Manafonistas

Das erste Album 2012, dessen Vorankündigung mich sehr, sehr freut. Einige Manafonistas sind große Lambchopfreunde, und wenn Sie den Namen Lambchop unter „Suchen“ eingeben, finden Sie ein Interview und einen Text von mir zur Band, Sie können sich ein paar Lambchop-Songs anhören, und gehören womöglich rasch zur Lambchopgemeinde. Am Nikolaustag treffe ich Kurt Wagner zum Interview in Berlin. Wer immer Mr.M. Ist, ich werde es erfahren!

If Not I’ll Just Die 4:27
2B2 5:39
Gone Tomorrow 6:57
Mr. Met 7:10
Gar 5:28
Nice Without Mercy 5:47
Buttons 5:21
The Good Life (is wasted) 3:19
Kind Of 5:28
Betty’s Overture 3:21
Never My Love 3:02

Kurt Wagner:
“As I worked, I was approached by Mark Nevers (former full time band member & producer for the likes of Andrew Bird and Will Oldham) with the idea of making another Lambchop record. He had a concept of a sound and a method that worked with the tone of my writing. His idea was a kind of ‘psycha-Sinatra’ sound, one that involved the arranging of strings and other sounds in a more open and yet complex way.“

„When we are young we are a jungle of complications. We simplify as we get older“ (Graham Greene, aus: Der stille Amerikaner)

Dieses Jahr hat essentielle Wiederveröffentlichungen hervorgebracht, und darin kann man mehr sehen als das bloße Recyceln der Rockgeschichte. Die Smile Sessions der Beach Boys laufen eher unter „Ausgrabung“ und „Restauration“ als unter „Reissue“, die Dokumente von Miles Davies‘ Tour durch Europa anno 1967, unglaubliches Zeugnis einer Band, die immer die Grenzen testete statt den eigenen Sound zu kultivieren, sind einzigartig. Mickey Newburys „An American Trilogy“ öffnete einigen von uns die Ohren für einen einzigartigen Troubadour, den Bill Callahan auf „Apocalypse“ für seine Schattenarmee rekrutierte. Dann etliche spannende „Exotica“ des Jazzlabels „Impulse“ aus den 60er und 70er Jahren (Michael White, Alice Coltrane, Marion Brown u.a.), die noch heute manchem Mainstream-Veteranen das Fürchten lehren können! Juwelen von Grandaddy und Mercury Rev, die der Rockmusik eine neue Cinemascope-Version lieferten! Jetzt auch noch Cans „Tago Mago“ zum Vierzigsten, warum nicht!  Und Throbbing Gristle. O ja!

„I fell into this book like Alice down an unfathomable dark rabbit-hole. It reads like a riveting detective novel, so concisely has Daniel (AKA one half of Matmos) woven personal history (both TGs and his own), (un)reliable narration (thanks to the members of TG themselves, contradictory bastards the lot of them), close dissection (a forensic/anatomical tank being particularly appropriate with TG) and overarching pop-cultural critique…this tiny volume on only one album in the massive TG oeuvre situates the group so powerfully in the appropriate historical, personal, and musical contexts that I never wanted the book to end. It’s a vivid, revealing, and very personal work that is beautifully written from start to finish, and my favorite of the 33 1/3s so far. (Warped Reality Magazine)

(Diese Paperback-Reihe ist ausgewähten Klassikern der Rockhistorie gewidmet; Drew Daniels Buch gehört zu den Highlights der Reihe; Mountain Goats-Schöpfer John Darnielle steuerte ebenfalls ein feines Buch bei, über einen Meilenstein von – hört! hört! – „Black Sabbath“; das Buch über Brian Enos „Another Green World“ ist leider nicht so gut geraten.)  

