Robert Plant and Alison Krauss – “It Don’t Bother Me”

What worked a treat at their first meeting continues to work now, with T Bone Burnett‘s production skills. A brilliant band, with sometime guests Marc Ribot and Bill Frisell, creates nuanced tension or percolates away discreetly as required. Intriguing the duo’s approach to English folk gems by Bert Jansch and Anne Briggs. No minor quibbles available, and one masterful song about death, love and escapism (like a lamento on our times) completes this outstanding collection of covers. Or, with the words of Janne Oinonen:

„Considering the surprise success of their first duo album, it’s not surprising that Plant and Krauss don’t mess much with the alchemic formula for this overdue follow-up. Even so, there is not a whiff of a cynical retread of old tricks during Raise the Roof, which manages the trick of coming across both sophisticatedly polished and winningly raw and in-the-moment.“

Mark: Kommen wir nun zum 5.1-Surround-Sound-Mix. Ich denke, das beste Wort, um Steven Wilsons Remix von „Beat“ zu beschreiben, ist: „transformativ“. Größtenteils bleibt er der Absicht und dem Zweck des Originalalbums treu – was so ziemlich seine Visitenkarte ist, wenn es um Surround-Sound-Remixe geht, was in den meisten Fällen eine gute Sache ist -, bringt aber durch die kreative Nutzung der Surround-Felder neues Licht und neuen Fokus auf die Musik.

Michael: Mehr Transparenz bietet auch die neue Stereo-Abmischung, also, die von 2016. Aber, ja, surround, bei aller Liebe zu King Crimson, nie habe ich die Alben der Band so intensiv gehört als in den letzten Jahren, und zwar fast durchweg in Surround. Manchmal schaue ich, ob Pia im Nachbarhaus ist, und wenn alles verwaist ist, hebt die Höhle ab. Nun ist „Beat“ sowieso ein gutes Album, mein Herz hängt, aus purer Verbundenheit mit meinen Irrungen und Wirrungen anno 82, besonders an „Two Hands“ und „Heartbeat“.

Mark: Und dann diese Wechsel aus Instrumentalstücken und Songs. „Sartori in Tangier“, schmerzhaft schön.

Michael: Hier, in dieser Quartett-Phase zwischen 1980 und 83 vermeidet KC alles, was sie in die Nostalgiefallen tappen lässt – eine verzweigte, aber klar definierte Ästhetik, und Überraschungen auf jedem Track.

Mark: Wie bei „Requiem“. Der Sound hüllt dich ein in eine virtuelle Decke aus „Frippertronics“, mit all diesen üppigen, hypnotischen, schwebenden Dauertönen, die dich umspülen und in diese Zen-artige Zone bringen, wie es nur die magischsten Musikproduktionen können. 

Michael: Zen-artige Zone? Okay. Das ist schon, wie sagt ihr Amerikaner, „mind-blowing“. Klar, alles ist Sound ringsum, und dann bildet sich ja aus dieser Ruhe eine Mords-Crescendo.

Mark: Ich kann es kaum erwarten, bis Mr. Wilson grünes Licht bekommt, einige von Robert Fripps Frippertronics-Alben in Surround Sound zu remixen! 

Michael: „Let The Power Fall“ ist mein absoluter Liebling. Und das in diesem Jahr rausgekommene Album „Leviathan“ von The Grid mit Fripps Schwebekünsten belegt ja, wie famos Frippertronics im Surround wirken können – pure Tranceinduktion! 

Mark: Zurück zu Beat 5.1: Die rockigeren und poppigeren Stücke wie „Neal and Jack and Me“, „Heartbeat“ und das wunderschöne „Two Hands“ profitieren besonders vom Surround-Sound-Mix, da Mr. Wilson im Allgemeinen die Hauptband und den Leadgesang in den vorderen Kanälen hält und die hinteren Kanäle für Harmonien, Spezialeffekte und andere charakteristische Klänge aufspart, die den Hörer umspielen. Zusammen mit einer wilden alternativen Instrumentalversion von „Neal and Jack and Me“, genannt „Absent Lovers“, fühlt sich Beat jetzt irgendwie voller an, zumindest für diesen langjährigen Crim-Fan.

Michael: So ist es. Und immer wieder wilde lyrics wie auf „Neal and Jack and Me“. Eine Verbeugung vor Jack Kerouac – und einem schönen alten Auto😅!

