kameraperspektiven, die den Zweck haben, nur möglichst kurze Straßenzüge nachbauen zu müssen, oder über Firmenschilder, denen man ansieht, dass sie über reale Firmenschilder gehängt wurden.

Die Dramaturgie der Serie setzt zunächst auf Verwirrung, Überwältigung und übermäßige Drastik. Alles wirkt irgendwie übertrieben und ziellos, ohne dass man den Finger auf wunde Punkte legen könnte. Streckenweise hat man das Gefühl, das Berliner Leben spielte sich hauptsächlich in dreckigen Toilettenkabinen ab. Drogenabhängige sind ständig am Zittern. Die Polizei prügelt. In der Pathologie wird mit Gammelfleisch nur so um sich geworfen. Wenn einer aus dem Krieg ein Blasenleiden mitgebracht hat, dann reicht keine Andeutung, sondern es muss durchgespielt werden, bis die Hose nass ist. Und war schon in Isherwoods Roman „Goodbye to Berlin“ die Darstellung der Arbeiterklasse unangenehm herablassend, so wird in Babylon Berlin in den elenden Wohnbehausungen der Arbeiter ständig nur gehustet, gerotzt, gesoffen, gepisst, geschlagen und in abgebrochenen Sätzen geredet — das soll dann wohl harter Realismus sein, hat aber eher denunziatorische Züge. Das Leben der Arbeiter und ihrer Familien war elend, mit Sicherheit kam es in diesen Wohnverhältnissen zu Aggression, und mit der Bildung war es nicht übermäßig weit her, aber es kann nicht ununterbrochen so elend gewesen sein. Döblins „Berlin Alexanderplatz“ ist in dieser Hinsicht aufschlussreicher. Auch die Art und Weise, wie die organisierte Arbeiterschaft dargestellt wird, nämlich misstrauisch und ständig aggressiv, wird den wirklichen Arbeitern der damaligen Zeit sicher nicht gerecht.

Gelegentlich fallen allzu schlaumeierische Zitate auf. An den Stummfilmklassiker Menschen am Sonntag (von dem sogar Originalausschnitte zu sehen sind) wird etwas sehr deutlich erinnert, oder Berlin, die Sinfonie der Großstadt. Über dem Abspann liegen Ausschnitte aus synästhetischen Animationsfilmen Walter Ruttmanns, wodurch der Abspann (ebenso wie der Vorspann) unlesbar wird. Die zentrale Figur, Charlotte Ritter, ist zu vieles auf einmal, Arbeiterkind, Polizeimitarbeiterin, SM-Prostituierte, Liebende und Emanzipierte. Der Kommissar Bruno Wolter erinnert arg deutlich an den jovialen Kommissar Lohmann aus Langs M und Das Testament des Doktor Mabuse, ohne allerdings dessen Anständigkeit zu besitzen. Auch Gereon Rath, die Hauptfigur, bleibt undurchschaubar. Natürlich sind die Regierenden sämtlich korrupte Knallchargen, die Gangster führen sich auf wie die Mafia in Chicago 1930. Es gibt keine klaren Sympathiefiguren, ich würde ernstlich mit keinem der Charaktere privat etwas zu tun haben wollen. Und nicht zuletzt sind die unvermeidlichen Show-Szenen ziemlich klischeehaft (weil so is det ja nu mal jewesen in Berlin!), auch die dargebotenen Chansons werden nicht besser dadurch, dass Bryan Ferry sie ausgewählt hat. Cabaret war in dieser Hinsicht besser.

Ab etwa der dritten Folge sortieren sich die Ereignisse ein bisschen, die Handlung fließt ruhiger, die einzelnen Charaktere werden ein bisschen genauer vorgestellt. Das Ergebnis ist aber, dass das, was in den ersten drei Folgen zu dick aufgetragen ist, in den Folgen 4 bis 8 dann fehlt. Da wird dann auch klarer, dass das Ganze ein Krimi ist, keine Sozialanalyse, und die Versatzstücke sind letztlich dieselben, die auch im Tatort oder irgendwelchen Soko-Folgen eingesetzt werden.  Zudem laufen die beiden Hauptprotagonisten am Ende in eine strunzdumme Cliffhanger-Falle, die man als Zuschauer wie ein offenes Scheunentor gähnen sieht.

Das macht aber alles nichts, denn irgendwie passt es am Ende doch alles zusammen, die Schauspielerinnen und Schauspieler reißen die Schwächen raus, und spätestens nach der dritten Folge ist man „drin“ in der Serie. Ich bin sehr gespannt auf die zweite Staffel. Heute abend geht’s los.

 

 
 
 
Damit es mit Herrn Tietchens in der chronologischen Reihenfolge weitergeht, hier die Musik aus der Grauzone von 1981. Eine C-60-Cassettenveröffentlichung, deren Auflage und genaues Veröffentlichungsdatum nicht mehr feststellbar ist, wahrscheinlich ist aber, dass sie zwischen Tietchens‘ ersten beiden Sky-Platten erschienen ist und wohl nur Eingeweihten überhaupt bekannt war.

