Manafonistas

„Saturday morning, nine o’clock as I reach the studio.

No one here.

I only turn on the spotlights as the fluorescent tubes are too noisy. I switch the power on, shut the door, unplug the telephone. I then switch the mixing desk on, which sends an electronic impulse into the amps. The four speakers react individually with a very brief and low hiss. A kind of presence.

I haven’t listened to anything since the evening before and my ear is refreshed by a night’s sleep.

I feed the original mix into the master recorder and sit down in the centre.

Remote control: PLAY

With the first sound I close my eyes. The studio instantly vanishes. Another place, a much larger space opens up.

I enter it.

I have the very distinct feeling that music is merely a “great noise”, chiselled inside with a thousand details. It opens up like a living organism to let my hearing wander across it. A magnetic relation quickly occur and all the sounds that constitute this great noise draw me towards the East.

I accept this direction.

Later, much later, I reach a distant point on the horizon which pulls me towards it.“

Christian Zanési

„Way Out West was made in the middle of the night on March 7, 1957, in the shipping room of a small Los Angeles record company, with an underpaid engineer recording a trio playing cowboy songs on a first-generation stereo Ampex tape deck through a homemade mixing console. It seems an unlikely setting for one of the greatest jazz recordings of all time, musically and sonically. But the players were Sonny Rollins and Ray Brown and Shelly Manne, and, on that night, they were cookin’.“

Nun sah ich meine Chance kommen, würde der Malermeister mir vielleicht sein altes Grundig TK 14 für wenig Geld verkaufen? Ich nahm mir ein Herz und fragte. Etwas überrascht antwortete er, dass er sich das mal überlegen würde. Ein paar Tage später meinte er dann, für 50 Mark wäre das Gerät mein.

Schließlich fand ich als 16jähriger eine Klavierlehrerin aus der damals sehr aktiven und brodelnden Wiesbadener New Jazz Kooperative, die mir zum Glück nicht nur „Literaturspielen“ beibringen konnte. Hier konnte ich über die Jahre eine Form des Improvisierens erarbeiten, die inzwischen viele Grenzen hinter sich gelassen hat und dennoch jedes mal wieder neue Herausforderungen findet.

Damit wären meine gesamten Ersparnisse aufgebraucht, alle Sparschweine in Stücke gehauen, aber dafür könnte ich endlich meine Musik aufnehmen, die Sender BFBS, Radio Luxemburg, Radio Caroline (seit 1964 auf hoher See) brachten ja durchaus meine Musik. Aber das Bandmaterial, das musste man ja auch einrechnen. Natürlich schlug ich in den Handel ein, ein altes BASF-Band erhielt ich für meine ersten Aufnahmen gratis noch obendrein. Ab jetzt wurde aufgenommen, was für ein Fest.

Wozu auch das Präparieren eines Konzertflügels – meist zum Leidwesen seines Besitzers und zur Freude des Publikums – gehört. So ist Hauschkas What if ein Eintauchen in eine zutiefst vertraute Welt von experimentellen Ereignissen, ein Heimkommen in ein futuristisches Haus, in dem die klassischen Regularien verwelkt auf dem Boden liegen und in jedem Raum anstelle von Bildern organisch artifizielle Klänge für die Atmosphäre sorgen. Und wenn die Musik einmal vorbei ist, läuft sie traumgleich einfach im Inneren weiter.

„Way back when, in Sixty-seven …“ – it was in 1980, previously doped and musically beeing hooked by dealers like Joe Zawinul, Joni Mitchell, Lowell George, Robert Palmer, John Martyn and Jean Luc Ponty. One expected, after the great pleasure of The Royal Scam, new stuff from the californian west coast and that came along quite under-cooled. The cover of Gaucho however is like a Picasso painted statue of the ever-dancing couple – elegantly and with that same subtle irony as the clever lyrics of the Zeitgeist-architects from the west coast. Texts were not fully understood at that time anyway, despite language courses in Cornwall.