Liest sich wie der Slogan eines Second-Hand-Ladens, ist aber mein launiger Untertitel für fröhliches Wühlen im Archiv für die Dezembernacht im Deutschlandfunk. Zum Glück ergaben sich recht rasch Sinn und Sinnlichkeit stiftende Verbindungen, so dass nach einer Woche die playlists für die fünf Stunden so ungefähr standen, und nach einer weiteren Woche ziemlich exakt. Das Traurige dabei, was alles an grossartigen Alben (die ich so, so gern gespielt hätte!) auf der Strecke blieb – der Logik des „sequencing“ geschuldet. Aus diesen Werken, könnte man leicht ein, zwei weitere berauschende Nächte machen. Hier ein paar dieser „Ausgrabungen“ – fast durchweg Fünf-Sterne-Alben in meinen Ohren: „rarities, evergreens, discoveries“. Vielleicht gibt’s ja noch kleine „Umbesetzungen“ in letzter Minute. „In Memory of Elizabeth Reed“ hätte einfach einfach nicht fehlen dürfen – so viel Sentimentalität schulde ich mir eigentlich, höre ich diese Himmelsmusik doch immer wieder, seit ich sweet sixteen war. Hier eine kleine Auswahl:

Human Arts Ensemble: Under The Sun  
Sunn O))): Life Metal   
The Allman Brothers Band Live At Fillmore East   
Jan Garbarek / Egberto Gismonti / Charlie Haden: Magico   
P. J. Harvey: Let England Shake  
Bo Hansson: Lord of the Rings   
Young Marble Giants: Colossal Youth   
Archie Shepp / Mal Waldron: Left Alone Revisited   
Lester Bowie: Last Fast! (With a wonderful version of Hello, Dolly)
Jacques Brels letztes Album
The Kinks: Muswell Hilbillies
Joni Mitchell: Hejira
Lewis: L‘amour (go for this one, all you hopeless romantics!)
Keith Jarrett / Jan Garbarek: Luminessence
Edward Vesala: Nan Madol
Steve Tibbetts: The Fall Of Us All
David Sylvian: Manafon
Oregon: Distant Hills
Byard Lancaster III: Us
Scott Walker: The Drift
Punkt: Crime Scenes

Reads like the slogan of a second-hand shop, but is my whimsical subtitle for cheerful rummaging through the archive for the December night on Deutschlandfunk. Fortunately, connections that created sense and sensuality emerged quite quickly, so that after a week the playlists for the five hours were more or less in place, and after another week pretty much exactly. The sad thing was that some albums (which I would have loved to play!) fell by the wayside – due to the logic of „sequencing“. One could easily make one or two more intoxicating nights out of these works. Here most of these „excavations“ – nearly all five-star albums to my ears: „rarities, evergreens, discoveries“. Maybe there’ll be some last-minute „reshuffles“. „In Memory of Elizabeth Reed“ simply shouldn’t have been missing – I actually owe myself that much sentimentality, since I’ve been listening to this heavenly music again and again since I was sweet sixteen. „Muswell Hilbillies“ turns fucking 50 this year. Good at least, we all are forever young.

This is a ghost story. Nova Materia‘s new album came by midnight. A place nearby a nature reserve. My home. A taxi stopped, motor still running, ringing the bell, a young man said sorry for being so late, we had both our masks on, I received the envelope. Inside, the cover of the vinyl had something familiar (the old Made To Measure-label from Bruxelles back again!), set for release at the end of June. First pressing, fresh from the factory, a short note added, and, hand-written, the permission to play it – first time ever – in my next night show. If I like it. Too kind. I cannot remember I ever got an album under such circumstances. Secret delivery by night. I was awake, had done my little meditation exercise – a glass of „Two Left Feet“, two candles burning, my record-player in motion, gave it a go. I didn‘t know the name of the composers – that can happen, months ago, I couldn‘t relate anything with Floating Points.

I listened to the album from start to end. „To enjoy in all its aural elements, please listen on headphones. Compatible with stereo on loudspeakers.“ These guys care for sound, don‘t they? My headphones are quite good ones, and though their suggestion is old school, it makes sense. The sound quality stunning *, and more important, the whole album is a quiet burner. A revelation. A journey through an ancient area, real, surreal, desolate, full of mythology, history, horizon.