At this point, Throbbing Gristle’s influence on modern music can’t be denied. Over 30 years ago, however, the idea of „industrial music“ and the links between Punk’s DIY ethos and knowingly confrontational performance art were anything but mainstream. Following TG’s first two albums, 1979’s 20 Jazz Funk Greats was a deliberate attempt to toy with the ideas behind marketing strategy and the purpose of musical genres. One can sense that the quartet felt more willing to indulge their predilections, and cared less about the band’s image. Featuring exotica (even using it as a song name), synth-pop motifs, and Kraftwerk-derived electronics, the album contains moments that could be confused with „friendly.“ The album’s kitschy photograph, showing the band in their finest ‘70s leisure-wear, is a perfect example — despite the pastoral look, the location, Beachy Head, was a well-known suicide point.

There’s little left to be said, really, about 20 Jazz Funk Greats after Drew Daniel’s book on the album — the Matmos member covers all of the details that anyone might want to know, from the front cover photograph to each individual song, and the album’s reception upon release. It’s a great read for anyone interested. Here’s the short of it: 20 Jazz Funk Greats didn’t fit in back in 1979; it still doesn’t today; and the smart money is on it staying that way. The electronic percussion should date it, and perhaps does slightly, but ultimately the morass of sound stands alone, unlike anything else before or since.

The crispness of the re-mastering represents a notable difference from the original, and it might be the only Throbbing Gristle release that sounds proper given such treatment. Clean rhythms, sparkling electronics, and — oddly — bursts of noise and mechanical creaks all sound distinct and shiny. From the reverb’d-to-infinity trumpet of the title track to the spikey shards of sound on „Still Walking,“ the tinkling bells of „Exotica“ and the perfectly-channeled Kraftwerk of „Walkabout,“ the album sounds…well, I’d say beautiful, but I’m not sure that word really applies to Throbbing Gristle. The ominous, doomed pulsing of „Persuasion“ and very modern-sounding guitar churn of „Six Six Sixties“ have had some edges honed without losing any of their dread.

Woran erkennt man eine gute Musikbesprechung: in diesem Fall z.B. an einem einfachen Satz wie„…well, I’d say beautiful, but I’m not sure that word really applies to Throbbing Gristle.“ Mason Jones beschreibt hier den Sound einer seiner Lieblingsplatten, erfreut sich an einem Zugewinn von Klarheit und Plastizität, ohne dass dadurch die Ursprungsqualität beeinträchtigt oder „aufpoliert“ wurde. Er ist in dieser Rezension mit  Sachkenntnis und Humor unterwegs, und wird einige Leser dieser Zeilen dazu anmieren, diese am Freitag erscheinende CD sofort ins Haus zu holen, oder sie, nach all den Jahren, wieder auf den Plattenteller zu legen. Diese Musikkritik macht hungrig auf Throbbing Gristle, und Lust auf eine Zeitreise. Und hiermit wurde eine neue Reihe bei den Manafonistas ins Leben gerufen: „commented reviews“. Weiter gehts so:

The reissue contains a live disc of performances from 1979, and hearing the band during its 20 Jazz Funk Greats period is a keen reminder of its performance intensity. The sinister mechanical pulse of „Convincing People“ sounds dank and dark, and the inclusion of „Five Knuckle Shuffle“ is a good one; Gen’s vocals are a bit loud in the mix, but the steamy chugging of the electronics is as affecting as ever. „What a Day“ has always had one of my favorite buzz-driven rhythms, and here they’ve added some particularly anarchic vocals. Two versions of „Discipline“ might be excessive, but it’s interesting to compare them, one from Manchester and one from Berlin.

It’s tempting to point out the way 20 Jazz Funk Greats‘s myriad musics have become ingrained in avant-garde circles during the past 30 years, but that might be giving it too much credit. I can’t confidently claim it’s had a tangible influence on any artist, simply because nothing else I’ve heard sounds anything like it. Having had 20 Jazz Funk Greats near the top of my record collection for so long, it’s difficult to step back and imagine anyone who hasn’t spent some time with it. But if you haven’t, now is the time.

Source: Dusted Magazine, Mason Jones

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The Bixby Bridge, completed in 1932, is a marvel of engineering and one of the top ten highest single span bridges in the world. The bridge spans across a large canyon along the Big Sur Coastline, about 18 miles south of Carmel. The weather conditions can have a noticable impact on the bridge’s appearance, whether there are clouds partially hiding it, or sun reflecting off of the gleaming white structural supports.

