Manafonistas

Wem meine Nachtsendungen entschieden zu melancholisch sind, dem empfehle ich am Wochenende folgende Alternativen: 

– ein Spaziergang am Meer (evtl. mit Besuch des Kurorchesterpavillons Borkum, 25 Musiker bieten eine Streicherversion von David Bowies BE MY WIFE)  

– auf „youtube“ mindestens 25 grandiose Liebeslieder aus den wilden Sechzigern hören, ohne dass einem die wilden Sechziger und das Wort OLDIE durch den Kopf schwirren; fangen Sie am besten an mit SUGAR SUGAR von den Archies!

– eine DVD mit Woody Allens MANHATTAN einlegen: (an einer Stelle rennt er mit einer gehirnbetonten Problemfrau durch stürmischen Regen; ein lauter Donner, und unser Stadtneurotiker ruft: „ich glaube, gerade ist das Chrysler Hochhaus explodiert“)

– Guy Ritchies exzellenten Film „Sherlock Holmes 2“ auf der Coach angucken mit frisch angefertigtem Popcorn (das ist kein Scherz, sondern ein ernst gemeinter Filmtipp. Als Kenner der Bücher von Arthur Conan Doyle weise ich diskret darauf hin, dass die Filmsprache von Guy Ritchie weitaus mehr mit dem Geist von Sherlock Holmes verbindet als vorwiegend grau gestimmte Filmkritiker uns weismachen wollen) 

– die Meisterschaftsfeier von Borussia Dortmund (you’ll never walk alone) – und dann am Sonntag Münsterländer Spargel essen, z.b. in Hürsters Kochwerkstatt (Do-Bodelschwingh)  

Kranky Rekords hat den Klangsuchern schon manchen Schatz beschert, der neueste entführt uns auf eine lange und staubige Strasse, die zwischen Jesy Fortinos Seattle und Liz Harris‘ Portland verläuft: da bewegt man sich durch ein uraltes und ungeschöntes Amerika, eine Landschaft, welche die kargen, winterlichen Klagegesänge und windumtosten Drone Songs des Albums FOREIGN BODY von MIRRORING beseelt. MOJO bemerkt dazu: „The result is hypnotically disorienting, a supernatural narrative in which two pure, female voices, beset by the elemental power of modern technology, conjure up the ghosts of old homesteads, caught on the winds that blow down that old Pacific Coast highway.“

Eno@PUNKT

The film Eno@PUNKT will capture live performances, live remixes, short interviews, and the creative process leading up to and during the PUNKT-festival. The event is curated by Brian Eno and he will be the leading character of the film.

Our aim is that Eno@PUNKT will deliver a transmedia web documentary enabling the audience to investigate PUNKT and Eno’s philosophy: The audience will explore the creative journey of artists involved, and be introduced to Eno’s thoughts on ambient music and creative work. We aim to make an adiovisual document which mirrors Eno’s creative process in dialogue with Punkt.

The film will be shot during the PUNKT festival 6th to 9th of September 2012. Director: Phil Hopkins

In der Nacht geht es los, mit sechs Songs von Paul Buchanans neuem Album Mid Air. Außerdem spiele ich in den Klanghorizonten Piano-Solo-Musik von Matthew Bourne und Bill Carrothers. Alle Alben dieser Stunde haben auf direkte oder noch direktere Art etwas mit Meeresküsten zu tun, und das ist ein völlig ungeplanter Zufall. Sind die Klanghorizonte dann um 2.00 Uhr zuende, sind womöglich etliche schon lange vor dem letzten Klavierton friedlich entschlummert. Bleibt zu hoffen, dass sie das Titelstuck der neuen Solo-Cd Saltash Bells von John Surman noch mitbekommen, dass in den Südwesten Englands führt… Und tatsächlich, alle vier Produktionen dieser Stunde wurden von den betreffenden Musikern ohne begleitendes Personal aufgenommen. Very solo.

Und dann abends um 21.05 Uhr geht es ins Agden Theater nach Kristiansand. Arve Henriksen stellte dort am 3. September 2011 seine Cartography Special Edition vor. Mit auf der Bühne, als Vortragender eigener Texte, David Sylvian. Mr. John Kelman erinnert sich an einen speziellen Moment: „A gracious leader in every context, here Henriksen appeared particularly grateful for the group around him. Swaying with eyes closed during the spiritual ending, „Sorrow and Its Opposite,“ a faint smile gracing his face, it was impossible not to be moved by a one-time performance that, more than any of his smaller-group performances, captured the sheer emotive power and resonant essence of Cartography, while elevating it to a new level of in-the-moment Interaktion.“

Ich möchte mit dir schlafen
Ewig

Das ist eine Nachricht,
Das ist auch ein Gedicht, von Arp oder Gomringer,
Meister der Konkreten Poesie.
Das Gedicht war nicht schwer auswendig zu lernen.
Sie werden wohl sagen,
Das sei etwas simpel, und zu prosaisch für ein Gedicht,
Aber Gomringer, oder war es Arp, hat es auf eine ganze Seite verteilt.
Oben links stand die ein Zeile (ich möchte mit dir schlafen)
Und unten rechts das Wort „ewig“.
Das Verführerische ist  das weitgehend weiße Papier,
Der immense Raum zwischen den zwei Zeilen …
Dieses Liebesgedicht eignet sich nicht zum Singen,
Der „Cappuccino Song“ schon.