Now here comes the challenge. It‘s known as „The Stonehenge Trap“. Imagine you are impressed by  the aura of such a power spot, and want your music to be informed with it, live up to its nameless mysteries. So what will happen with fresh field recordings, the music in your mind at hand (in fragments)? It can all too easily end up in some „new age nirwana“. Or „electro-acoustic ivory tower studies“. Nothing like that. Listened a second time, a third time. I was caught inside, softly seduced, on the other side. A lesson in getting there, A five-star album in the rare genre of where-am-i-music. Eduardo Henriquez und Caroline Chaspoul have painted their masterpiece.

* The 3Dio Free Space Pro II comes with two matched, integrated DPA 4060 capsules mounted at the opening of the ear canal. The Free Space Pro II delivers a very sensitive and natural binaural recording. The extremely low noise floor of the DPA 4060 capsules results in a very open and dynamic binaural realism, especially during very delicate recordings. This sensitivity, coupled with the wide dynamic range of the microphone capsules, makes the Free Space Pro II ideally suited for professional studio recording and high-end recording binaural capture. The quiet ‚openness‘ of the mic is great for field recording as well.

1. Floating Points w/ Pharoah Sanders and LSO: Promises
2. Portico Quartet: Terrain
3. Pinon Palladino and Blake Mills: Notes with Attachments
4. Nik Bärtsch: Entendre
5. Marc Johnson: Overpass
6. Anthony Joseph: The Rich Are Only Defeated When…
7. Trio Tapestry: Garden of Expression*
8. Sons of Kemet: Black To The Future** 
9. Thomas Strønen: Bayou
10. Eivind Aarset: Phantasmagoria
11. Natural Information Society w/ Evan Parker: Descent
12. Andrew Cyrille Quartet: The News
13. Shai Maestro: Human
14. Carrothers / Courtois: Firebirds
15. Christian Walllumrod: Speaksome
16. Masabumi Kikuchi: Hanamichi – The Final Studio Recording
17. Kari Ikonen: Impressions, Improvisations, and Compositions

The News: das nächste Jahr einige Sendungen und Beiträge für die Jazzredaktion machen, immer wieder gerne die JazzFacts, aber eben ohne die Nächte. Der Fokus richtet sich auf die Welt der improvisierten Musik, und dies hier sind meine Highlights des Jahres, mhmm, vier Solopianoalben dabei, interessant. Am 30.12. stellen Odilo Clausnitzer, Karsten Mützelfeld und ich in den JazzFacts um 21.05 Uhr im DLF unsere Favoriten vor. Meine ersten JazzFacts anno 2022 gibt es am 3. Februar. In einem Beitrag wird es um ein Trio-Album gehen – mit Kid Downes, Petter Eldh und James Maddren.

*Garden of Expression: Trio Tapestry‘s sense of melody, space and letting-go is immaculate. I will always remember their first record, one of the jazz miracles of 2019. For me, it was the best album Joe Lovano ever made, with Manfred Eicher’s perfect sequencing of the tracks. Listen to the vinyl: suspense, sound and silence in perfect union.

It is quite natural that this follow-up lives up to the high standard of the first meeting in New York. Now with a deeper touch of Provence pastel and colours at dusk. You can think of every jazz writing cliche of praise, from „filigree“ to „elemental“, and be sure that Lovano, Crispell and Castaldi are breathing new life into it. After the first three pieces of pure baladry (written by soul, not by the book), the appearances of sound take more and more adventurous side steps, from moments of pianistic unrest and upheaval, to an exploration of metal and sound in Castaldi‘s drum figures.

A zen-like purity‘s bold pairing with an adventurous spirit. The record delivers everything with grace, selflessness and the most nuanced sense of tempo, time standing still and a flow of undercurrents. If this sounds slightly over the top, let the music take over, dim the lights and follow the tapestries!“ (M.E.)

**“I’ve not been listening to albums specifically from this year. I even forgot that Pino Palladino/Blake Mills’s Notes With Attachments came out in 2021. It’s a great album in terms of compositional form. Musically it’s very different, but it reminds me of the place I was in when I started to put together Sons Of Kemet’s Black To The Future. I love its warm, organic atmosphere. Madlib’s Sound Ancestors contains one of my favourite tunes of recent memory – Road Of The Lonely Ones.I’ve listened to that more times than I’d like to admit. The album is such a deep work, I can tell it’ll keep growing on me.“ (Shabaka Hutchings, Sons of Kemet)

 

Older records, cherished once, lost later, now re-discovered, eight albums that have lost nothing of their magic spells. No ranking here.

