Manafonistas

Das Remastering für die Vinylausgabe von Jon Hassell‘s Klassiker ist grandios. „Like all great albums, one moment you are just relaxing into the textures before being rudely jolted back into a darker and much more challenging place.“  

Johannes Delmere is telling the whole truth: The Tranquil Club left its marks in the late 80ies/early 90ies in the Ruhrgebiet, a large conglomerate of towns right in the middle of (former) West-Germany. The members of The Tranquil Club only had one quest: to play music to as few people as possible as silently as possible. It started with an idea by Brian Eno, who fancied to have a house or a club with a few circles of rooms, adding more and more quietness and silence when entering the next circle. The Tranquil Club did not have a house, but tried to put this idea on stage. The first event of The Tranquil Club took place in Bochum, in a room very well suited for the occasion. It had the shape of a cocoon, lots of soft and colourful lights and the floor was laid out with soft material. You could walk around without being heard. Events of The Tranquil Club did not last for one evening, they lasted for 5 nights. Music was created, the stage was lightened by TV-Sets that were put up on their sides or on their top, switched to near invisibility or just a mess of colours. The sound system had 6 channels with different sounds coming out of each channel, there were films and tapes. Even the main evening news from Germany’s leading TV station were an integral part of the show, slightly distorted by very low-level sounds. Words were spoken, films were accompanied, stories were told, pictures were taken, sounds came from everywhere. It was very strange, sometimes entertaining, sometimes not. The Tranquil Club even made it onto nationwide radio in Germany when it took hold of the airwaves for one whole hour.

The Tranquil Club was:

Michael Engelbrecht: concept, installation, spoken words and piano (who left before the end, due to „musical differences“)

Olaf Guenther: concept, installation, electronic devices, mix, piano, voice, fluegelhorn and didgeridoo (who went all the way)

Dr. Johannes Delmere: electric and acoustic guitars, keyboards & sequenzers, synthesizers, recording and effects (who liked the idea and joined)

Frank Westerdorff: bassoon and contrabassoon, english horn, piano, flutes and voices (who wasn’t sure at first, but got going)

and sometimes

Merle Hettersheim: cello (who had a short stay in Castrop-Rauxel)

Claudia Roellecke: drums (who came to join in Dortmund and Cologne)

Wenn einer sich Gedanken macht über die Banalität des Schönklangs beim Hören der neuesten Silje Nergaard Platte und sich schwört, nie wieder gefällige Gitarrenklänge in die Welt zu setzen, weil er nicht mitwirken will an diesem bis an die Schmerzgrenze Süßlichen und jene bemitleidet, die sich darin weiden und nicht wissen: sie kommen darin um – dann greift derjenige schnell mal ins rettende Bücherregal, um sich zu vergewissern, dass er nicht allein auf dieser Welt ist und Heimat für ihn heisst: Geborgenheit in der Gemeinschaft negativer Denker.

Wie zufällig zieht er dann ein Buch von Cioran aus dem Regal, jenem grossen Schriftsteller, Philosophen und Stilisten, der aus der Kunst des negativen Denkens und Schreibens heraus jene Kraft entwickelte, die Leben spendet und die so manchem Selbstmörder die Tat vereitelte. Denn erstaunlicherweise bewirkt die Freiheit, sich schonungslos negativ äussern zu dürfen, eine befreiende Öffnung, die ins Leben zurückweist. Ebenso verhält es sich ja auch mit der Langeweile.

Negativität und Langeweile sind, ähnlich wie etwa das Cholesterin oder der Stress, sowohl als negative wie auch als positive Wirkkräfte vorhanden. Allein von Übel sind ausweglose Monotonie und bildungslose Stumpfheit. Aber glaubt denn jemand, wenn ihm beim Flanieren durch die Gassen von Paris jener Cioran zufällig begegnet wäre, er hätte dann das Antlitz eines Griesgrams erblickt? Mitnichten – einen mitfühlenden, würdevollen, sanftmütigen und leidenschaftlichen Menschen hätte er gesehen, fernab aller kruden Grobschlächtigkeit.

Die Langeweile hat Eröffnungscharakter: im besten Falle ist sie wie ein Nadelör, durch das man zurückgelangt ins Hier und Jetzt, zwischen die Dinge. Was hingegen an Silje Nergaards Süßklang stört, ist diese sentimentale, einlullende Verhangenheit, die ähnlich fatale Wirkungen zeigen kann wie ein in ewigem Minnesang gefangener Romeo sie erfahren würde. Da hätte dann jemand noch nie den Himmel gesehen, weil er stets nur unter Weiberröcke blickte und unter den Balkonen sitzend Nackenschmerzen kriegte.
 

