Manafonistas

„Miniaturen. Essentiell. Auf das Wesentliche reduziert. Ein Spiel mit bekannten Instrumenten, vorbeigelaufenen Geräuschen, unbekannten Perspektiven. Intim und sehr persönlich. Ein Spiel mit A-Synchronizitäten, Primzahlen, Chaostheorie und Quantenphysik und nicht zuletzt der Unschärfe von Musik, Klang und Geräusch. Warm und beiläufig. Ein Soundtrack zu einem unbekannten Tarkovsky-Film. Inspired by nature. David Sylvian gibt ein Lebenszeichen von sich und trägt das Gedicht von Arseny Tarkowsky vor. Unikate. Ein bisschen wie die Jane-Stücke von Harold Budd. Aber ausgearbeiteter. Subtiler. Tiefer. Abwechslungsreich und doch ein homogenes Ganzes. Und eigen, einfach sehr eigen. Async.“ 

THIS NEW SERIES ENDS BEFORE CHRISTMAS. IT CONTAINS SNIPPETS OF TEXTS MANAS HAVE WRITTEN DURING THIS YEAR. AND SMALL SEGMENTS OF COMMENTS, INTERVIEWS, EVEN LYRICS TAKEN FROM SONGS. SOME OF THE TEXTS ARE AUTOMATICALLY GENERATED. OTHER ONES CHOSEN WITH CARE. NO NAMES REQUIRED. IT MAY BE REGARDED, HOPEFULLY WITH A SENSE OF WONDER, AS A RELIGIOUS-FREE HYPER TEXT ADVENT CALENDAR. EVERYBODY IS CREDITED AS COMPOSER IN THIS MANAMORY GAME, AND CAN CONTRIBUTE, OR FEEL COMFORTABLE IN THE ROLE OF A PASSIVE OBSERVER. THREE QUOTES ARE THE LIMIT. ZERO OR ONE (NEW!) PICTURE. THIS FIRST ONE IS A „ONE-SOURCER“. OUT OF CONTEXT, IT CAN BE READ AS A POETIC INSTRUCTION MANUAL FOR ALL THE MANAMORIES TO COME. SWEEPING ECLECTICISM. JULIO CORTAZAR WOULD LOVE THIS PLAY. THE JUKEBOX PLAYS TAKE FIVE.

They were terribly wrong. You could see them, with long black coats, on Bakerloo Line. Or in Paris, near the grave of Jim Morrison. They appeared in other stations of the metro, in Paris, New York, even Cologne. They knew god, they even knew his name, though, the names were different. It was never a white goddess. Wankers all of them. They were possibly drugged when they wrote the universal truth (their versions of it) on fucking granite walls, stone walls, paper walls. ERIC CLAPTON IS GOD. BRIAN ENO IS GOD. JERRY GARCIA IS GOD. STEELY DAN IS GOD. The list goes on, but you understand the pattern. No matter how great these artist were, they didn‘t get the point. So here comes the name of the one and only god. It was a lot of soul searching, and digging archives, second hand record stores, witnesses, friends, but finally the truth is revealed. FRANK ZAPPA IS GOD. Written on a closet wall in Truro, Scotland. I saw it, amongst mobile numbers offering cheap fucking and instant blowjobs. Sometimes truth goes mysterious ways. Good night and good praying. Don‘t miss to listen to „Joe‘s Garage“, three vinyl records of holy shit!

Yes, you are right, this is a bit too much for short notes and fleshed-out observations. At least I will give nothing away. A series backed by the rise of home computers and letting time go by till the world wide web is running our communication, is a bit far away from the mysteries of Twin Peaks and The Leftovers, yet these three peaks of modern TV history have more in common than first impressions suggest.

The Leftovers, Twin Peaks and Halt And Catch Fire are are all about systems of belief; it may be a version of the future made in Silicon Valley, it may be the loss and sadness and things left enigmatic in the small world of Twin Peaks. What are the things people turn to explain the inexplicable and why?