Smalltalk. Wir fahren zum Vergnügen. Lass es krachen. Einfach genial. Die Welt wartet schon. Mach, was wirklich zählt. Egal was Du tust: Zeit sparen! It’s ok – Leistungsschub für Körper und Geist. In the box! Was Sie über die Soforthilfe bei Verstorbenen wissen sollten. Beiss mich mal, ich glaub ich träume. Do bigger things. We go beyond so you can go too. Alle 11 Minuten … Bernd, du bist’s? Wir bringen Dich ans Ziel. Gesund aussehen – auch am Morgen danach. Small Talk.

Das Wesen des Menschen kann ohne den Wahnsinn

nicht nur nicht verstanden werden, sondern

es wäre gar nicht das Wesen des Menschen,

wenn es nicht den Wahnsinn als Grenze seiner

Freiheit in sich trüge.

(Anonymus)

Historicity is problematic. But as John Edgar Wideman once said, all stories are true. So listening to Gavin Bryars‘ „Jesus‘ Blood Never Failed Me Yet“ the story that your brain builds up around it is what it is. A fragment of found music, a handful of notes. A lost soul who duty will not track down, throwing spirit and poetry into an indifferent grey atmosphere. Arbitrarily swept onto magnetic tape, then augmented by orchestral backing some time later. Must be a hymn. Must have provenance.

I hadn’t slept well for days, but I still drove down to the city yesterday for the first time since my friend departed. Although the sun shone brightly, there was a cold wind blowing. We were supposed to have met for our usual ritual. But today I made our customary stops alone. I could feel his presence as I sat on the outdoor concrete bench at Blue Bottle and sipped my mocha. His ghost followed me over to Arlequin, but it just wasn’t in me to order a glass of wine and toast him, as had been my plan. Instead, I got a cup of soup and sat in my chair, at turns morosely staring at the empty chair across the table and watching passersby on the busy street.

In the end it all comes to story-telling, gotcha!? After her duo with David Toop, and the following „live remix“, Sidsel Endresen was standing outside, her eyes met my eyes, and instantly we embraced one another, and I heard her whispering two words into my ears: „my sweetheart“. Well, we never had an affair going on, so what was that? It simply was a purely improvised moment, with the much-quoted beating heart. David Toop has written a book about the history of free improvisation, and this way to communicate has never just been an attitude of music at the margins, it has always been, in many aspects & not so mysterious ways, a model for breaking patterns in the everyday life.

A Little Is Enough is a really great performance of mine, and would have to be on any „best of“ collection that I put together. It’s really about how love changes in relationships, how you’re drawn together by romantic passion, and then what happens is that everything changes, and I was, in a sense, trying to use words to celebrate the decline of love in a young relationship. Around the time when I was making this record, I was having my first difficulties in my marriage and feeling that I’d allowed my career to take far too much priority in my life.

My wife had warned me that I was taking on too much, and I just wasn’t really listening to her, and one day I came back from the studio or a gig or maybe even from a party, weeping, crying – „This is all too hard, I’m depressed, I can’t do it, I can’t handle show business, nobody loves me, they’re not giving me enough money, they’re giving me too much money, I’m too big, I’m too small“, whatever it was – and I may even have said, „Do you love me? Nobody else seem to“. And she said, „No“ (laughs) Anyway, I went to somebody called Adi Irani, who was Meher Baba’s secretary for a long time, and he was doing a lecture tour over here, and he said, „You look a little bit sad.“ So I said, „Well, I’m going through my first real hiccup in my marriage,“ and he said, „Oh, what’s it about?“ And I said, „My wife doesn’t love me any more.“

And he said „Well, she’s there, isn’t she?“ And I said, „Yeah.“ And he said, „Then she must love you a little bit.“, and I said, „Yeah, yeah, she probably loves me a little bit.“ And he said, „Well, when you’re talking about love, which is in itself by nature infinite, then a little is enough.“ And it solved my immediate problem, but also seemed to me to be a very, very wise thought, and a very romantic thought too, you know, if you only have a moment of love in your life, it’s enough, because it never evades you and it always returns.“

– Pete Townshend in conversation with John Pidgeon, January 1996.