(Textbeitrag vom 15.4.2012)

Der eine Mitbewohner meines Zimmers lag mit einer gebrochenen Nase und anderen Frakturen danieder. Er hatte einen Freund beschützen wollen, auf den die Türsteher einer Disko hemmungslos eingeprügelt hatten. In der Chirurgie waren keine Zimmer mehr frei, also kam er zu uns in die Urologie. Der andere Kollege war, wie ich, streinreich, und wartete auf die Entfernung seiner Nierensteine. Ich kam als erster dran, hatte mir vorher das im Mai erscheinende Soloalbum von John Surman gegönnt. Sehr empfohlen für solche feinen Anlässe. In den Sekunden, bevor die Nacht mich umhüllte, stellte ich mir etwas vor, das ich hier für mich behalte – und den Papagayo-Strand von Lanzarote. Als ich wach wurde, trug ich einen Blasenkatheter, und ab und zu spritzte eine freundliche Schwester eine schmerzlindernde Flüssigkeit in meine Harnröhre. Es gab schon erotischere Momente in meinem Leben. Blut und Urin sammelten sich in meinem Beutel. Am Nachmittag kam der Oberarzt, der mich operiert hatte und teilte mir mit, dass er zu 99 Prozent alle Nierensteine meiner rechten Niere entfernen konnte. I was a happy man. Es war unlustigerweise der Tag, an dem mein Ballspielverein Borussia gegen Bayern München spielte. Wie gerne wäre ich wenigstens im Strobels gewesen! Aus dem sechsten Stock des Klinikum Nord sah ich in der Ferne die Pylone des Westfalenstadions. Am liebsten hätte ich mir einen Fesselballon gemietet. Diesen „Hitchcock“ am Radio zu verfolgen, war mir zu stressig. Ich vertrieb mir die Zeit mit den herrlich altmodischen Einflüsterungen von M. Wards „A Wasteland Companion“ (oh, my love!). Ein „blauer Engel“ hatte mich dermassen sediert, dass ich darüber einschlief, und erst kurz vor Spielschluss erwachte: fiebrig begab ich mich auf Ergebnissuche , und mein Jubelschrei riss meine Kumpels kurz aus dem Dämmerschlaf. Mein bester Freund dort war ein Krankenpfleger, ein Heavy Metal-Fan, aber offen für meine „komische Musik“. Der Tag darauf: ein Rettungshubschrauber landete in aller Frühe auf dem Landeplatz vor dem Klinikum. Ein Mann erzählte mir von seinem Stein, der so gross war wie ein Straussenei, und in viele Einzelsteine zertrümmert wurde, die immer noch zu gross waren, um sie über die Harnröhre raus zu fischen. Seine Schmerzgeschichte war  ein Drama, er tat mir unendlich leid. Kumpel Rolf brachte mir den „Kicker“ vom Kiosk mit. Am Schluss zog ich mein „LOST“-T-Shirt an. „Ich bin der letzte Überlebende der Dharma-Initiative.“ Während ich dies schreibe, laufen alte Songs von Sam Cooke im Hintergrund. Dortmund hat das Derby auf Schalke gewonnen. Ich bin im siebten Fussballhimmel. Das Kind im Mann lebt noch.

If there was an award for saddest-slowest-quietest abstract songwriter of the last five years, Jesy Fortino (better known as Tiny Vipers) and Liz Harris (better known as Grouper) would have to duke it out. But there is no such prize. Instead, Fortino and Harris have formed some sort of sad-slow-quiet abstract Dream Team, named it Mirrorring, and put out a record.

Foreign Body inches carefully forward like a slow exhale, but it’s not relaxed, it’s restrained. The record is tense and haunted, full of whispered melodies and dark washes of electronic noise. Harris’s dark electronic ambience and Fortino’s acoustic vulnerability blend so seamlessly that it’s impossible to tell where Group ends and Tiny Vipers begins. The muted dissonance and introspective melodies recall Cat Power at her best.

“Fell Sound” opens the album with a uncanny electronic hum. Like the rise and fall of a wave, it drifts between two chords. It’s in moments like this that it’s easy to see why Fortino and Harris have garnered so much respect and acclaim—few musicians have the ability to make just two slow chords this captivating for this long, and few have the patience to try. I also don’t usually have the patience to listen when they do try, but there’s something mysterious and compelling about Mirrorring that draws me in. A vocal melody, then an acoustic guitar, venture gingerly through the ambient tide, never rising about a murmur.

