Manafonistas

1) These New Puritans: Field Of Reeds (endlich wieder eine Gruppe, die den klaren Schnitt beherzigt, und, ohne zu kopieren, ein paar Lektionen von Talk Talk und Spirit of Eden gelernt hat; „They are may be flitting through the shadows cast by Morton Feldman, Scott Walker, or Moondog, but they are making a statement that is easily as profoundly stark or beautiful.“ (Julian Tardo) „Ambition often manifests itself into self-indulgence, and from the off you’re convinced ‚Field Of Reeds‘ could slip into said territory. But it’s an exceptional case, where its makers hit the jackpot, where imagination runs riot and gets away with every daring feat, each one more foolish than the previous.“ (Jamie Milton) 2) Dennis Johnson: November (das vielleicht erste modale Werk des Minimalismus, aus dem Jahre 1958, transkribiert für das Jahr 2013, für ein Piano, und die Ewigkeit) 3) Scott Walker: The Collection 1967 – 1970 (some lessons how to get drunk on music and darkness!) 4) Boards Of Canada: Tomorrow’s Harvest (fein gearbeitete Unheimlichkeiten aus der Mohave-Wüste, auch Gespenster finden ihren Groove!) 5) Mark Kozelek & Jimmy LaValle: Perils From The Sea (Grosses Singer/Singwriter-Kino für Stimme und Elektronik, herzerweichend) 6) Stephan Mathieu: Un Coeur Simple (vom Sammeln alter Stimmen und Klänge, Rauschklangerlebnisse der anrührenden Art!) 7) Pan American: Cloud Room, Glass Room (Musik aus glasverspiegelten Räumen und Strassenschluchten, aus denen die Menschen verschwunden sind) 8) Pat Metheny / Tap: John Zorn’s Book Of Angels, Vol. 20 (Pat Metheny kann noch aufregende Musik machen!) 9) Lucian Ban / Mat Maneri: The Transylvanian Concert (Piano und Bratsche tauschen Unheimlichkeiten aus zwischen der Tin Pan Alley und rumänischem Hinterland) 10) The National: Trouble Will Find Me (grosse Elegien, vertraute Klasse, wächst mit der Zeit) 11) Cristal: Homegoing (Drone-Musik lebt) 12) Nancy Elizabeth: Dancing (beschwingtes Album über eine verlorene Liebe)

It’s a wonderful thing to get drunk on music – and particularly the music of Scott Walker. Since first hearing ‚Such a Small Love‘, when buying the Julian Cope compilation many years ago at the height of post punk (it’s funny how each epic period that we lived through seemed eternal at the time, but with retrospect lasted perhaps a few months!) I have loved almost everything I have heard of his (with the possible exception of ‚Stretch/We had it all‘) and find his most recent work to have surpassed even his earlier seminal solo work (recently re-released and remastered) in terms of its scope, artistic ambition – its  humour and literary playfulness/inventiveness. But despite Tilt/the Drift and Bish Bosch being just about as fine as it can get, I still love his earlier work and can’t believe that until today I had never actually heard ‚the big Hurt‘! So to sit in front of a roaring computer, listening to a wonderful ’new‘ Scott Walker song (well, he didn’t actually write it) that has already been freely available for years is akin to … well, is akin to finding a Scott Walker that you didn’t know about, when you perhaps could have done so simply by buying the album! The song has the typical ‚big‘ orchestration of that period and, again typically, has a prominent violin presence … but unlike, say, the sinister sustained string effect on ‚it’s Raining Today‘, here, the violin has a ludic/lunatic/Rabelasian quality – jumping around wildly all over the place – as if mocking the counterpart MOR orchestration that forms the backdrop to much of the rest of the song. It’s almost as though the violin part is channeling Scott’s psychic disquiet as he wears, but at the same time seeks to shake off, the mantle of conformity to the mainstream, which he had donned as a teenager and worn ever since with elan, sophistication  and youthful Schnodderigkeit. Interestingly, the violin part isn’t consistently wild and untrammeled, but (playing its part to perfection) intermittently bows to conformity and sounds at times almost as though it would feel at home in the ‚Stingray‘ outro (not in itself a bad thing!). And just when the strings have had enough of being ‚out there‘, the unrest spreads elsewhere to the trumpet … it seems that something has to give: the truth will out … But what holds all of this together and prevents it from fracturing completely, is the voice, which glides effortlessly from stanza to stanza (I think the word is more appropriate here than ‚verse‘) in what is perhaps the finest example of ‚gliding‘ that I can recall in a song, as it rises and descends through the pitches like a cool, ray-banned surfer … expressing on the surface, loss – of love and time, but also pointing towards some kind of recovery and growth; both in terms of the narrative of the song, but also an artistic and spiritual growth. If this is hurting, then who needs joy!