Die Parallele zu frühen Cluster-Aufnahmen drängt sich auf, harsche Klangflächen beherrschen zunächst das akustische Bild. Rhythmus, wenn überhaupt vorhanden, wird durch die Verwendung eines Echogerätes erzeugt. Doch die akustischen Landschaften verändern sich langsam aber stetig, bis der Cluster-Eindruck am Ende verschwunden ist und ein eindeutiger Tietchens vorliegt. Hauptinstrument ist der Moog Sonic Six. Plattenknistern mischt sich in die Kulisse, unverständliche, teils elektronisch verzerrte Wortfetzen tauchen auf, ein sich überschreiendes Saxophon, dessen Herkunft ebenso unbestimmt bleibt wie das gelegentlich hineingehämmerte Klavierspiel. Das Ganze ist, obwohl in acht Stücke unterteilt, wohl als Einheit anzusehen und sollte in der vorgegebenen Reihenfolge gehört werden.

Musik aus der Grauzone ist insofern bemerkenswert, als es atmosphärisch komplett aus der Viererreihe der Sky-Alben herausfällt, was auf ein früheres Aufnahmedatum hinweisen könnte. Zudem ist die Cassette Teil einer eigenständigen Werkgruppe — schwer zu sagen allerdings, ob das von Anfang an so geplant war oder sich später ergeben hat. Dazu in späteren Posts mehr.
 
 
 

 
 
 
Musik aus der Grauzone
MC (C-60), Yorkhouse Records YHR 019 (1981)
Re-issue Auricle Music AMC 024 (1987)
 

Vier Minuten ist das auf 18 Minuten anwachsende akustische Epos im ‚flow‘, da wird die ruhige Darbietung von Jason Molina unterbrochen vom Geheul einer Polizeisirene. In Sekunden schleicht sie sich in den Song ‚Travels In Constants‘ hinein, wie eine seltsame Verdopplung und Kontrastierung, und dann wieder hinaus. Ein unerwarteter Sound auf so einer intimen wie einsamen Veranstaltung, ein Klang, der etwas preisgibt über die Schöpfung dieser dunklen Ecke in seinem Werkverzeichnis, das voller dunkler Ecken ist. Nach wie vor machte er Lieder unter dem Bandnamen und ‚alter ego‘ „Songs:Ohia“, und nur noch wenige Monate sollte es dauern bis zur Veröffentlichung seines Americana-Meisterwerks „Didn‘t It Rain“. Er nahm diesen Song mit seiner geliebten Akustik-Gitarre auf, in seinem Appartment in Chicago, allein in der Gesellschaft seiner primitiven Vier-Spur-Bandmaschine. Alle seine Lieblingsthemen und -bilder sind hier versammelt, schreibt Stephen Deusner in seiner Besprechung der Mai-Ausgabe von „Uncut“, die ich hier ein wenig frei übersetze, und mit der ich Wort für Wort übereinstimme, und sie nur um ein paar Wörter anreichere: Kompasse und Vogelscheuchen, Vergänglichkeit und Isolation, „the moon, and the black moon beside the moon“. Die Polizeisirene signalisiert Gefahr, und ist eine zufällige Bereicherung des Liedes, als würde sich die Stadt seinem inneren Chor hinzugesellen. „Travels in Constants“ wurde damals rausgebracht, in extrem kleiner Auflage, von dem Brooklyner Label „Temporary Residence Ltd“, und erfährt jetzt seine erste Ausgabe auf Vinyl. Der andere, zwölf Minuten lange Song „Howler“ fügt einen kuriosen Drum-Loop hinzu und eine stechende E-Gitarre, und klingt doch ähnlich verloren und verwunschen. Jason Molina ist schon lange tot.

 

 
 
 
Just a footnote to my post about Marc Copland, not really a full blown review:

The new trio album, ECV by Canadian guitarist Roddy Ellias, Marc Copland and bassist Adrian Vedady really hits the chamber jazz sweet spot for me. It’s an all acoustic, superbly recorded album that blends folk, jazz, classical and avant- garde compositional techniques with plenty of room for blowing. This is a highly pleasurable listen from start to finish. There are mostly melodic pieces, but also a few that are pretty abstract, and even one that uses what sounds a lot like 12 tone techniques.

Overall it’s a downtempo affair, but it’s anything but sleepy background music. Lots of odd time signatures, contrapuntal writing and very deep listening going on. Copland responds perfectly to everything his band mates throw his way, making him a consummate accompanist. His solos are especially on point in this setting. Bassist Adrian Vedady, who I am unfamiliar with, has a bright tone and aggressive attack, similar to Eddy Gomez. He’s a supportive player, though his solos don’t immediately grab me, but will perhaps sink in over time.

As there are so few jazz players who have made the acoustic guitar their main instrument, it would be facile to describe Ellias’s writing and playing as similar to Towner’s. Towner’s writing has a signature sound that can be broken down into his neoclassical work, his world influenced writing and on occasion, a straight-ahead sound. While Ellias seems to mine those same veins of musical ore, somehow he comes up with a sound that doesn’t bring Towner to mind as much as one would think. His melodies are more angular, and his chord structures just don’t sound like Ralph’s. It’s like two master painters with slightly different palettes. As I’m not very familiar with Ellias’s work, it will take time to get to know his individual sound. I do like his writing, very much. As a soloist, Ellias is generally more spare, and his improvisational approach tends to be a bit more abstract than Towner’s.

