Manafonistas

Hi Michael

I am in Hull at the moment, I gave a talk up here and showed a poetry video piece. It is a disconnected town with a bad reputation, which I have completely fallen in love with in the two short trips I have had here. I spent yesterday afternoon in a pub listening to men singing sea shanties, old folk songs, some Mongolian throat singing and talking about the old industries of the place.

Back to London today.

Have a lovely morning in the cafe.

Rick

Vor ein paar Tagen, am 09.03.2012 ist John Cale 70 Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass bleibt mein Plattenschrank geschlossen, es wird keine Cale-Platte herausgesucht, keine Velvet-Underground Langspielplatte auf den Teller gelegt, nein, stattdessen möchte ich auf eine sehr interessante Seite im world-wide-web hinweisen. Vor ein paar Tagen entdeckte ich eine Internetseite, auf die Henry Kozok in seinem radiohoerer.blogger.de kürzlich hingewiesen hat. „John Cale fans from all over the world came together to celebrate the Maestro’s 70th birthday.“ Und das tun sie auf johncaletribute.com/. Bis heute habe ich auf dieser Seite 35 Musikstücke unterschiedlichster Musiker, meist handelt es sich um Cover-Versionen von John Cale Kompositionen, entdeckt. Alle Songs kann man sich vollständig anhören. Wir erleben also eine grandiose Geburtstagsfeier im Netz anläßlich des Siebzigsten von Meister John Cale. Schätze kann man hier heben. Ein Besuch lohnt dringend! Folgende Musikstücke kann man dort hören (Stand 15.03.12)
 
 
 

 
 
 
Shadwel Price: Fish outta Water
Khoral: Captain Hook
Stereo Surrealist: Gun
John Guiller H.Abarcar: A Man in a Velvet
Hans Schumacher: Sunday Morning
Christopher James: The biggist, the loudest, hairest Group of all
Secret Screwdriver Revival: Little Rhythmic Midnight Snacks
deerfrance & Extra Virgin Mary: Only Time Will Tell
Robert Torbica: Turn the Lights on
Jay Jay Walton: Endless Plain of Fortune
Frédéric Somers: The Hunt
Siadwel Price: Fish out of Water
(Five piano snippets inspired by John Cale )
Andre Perkowski: Barracuda
Jane Gilday: Paris 1919
Arnold Kasar: Big White Cloud
Garden With Lips: Dying on the Vine
Electric Angels with Dan Zedek: Gun
R. P. Inverarity: Sanities
Jacques Mees: I Keep A Close Watch
Rhys Chatham: Guitar Trio
Jonathan Kade: Leaving it up to you
Siadwel Price: Set Me Free
Niteflights: Paris 1919
Sheer Weight of Traffic: Ski Patrol
Louis F. Schürmann: Big White Cloud
Elisa Medeiros: Ghost Story
A.ndrea L.ange: Dying on the Vine
Tom Siler & Joan Vorderbruggen: Fear is a Man’s Best Friend
Iñaki García Galera: Andalucia
Mike Shoun: Big White Cloud
Hans Schumacher: You Know More Than I Know
Liz Ireland: Chorale
Robert Torbica: Satisfied
Siadwel Price: Suo Gan

Nik Bärtsch´s Ronin – Live
Keith Jarrett – Sleeper
Tim Berne – Snakeoil
Brad Mehldau Trio – Ode
Gerry Diver´s Speech Project
Vijay Iyer – Accelerando
Masabumi Kikuchi Trio – Sunrise
John Abercrombie – Within A Song
Hank Roberts – Everything is Alive
Tord Gustavsen Quartet – The Well
Jack deJohnette – Sound Travels
Kenny Wheeler – The Long Waiting
John Surman – Saltash Bells
David Sylvian – A Victim of Stars
Louis Sclavis Atlas Trio – Sources
Jan Bang/Eric Honore – Uncommon Deities
Michael Formanek – Small Places

It’s liberating to be writing about this highly regarded classic of dub techno after the dust has settled a little. Thomas Köner and Andy Mellwig’s LP Biokinetics was originally released on Basic Channel offshoot Chain Reaction, collecting their 12’’s for the label along with some new tracks, and it’s been plucked from its relative material obscurity by Type Records, also responsible for rereleasing Köner’s superlative icy ambient trilogy Nunatak • Teimo • Permafrost. Other publications and writers have struck their claims on Biokinetics, leaving a skeleton crew to soak up the remaining wonder and look at the process that’s articulated it away from the militantly unified aesthetic it was initially part of.