„Monday, Monday“ – The Mamas & the Papas (Youtube)

Bevor Brian Eno im nächsten September als Kurator des 8. Punktfestivals von Kristiansand agieren wird, sendet der Deutschlandfunk, mittlerweile als einzige Radiostation weltweit (die BBC ist angeblich aus Kostengründen, wobei man auch Lobbyismus der Klassischen Musikfraktion vermuten kann, abgesprungen) ausgewählte Konzerte des Vorjahres. So hat der Jazzredakteur des Kölner Senders, Harald Rehmann, nun offiziell nachfolgend aufgeführte Konzerte angefragt. Ich hoffe, dass wir die Rechte für alle bekommen, auch für die exklusive Radioausstrahlung von Sylvians Ambient-Klassiker “Plight & Premonition” … Sylvian wird mit einer neuen Formation (die, vermute ich, auch mit einigen Norwegern besetzt sein wird) 2012 auf Deutschlandtour kommen; Näheres erfahren Sie, wenn Sie bei unserem Blogroll “samadhisound” anklicken.

 … in der Sueddeutschen ist vergnüglich und lesenswert. Hier drei aus dem Interview herausgepflückte Zitate, von denen mir besonders die letzten beiden sehr gefallen:

Genazino: “Es klingt vielleicht arrogant, aber ich halte das digitalisierte Leben nicht für einen Teil des wirklichen Lebens. Das Internet, die sozialen Netzwerke, die Chats sind ein Surrogat, ein friedlicher Ersatz, auf den sich die Menschen geeinigt haben. Das wirkliche Leben ist geheimnisvoller und poetischer. Es zu finden ist uns aufgegeben, man kann es nicht in einem Kaufhaus erstehen.”

„Wo finden Sie das wirkliche Leben?“
Genazino: „Wenn ich in Hagen oder Osnabrück aus dem ICE steige. In diesen verrumpelten Städten geht mir eine Herzkammer auf. Ich stehe auf dem Bahnhof und denke: Osnabrück – genau, das ist die wirkliche Welt. Oder wenn ich Enten im Park beobachte, die auf einem Bein stehen und schlafen, darüber kann ich mich freuen wie ein kleines Kind.”

„Ein Zitat aus Ihrem Buch: Wer allein lebt, erkennt die anderen allein Lebenden. – Woran?“ Genazino: „An ihrer inneren Eingesunkenheit. Man sieht es Menschen an, wenn sie es nicht gewohnt sind, offensiv zu kommunizieren. Sie sitzen da, schauen durch die Gegend, in Restaurants lesen sie lange in der Speisekarte.“

„…we have the heavy melancholy of a New England Winter in early March, after an endless procession of blizzards, road-salt ruined highways, storm-damaged coastlis, million dollar snow removal budget overruns and the like.“ (Richard Goldin mag das Album überhaupt nicht, und schrieb diesen Satz dazu, den ich in einer 4-Sterne-Besprechung auch gerne geschrieben hätte, allerdings als Gütesiegel der Musik.)

Dass die Eskimos 50 Worte für Schnee haben, ist eine alte Mär, die wahrscheinlich ein Linguist erfunden hat, um bestimmte Beziehungen von Sprache und Wahrnehmung zu erhellen. Wunderbar, welch skurrile und anmutige Schneewörter in dem Titelsong auftauchen, z.B. „Rippucino“. Und  „Faloop’njoompoola“ ist auch sehr speziell!  In ihrer Besprechung von 50 Words for Snow sucht Ann Powers ihrerseits nach 50 Worten, um der Musik gerecht zu werden. „Powdery fantasia. Contemplative. Winter matins. Playful. Opium reverie. Grounded. Ghost story. Sensual. Artistic recalibration. Unhurried. Drummer’s holiday. Quiet. Ode to the white keys. Imaginative. Exploration of the lower register. Floating. Mother-son duet. Solitary. Snowed-in erotica. Collaborative. Joni Mitchell answer record. Inimitable. Supernatural space odyssey“.