The best thing I can say about this new recording is that I listened to it no less than 3 times yesterday.  It can be purchased (and at the best price I could find,) through CDbaby.com.

Well I rang up Pantucci

Spoke to Luchi

I gave them all

Zuerst wollte ich als Fat Lady of Limbourg gehen, dann entschied ich mich doch für das Sprachkostüm. Da ich mich auf dem ultrasnobbistischen Festival in Sanremo bewege, trage ich die Cat-Eye gegen die südliche Sonne und ein schwarzes Midlength dress, natürlich alles Gucci. Ich wollte James Taylor wiedersehen, my sweet baby James, young as 68, what the hell is he doing here? We were so young, when he sounded already so old. He was 20 then … So many drugs, so many chicks … In Sanremo he performs with Giorgia, la star italiana. Sie ist so jung wie das Lied von Carol King, 1971 geboren.

Quando sei triste, preoccupato, dice il testo,

Quando hai bisognio di una mano et niente va il verso giusto

Chiudi gli occhi e pensami, lo arrivero, correndo

YOU’VE GOT A FRIEND

James Taylor und Giorgia in duetto, bellissima!

Ich ziehe mein Kostüm noch nicht aus. Es muss mich noch durch die ersten Höllenkreise von Dante begleiten. Nächstes Jahr gehe ich als Beatrice, certo!

I believe in Zufall (chance).

I guess it was before 1995 when I became aware of Marc Copland, so it was just the same time when Brian met the music of Marc Copland. It was the time when the internet stepped out from governmental, universitary or military institutions to conquer the world and knit a world wide web. In those days it was not so easy to do things like this:

I’ll be exploring his back catalog for many years to come.

Nowadays it’s simple. Just visit Discogs or Spotify (as I did yesterday) and you’ll find an abundant number of recordings of Marc Copland.

How did it happen – maybe in 1993 – that I heard Marc Copland? You know (or even not) that German TV-stations didn’t broadcast a full 24-hour-program then. The station 3sat for example showed overnight only Teletext, underlaid by Jazz and some additional information about the presented tune. On average I visited 2 or 3 times a month this nightly hours of 3sat when I couldn’t find sleep or when I woke up early in the morning. One morning I listened to an electrifying Piano Trio, Marc Copland treating the keys, as I could read. A few days later I got the CD. Two Way Street is the title of this fine album, starting and ending surprisingly muscular. In between you’ll find wonderful balladesque versions of M.A.S.H. and Antonio Carlos Jobim’s Zingaro. You listen to an imaginative pianist with a highly individual use of harmonies, fine melodic lines, in conversation with his tasteful partners Dieter Ilg on bass and Ralph Penland on drums. Songs Without End never found the way to Germany, I presume.

 
 
 

 
 
 
Booklet remarks by John Abercrombie
 

I lost sight of him, like you Brian, not because of descending interest, but rather than lack of offerings. I discovered one more album, What’s Goin On, with Dieter Ilg and Jeff Hirshfield. This time the notes in the booklet are created by Marc Copland.

 
 
 

 
 
 
Booklet remarks by Marc Copland
 

It was rather late, when I focussed on this great artist again, not since Copland is cooperating with ECM, which started not before 2013. The label Pirouet from München had been the home of Copland for a long time, as far as I see from 2003 until 2012. In this period 3 highly important albums had been released, gems in my collection.

 
 
– NEW YORK TRIO RECORDINGS VOL. 1 / MODINHA
– NEW YORK TRIO RECORDINGS VOL. 2 / VOICES
– NEW YORK TRIO RECORDINGS VOL. 3 / NIGHT WHISPERS
 
 

I know that Marc Copland started his musical career as a saxophone player, a fact which is well documented on the Pirouet website.

Marc Copland, 1948 in Philadelphia geboren, beherrschte das Altsaxophon Mitte der 1970er Jahre vorzüglich, kollaborierte in New York mit arrivierten Kollegen wie Ralph Towner, Chico Hamilton und John Abercrombie. Doch irgendwann spürte er, dass etwas falsch lief. „Die Musik, die ich spielte, war nicht die Musik, die mir im Kopf herumging.“ Von einem Tag auf den anderen legte er das Horn zur Seite, zog sich völlig aus der Szene zurück und begann, das Geheimnis des Elfenbeins zu ergründen. Zehn Jahre verschwand er von der Bildfläche, übte verbissen und studierte andere Pianisten. 1985 fühlte er sich endlich bereit für den Start in die zweite Karriere. Ein Novum, ein Unding!

Another important label is hatOLOGY, where Copland recorded several albums between 2002 and 2011, including Marc Copland And … & Impressions (Duo with Dave Liebman).

I can’t say more than Brian about Marc Copland, except of that I witnessed him live at the wonderful Jazz Club Birdland in Neuburg/Donau – a deep experience.

Thanks to Brian for singing the praise of Marc.