The National Millennium Time Capsule in Washington, D.C. was buried in 2000, and is scheduled to be opened in 2100. The time capsule includes important objects from history, including a piece of the Berlin Wall, a Hostess Twinkie, a helmet from World War II, a cellphone, and Louis Armstrong’s trumpet.

1

„She moves in a half life – imperfect. From her place on the stairs, or sat in the backseat. Sometimes you’re only a passenger in the time of your life …“, singt Sänger David Sylvian. Snow White In Appalachia heißt der Song auf dem Album Manafon. Er erzählt davon, wie jemand sich im Halbleben umherbewegt, als ein Passagier in seiner eigenen Lebenszeit.

In Wilhelm Genazinos Roman Das Glück in glücksfernen Zeiten sieht der Protagonist, ein Philosoph namens Wahrlich, sein Begehren, nur „halbtags leben“ zu wollen, vom Kinderwunsch seiner sympathischen Freundin bedroht – und vom Arbeitsmarkt, der für flanierflüchtige Heideggerpromovierte keine Gnade kennt.

Auch der Philosoph Peter Sloterdijk verwendet in seinen Zeilen und Tagen mehrmals einen Begriff, der dem von Manafon und Genazino ähnelt: „Jeder Mensch in seiner Halbwelt, eingerollt in eine Hülle aus Gewohnheiten und Illusionen. Fotografien der Lieben auf dem Schreibtisch und im Adressbuch die Namen der Freunde, die seine Halbweltkomplizen sind.“

Hinzu kommen Einbildungen und das Kaleidoskop changierender Erinnerungen. Meine Gedanken sehe ich gerne in denen Anderer gespiegelt und verdeutlicht, aber mein Kopfkino ist oft wie ein auf Platos Höhlenwände projizierter Schwarzweißfilm. Wir zitieren gerne, halten uns an Sinnhaftem fest – und wir kommunizieren, um dem Tod zu entkommen, wie Byung-Chul Han schreibt. Halbleben in Halbwelten. Milles Plateaus? Nein, nur zwei Hälften.

2
Durch das Setzen oder Erleben von Kontrasten wird die Wahrnehmung geschärft. Eine Plattitüde zwar, doch wahr. Die leisen Töne wirken umso mehr, wenn man die rauhen dagegen setzt. Wer etwa tagsüber in einer Theatergruppe mitspielt, dem gefallen abends die moderaten Zeilen des Schriftstellers Genazino umso besser, als anti-dynamisches und leicht eintrübendes Sedativum. Die Fähigkeit, das Naheliegende und Alltägliche präzise zu beschreiben, wird in Sätzen deutlich, die wie sanfter Südwind sind:

„Gegen meinen Willen beschleicht mich das vertrauteste Unbehagen: Daß mein Leben nicht so bleiben kann, wie es ist. Groteskerweise bin ich im großen und ganzen mit unseren Verhältnissen zufrieden … Dennoch habe ich den Eindruck, dass die ganze Zeit eine unhaltbare Sache abläuft: mein Leben. In den letzten beiden Monaten ist der innere Drang, mein Leben in neue Bahnen zu lenken, deutlich stärker geworden. Von dem Wunsch nach Veränderung geht ein Druck aus, dem ich fast wehrlos ausgesetzt bin, wie und womit ich irgendwelche Veränderungen herbeiführen könnte. Das ist nicht die ganze Wahrheit. Dann und wann zeigt sich ein winziger Hoffnungsschimmer, der eine Art Glanz in mir zurücklässt.“ (W. Genazino, Das Glück in glücksfernen Zeiten)