 
 

 
 
 
Die Musik des kanadischen Jazztrompeters, Flügelhornisten und Komponisten Kenny Wheeler ist schlichtweg zauberhaft – man denke etwa an seine Meilensteine Gnu High, Deer Wan, The Widow and the Window, Angel Song … und dessen Mitwirkung auf einem David-Sylvian-Song mit dem Milan-Kundera-Titel Laughter and Forgetting.

„Welche Bedeutung kommt denn überhaupt den Big Bands im eigenen Musik-Erleben zu?“ – so könnte man sich fragen. Unvergessen bleibt: das Vienna Art Orchestra spielte die Musik von Erik Satie wie nie und Kenny Wheeler veröffentlichte im Jahre 1990 Music for large & small Ensembles. Größere und kleinere Ensembles variierten auf beiden genannten Platten, eine Spannbreite zwischen intimen Kleinods und sattem Orchesterklang wurde erreicht.

Nun schreiben wir das Jahr 2012 und eine lange Zeit des Wartens ist vorbei. Zwar ist die Band aus Wien im längst verdienten Ruhestand, doch Kenny Wheeler rackert wacker weiter – man liest, der über achtzig Jährige spiele täglich vier Stunden und notiere ebensolange seine neuen Noten: diese flüchtig schönen, liedhaften Melodielinien, die sich chamäleon-artig durch terrassenförmige, erhabene Akkordlandschaften bewegen. Darin eingebettet sind Soli, die mit der nötigen Rauheit und mit Spielwitz konterkarieren.

„Enowena“ heisst ein energiegeladener Song auf The Long Waiting, den ich als Einstieg sehr empfehle, denn da weiß man gleich, wo der Hammer hängt und von wo der Wind ins Horn bläst. Die sensationelle Diana Torto, würdige Nachfolge der Norma Winstone, zelebriert dort etwas, das der kategorische Begriff „Scatgesang“ nur andeutet und das einen zwingenden Imperativ auf dem Fuße folgen lässt: Man höre und staune!

It must have been at least five years ago. I was sat alone at home as I tended to be, when I got a phonecall. “Hey there’s this guy playing at [INSERT NAME OF SHITTY PUB HERE] and I wanna fuck him, will you come with me?”. Being a prominent member of the “guys too socially depressing to even imagine being with, but lonely enough to be up for any demeaning task” club, I was regularly asked out as the platonic-male-friend wingman, so my standards had become high. “What’s he playing?” “…Chiptune”. I, with more courtesy than required, threw my phone out of the window and shot at the remains.

Chiptune, if you’re lucky enough not to know about it, was a bunch of kids who made “music” on chipped gameboys to seduce young girls – and it worked. It was just shitty low-tech synthesizers and gameboy sounds made to resemble something someone could pretend to like. It was characterised by its makers, stupid little hipsters too “different” to learn a boring instrument like the rest of us, complete with black sweeping fringes and glow-in-the-dark sweatbands. Drokk isn’t chiptune. Drokk sounds a little bit like chiptune, but reader you have to get this album, because I’d go back to those days of endless angst and little Rex’s terrible haircut all over again, just to have this album.

Drokk: Music Inspired by Mega-City One is a concept album based on a city in the dystopian future predicted by the comic Judge Dredd. It’s full of 8-bit…ish synthesizers and basically sounds like the music behind Golden Axe [“It’s a shittily-made ’80s game” to those who aren’t aware, “LETS HANG OUT” to those who are]. It takes this and adds a tinge of orchestration subtle enough to not be noticeable, but significant enough to turn what is a terrible idea for music into an album of which I’d get the wavefunction tattooed around my waist. The project is from Geoff Barrow of Portishead and Emmy-nominated composer Ben Salisbury, and although it’s hard to see how Drokk could be the overlap of these two artists, the combination leads to a weirdly addictive album.

The album tries to seem unpolished and has pretensions of a Burial-style “bedroom producer” mystique but it does this without compromising on quality. The songs are thoroughly purposeful – there’s not even a trace of a “ooh, this song’s getting boring, better add a stupid sample”; every change in pitch, every new sequence is put in the most logical way and follows a logical pattern. As dull as that seems, Drokk doesn’t give you a chance to get bored. It has 19 songs that are rarely over 3 minutes long and completely indistinguishable from one another, while still being connected enough to have a flow that Bonobo would marvel at.

I’m fully aware, reader, that this review sounds like a press release. I know that I may seem like the shittiest person in the world for liking an album with a “concept”, much more an album whose concept is rooted in a fictional world that I’d never heard of. This is exactly why you must believe me. This album has made me forego my usual motto of “If Weezy wouldn’t listen to it then I wouldn’t”, and has made me write a hideously gushing article. I approached Drokk as a man with a penchant for Murder Inc, a spring in my step and 1000 pinches of salt and here I am now, with nothing but 55 minutes of synthesizers and 6 words: “The Line of Best Fit Recommended”.