Prior to the reissue mania, Biokinetics was considered a high-water mark of dub techno but there was less momentum around its appreciation. Even by dub techno’s stringent standards, it’s a demanding thing to listen to closely, and its yield is somewhat ambivalent. It should be noted, however, that it has aged much better than some of its contemporaries, whose productions can’t help but sound thin and unmoored in the shadow of Biokinetics‘ full-blooded sound design.

Faced with its vision and the power of its execution, I can’t help but have respect for what the duo set out to do and what they plainly accomplished. Developing a visceral or emotional attachment to it is another matter (not to assume that’s the benchmark for all recorded music). It can set the mind on fire, but in other respects it’s pointedly monolithic, impenetrable. Of course, the context in which it’s coming out again provides a built-in appreciation. Against a backdrop of new producers (some of whom have a noise pedigree that isn’t too far from Köner’s work with field recordings and complexly processed gongs) taking a raw, sometimes lo-fi approach to house and techno, Biokinetics was and is prophetic. Of course, the sounds here are way more abstract, ambient, prickly and druggy than almost anything on offer these days, dub or no.

Dub techno is, after all, like any other genre: a tag borne of necessity. It denotes a level of anything-goes possibility, as well as a set of coded practices. Transcendence and stasis — great flavors that go great together. But dub techno was, like many dance sub-genres, kind of a blip. Reviews that note the dearth of “classic” albums from that movement don’t take into account the ephemerality of dub techno, or techno’s general aversion to the forces that designate full-length albums as enduring, final, long-form artistic statements.

If you fuck with the Chain Reaction and Basic Channel discographies, there aren’t an overwhelming number of external reasons that Biokinetics is any better than Mutila, Hongkong, or Landlocked, but there are plenty of subjective reasons to prefer Porter Ricks’ approach to Vladislav Delay’s, Monolake’s, or Hallucinator’s. Playing up the album’s uniqueness is a little disingenuous: if you like dub techno — and who among us with a taste for dissociated, repetitive, awesomely deep and gritty music wouldn’t? — you’re bound to like a lot of this stuff, and love some of it. But there are no real guiding aesthetic principles that secure the superiority of one release over the other. I suppose one of the functions of reissues when you can acquire the whole out-of-print and unpurchaseable Chain Reaction discography easily, is to give us some bearings. This is another win for Type’s curatorial eye, but hopefully the first step in a more robust appreciation of Chain Reaction.

By Brandon Bussolini

Da hatte man das Gefühl: ja, all die sozialkritisch referierten Wirklichkeiten sind Teil des großen und ungerecht verteilten Kuchens, und doch gehörten die meisten Fernsehkommissare, selbst Schimanski, schlicht zu den aufrechten, auch unkorrekten Helden des deutschen TV-Alltags. Aber was, wenn der schöne Schein der Geschichten nicht mehr funktioniert, wenn einem beim Zuschauen eine seltsame Kälte befällt, in einem fahl-gelb-grünen Grosstadt-Noir-Licht, das in seiner toten Austrahlung formvollendet die Düsternis von Halb- und Unterwelten einfängt, in denen die Gestrandeten wie Zombies über öffentliche Burgersteige taumeln und ganz reguläre Sozialversicherungsnummern haben, und die beste Polizistin von Malmö den Autismus von Monk zur netten Schrulligkeit degradiert, angesichts ihrer eigenen Unfähigkeit, so etwas wie Gefühl zu zeigen. Sex ist kaltes Stöhnen, und wer nach dem Orgasmus und einer Portion Bewusstlosigkeit die Fotos zerschnittener Körper studiert, macht wohl eher keine Werbung für Ikea. DIE BRÜCKE ist der Titel der brillianten skandinavischen Serie, die seit gestern im ZDF läuft, jeden Sonntag um 22.00 Uhr. Die Gemütlichkeiten von Inspector Barnaby haben vorerst ausgedient. Mit ganz anderen Mitteln, aber ähnlich intensiv wie FÜR ALLE FÄLLE FITZ, machen sich hier die Gestörten und Traumatisierten (und ein, okay, ganz knuffiger, frisch-sterilisierter Inspektor) auf den Weg, dem reinen Horror sterbender sozialer Systeme zu begegnen.