Mark Nelson redefined American post-rock in the ’90s with the enigmatic and beautiful Labradford, and continues to pen exciting new additions to the drone/ambient canon via Pan American. Cloud Room, Glass Room is Pan American’s first album in four years, and sees the addition of percussionist Steven Hess into the fold, providing that intangible human element that helps largely electronic compositions from feeling too cold. The result is a new rhythmic muscle that could whet the whistle of fans of the presumably assimilated-by-the-Borg Boards of Canada. Lead track “Project For an Apartment Building” features a muted yet fervet percussive backbone only a couple steps removed from classic jungle breaks while pulsing, cycling aquatic synth melodies swirl about, in almost mathematical fashion, a canvernous and monlothic sonic space. Evoking images of distant lights and hypnagogic states, Pan American offers up one of the best, most aerodynamic late night meditation anthems of the year. Cloud Room, Glass Room will be presented with two large pieces in my next edition of the Klanghorionte on June, 22. Other records played: Maria Sardovska, June Tabor, Stephan Mathieu, Boards of Canada, Pat Metheny, Oregon.

www.nytimes.com

Talk Talk (Mark Hollis und Tim Freese-Greene) haben Morton Feldman gehört, in der Zeit, als sie das Tageslicht abschafften und bis zur Erschöpfung an den Meilensteinen „Spirit of Eden“ und „Laughing Stock“ arbeiteten. Thomas Köner hat, hier und da, als er an den Wunderplatten „Teimo“ und „Permafrost“ arbeitete, Morton Feldman gehört. Der Schöpfer der vier Versionen von „Presque Rien“, Luc Ferrari, hat Morton Feldman gehört. Der Maler Mark Rothko hat Mark Feldman gehört, und Mark Feldman hat die Bilder von Mark Rothko geliebt, und einmal komponierte er ein Stück, die hiess „Rothko Chapel“. Feldman kam aus der Neuen Klassischen Musik, und meisterte die Kunst des Verschwindens – und eines wohldurchdachten strengen „Hauchs von Nichts“ – auf seine Weise. Manafonista Gregor Mundt hat Morton Feldman gehört, mehr als jeder andere unserer seltsamen Bande, die in Kürze die siebte Figur im Kreise begrüssen wird. Und bei Gregory (der jüngst als Koch auftauchte im Restaurant Le Gregalin), wird in Kürze gewiss „Violin and Orchestra“ laufen, wenn es das nicht schon eine Weile tut: gut zu Rotwein, zum Schweben, und zu allen, die keine grossen Töne spucken! Faszinierend allemal, aber emotional berührt mich das Werk bislang gar nicht.(me)

„Morton Feldman’s 1979 Violin and Orchestra (ECM New Series) is altogether too introverted to be thought of as a concerto. The music’s world is one of micro-gestures. The violin scrabbles or strains quietly, the orchestra sighs, rumbles, whistles and tinkles, creating pools of fascinatingly unorthodox sonority, often through what you might call deviant intonation. There is almost no suggestion of trajectory. This is music that, if it doesn’t live in the moment, it doesn’t live at all. Soloist Carolin Widmann makes every tiniest inflection tell, and conductor Emilio Pomárico ensures that the large orchestra delivers its 50 minutes of strangely miniaturised sounds with unfailing concentration.“ (Michael Dervan, Irish Times)