Whether you believe a giant egg in a volcano is going to hatch a monster that will end the world or that a series of aboriginal songs are the key to stopping the impending flood of the earth, belief systems help make sense of the narratives that we construct for ourselves and serve as a coping mechanism when we come face to face with things we cannot understand.

(There are people reading these lines believing there is a god, the great beyond, others think with dry sarcasm that the creator might not have a masterplan, but for sure, offshore, a decent amount of Paradise Papers.) 

The four central characters of Halt And Catch Fire have to deal with similar riddles as the traumatized inhabitants of Twin Peaks and Miracle. The stories they tell themselves come with a prize, and will probably (I stay deliberately vague here) end up in tears. Or a quiet, knowing smile. Does anyone believe in a shining future? It‘s all about illusions lost, illusions found. It‘s all about that Lou Reed / Velvet Underground song Brian Eno covered at the end of The Ship, the end of another story about the end of a world different from the one we seemed to have known. To be honest, knowing smiles are rarely happening here. Jacks had one, different story, on his last motorcycle tour, in the final scene of Sons of Anarchy. Oh, and, if anyone thinks this all is about entertainment, then he’s riding the wrong horse.

K

(a remix of three texts, I saw two of these shows till the final curtain, I‘m waiting for Twin Peaks‘ Third season since 1990, and it will finally arrive at my Electric Cinema after Nikolaus. m.e.)

Here we go again, looking for our favourites … Every Mana can create his or her own list with no standard formula of the number. You can make a top 3 or top 5 or top 20 or top 25 list. Just send your lists till deadline: December 05. or December 12 – two deadlines! Would work better not to do it before December 01, I removed mine. If possible, only include new albums that have been released in 2017. You post it by yourself, or you can send the list to:

manafonistas@gmx.de

Im Jahr 1427 landeten die ersten Schiffe, aus den südlichen Meeren kommend, an den Küsten Portugals. Ihnen entstiegen bewaffnete dunkelhäutige Menschen. Damit begann die Versklavung europäischer Völker, verschleppt von afrikanischen Eroberern, um auf Feldern unter sengender Sonne zu arbeiten, um Gold und Silber aus …

Nein, diese Geschichte stimmt nicht. Manchmal jedoch werde ich verwickelt in Diskussionen über die Flüchtlingsströme nach Europa, und in solchen Gesprächen rege ich gerne an, sich diese „Fake History“ vorzustellen. Ich habe einfach Glück gehabt, dass ich nicht als armer Afrikaner in die Welt kam. Es ist ein glücklicher Zufall, in einem wohlhabenden Land zu leben, nicht hungern zu müssen, nicht von Kriegen heimgesucht zu werden. Ich gehöre nicht der „Paradise-Papers-Class“ an, genieße dennoch einen hohen Lebensstandard im Vergleich zu den meisten Menschen der Erde und weiß, dass für dieses „Wohlleben“ viele human beings geschuftet und gelitten haben, schon vor langen Zeiten und weit entfernt, und immer noch.

An diesem nichtswürdigen Geschäft mit Millionen afrikanischer Männer, Frauen und Kinder, die systematisch deportiert und vier Jahrhunderte lang brutal ausgebeutet wurden, waren die meisten der großen europäischen Nationen beteiligt. Diesem Geschäft verdankt sich der große Reichtum ganz Europas im 18. und 19. Jahrhundert. Aber die zivilisierten Nationen haben es bis heute nicht für nötig gehalten, allgemein um Verzeihung zu bitten oder eine (symbolische oder tatsächliche) Entschädigung für die von den Sklaven geleistete Zwangsarbeit anzubieten, die ja als Mobiliar (einfache „Werkzeuge“ ohne Seele) angesehen wurden. Ganz im Gegenteil, im Kielwasser des vier Jahrhunderte währenden Menschenhandels, in dessen Verlauf sich die wichtigsten europäischen Länder allmählich an den afrikanischen Küsten ansiedelten, haben sie Afrika „kolonialisiert“ – also als etwas betrachtet, was ihnen gehört. Als hätte Europa vom Ende des Mittelalters bis ins 19. Jahrhundert hinein beständig nur ein einziges Ziel verfolgt: alle Gebiete südlich des Mittelmeers nach und nach zu beherrschen.