 
 

 
 
 
Yves Raveys Erzählung Bruderliebe, schreibt Thekla Dannenberg, ist ein elegant geschliffener, kalter Edelstein. Auf 110 Seiten, in Kapiteln, die gerade einmal aus einem zehnzeiligen Absatz bestehen, konstruiert der französische Autor seine hochkomprimierte Geschichte, die eine mindestens ebenso feine Präzisionsarbeit ist wie das Verbrechen, das es beschreibt. Plan: Die Tochter von Max‘ Chef entführen, eine halbe Million Euro Lösegeld kassieren und über die Grenze abhauen. Eine Angelegenheit von 24 Stunden, ohne jedes Risiko. Scheinbar.

Ravey, der Kunstprofesser aus Besancon, fordert beim Lesen hohe Konzentration und genaues Hinsehen. Auf jedes Detail muss man achten, jedes Zeichen deuten, schnelles Lesen ist unmöglich. Mit einem einzigen Satz verstellt sich wie bei einem Uhrwerk das gesamte Gefüge. Und dabei erzählt er in dieser stilistischen Meisterübung mitnichten die Geschichte einer Bruderliebe, er erzählt eine Geschichte von Rivalität, Verrat und von einem Verbrechen, dessen Perfidie sich erst auf der allerletzten Seite enthüllt.
 

Ein Opfer der Sterne? Wir wollen es nicht übertreiben. Auf den Fotos des Doppelalbums sieht er wie einem Bergmann-Film entsprungen aus: „Wilde Erdbeeren“, mit David Sylvian. In der Zeit, als Virgin noch Richard Branson gehörte, gab es noch Risikozonen, Wagnisse, Spielwiesen. David Sylvian profitierte davon, zuerst mit Japan, später als Solokünstler. Wie ist das nun, wenn man manchen dieser alten Aufnahmen begegnet? Und quasi 30 Jahre gelebtes Leben an sich vorüberziehen hört? Überraschend interessant. Natürlich: auch der Sylvian aus den Achtzigern, mit Jon Hassell an seiner Seite, Holger Czukay am Kurzwellenempfänger, und „Brilliant Trees“ im Schaufenster, hat seine Insignien, Zeichen der Zeit, doch keineswegs veraltet. Nur angenehm gealtert. Ich freue mich, wenn ich immer noch Neues, Vergessenes im alten „Stoff“ wiederhöre; Erinnerungen taugen in der Musik nur, wenn sie mit Entdeckungen einhergehen. Die Klangreise dieser Doppel-CD („Victim of Stars“ ist exzellent kompiliert) endet mit einem Versprechen für die Zukunft, dem neuen Lied Where´s Your Gravity? – mit den norwegischen Kollaborateuren Eyvind Aarset, Jan Bang, Erik Honore und Arve Henriksen. Das nächste Songalbum von „Mister Samtstimme“ wird gewiss ein sehr nordeuropäisches werden. Anders als die vielen Verwalter des eigenen Ruhmes, hat Sylvian den Weg gefunden, keineswegs in Schönheit zu sterben.