Vor Wochen rief eine Episode, die Norbert Horst in seinem vorzüglichen Kriminalroman „Splitter im Auge“ erzählt, eigene Jugenderinnerungen an meine erste Begegnung mit Kate Bush wach: THE KICK INSIDE.  So eine Stimme hatte man zuvor in der Popwelt noch nie gehört: hell, aber nicht scharf, sang sie sich durch einen englischen Zaubergarten, und man staunte nicht schlecht, dass Pink-Floyd-Mann David Gilmour (wenn meine Erinnerung mir nun keine Streiche spielt) ihr Mentor und Produzent war. Das Album enthielt mehr  „pink“ als „floyd“, und begleitete mich durch einen Würzburger Sommer, es passte gut zu Obstwein und Flussspringen. Seltsamerweise verlor ich die Spur von Kate Bush in den Folgejahren, fand kein Album mehr sonderlich faszinierend, weder das mit dem Hit, wo sie einen Berg hinaufläuft, noch die Momente, wo der wunderbare Eberhard Weber Bass spielte.  Ihr vielgerühmter Klassiker HOUNDS OF LOVE  liess mich (aus Gründen, die ich nicht mehr weiss) kalt, und das erste Album nach ihrem Debut, das nach einiger Anlaufzeit mein Herz erwärmte, und zwar mächtig, war AERIAL (obwohl es, vom Sound her, noch ganz in den 80er Jahren beheimatet war). Und jetzt erscheint am Freitag also das neue Album:  50 WORDS FOR SNOW.  Bei npr.org kann man es seit wenigen Stunden als live stream hören. Vielleicht mag der eine oder andere zuvor das interessante Interview lesen, das ein völlig übermüdeter John Doran mit Kate Bush für „thequietus.com“ führte. Ich finde diese kleine  Schneemusik fesselnd! Das einzige Stück, das mir nicht so  gelungen erscheint, ist das Duett mit Elton John, der einfach zuviel kulturelles Kitschgepäck mit sich schleppt, und hier, im einzigen „romantic overkill“ des Albums, auch nicht gerade an seine frühen guten Alben anknüpft (ja, die gibt es!).  Da wäre mir die Stimme von Robert Wyatt viel, viel lieber gewesen. Dennoch: ein betörendes Werk, ein „Joni Mitchell Antwort-Album“!

Kate Bush: das neue Album

01 Humcrush w/ Sidsel Endresen: Ha! (Platte des Jahres)
02 David Sylvian: Died In The Wool – Manafon Variations
03 Vijay Iyer – Solo
04 Marcin Wasilewski: Faithful
05 Michel Portal: Bailador
06 Rudresh Mahanthappa – Samdhi
07 Colin Vallon: Rruga
08 Craig Taborn: Avenging Angel
09 PJ Harvey: Let England Shake
10 Brian Eno: Drums between the Bells
11 Kate Bush: 50 Words For Snow
12 Jenny Hval: Viscera
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Da der Besuch der Austellung „Daniel Richter – 10001 Nacht“, die am 6. November in der Kestnergesellschaft Hannover zu Ende ging, noch nachwirkt, hier mein kurzes Resümee: Bilder wie die dort gezeigten suchen sich ihr Publikum und sie brauchen es – ähnlich wie Performance, Bühnenstück und Musikkonzerte dies tun.

Die Mona Lisa konnte man sich noch in permanentem, stillem Zwiegespräch mit ihrem Schöpfer da Vinci vorstellen – doch diese großformatigen, explosiven Farbekstasen wirken nur auf großer Bühne und im Zusammenspiel. Es sind aufeinander bezogene, im narrativen Kontext stehende Sound-Emanationen – die Nähe zur Musik wird deutlich, auch wenn der Künstler selbst dem widersprechen würde.