These New Puritans communicate in a different language with every album. You might hear Field of Reeds as a collection of experimental rock songs (Talk Talk is the easy reference point), or as a suite of contemporary classical compositions (any day now, band linchpin Jack Barnett should be getting a call from the London Sinfonietta). In truth, it moves fluidly between the two, as solid rhythms splinter and abstract arrangements coalesce and crescendo. The Way I Do layers lullaby piano with austere wind instruments and an alien female voice at once distant and present, icy and warm; Dream opens with the same voice (Elisa Rodrigues) alone, girlish and clear, then invites each instrument – double bass, piano, clarinet – to shadow, disrupt or soar above its melody. Every note is recorded with such painstaking attention to resonance that even the musicians‘ breathing feels integral. But for all Barnett’s seriousness of purpose, he works with emotion, demonstrated above all in his own voice: never quite in tune, it is poignantly human in its imperfection. (Maddy Costa, The Guardian)

Als Teenager gehörten die Filme von Claude Chabrol und Francois Truffaut zu den guten Dingen: Chabrol liess die Fassaden des Bürgertums bröckeln, und Truffaut irrte mit Jean Pierre Leaud durch endlose Wirrungen des Eros. Früh in der Studentenzeit wurde aber Jacques Rivette mein ganz persönlcher „Held“ unter den Regisseuren der Nouvelle Vague. Er improvisierte mit seinen Darstellern in einem Paris fernab des kämpferischen Zeitgeists. Liebe, Verschwörung und andere Rätsel wurden zwar selten gelöst, doch stets in eine besondere Aura getaucht: die wunderbaren Hauptdarstellerinnen von „Celine und Julie fahren Boot“ bewegten sich voller Anmut, gleichzeitig im Stolperschritt, durch ihre Stadt: Alltag als Improvisation mit kleinen Geheimnissen. Die Waffe der Rivette’schen Figuren war die Phantasie. John Surman und Barre Phillips spielen in einem anderen Werk (Merry-Go-Round) ihre Filmmusik vor der laufenden Kamera, statt sie später zu laufenden Bildern zu erfinden. Zu den Schlangenlinien des Surman’schen Saxofons huschten die Protagonisten anders durchs Bild, die Musik empfahl ein leicht verändertes Gehen, das mitunter einem Tanz nahe kam. Schon damals war immer von diesem opus magnum zu hören, dass kein Normalsterblicher je zu Gesicht bekommen hatte. „Out 1 – Noli me tangere“ war 13 Stunden lang, und schlummerte lang in den Archiven. Jetzt kann man es sich bei ARTE besorgen, auf mehreren DVDs, die französische Originalfassung mit deutschen Untertiteln. Ganz alter Stoff, jede Menge Verrückte, freies Theater, ein Hauch von Balzac nach dem Mai 68, und eine liebevoll-verrückte Hommage an die „Stadt der Liebe“, selten war ein Blick auf den Alltag und seine kleinen Mysterien so reich an Verzweigungen, so nah an permanenter Träumerei!

„Without limitations, we can not be creative,“ Nancy Elizabeth Cunliffe tweeted recently. „Hence my gratitude for my broken piano. It helped me write my album.“ By the tenor of the often extraordinary lyrics („horizons crumble in my hands as I learn new depths of love“ runs the delicately damaged ballad „Desire“), it wasn’t the only thing broken.

„Dancing“ is the third album from an artist whose music has always embraced isolation. Her soft, country-folk tinged songs are sharpened by spacious arrangements and the direct, uncluttered drama of her poetry. 2009´s brilliant „Wrought Iron“, a breakthrough of sorts, was inspired by the natural sounds of the Faroe Islands and rural Spain.

This time, recording alone, skint and soulmate-less in her Manchester flat, and using computers for the first time, she´s responded to that isolation by multiplying her beautifully pure, ringing voice into a choir.

This choir lends an epic, Ennio Morricone-esque sweep to opening track „The Last Battle“, the harp panning across massed ranks of warrior sopranos. It gives a shimmering disco wash to the staccato melancholy of new single „Simon Says Dance“ (also released, rather gloriously, in a „dancefloor“ version). It adds dark, echoing depths to the (broken) piano dance of „Indelible Day“, and vertigo-inducing height to the predatory, PJ Harvey-esque „Debt“. And it goes it entirely alone with layered sighs and cymbal-impressions on „All Mouth“. Solitude has never sounded so … swell.