Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

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Früher habe ich am Theater gearbeitet, weil ich dachte, dass es dort um das Erzählen von Geschichten geht. Aber statt Geschichten und interessanten Figuren, statt Handwerk und Inspiration fand ich dort viel zu oft Egomanen, denen es nicht um Inhalte ging. Als ich nach sechs Wochen ohne einen freien Tag, zu vielen Zigaretten, zu wenig Schlaf und zu wenig Nahrung eine Treppe hochlief, versagte mein Kreislauf. Ich setzte mich auf die Stufen und suchte den Grund, warum ich am Theater arbeite, aber ich fand ihn nicht mehr. Meine Geschichten und die Figuren, die immer in mir waren und hinaus wollten, hatten mich allein zurückgelassen. Ich hörte mit dem Theater auf, weil es nichts mehr in mir gab.

Ich folgte keinem Weg mehr außer dem der Wut. Der Wut und der Angst, nie irgendwo anzukommen, nie einen Platz, ein Zuhause zu finden. Ich nahm Aushilfsjobs und befristete Verträge an, und vier Jahre später fand ich eine neue Aufgabe. Ich wurde von einer Medienfirma engagiert, für die ich das Script für eine Bühnenshow erstellen sollte. Für einige Zeit lebte ich nur für dieses Projekt, hatte kleine Flügelchen auf dem Rücken und ein Dauergrinsen im Gesicht. Eines Morgens um 9 Uhr fiel ich aus dem Himmel. Die Firma war insolvent, wir wurden alle entlassen. Ich lag auf dem Asphalt und eine weiße Kreidelinie umrandete meinen Körper.

Mein Partner hob mich auf und besorgte mir einen Job als Monteurin beim Messebau. Ich wurde stark und hart im Nehmen, wurde respektiert und bald schon besorgte ich mir die Jobs selber. Ich behauptete mich in einer Welt aus Schweiß, Muskelkraft, Krach, Dreck, 24-Stunden Schichten, Autobahnen und Hotels. In dieser lauten Welt fand ich meine innere Stimme wieder. Ich nahm Dinge aus dem Leben, Bilder, Augenblicke, Satzfetzen und notierte sie auf Post-Its. Ich begann, über Menschen zu schreiben, die ihren Weg suchen in ein selbstbestimmtes, erfülltes Leben, die scheitern und wieder aufstehen, die ihren Platz suchen. Ich schrieb eine knapp hundertseitige Geschichte in fünf Tagen herunter. Einfach so.

Es fühlte sich an wie nach Hause kommen.

Nach und nach entwickelte ich aus den Notizen einzelne Geschichten, thematisch völlig unterschiedlich. Dabei benutzte ich immer das Verfremdete. Ich nahm die Post-Its als Basis und fügte frei erfundene Geschichten hinzu. So entstand innerhalb von drei Jahren der Kurzgeschichtenband „Von Menschen“. Ich als Person bin in den Geschichten nie zu finden gewesen. Ich habe vielleicht einfach nicht viel Potenzial als literarische Figur. Doch dann schrieb ich eine Geschichte, die grob auf meinen Erfahrungen basiert, und die Worte, die ich schrieb, fühlten sich richtig an.

Eines Tages kam mich mein Bruder besuchen und erzählte mir von einem seiner Freunde und dessen Leben. Das schrieb ich auf. Ich schrieb von meinem Bruder, von seinem Freund, von früher. Ich schrieb über reale Dinge, über das, was wirklich geschehen war. Und wieder fühlte es sich richtig an.

Heute weiß ich, dass ich die Geschichten überall finden kann. Im realen Leben als komplette Handlungsstränge, in Beobachtungen, als Momentaufnahme in einem Bild, in einer Liedzeile. Ich sammle alles ein, mache mir kurze Notizen und warte. Denn eines weiß ich: Ich kann nicht eine Geschichte schreiben, wenn ich es will, sondern die Geschichte kommt, wenn sie sich aus den vielen Post-Its zusammengefügt hat und bereit dazu ist, geschrieben zu werden. Das ist mein Weg, denn das Schreiben ist mein Zuhause.