Diese expressive Malerei ist auch eine Wiederspiegelung und Explikation von Traumwelten und des Unterbewußten. (DR sprach im Podiumsgespräch vom „freudianischen Fluxus“) Vielleicht ist der Reiz dieser Art Kunst auch, dass sie uns an unsere eigentliche Heimat erinnert: als ewig Traumgeborene nie ganz von dieser Welt zu sein – uns dafür aber stets neu erfinden zu können und zu dürfen.

Death is watching you?! C’mon, Death is watching football!

Am besten über Fussball habe ich mich bisher – innerhalb der Musikerzunft –  mit Kip Hanrahan unterhalten. Der Mann ist Juventus-Fan, und ungefähr so sehr „hard core“ wie ich.   Ihm würde die Choreographie der BVB-Fans vom letzten Samstag (Werktitel: „Bis in den Tod“) wohl sehr gut gefallen. Faszination gelingt auch ohne Pyrotechnik. „Die gelbe Wand“ war überragend, ein Raunen ging durch das Stadion, eine Soundwelle, als sich der Totenkopf in all seiner Pracht entfaltete. Football goes existenzial in Dortmund.

Was für eine Sendung … also, die Klanghorizonte mit Michael Engelbrecht, das war heute in der Nacht einmal mehr ganz das, was sich der Radioliebhaber wünscht. Danke, Michael! Und mich hat diese Sendung auf die Schiene Beach Boys gebracht, erschien doch gerade eben, Michael berichtete davon und spielte daraus Heroes And Villains: Children Were Raised , Our Prayer „Dialog“ und Cabin Essence , die 120,00 Euro Box The Smile Sessions.

Für mich ein Grund in die Tiefen meines Plattenschranks zu tauchen. Waren da nicht noch andere, wirklich tolle Platten, die es wert wären, einmal wieder aufgelegt zu werden? Zunächst wäre da eine Original Emidisc Ausgabe der Platte THE BEACH BOYS GOOD VIBRATION.  Hier findet sich ein Hit am anderen, aber eben auch solche Kostbarkeiten wie Heroes an Villains, eine Komposition von Brian Wilson und Van Dyke Parks.

Die LP Bug-In dürfte sich in erheblich geringerer Anzahl von Plattenschränken finden, keine Hitparadenplatte, eher unbekannte, aber wunderbare Lieder finden sich hier, zum Beispiel With me tonight oder das Stevie-Wonder-Stück I was made to love her.

Diese LP erschien 1967, in dem Jahr in dem auch Wild honey den Weg in meine damals noch kleine Plattensammlung fand. Und das kam so: Im November des Jahres besuchte mich meine Cousine aus Amerika. Sie brachte das beste Geschenk mit, das man sich als vierzehnjähriger, begeisterter Musikhörer denken kann: zwei Single-Platten, Original US-Pressung.

In der einen Hülle steckte Wild Honey von den BEACH BOYS – ich glaube diese Platte erschien nie in Deutschland als Single, jedenfalls erreichte sie nicht die deutschen Hitparaden, aber auch in England kam sie nur auf Platz 29 und in den USA auf Platz 31 der Single Hitparaden – und in der anderen Daydream Believer von den Monkees. Beide Platten waren in Deutschland im November 1967 noch ziemlich unbekannt und so war ich in der Schule bei meinen wenigen musikinteressierten Freunden dieses eine Mal der richtig große MAX.

Noch eine Anmerkung zu Wild honey: Die B-Seite dieser Single enthält den Brian-Wilson-Titel Wind Chimes, Ausnahmemusik, sag ich nur. Aber zurück zu den BEACH BOYS LPs, 1970 brachten die Jungs Sunflower auf den Markt, auch eine sehr schöne Langspielplatte, auf der eher weniger bekannte Stücke zu finden sind, begeisternd finde ich das Stück Add some Music to your day.

Der Geheimtipp am Schluss: Surf´s Up. Auf dieser BEACH – BOYS – Platte kann man seltene, im Radio so gut wie nie gespielte Lieder entdecken, mich begeistert Feel Flows. Das wär´doch mal ein Stück für die Klanghorizonte, Michael, oder?

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