“Silent from Above” flips “Fell Sound” inside out, with voice and acoustic guitar leading the way, homey and wistful. The faint wash of a suspended cymbal and careful production lend texture. The song turns on a simple vocal melody, as Fortino and Harris echo and answer each other in chorus. It’s the ghost of a folk song, or the folk song of a ghost.

The album’s most impressive track is its ten-minute centerpiece “Cliffs”. Acoustic guitar and electronic ambience cast chilling spires of sound. Every voice is so subtle, so austere, that it’s difficult to comprehend the song’s swelling intensity until an unsettling ringing overpowers the guitar and singing. Soon, however, the simple acoustic arpeggio that introduced the song returns alongside the haunting melody, bolder this time against the murky flood of noise. And then, the song breaks apart into deep drones and clattering echoes. The final two minutes buzz and whirr like the remenants of broken machines, and I don’t know why, but my blood runs cold.

Out of this eerie quiet, the first note of “Drowning the Call” is startling, but the song is actually the album’s calmest, drifting hazily through its seven minutes. There is something desolate about the song’s calm though, the way it refuses to grow or move, a bleak fog that only makes sense after the destructive colossus of “Cliffs”. “Mine” is the most vocal-anchored track, though the voices are still low in the swirling sound. The instruments creak like the wood of an old house while an distant pulse, a sort of chirping deep below the surface, swells in urgent horror.

“Mirror of Our Sleeping”, the album’s closing track, gives meaning to the collaboration’s name, as unadorned vocals and a simple instrumental echo in the calm. This is the album’s only track empty of hovering ambience; although the sounds are still laden with effects, you can make out every note played or sung. The reverb, the repetition, the warped pitches, all evoke moonlit reflections and refractions on the surface of some dark lake.

Foreign Body is stunningly beautiful, crafted with tremendous care and talent. Could we expect anything less from two musicians of the caliber of these two women? Although it’s not explicitly “about” anything, the record is profoundly troubling—spectral, pained and cryptic. There are moments here to take your breath away.

(source: Pop Matters)

Wo sind wir, wenn wir gute Musik hören – Musik, die uns zwar nicht bekifft jedoch betrifft, vertritt? Mittendrin in der Materie. Ein erstes aufmerksames Hören: Silverdays or Love, der Titel schon Genuß. Da geht es los mit losen Schlagzeugbecken, dazu dann schwebende Pianoklänge eingestreut, der Bass zirpt erstmal in den oberen Regionen rum. Der Eindruck: Denn sie wissen, was sie tun. Will man das Gehörte nachahmen, weiss man, was man will. Die Kraft entsteht aus dem Gestaltungswillen, in der Balance zwischen Abstraktion und Formlust: der schmale Grad des Weder-Noch. Der Bass des Thomas Morgan singt und spricht exakt, mit Pizzicato-Witz in punktueller Präsenz. Kein Jazzbass wie man Jazzbass spielt, weils andere schon so taten, nein: vielmehr vorbildfrei. Triomusik wie diese ortet sich diesseits der Klassik und des Jazz. Wo seicht Ravel, Debussy, Bartok anklingen, schwingt handfest stets solider Jazzrock mit. Die Eigenart des Instruments Klavier erlaubt es, zeitweise schwere Soundcluster vor sich herzuschieben, die sich dann auflösen wie Wolkenformationen. Das macht Klaviertrios so hörenswert: Variierenkönnen zwischen leichtem, fragmentarischem Spiel und voluminöser Wucht. Cracking Hearts beginnt so frei, wie man es sonst nur von Kikuchi kennt – doch dann die Rückkehr in das Spieluhrartige; das kühle und sphärische Spiel. Was unterscheidet ein hochklassiges Jazztrio von den eher Mittelmässigen? Wir sind, wenn wir es hören, mittendrin in der Musik.

read in english

Einst, in den frühen Neunzigern, im NDR, Rothenbaumchaussee, in Michael Nauras heiligen Hallen:

Naura: „Engelbrecht, was hast du dir denn da ausgedacht? Talk Talk?! Was ist das?“

Ich: „Einfach unglaublich gut. Und da schweben die Geister von Ligeti, Davis und Elvin Jones durch.“

Naura: „Na gut. Der verrückte Titel klingt ja nach Hypnose: „50 Wege, das Zeitgefühl zu verlieren“…“

Ich: „Mindestens fünfzig, Herr Naura!“

Ja, das analoge Rauschen ist verschwunden, das Klangbild klarer, fast kristallin. Gepfuscht wurde nicht, als man sich die Masterbänder vornahm. Und somit eine kleine Freude, das eine der zwei Meisterwerke von Talk Talk in einer „restaurierten“ Form zu erleben.  Das Grundrauschen gehörte irgendwie zur Aura dieser einzigartigen Musik hinzu. Fast irritiert die neue Klarheit. Aber natürlich setzt sich die Magie im alten wie im neuen Gewand durch. In 22 Jahren „Klanghorizonte“ zählten SPIRIT OF EDEN und LAUGHING STOCK gewiss zu meinen meistgespielten Werken (neben Music for Films, On Land und Another Green World). Man macht keinen Fehler, würde man diese beiden Alben zwischen Mahlers „Kindertotenlieder“ und Walkers „The Drift“ einreihen. In der Abteilung „Alte Meister“.

