Manafonistas

Stay still, be still | No wonder you are always lost | As a messenger you must be known | With messages you must return | To be seen by demanding hands | Blonde Readhead | And touches of jealous men | Invisible, unforgivable | To all their secret ends | Be it so be quick | Don´t run just walk and walk and walk | Don´t lose yourself to decorate | Somewhere on your wall | Cause somewhere in your mind | You know you are doing fine | David Sylvian | Holding secret hair locks | You’ll pluck before you hide | So how can I keep anything to myself | So how can I keep any of those things … | Behind these clouds | I´m almost home.

Besonders faszinierend und inspirierend ist die Spielweise des Gitarristen Marc Ducret. Beeindruckend war schon seine Mitwirkung in der Bloodcount-Truppe des Tim Berne. Er lieferte dort die Vitamine und Mineralstoffe, um die frei improvisierenden Radikalen um sich herum zu einem gesundem Blutbild abzurunden, zwecks homogenen Gesamtsounds. Aufgrund dieser teils integrativ gruppendienlichen, teils dynamisch dominanten, in jedem Fall aber flexiblen, variablen und hochversierten Performance fällt ihm mühelos und qua natura die Rolle eines Dirigenten zu, der gleichzeitig mitspielt, als ordnende und inklusive Kraft. Das visuelle Erlebnis kann den Eindruck von einem Musiker erhellen und vertiefen, so auch hier: Ducrets körperbezogene, geradezu animalische, auch an Butho-Tanz erinnernde Art zu spielen unterscheidet ihn von anderen Avantgarde-Klampfern wie etwa Fred Frith und David Torn, die allesamt Klangspektren und experimentelle Spieltechniken hinzufügten, und geht darüber hinaus in ihrem situativen und circus-artistischem Spielwitz. Die Aufzeichnung eines Konzertes mit Gitarre, Schlagzeug und drei Bläsern aus den aktuellen Tower-Veröffentlichungen zeigt dies anschaulich. Als Anspieltipp für Zeit-Eilende (wem rennt sie denn nicht durch die Finger?) beginnt ab Minute 15:40 ein Solo-Intermezzo, das dann in den Gruppenklang zurückmündet.

I recently completed the book for 2014, as yet untitled. I also received proof copies of the book that is being released in June of this year, entitled „The Devil and The River“. Contractually speaking, I am not now required to submit another book until the middle of 2014. This is – frankly – an utterly impossible scenario for me!

I am a writer. I write all the time. During the last ten years I have published eleven books, but I´ve written somewhere in the region of sixteen or seventeen. Beyond that, I still have twenty-five unpublished novels in my loft. I once asked my wife what we were going to do when we reached our mid-sixties and we had no money because she had spent it all on shoes. Her response was immediate and very specific: „I´ll just take all those manuscripts in the loft and put them on e-bay,“ she said, „and then I´ll buy more shoes.“

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Although I knew Jonathon Richman and the Modern Lovers though Roadrunner, Ice Cream Man and Egyptian Reggae, which I heard around the time of the first punk explosion, for some reason I never really listened to him very closely until about three or four days ago, which is quite a long time to allow such a great treasure to escape from your life … I can’t even remember the chain of aleatoric thoughts that lead me to him again, but I find myself becoming ever more captivated by his enchanting music. What I find so great about him is that unlike a band like Coldplay and countless others who need to express BIG emotions and big sounds, which ultimately end up feeling limited and constrained  because of the scale of their ambition, Jonathon Richman’s music is small and homespun in its sound and in its lyrical interest and yet manages to seem limitless in the possibilities it suggests of its possible meaning and its spiritual yearning. Whether he is writing about being a mosquito or about honey bees or parachute jumpers, whether about the joys of driving along a New England freeway or dancing in a lesbian bar; however small or parochial the nature of his concerns, the expansive nature of the joy that the lyrics give rise to in the listener and the vibrancy and ebullience of the music are such that any one of his songs could charge you with sufficient energy to single-handed build a pyramid, fight a Roman legion (assuming there was one in the vicinity of the pyramid) and still have room to counter the next wave of misery that is an inherent part of the human condition, but which he manages to somehow dissipate through his songwriting.

Although there are so many of his songs that are great, I particularly love ‚Twilight in Boston‚ because it expresses the joy of the mundane – of the prosaic, with precisely the deftness of touch that avoids slipping into the mawkish (of course, this is subjective). It happens to refer to Boston, but this could be an experience that anyone could have, anywhere in the world – at any time. It’s sung with that gleeful sense that enjoyment comes from the here and now, from the smallness of things, which at the same time are connected to something greater. So as I listen to it, I can celebrate the wonderful reaction of Jurgen Klopp to Subotic’s goal line clearance, walking past Tonbridge castle in the late afternoon sunshine and at any of these times, feel connected to an Egyptian slave who is in love with Cleopatra (my interpretation of Abdul and Cleopatra)!

(Dedicated to the inspiring BVB team)

It was a night of outstanding drama, fully reaffirming all the eulogies about German football, and when it was all done Bayern Munich had won their fifth European Cup and we were reminded what a brutal business football can be when it comes to making losers of heroes.