Das schrieb Jordi Savall. Er ist weder Historiker, Politologe, noch ist oder war er ein Repräsentant der Befreiungstheologie. Jordi Savall ist Musiker, Mitbegründer und Leiter des Ensembles Hespèrion XXI. Im Juli 2015 fand in der Zisterzienserabtei Fontfroide im Südwesten Frankreichs ein Konzert statt, das im Januar 2017 auf DVD und zwei SACDs erschien, im opulenten Buchformat. Auf mehr als 500 Seiten sind in 6 Sprachen die Texte der Gesänge und zwischen die Musik eingebettete Rezitationen historischer Quellen mitgeteilt. Hinzu kommen Essays renommierter Historiker, die das Thema vertiefen – notabene nur im Buch.

Wo ist das „A“ des Jazz? Am 26. Februar 1917 nahm die Original Dixieland Jass Band zwei Titel auf, die, auf 78er-Schellack erschienen, als erste Jazzplatte in die Geschichte eingingen. Die Plattenfirma bewarb damals die ODJB als „Creators of Jazz“. Aber auch Jelly Roll Morton nahm für sich in Anspruch, Erfinder des Jazz zu sein. Es gibt den Einen sicher nicht. 1917 wurde Jazz zum ersten Mal greifbar dokumentiert, es sei denn, man erkennt den komponierten und notierten Ragtime, dessen Blüte sich ab ca. 1890 öffnete, als ersten Jazzstil an. Wie vor diesen Zeiten die Musik der Afroamerikaner geklungen hat, weiß man nicht. Aber mit Jordi Savalls Retrospektive habe ich ein Hörrohr, das eine mehr oder weniger begrenzte, gebrochene Anmutung vermittelt.

Neben Savalls Ensemble spielen und singen bei dieser Produktion Musikerinnen und Musiker aus Mali, Madagaskar, Marokko, Kolumbien, Brasilien, Mexiko, Argentinien und Venezuela miteinander. Alte Musik aus der Kolonialzeit, mehrstimmiger Renaissance-Gesang, trifft auf westafrikanische Griot-Gesänge und auf Überlieferungen, die sich aus der Sklavenzeit bis heute in Lateinamerika erhalten haben. Das geschieht auf eine fast nüchterne Weise, denn es werden kommentarlos lediglich Dokumente vorgeführt, musikalische und literarische. Hinreißend musiziert. Berührend, wenn man sich dieser Geschichtsstunde nicht verschließt.

Ich habe lange überlegt, was ich von dem Häuptling der Schreihälse auswählen soll. Ich habe mich für seinen Abschiedsbrief entschieden, weil er über sein Leben in der Oktoberrevolution hinausragt.

An alle! (Moskau, 12. April 1930)

Ich sterbe, macht niemand dafür verantwortlich, und bitte kein Gerede. Der Verstorbene hasste das.

Mutter, Schwestern und Genossen, verzeiht – es ist keine Art (ich empfehle es niemand), doch ich sehe keinen Ausweg.

Lilja – liebe mich.

Genosse Regierung, meine Familie – das ist Lilja Brik, meine Mutter, meine Schwestern und Veronika Witoldowna Polonskaja.

Solltest du ihnen ein erträgliches Leben einrichten – danke.
Die unvollendeten Gedichte übergebe man den Briks, sie werden damit fertig.

Wie man so sagt –
„der Fall ist jetzt erledigt“
das Liebesboot
am Alltagskram zerschellt.
Ich bin mit dem Leben quitt,
es ist nicht nötig,
dass man sich Not
und Qual
entgegenhält.

Den Hinterbliebenen Glück.