Wenn man Mark Turners elegantes Saxofonspiel mag (faszinierend, wie souverän und entdeckungsfreudig er die hohen Töne des Tenorsaxofons beherrscht, ohne dabei je schrill oder scharf zu klingen), kann man sich schnell verlieben in die Musik von FLY: der West Coast-Sound hat im Jazz eine lange Geschichte; FLY bereichert diese Qualität des Tiefentspannten mit lauter hochkonzentriert und mühelos zugleich wirkenden Lektionen im Schweben und Fliegen. Wer sich auf die Musik einlässt, erkennt bald, um nicht zu sagen, flugs, wieviel Finesse diesen Kammerjazz auszeichnet. John Fordham bemerkt zu dem Album:

Formed eight years ago by drummer Jeff Ballard with fellow Brad Mehldau partner Larry Grenadier on bass and saxophonist Mark Turner(one of the most resourceful and independent sax newcomers of the last decade), the New York trio Fly is an exchange between equals, not a sax-led charge over a rhythm section. Though it falls into the territory sometimes dubbed „chamber-jazz“, Year of the Snake is up there with Fly’s best work, with its rustling fast grooves and languid horn lines, and pieces that open on almost impossibly pure high-register long tones. The swaying Salt and Pepper is as coolly jazzy a piece as any diehard could wish for, and a glide over fizzy drumming on the title track turns into a patiently spun improvisation. Grenadier’s lovely tone and Ballard’s blend of subtle textural playing and whiplash power complete one of the great contemporary jazz small groups.

Blant de skandinaviske jazzmusikerne med et internasjonalt ry står perkusjonisten Marilyn Mazur i aller fremste rekke. På årets festival skal hun skape den riktige, litt høytidelige stemningen ved midnattsleite lørdag i den praktfulle Kongsberg kirke. Med i bandet er bl.a. den glimrende, engelske pianisten John Taylor og Josefine Cronholm, en vokalist som aldri unnlater å gjøre inntrykk og som vil passe perfekt i Kongsberg kirke. Dato: Lørdag 9. juli 2011. Scene: Kongsberg kirke.

Musikere:
Marilyn Mazur (trommer, perkusjon og vokal)
John Taylor (piano)
Josefine Cronholm (vokal)
Anders Jormin (bass)

Video, produsert av: Per Erik Stokke, Stein Hofve og Tor Inge Redalen.

Und am 14. Mai im Deutschlandfunk, in der Reihe Jazz Live, um 21.05 Uhr:

Marilyn Mazur/Jan Bang/Per Jørgensen (Mazur – Perkussion; Bang – Live-Elektronik, Sampling; Jørgensen – Trompete, Gesang) – eine Aufzeichnung vom Punktfestival Kristiansand/Norwegen, 3. September 2011) / mit Michael Engelbrecht

Nachdem nun die anderen Manafonisten, Michael und Jochen, bereits am 17.03 und 21.03. die Vierteljahrsliste ihrer Lieblingsplatten verraten haben, möchte ich nun auch kundtun, welche Schallplatten in meinen Plattenschrank im ersten Quartal dieses Jahres eingeordnet und für sehr gut befunden wurden. Vierzehn neue CDs möchte ich vorstellen, die Reihenfolge stellt keine Hitliste dar, sie ist rein zufällig:
 
 
Vijay Iyer: Accelerando
Hank Jones & Charlie Haden: Come Sunday
Tindersticks: The something rain
Dario Castello / Giovanni Battista Fontana: Sonate concertate in stil moderno
Garth Knox: Saltarello
Peter Boderick: https://www.itstartshear.com
Nils Okland / Sigbjorn Apeland: 1982 Pintura
Michael Chapman: Trainsong: Compositions 1967-2010
Tord Gustavsen Quartet: The Well
Bonnie Raitt: Slipstream
Mark Lanegan Band: Blues Funeral
Dan Michaelson: Breaking Falls
Krzysztof Penderecki And Jonny Greenwood: Threnody for the Victims of Hiroshima /
Popcorn /Superhet Receiver / Polymorphia / 48 Responses to Polymorphia.
John Zorn: Mount Analogue