Rickie Lee Jones: PopPop**

Human Arts Ensemble: Under The Sun

David Bowie: Scary Monsters

Edward Vesala: Nan Madol

Egberto Gismonti: Danca dos Escravos

The Residents: Eskimo

Lewis: L‘amour

Charles Mingus: Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus*

*„At times  this  Mingus album reminds me of Zappa’s Grand Wazoo / Wakajawaalbums from the early 1970s — a bigger band music that isn’t afraid to dance naked precariously on the edge of going off the rails.  The result is stunning, kind of like if one of Ellington’s bands from the 1940s were given several big pots of coffee and deposited in a church, performing hair raising improvisation of evangelical proportions.“ (Mark Smotroff)

 

**“I was living a life enchanted by impossible connections, narrow escapes, and the perfect timing of curiously strong coincidence,” writes RLJ of her sudden ascent from Tom Waits hanger-on to global sensation with 1979 radio staple “Chuck E’s In Love”. Her drive-it-like-youstole-it memoir, „Last Chance Texaco“, eases around the jagged curves of her life with a pleasing bemusement and a stylish tilt of the beret.“

Sunn O))) haben auch eine wunderbare Platte mit Scott Walker gemacht, zum Beispiel. Die natürlich nicht jeder wunderbar findet. Ihre Besessenheit für Lautstärke ist bekannt, ihre Maxime lautet „Maximale Lautstärke bringt maximale Ergebnisse“. So ein Satz ist natürlich grosser Quatsch, wenn man ihn ausserhalb dieses grossartigen Duos platziert, aber bei einem Meisterstück wie „Life Metal“ macht er Sinn.

Einige Manafonisten haben in ihren Jahresrückblicken eine Rubrik kreiert, die „Wiederentdeckt“ lautet. Beim Stöbern im Archiv für meine Radionacht im Dezember habe ich nun diese gar nicht so alte Platte auch irgendwie wiederentdeckt, sie berauscht mich, sie beglückt mich, ich kann sie gar nicht genug preisen. Leider scheint sich kein passender Ort für sie in meinen fünf Nachtwachen zu finden, schade! Steve Albini produziert gerne laute Bands, und hier, auf diesem Opus magnum, enthüllt die Lautstärke feinste Nuancen, Ablagerungen, Feinheiten.

Die  vier Stücke von „Life Metal“ eignen sich am besten dazu, einen Raum zu erobern, einen Ort zu füllen, der so massiv ist wie der Klang selbst. Alles vibriert. In einer Zeit, in der wir so viele Medien in einem scheinbar mikroskopischen Maßstab erleben, von Ohrstöpseln bis zu Smartphone-Bildschirmen, nimmt „Life Metal“ einen großen Raum ein, in dem wahnwitzge Klangwellen, die tatsächliche Decken zum Einstürzen bringen, irgendwie zu einer erholsamen Hörerfahrung werden. Wellness der anderen Art!

Je nachdem, was man braucht, ist „Life Metal“ bei maximaler Lautstärke ein Schutzschild oder ein Umhang, eine zeitgemäße Übung, um sich entweder von der Außenwelt zurückzuziehen, oder ihr, ohne mit der Wimper zu zucken,  die Stirn zu bieten. Das Album gehört zu meiner Kampf- und „Resilienz“-Ausrüstung. Das mag „over the top“ klingen, ist aber mein heidnischer Ernst. Macht mich seelenruhig und zugleich euphorisch, schüttet Serotonine aus. Und, Überraschung, all das funktioniert auch auf guten Kopfhörern!

Eine opulente Box kam aus dem Hause Discipline Global Mobile, dank dafür an Robert Fripp. Lag eine Weile beim Zoll, kam nun an. Eine Unmenge Cds, die Basis bildet die Trilogie des Quartetts, „Discipline“, „Beat“, „Three of a Perfect Pair“. Ich fiel aus einigen Wolken, als ich im umfangreichen Begleitbuch (und einem beigefügten link) Fotos von dem Nürnberger Konzert vor 30000 fand, von dem damaligen King Crimson Quartet – Bühnenfotos, Schnappschüsse aufs Publikum, und auf einem Foto bin ich, fast eine Nahaufnahme, und ich bin nicht allein. Ich kam mir vor wie in der berühmten Szene von „Blow Up“ – nur dass ich nicht die Spuren eines Mordes aufdeckte, sondern die einer grossen Liebe. Ein kleiner Schock.