 

Iris Antonia Kogler: „Von Menschen“.
 
 
 

 

 

„I can remember one gig: we’d all dropped acid about two hours before we were due to go on and it was bloody strong acid. One of our roadies came in and said, ‘Right, you’re on now’ and we said, ‘Oh, we can’t possibly go on now. That would be absolutely impossible.‘ So he went away and came back half an hour later and said, ‘Now you really do have to go on.’ So off we went and it was a weird old thing when we started playing when we got on stage. The audience all turned into skeletons! [LAUGHS] We had this amazing light show but you’d look down at yourself and find that you’d somehow turned into a massive green and purple blob. It was quite disconcerting.“

2018 3 Mai

„The Prodigal Son“

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Randy Newman, convinced atheist, loves gospel. Brian Eno, still atheist, loves gospel, and so does Ry Cooder, another atheist. In his telling review on npr (first listen), Tom Moon writes at the end: „If there’s a complaint about The Prodigal Son, it’s that Ry Cooder’s reverence for the old songs can sometimes overshadow his considerable repertoire of guitar sounds and textures. Those who revere the waist-deep atmospheres of Cooder’s soundtracks may wish there were more moments of instrumental meditation between the verses. But that’s a small thing, and it doesn’t detract from the big work Cooder is doing here — using earnest melodies from long ago to speak to the mushrooming crises, internal and external, of the present moment.“

2018 2 Mai

„Ocean Rain“

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„It’s just such a beautiful piece of art, this album, really gorgeous. It’s a world that Echo & The Bunnymen  create; you’re stepping into a place that feels very real with them. And again, back to my hidden goth. I don’t have an inner child, I have an inner goth. I had maybe one or two friends that shared my love for them at the time, so this album is very personal. It’s not a social album for me. It was very much something I kept for and to myself. The older I get, I realise how impactful it was for me. There’s not a missable moment: every song is perfect on its own, and then all woven together, it’s a beautiful thing. It’s perfect. Beauty is really the word; it’s just got this dark blue beauty, album cover aside – how it feels as well. I was listening to it the other day and was thinking, it’s like 40 minutes long, and it feels like hours to me, in the best possible way. There’s so much – I feel like it’s not just linear.“

(Tanya Donelly)

 

2018 2 Mai

Go to extremes

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Your ear will adjust. Even if Lanois and Funk are seemingly working towards opposite ends, the sonic marriage of the two becomes easier to process with each listening. If you are new to breakbeat, Venetian Snares x Daniel Lanois is more likely to plant a glitch seed in your brain rather than convert you overnight. The one track that finds Venetian Snares at his most intense is tucked away in the second half. On „Mothors Pressroll P131“, it sounds as if he is cramming the available space with every sound and every beat available on his synthesizer.

(John Garratt, popmatters)

 

 

 

„From the glittering birth-rite of ‘Kazakhstan’, which welcomes you not only to the record but to Eno’s world itself, with its pulse and deep inhale of our first moments in the world – to the tribal rain-dance faux-deity worship of ‘Needle Click’; this collection shows that ambient music can take you on the most rollercoaster of journeys.“

 

 

 

Belgian composer / artist Christina Vantzou is something of an archetypal performer found on the cult-ish Kranky label. So far, all her previous solo albums (if you don’t know, you might guess the titles are numbered) and as a member of the duo The Dead Texan (with Adam Wiltzie of Stars of The Lid) bear what you could label as the “Kranky sound of excellence” – music that defies categorisation and bordering on ambient, post-rock, classical or jazz. And it doesn’t matter whether it’s vocal (Low made some of their best albums for the label) or instrumental (the brilliant Labradford). No. 4 draws the listener inward, but is not melancholic, at least not in a classical sense. It’s like taking comfort in oblivion, in the slowness of things. Vantzou says she is influenced by sleep and dreamlike states, and in this album you can hear it.