Ich wollte an einem Abend dorthin, um Shirley Collins zu treffen. Auf Drängen von Patty Smith ist die 80 jährige angereist. Shirley erzählte, dass sie 30 Jahre nicht mehr singen konnte. In dieser Zeit hätte sie angefangen, Songs zu sammeln. Im 19. Jahrhundert nannte man England „the land with no music.“ Sie ging von Tür zu Tür und foderte die Landbevölkerung auf: „Sing!“ Ihre field-Arbeit nennt sie „Archäologie der Musik“. Es wurden Ausschnitte von dem neuen Film „The Ballad of Shirley Collins“ gezeigt

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Heute (Samstag Abend) fuhr ich durch Oxford, um via Leeds nach Birmingham zu gelangen. Was sich auf den ersten Blick nach einer arg umständlichen Route anhört, war tatsächlich eine recht kurze Strecke auf der Interstate 20. Allerdings nicht in New England, sondern in Alabama. Dabei dachte ich an Lucinda Williams‘ Album von den Geistern des Highway 20, die auch ganz wunderbar auf ihrer Schallplatte Car Wheels on a Gravel Road porträtiert sind.

Neulich erwähnte ich in einem Kommentar zu einem Beitrag, dass in der Hörnumer Jukebox zehn Platten von Robert Wyatt zu finden seien. Seither möchte der eine oder die andere freilich wissen, um welche Platten es sich handeln könnte. Gerne möchte ich diese Fragen beantworten, hat sich hier doch ein Phänomen eingestellt, das anderenorts nicht selbstverständlich zu scheint: hier, in dieser Kneipe, ein paar Schritte vom Meer, von der rauen Nordsee entfernt, gehören diese Scheiben zu den am meisten gewünschten. The Guardian schrieb schon vor mehr als zehn Jahren:
 

Just as the best way to judge an adult is by his or her record collection, the best way to judge a pub is by the albums on its jukebox. Or it was, until the 21st-century caught up with the noisy machine in the corner. There are now nearly 2,000 internet-connected jukeboxes in the UK, each of which can access as many as 2m tracks – and with them has come Wyatting, which is either a fearless act of situationist cultural warfare or a nauseatingly snobbish prank, depending on who you ask. The phenomenon was first identified in the New York Times by Wendy McClure. She was in a grimy rock bar when someone pulled up Brian Eno’s Thursday Afternoon, which consists of a single distant piano phrase repeated for more than an hour, and found herself too mesmerised to leave. „Imagine replacing the brass cylinder in a music box with a Möbius strip made from nerve endings“, she wrote. The rest of the bar’s patrons, however, were soon in revolt.

Okay, hier nun die zehn ausgesuchten Robert-Wyatt-Scheiben:

• Lullaby For Hamza (cuckooland 2003)
• Maryan (shleep 1997)
• Alliance (Old Rottenhat 1986)
• The Age of Self (Old Rottenhat 1986)
• Sea Song (Rock Bottom 1974)
• Little Red Riding Hoot Hit The Road (Rock Bottom 1974)
• The Ghost Within (… for the ghost within´ 2010)
• Lush Life (… for the ghost within´ 2010)
• Dondestan (dondestan 1998)
• Little Child (Daddy Dear) 1972 (Solar Flares Burn For You 2003)

Und jetzt gibt es noch eine Warteliste, dringend werden folgende Songs gewünscht:

• Strange Fruit (Nothing Can Stop Us 1982)
• Blues in Bob minor (shleep 1997)
• Solar Flares (Ruth Is Strager Than Richard 1989)
• Speechless (Old Rottenhat 1986)
• P.L.A. (Old Rottenhat 1986)
• Round Midnigt (… for the ghost within´ 2010)
• Sight of The Wind (dondestan 1998)
• Costa – Memories of Under-Development (dondestan 1998)
• At Last I´m Free (Nothing Can Stop Us 1982)
• United States of Amnesia (Old Rottenhat 1986)

Ein Glas Weißwein trinken, Robert Wyatt hören, auf das Meer schauen, was will man mehr?