Michael: ich war glücklich mit dem Album, Mark, als die Platte mit dem herrlich blauen Cover und der rosaroten Herznote rauskam, Songs wie  „Two Hands“ und „Heartbeat“ gehörten zum Soundtrack meines damaligen Lebens.  Ich habe das Opus lange abgelegt, aber Steven Wilsons Remixe von 2016 liessen es mich wie neu entdecken.

Mark: Als King Crimson 1982 „Beat“ veröffentlichten, war ich ein wenig enttäuscht. Nicht etwa, weil das Spiel nicht so gut war oder die Musik schlecht oder so etwas. Nein, „Beat“ ist ein wunderbares und letztlich unglaubliches Album. Aber… zu der Zeit fühlte es sich einfach ein wenig… nun ja… unvollständig an, wenn man so will, als ein Statement der Band.

Michael: Es war kurz.

Mark: Ja, als Hörerlebnis fühlte es sich für unsere verwöhnten Ohren etwas kurz an, da es nur knapp über 35 Minuten dauerte. Fühlte ich mich als Fan, der mehr von diesem unglaublichen Sound wollte, ein wenig betrogen?  Wenn ja, dann war das ein dummes Gefühl, wenn man bedenkt, dass die Band im Grunde schlicht 35 Minuten NEUE Musik in ihr Live-Repertoire aufgenommen hat. Im Nachhinein betrachtet war es auch ziemlich dumm, überhaupt daran zu denken, denn Discipline war nur 38 Minuten lang.

Michael: Und es gibt keinen überflüssigen Moment, nichts von den selbstgefälligen Passagen, zu denen sich viele sogenannte Prog-Rock-Bands früher hinreissen liessen. Dieses Quartett mit Fripp, Belew, Levin und Bruford dockte so überzeugend an den härteren Strömungen von New Wave und No Wave an.

Mark: Und wie sie das machten – das Engagement des Sängers und Gitarristen Adrian Belew war ein genialer Schachzug von Mr. Fripp, Belew hatte kurz zuvor noch mit Eno, den Talking Heads und Jon Hassell auf den Bahamas im Studio von Robert Palmer gewirbelt. Ja, „Beat“ können wir nun wir mit frischen Ohren und einer aufmerksamen Perspektive neu entdecken.

(Teil 2 folgt beizeiten, Teil 3 wird das Finale dieser Beat- und Lovestory sein. Be warned. Though Part 2 will strictly contain musical references, the finale will contain strong language, sex, drugs, and rock‘n‘roll)

Sie sind ausgebrannt, ich sehe es immer wieder. Diese dreiteilige Dokumentation ist ein Marathon, aber irgendwann bin ich nicht mehr Aussenstehender, geselle mich unauffällig dazu – schön ist das Ambiente selten, die Halle in Twickenham sowieso nicht, die Farben wirken fahl, der Glanz blättert ab.

Immer wieder mal sprechen sie in diesen acht Stunden von Schlafstörungen: durchwachte Nächte, innere Unruhe, ein seltsamer Zustand, wenn alle spüren, hier geht etwas Grosses zuende. Wie soll so ein neues Album zustandekommen?

Es ist eine Art Delirium, das nach einem langen Tag (ganz zu schweigen von einem langen Monat oder einer langen Karriere) einsetzt, wenn die Jungs ihre Instrumente in die Hand nehmen und anfangen, musikalische Aufläufe aus alten Hits und Parodie-Texten, Blues-Standards und esoterischen Kurzgeschichten zusammenzukochen.

Ab und zu gibt es Abstecher. Visuelle Ausflüge in andere Umgebungen, Räume der Erinnerung – schön gesetzte Kontraste in diesem „Kammerspiel“! Anrührend, wenn es vor der legendären Abschiedsvorstellung auf dem „berühmtesten Dach der Popgeschichte“ Einblicke gibt in die Londoner Straßen des Tages: da sind ein paar Beatles-Fans, die in der Nähe des Apple-Gebäudes kampieren, und es gibt viele andere, die unbeeindruckt an der Eingangstreppe vorbeilaufen.