 

 

  1. Keigo Higashino: Unter der Mitternachtssonne
  2. Ray Celestin: Höllenjazz in New Orleans
  3. Laura Lippman: Sunburn
  4. Jordan Harper: Die Rache der Polly McClusky
  5. Hannah Tinti: Die zwölf Leben des Samuel Hawley
  6. Iori Fujiwara: Der Sonnenschirm des Terroristen 
  7. Hideo Yokoyama: 64
  8. Lisa Sandlin: Ein Job für Delpha
  9. Harlan Coben: In deinem Namen 
  10. Kathleen Kent: The Dime 
  11. Jean  Echenoz: Unsere Frau in Pjöngjang
  12. Pauline Rhinehart: The Jukebox of St. Augustin 

 
 
 

 
 

„Keigo Higashino’s Journey Under the Midnight Sun is a subversive treasure. One reviewer dubbed him the Japanese Stieg Larsson, and he definitely deserves to be ranked with the titans of the crime genre. And even more so: if David Foster Wallace had written a thriller, it would probably read something like a novel by Keigo Higashino. Compulsion, games, systems within systems, cultural bewitchment, politics: these two writers would have had a lot to discuss.“

(MTFP HQ)

Bon jour, mon nom est S. Conti. Es ist das erste Mai, pardon mein deutsch. Ceux qui ne lisent pas jusqu’au bout les crédits sur les pochettes de disques le méconnaissent forcément : Areski est certes le compagnon de Brigitte Fontaine, mais aussi son atler-ego créatif, compositeur attitré de la plupart des musiques de ses chansons.

Et bien que leurs paroles ne soient pas de sa plume, mais de celle de son épouse, Areski n’en est pas moins poète. De plus, il sait tout faire : composer, arranger, chanter, improviser, jouer de tous les instruments et même jouer la comédie!

Areski, pour tout dire, c’est le mariage réussi de la tradition d’un Munir Bashir avec la “sophistication” européenne héritée d’un Jean-Claude Vannier, le grand écart entre Versailles (où il est né) et le maghreb. Areski, c’est la chanson rive gauche dégrossie de toute emphase, puis revue et corrigée au contact de la musique arabo-andalouse… C’est le sens du happening du Living Theatre conjugué au feeling du free jazz d’essence cosmique ; la poésie surréaliste réactualisée à l’aune d’un vécu enraciné dans la culture kabyle… Tout ça et bien plus encore.

Avec Brigitte, entre 1969 et 1980, Areski est à l’origine d’une page essentielle de l’underground français dont Comme à la radio (L’Art Ensemble of Chicago est de la partie), Je ne connais pas cet homme, L’Incendie, Le Bonheur et Vous et nous constituent les sommets. Pour autant, Areski n’a jamais vraiment songé à faire carrière sous son nom, malgré le magnifique Un Beau matin originellement édité en 1970, et qu’il est grand temps de (re)découvrir (mieux vaut tard que jamais). 

S. Conti, Paris 2018

– Your antics in Black Ark Studio became legendary: blowing smoke on the microphone, lighting fires, rubbing the tape head. Do these rituals work?

– Cliff Richard?

Rituals!

– Ah. Everything I do in the studio is rich. Everything me beliveve in, it works. The reality is all that craziness, all that madness, I made it work, because it‘s nature, it‘s natural grace. In nature we have the big space overhead, the big sky, the orbit. Nature is crazy! I want my records to sound as crazy as nature. You see the bass? The part that the bass play in dub – boom boom boom, that mean the bass poop, right? The drum is the heartbeat – boof-boof boof-boof, and the bass is the brain cells. This song is the beat of your heart and your gut. That‘s dub, that‘s how it works.“

 


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