Jeder kennt die Liebe auf den ersten Blick. Es gibt sie in persönlichen Begegnungen, aber auch bezogen auf Musik, auf Filme, Buchlektüren. Ein einzelner Akkord, ein Melodielauf, glasklare Evidenzen, etwas von Relevanz. Die ersten Minuten aus der Fernsehserie Halt & Catch Fire laufen ab und gleich ist klar: das Weiterschauen wird ein grosser Spass in den nächsten Wochen, ein entspanntes und bereicherndes Flow-Erlebnis. Man sieht einen Monitor, etwas wird eingetippt in neongrüner Schrift: HCF. Die Bedeutung dieses Computerbefehls wird sogleich erklärt. Ein riesengrosses Gürteltier krabbelt langsam über die Bildschirm, wie in einer Animation. Dann sieht man dieses fabelhafte Viech auf geteertem Strassenbelag, hört dazu das Motorengeräusch eines irrsinnig beschleunigten Sportwagens. Ein Porsche rast die Strasse herauf, dem Betrachter entgegen. Vollbremsung. Der Fahrer steigt aus und sieht sich den Schaden an: im Kühlerfrontgitter steckt ein blutiges Etwas. Diese in rhythmischer, bildwitziger Brillianz fotografierte Eingangssequenz könnte als Metapher gelten für Vieles, was dann folgt. Es um Veränderungen und Entwicklungen der digitalen Technologien. Wollte man dies aufhalten, so würde man überrannt. Es könnte auch Hinweis sein auf die forsche Rücksichtslosigkeit und den Ehrgeiz des attraktiven, bisexuellen, rhetorisch versierten Porschefahrers Joe MacMillan, einst Salesman bei IBM. Ein David Bowie der Computerbranche? Im Vorstellungsgespräch wird ihm Soziopathie unterstellt, zu Unrecht, denn er ist zu tiefen Emotionen fähig. Die Serie kommt aus gleicher Produktionsstätte wie auch Mad Men und Breaking Bad und das sieht man ihr an. Auch an Fargo erinnert einiges. Nichts ist hier zuviel und überflüssig. Dem Betrachter wird nicht Zeit gestohlen, vielmehr geschenkt. Figuren, mit denen man sich gerne identifiziert. Empathie, Katharsis. Eigene Lebenserfahrungen werden gespiegelt, nicht nur im Soundtrack. Eine hohe emotionale Intelligenz zeichnet die Serie aus. Ist das Ganze beendet, nach vier Staffeln, vierzig Episoden und dreissig Stunden Fernsehvergnügen, breitet sich Sehnsucht aus. Wie einst in verzauberten Sommernächten, die man allzu gerne zurückholte. Selbst ein Guru aus dem fernen Osten wäre davon nicht befreit. Denn Sehnsucht ist das Leben selbst. Wie Orpheus steige ich ein zweites Mal hinab in den Serien-Hades, beginne nach dem Abschied gleich von vorne. Schalte die Untertitel ab, geniesse den John-Bosworth-Sound in voller Konzentration. Wann hat man jemals so genial rappenden Texas-Slang gehört?

Bei einem Kreuzberger Weihnachtskehraus vor zwei Jahren sang eine Frau Kurt Weill Songs. Ich fragte sie, weshalb sie so begeistert von Kurt Weill sei. Sie lachte, nicht von Weill, sondern von Lotte Lenja, seiner Frau. Tatsächlich hatte die Berlinerin die gleiche signifikant kühle Schepperstimme wie Lotte.