Wladimir Majakowskij

Es gibt gute Gründe, RP Kahls Film „A Touch of Ecstasy“ im Kino auf sich wirken zu lassen. Ein Mann macht sich an der amerikanischen West Coast auf die Suche nach seiner vor Ewigkeiten abgetauchten grossen Liebe. Wer sich an so ein Projekt wagt, streift unweigerlich alte Filme von Wenders und Antonioni. Gibt es im „Death Valley“ noch ungesehene Bilder?

Was ein filmischer Essay werden sollte, erzählt eine von dunklen Sehnsüchten befeuerte Geschichte, in denen die Protagonisten wie Geister durch Niemandszonen streifen. Der Soundtrack aus ganz und gar disparaten Quellen fesselt – und kreiert jenen „thrill“, der den Traumfiguren nur zueigen ist, wenn sie nach Momenten der Ekstase streben. Fesselung, Dominanz, Unterwerfung. „My Beautiful“ von „MyPark“ ist der heimliche Ohrwurm dieses Kopfkinos, das bei allen Sinnen ankommt, und dabei landläufige Identifikationsmuster bricht. Wer den Film auf der grossen Leinwand verpasst, wird ihm im Januar 2019 bei 3Sat begegnen, als Auftakt einer Serie von Filmen mit dem Thema „amour fou“. Es ist zu hoffen, dass dort auch Peter Stricklands „The Duke of Burgundy“ auftauchen wird.

Erinnert sei an dieser Stelle an die Liebesgeschichte von Mireia und Kasumi, die bislang noch in keinem Film erzählt wurde, und hier, vor Jahren, von Ian McCartney und mir, skizziert wurde, als Teil einer Story über Brian Enos Album „The Ship“ (m.e.)

Night Flights Over Los Angeles

Mireia first met Kasumi in a supermarket in Carmel, sometime during a week-long early autumn surfing trip. It didn’t take long to register. They have so many interests in common – leftfield music, jukebox culture, exotic car travels, French cuisine, tantric sex, helicopter night flights over Los Angeles, ghosts, rivers, standing stones, Bakerloo Line moquette, Highland castles, Curly, Larry, Moe, Shemp, lucid dreams, tea, clouds, rain.

Slowcommotion Wilderness

The night’s programme of music has been immersive but there’s no suggestion of fatigue. Mireia’s senses are still in fifth gear. At home, in their tiny beach house, they make love to one another, today in their „slowcommotion wilderness“ mode that doesn’t involve much movement. Afterwards, Mireia falls asleep almost immediately, and when she wakes up four hours later, she remembers a dream with a wooden jukebox and her grandfaher telling her about when there had been a jukebox revival in the early 21st century.

Coq au Vin

She opens her eyes, and sees Kasumi preparing coq au vin for the evening. After a short swim in the ocean, she moves through the living room and puts a vinyl record on their record player, an ancient „VPI Prime Forward iii“ designed by machines in Japan and manufactured by other machines in New Jersey in 2055. She puts on one of her evergreen albums from the era of last night’s journeys through old Britannia, Brian Eno’s „Oblique Collection of Antique Jukebox Adventures“, a big seller in 2019.

One – Zazou / Bikaye / Cy1: Noir et Blanc
Two –  Midori Takada: Through The Looking Glass
Three – Bark Psychosis: Hex
Four – The Necessairies: Event Horizon
Five – Pep Llopis: Poiemusia La Nau Dels Argonautes
Six – Michelle Mercure: Eye Chant
Seven – Barney Wilen: Moshi
Eight – Hiroshi Yoshimura: Music for Nine Postcards

Where do old times start when wild things run fast like life does anyway? What. Repeat. Where do old times start when wild things run fast like life does anyway? And what kind of future is prevailing if some artists and acts had created strange, possible musics long before these sound worlds became part of a general consent. Sometimes the futuristic sound worlds of past decades even recurred on older „schools“.

The most magical 2017 reissues from Japan and Spain came on the heels of American minimalism, but informed with a different cultural climate. And speaking of New York City: who thought this autumn would reveal a lost power pop masterpiece of sorts linking the clever anarchism of David Byrne‘s band with the heartfelt spontaneity of Jonathan Richman. Yes, The Necessairies with Arthur Russell, a record that only makes sense when you listen to the whole album in a row. Addictive.