João Bosco hat über die Jahre hinweg auf einem spannenden Entwicklungsweg Verblüffendes hervorbracht. In einer Mischung aus afrikanischen, arabischen, fusion-jazzigen, stimm- und rhythmusakrobatischen Elementen – und der dazu gehörigen Portion Bossa Nova e Samba, zauberte er ein Gesamtwerk, das bei einer Konzertaufzeichnung in São Paulo im Jahre 2006 seinen reifen, meisterlichen Höhepunkt fand: „Obrigado, Gente!“ – mit hervorragenden Begleit- und Gastmusikern an seiner Seite.

Die Songs des Sängers stehen auch in der Tradition versierter brasilianischer Gitarrenkunst (Baden Powell, Gilberto Gil). Sie sind grossenteils in Zusammenarbeit mit dem Dichter und Psychiater Aldir Blanc entstanden. Märchenhafte und tiefenpsychologische Bilder verbinden sich mit Alltagsgeschichten, eine üppige Sprache verwebt sich mit Strassen-Slangs. 

In Boscos Heimat Minas Gerais, dort wo man Edelsteine (pedras preciosas) findet und verkauft; in den Gassen Ouro Pretos mit barocken Kirchen, Häuserprachten; in einer atemberaubenden bergigen Landschaft; wo die Mittagshitze brennt wie in einem Western on high noon – dort träumt man gerne auch mal vor sich hin.

Ein Lied aus João Boscos aktuellem Album ist das meditativ-minimalistische und afrikanisch akzentuierte „Tanajura“, im Sieben-Achtel-Takt, mit wunderbar dezenter Perkussion. Der Titel der CD verkündet: Não Vou Pro Céu, Mas Já Não Vivo No Chão – „Im Himmel bin ich noch nicht angelangt, doch aus der Gosse bin ich raus“. Das ist wohl weniger biografisch als vielmehr humorvoll und emphatisch gemeint. Doch es stimmt: so manche Vergangenheit sollte man besser hinter sich lassen. Der Himmel hingegen kann warten. 

João Bosco: ”Tanajura”

1) Gerry Diver: Speech Project
2) Burnt Friedman: Bokoboko
3) Lambchop: Mr.M
4) Diagrams: Black Light
5) Anders Jormin: Ad Lucem
6) Tindersticks: The Something Rain
7) Lost in the Trees: A Church That Fits Our Needs
8) Peter Broderick: https://itstartshear.com
9) Dan Michaelson: Breaking Falls
10) Tim Berne: Snakeoil
11) Juhani Aaltonen and Heikki Sarmanto: Conversations
12) Garth Knox: Saltarello

„Dieser Soundtrack für den Dokumentarfilm von Grant Gee über WG Sebald“, schreibt Thaddi in DE:BUG, „beweist erneut den einzigartigen Umgang von The Caretaker mit Klang und Stimmungen, der Einsegnung der Vergangenheit, die nur auf grobkörnigem, vielfach restauriertem Film wirklich zur Geltung kommen kann. Eine Elegie für eine Zeit, in der auch nichts besser war als heute, die aber respektvoller mit dem Ticken der Uhr umging. Das hat sich Kirby natürlich nicht alles selber ausgedacht: Das Ausgangsmaterial des Soundtracks ist Schuberts Winterreise. Über jeden Zweifel erhaben, nur geloopt eben noch besser. Liebeserklärungen sollten immer knistern wie Kirby.“

 
Brainwashed.com
 

„Im August 1992, als die Hundstage ihrem Ende zugingen, machte ich mich auf eine Fußreise durch die ostenglische Grafschaft Suffolk in der Hoffnung, der nach dem Abschluß einer größeren Arbeit sich ausbreitenden Leere entkommen zu können. Diese Hoffnung erfüllte sich auch bis zu einem gewissen Grad, denn selten habe ich mich so ungebunden gefühlt wie damals bei dem stunden- und tagelangen Dahinwandern durch die teilweise nur spärlich besiedelten Landstriche hinter dem Ufer des Meeres.“ (So beginnen „Die Ringe des Saturn“)