Lotte: Do you know that they just found the song, you composed for me?

Kurt:  Which one do you mean?

Lotte:  Gosh,  honey, it was

Kurt: „Speak low, when you speak love.“

Lotte: I was searching for that song all over after your death. 

Kurt: Why did it mean so much to you?

Lotte: Kurt, it was the song about the white cheese. I sang it with all my power. Do you remember that wonder healer,  who preached: it was  done with white cheese compresses and two prayers.

Kurt: Yeah, I do remember.  „We were sooooo satisfied then.“

(Das „Lied vom weissen Käse“ ist vor ein paar Tagen in Berlin wieder gefunden worden)

Wiki speaks:

Kurt Weill wird in Dessau 1900 geboren. Er war ein deutsch-amerikanischer Komponist. Er stammte aus einer jüdischen Familie aus Dessau.  Auch er floh vor den Nazis nach New York, wo er 1950 starb. Er erlangte zunächst Bekanntheit durch die Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht (z.B. die Dreigroschenoper u.a.). Aufgrund von künstlerischen Dissonanzen trennten sie sich. Brecht versuchte ihn ganz für sich zu vereinnahmen. Weill wehrte sich: „… glauben Sie Brecht habe meine Musik komponiert? Brecht ist ein Genie, aber für die Musik in unserem Werke, dafür trage ich allein die Verantwortung.“

Lotte Lenja war die einzige Frau, die den Verführungen Brechts widerstanden hatte.

Brecht auf deutsch-türkisch 

Omg – a musical!

Als Kurt den Broadway entlangschlenderte, traf er Moss Hart, der frisch von der Couch runterkam. Die Psychoanalyse blühte. Ein Glück für Weill, der mit Hart jemanden gefunden hatte, mit dem er neue Musikformen im Theater ausprobieren konnte. Sie arbeiteten daran, wie die Traumsequenzen als Songs so in die Wort- und Theatertanzakte eingebaut werden könnten, um dem Stück „Lady in the Dark“ mehr Spannung zu verleihen.

„My ship has sails that are made of silk …“

Wie oft wurde dieser Song – THE SHIP – aus dem Musical LADY IN THE DARK gecovert: von Flora Purim, Cindy Blackman, Herbie Hancock, Miles Davis, Gil Evans …

Ich bin im Kurt Weill Zentrum in Dessau.

Es ist in einem der Meisterhäuser (Bauhaus / Feininger) untergebracht. Auf dem Tisch liegt das Kurt Weill Festspielprogramm für 2018. „Lady in the Dark“ wird aufgeführt werden und Till Brönner wird aufspielen. Mich hätten die Folksongs zu dem Musical „Huckleberry Finn“ am meisten interessiert. Wo sind sie bloß?

At first listening, this Polish-Scandinavian collaboration seems almost too archetypal ECM for its own good. But there‘s more to UNLOVED than the surface of the surface may offer. So wait and listen. My edition of Deutschlandfunk’s „JazzFacts“ on December 7th, 9.05 p.m., will shed some light over Marciej Obara‘s debut on ECM. And the sax player will speak about it, in his home language. Other themes are in preparation. Please let us not discuss t h i s album here. But: are there brand new or quite new jazz, jazz-related albums out there (from lesser known labels) I might present on that evening‘s program? Do I have to go back to some overlooked gems? Nearly no one knows, for example, the highly inventive approach to Erik Satie, performed by a piano player and a cornetist, right?! Released on Steeplechase Records. And, with special works, it’s always the question what can still be called jazz in the widest sense? Jon Balke‘s fantastic new album seems a bit far out for a program called „JazzFacts“. Mhmm …  For German listeners: a week later, December 14th, same time, Anouar Brahem’s internationally acclaimed new work is in the focus of Karl Lippegaus‘ portrait.