And isn’t it funny so many re-discoveries or first discoveries this year came out of the generally disrespected ´80s and that era’s secret laboratories, from the Grant Avenue Studios in Hamilton, Ontario, to some some really desolate home studio facilities? And one of the most beautiful reissues of this year and the years before this year is one I really missed when it happened. I heard it a week ago for the first time ever, and I thought, well, let‘s talk again about old times and a different version of the future. Halt and catch fire!

So what‘s your favourite reissue of the year. Easy to name the Beatles, Eno, Hassell, or Radiohead. Or some ECM classics from Garbarek to Brahem. But what is the peak at the margins, the hinterland / underground stunner, the ancient, future-caring work crossing your ears as something out of nowhere. Hard choice to make, for me it is an album I will probably quite excessively play in the „Hörnum Jukebox Hour“ during my radio night at the end of December.

“M’Pasi Ya M’Pamba,” the first track on Hector Zazou and Bony Bikaye‘s 1983 collaboration Noir et Blanc, sounds like few other songs in pop music history. It buzzes, hisses and clangs like vintage industrial, its groove something like a higher fidelity take on The Normal’s “Warm Leatherette,” or a technologically advanced Suicide. But add to it the hypnotic vocals of Congolese singer Bikaye, and it takes on entirely different context—a composition with one foot in African pop and the other in a post-punk electronic avant garde. It’s not an obvious fusion, conceptually, but it works brilliantly.

Noir et Blanc, reissued by Crammed Discs more than three decades after its original release, has become an underground cult favorite since its inception on its balance of seemingly boundless experimentation and undeniable accessibility. Released after Talking Heads had introduced mainstream American audiences to Afrobeat and before Paul Simon would find similar inspiration in African music, Noir et Blanc—featuring a band of avant-rock veteran collaborators, CY1—built bridges to heretofore undiscovered territory. It’s music that finds celebration in pulling musical preconceptions apart.

To hear it from the label, the sessions that spawned the album were something like science fiction. “Wall-sized analog computers,” operated by screwdriver-wielding technicians, wires and cables creating an intricate network of spiderweb infrastructure, peculiar linguistic descriptions to drive the direction of the sounds—it all adds up to a strange kind of tech wizardry that was no doubt unusual for the time, and seems even more foreign from an era in which albums can be made on iPads. Yet the sound of the record only amplifies that imagery of wild laboratory experimentation. The eerie bounce of “Mangungu” gallops into outer space, while “Mama Lenvo” is at once a chorus of mbiras and frantic synth arpeggios.

The experimental spirit of Noir et Blanc, unbound by mainstream expectations, is what makes it so consistently thrilling. The abrasive guitar scrapes and persistent percussive stomp of “Dju Ya Feza” creates a weird mutation of industrial, whereas the steady lurch of “Lamuka,” complete with a glorious chorus of saxophones, is one of the album’s most compelling grooves. Not that the album as a whole ever loses its wild, psychedelic allure. When the album’s musicians were committing these tracks to tape, they often sent them through effects and took on an unpredictable, trial-and-error approach.

The final tracks, however, are some of the most vibrant and innovative to have been released in the 1980s, which later translated into a funkier electronic touring band approach after the album’s release. Zazou, Bikaye and CY1 brought a spirited sense of discovery and exploration to their studio sessions that are easy to hear on the finished product, an album so forward thinking that we still haven’t caught up to it, three decades later. (It‘s out now, on vinyl, remastered, new liner notes and comments included.)

(written  by Jeff Terich & Michael Engelbrecht)

You can look at this photo with hypnotized eyes. It was shot on a lovely, sun-drenched evening. A moment of silence inside. On that day I listened to the last album of the late Tom Petty. Time for time drifters and glass breakers. The two women on the photo leave the zone of blue shadows and return to the flow of life. The campfires have all been blown out. Benmont Trench is sitting in a corner.

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