For everything wonderful that had occurred on the pitch, some of the lingering memories came afterwards as Bayern’s victorious players soaked in the euphoria of Arjen Robben’s late, decisive goal and, simultaneously, the players from Die Schwarzgelben were on the floor, many in tears, with Jürgen Klopp watching from the side, standing still for possibly the first time on the night. His players had given everything, as they have throughout the competition. They had played with drive and ambition, utterly devoted to the idea of returning this trophy to Westphalia, and what a terrible pity it would be if a side with this talent are to be broken up. (The Guardian)

How could it happen? I just forgot that record. Totally. Tutti forgetti. I stumbled upon it when I was very young, in a time when I obsessively read Jules Verne and Arthur Conan Doyle novels and stories. It tought me lessons about darkness and sex. Years later, it tought me other things, this time about darkness and love. No kidding. Short, weird songs, nearly fragmented. Magic all over the place, strange folk, strange guitar, no moment wasted. And now I stumbled upon it again, after a very long time. The music is running in my car. For days now. Puts a big smile on my face. Sends shivers. Still flies, still takes me places, no sentimental journeys. Tyrannosaurus Rex: A Beard Of Stars. Great Horse and Lofty Skies wear their hippie bliss lightly, Wind Cheetah sails close to gothic rock, and the quietly infectious By The Light Of The Magical Moon is enchanting. I could really get into describing every song, but to sum it all up: A Beard of Stars is an electric, gothic, mythological camelot – and you will be drawn into this epic like being swept into another time and place; into a world from Marc’s surreal dreamland consisting of dragons, druids and the great horse under the light of a magical moon. Gregory: a jukebox without Marc Bolan? No way! Well, what will teach A Beard Of Stars me now? At least I will have to tell the whole story soon, with some nasty catholic nuns, the most beautiful girl of Dortmund (at least the southern part of the city), and a train trip to Villingen, Black Forest.

Zur aktuellen Lieblingslektüre den passenden soundtrack finden – und darüber hinaus Anhaltspunkte und Inspirations-Schmankerl für eigene Schritte in die Welt der Freien Improvisation: das ist Glück. Seit Tagen, Wochen stöbere ich im preisgekrönten Essayband Duft der Zeit des koreanischen Philosophen Han. Eine seiner Kernthesen ist die, dass es in der heutigen Zeit an Abschlussformen fehle, die Erfüllung vermitteln. Alles schwirrt im Uferlosen herum. Erzählungen und andere Narrative wären solche Abschlüsse, ferner Rituale, Feste und, so meine ich, auch gute Songs und Musikwerke. Satoko Fujii´s Time Stands Still erklingt im Duft der Zeit. Musik, die dem, der sie nie vorher hörte, sogleich vertraut vorkommt, frisch und ungekünstelt. Immer auf der Suche nach kontrollierten Ekstasen, in denen sich zahlreiche Musikstile entfalten; wo es keine Tabus gibt; Salsa neben Freejazz stehen kann und Hardrock neben Folk, wird der Glückliche zuweilen fündig. Die schüchtern-sympathische Satoko Fujii, von Kindesbeinen an in der Klassik ausgebildet, gehört zu jenen, die alsbald ihren Ausbruch in freiere Gefilde suchten. Man hört ihrem japanisch rabiaten, aber auch warmherzigen Spiel an, dass sie alle Formen und Stile beherrscht. Da gibt es Bachsonaten neben Anklängen aus Südamerika. Auch Paul Bley, Aki Takase, Masabumi Kikuchi – sogar Joachim Kühn – kommen in den Sinn. Fujjii´s Spiel ist im positiven Sinne einfach, natürlich, und leicht nachvollziehbar. Sie gehört auch gewiß nicht zu jenen aus der Klassik Kommenden, die sich süffisant auf dem Feld des Jazzrockpop versuchen und ganz toll dabei finden, weil sie auch mal swingen dürfen. Abschließend und Augen schliessend im Sinne des Philosophen Han sei gesagt, dass die persönlichen Musikforschungen hinsichtlich dieser Pianistin, im Quartett mit MA-DO ebenso wie in ihrem Trio-Album Spring Storm, noch nicht zum Abschluss gekommen sind – die Neugierde darauf fängt soeben erst an.

„The Transylvanian Concert“ ist der Titel der CD des Duos – das der aus Rumänien stammende, jetzt in New York lebende Pianist Lucian Ban und der die Bratsche spielende Mat Maneri jetzt herausgegeben haben. Sie beide traten in einem sog. „Kulturpalast“ auf, nicht weit von dem Ort entfernt, wo Lucian Ban aufwuchs und Bartok seine intensiven Nachforschungen zur alten Folklore des Landes betrieb. Beides klingt durch, alte Klänge der ersten Heimat, zugleich aber auch, und immer wieder, kurze Anspielungen berühmter alter Jazzsongs, oft nur für Sekunden, und fernab standardisierter Standards.

Die Räume der Kindheit müssen ihre Dämmerung behalten, schrieb der französische Philosoph Gaston Bachelard in seinem Buch „Poetik des Raumes“, und etwas von diesen nie vollständig ausgeleuchteten, nie ganz fassbaren Kindheitsräumen suggeriert auch das Cover der Cd: eine von der Nacht immer mehr eingenommene Grenze zum Wald, gerade noch erkennt man die Schemen zweier Tiere am Waldrand, eine Spur von Grün, das auch rasch verschwinden wird. Musik aus dieser hinreissenden Darbietung gibt es in meiner Ausgabe der JazzFacts am 6. Endlich mal wieder ein Cover von ECM, das etwas vom Geist (und den Geistern) der Musik enthüllt!