Im Rückblick auf meinen eigenen Acht-Stunden-Marathon (mit ein paar 1. Advent – Space Cookies als Begleiter meiner kleinen Soloparty bis zum Morgengrauen) kann ich nur sagen: anfangs fand ich das alles etwas zäh und monoton, weil es ja keine Spannungskurven gibt, keine ausgefeilte Dramaturgie, ausser der am Kalender runtertickenden Deadline. Aber dann setzt sich eine seltsame Mischung aus Anteilnahme und Melancholie und Faszination durch, wenn die Freunde (die hier nicht mehr durchgängig gute Freunde sind) ein letztes Mal versuchen, die alte Magie wachzurufen. Zumindest ihr Scheitern ist grandios, und der Film die schönste traurige Zumutung, die man als Lover ihrer Musik erleben kannn. Szenen einer Ehe, sozusagen – lauter letzte Vorhänge! 

(Im Januar 2016 reiste ich sieben Tage durch die Northwestern Highlands, nach wüsten Überschwemmungen, und, zufällig, in den Tagen nach dem Tode David Bowies. Es war eine abenteuerliche Reise. Ein Höhepunkt war eine Art „breaking and entering“ in ein unverschlossenes Haus an einer steilen Klippe, mit Blick Richtung Orkney Inseln. Ich entdeckte einen uralten Plattenspieler, und selten hatte ich so grosse Freude an Louis Armstrong und Whisky (set & setting!) – beides fand ich dort vor.  Am nächsten Tag hinterliess ich Geld für die nicht ganz legale Übernachtung, und einen freundlichen Brief an die Hauseigentümer. Sieben Tage mit vier grossartigen Alben im Land Rover-Cd-player, sowie unvergessliche Fiddelklänge und Begegnungen am Rande der Welt.)

In the late afternoon, yesterday, 2 days before the Celtic Connections will open up their curtains in the Tron Theatre and all over town. Saw Sam Lee and bis friends performing for a handful of people. BBC technicians, a folk academic running around, with a book of West Yorkshire song sheets, Sam Lee totally handsome. Field recordings, Sinti tunes entering Celtic vibes – and as if he could see future radio listeners, he was telling background stories like sitting at a campfire, interview excerpts running from old tape decks. His singing pure joy.

In the morning, leaving Glasgow for a while, the radio playing Bowie tunes, remembering the photo of a horse that nearly looked like an unicorn on the Isle of Barra. Will I be there tonight? I’m testing travel options: Thurso by train, Barra by Logan Air, or Edinburgh by bus. Acting by instinct. Kevin Barry’s BEATLEBONE A constant companion on airports, bus stations, and The Willow Tea House. John Lennon in 1978 on a journey to a desolate Irish island. The beaches will all look different today. I’ll breathe in the sounds of the sea and the cold-starred air.

Made the decision. 2 hours later. Going north. Destination known. The highways, the dead end streets, the cold dark cliffs on the edge of the North Western Highlands. Thurso, I’m coming. The remains of endless rain will give me a warm welcome. And it all means: no photos anymore, no diary on the blog, just slowly looking around without filters, blind habits, and my four-cd-collection being the soundtrack for this fucking road movie comedy. Maybe some creepy fiddle players will make their appearances (with woeful songs about lost sweathearts and lonesome moonlight in wooden cabins and local pubs). Always returning: „Darkstar“, „Lord of the Rings“ (from my teenage „evergreens“, Bo Hansson’s classic), „Astral Weeks“, and „Taking Tiger Mountain (By Strategy) – the desert island collection for days and nights to come (embrace the most lonsome areas, the music your lifeguard). Go swimming! No way! The music is the second horizon, and from time to time it’ll keep my world in a nutshell.

He takes his seat on the foreign train. He thinks it pleasant to travel again. Mindful of the journey’s end. Many hours later, he is strollng among trees hearing voices. Birdsong. Birdsong in January. The name of town pubs always have familiar names, like they never escaped old R.L. Stevenson novels. „Admiral Dirge Crown Pub“. Will drink a whisky, will start to unfold a map of small paths that all lead to some outlook post. Is that the word, „outlook post“? Some faraway place. That is the word. But is it really „the remains of endless rain“, not „the remnants of endless rain“? Can loneliness be a friend? Start asking better questions. How can moments go so slow? This is a Land Rover. And this is the cd-player of the Land Rover. And this is the sound of eight speakers: „Back in Judy’s Jungle“. The sea hardens with new light. John Buchan was here.