Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

 

 

Wer Michael Manns Film mit Robert DeNiro und Al Pacino mochte, in dem auch Brian Eno und viel ECM-Musik zu hören war, der kann jetzt „Heat 2“ lesen. Und es ist der gleiche atemlose Adrenalinrausch. Spannend, heftig, dreidimensional! Michael Mann und Meg Gardiner sind ein exzellentes Gespann. Da ist sehr viel Hype um dieses Buch herum, aber das wird niemanden interessieren, der einmal (und das geht rasend schnell) in den Sog und „Sound“ dieses Kriminalromans geraten ist. Was  mir fehlt, ist eine beiliegende Cd zum Buch, mit Musik von Eno, Rypdal, Pan Sonic, Pärt und Cash.

 

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In the late sixties, my uncle was a restless kid in our hometown of Halden. Just like many young men, he dropped out of school and went to sea. Uncle was particularly good at peeling potatoes, and very soon he got hired on the fruit freighter M / S Kingfisher. He worked aboard the freighter for several years, and he rose through the ranks at a steady pace. The work took him increasingly further south. Among many other missions, the boat carried bananas from Kingston to the ports of Baltimore and Brooklyn. Sometime in the seventies, when my uncle was no longer a young and pale novice mariner, but an experienced and tanned sailor with an unfathomable gaze, he decided to return to the motherland.
He came back to Halden with two large ships chests, in which he had stuffed his two special interests. One was packed with exotic women’s shoes. With this booty, my uncle opened the store Hi Heels!; a business focused solely on selling these items of footwear. The other chest was full of LPs. When my interest in music awoke a few years later, it was partly because my uncle, on several occasions, had rested his enigmatic gaze on me, and then led me to the ships chest to behold the treasures within. For a long time, merely looking was sufficient. The record sleeves, with their flashy colours, beautiful women with far-out hairdos, and magic mushrooms, was unlike anything I had laid my eyes on.
I inherited all these records when I turned sixteen. There were first pressings by American artists and bands such as Rick Derringer, Allmann Brothers and Jerry Lee Lewis, alongside LPs by the inimitable Frenchman, Serge Gainsbourg. The collection also had several Jamaican records including Lee Perry & The Upsetters, Augustus Pablo, Max Romeo, The Aggrovators and King Tubby. These albums have inspired this new album, The Studio Intim Sessions, Vol.1.
Whenever I make music, I always strive to make something that is me; pure self-expression, my own favourite music, or even better, something I’ve never heard before. I wanted to make a record without too much thinking involved; less head, more heart. This time, I think I succeeded. What my first four albums have in common is that they come from somewhere above the waist.
This record, on the other hand, comes from a place below the waist. I never set out to make a reggae album, and perhaps it’s not. Rather an ambient raga-country reggae-beat record! As always, I’m playing the American pedal steel and the Indian Shankar guitar. On this album, I’m also handling most of the keyboard and bass playing.
The name Studio Intim refers to the fact that, in our humble beginnings, we shared a building with a rather dubious massage parlour. Ever since ’97, we have been making records under this moniker. Thanks to my lack of technical talent, and the recording rooms’ limited acoustics, Studio Intim has its own, distinctive sound.
K
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(Geir Sundstol‘s cd / lp „The Studio Intim Sessions Vol. 1)  is out on Hubro on September 30. It is a fantastic (and, well, „groovy“) album, with a quite enigmatic cover. I first expected ancient northern songs performed by an old choir and surrounded by Geir’s broad collection of instruments. I was wrong. Rare enough, this is an album with humour, thrills, and depth, and surely one of my favourite twenty albums of 2022. – m.e

 

The Perfect Armchair Traveler (for Geir Sundstol)


i had to stop all my plans of crossing real oceans
when king crimson’s b‘boom (1995) (the surround trip)

hit my ears (in a night with black satin)
(psychoacoustic bondage) – flying to places unseen,
freshly remembered,

just sitting on my sofa
(like in that kinks song about stealing a day, 1965, mono),
but, hurraye,
in whirlwind carousel mode –

green passport, blue sun, white heat
(the sand), all framed by
mellow yellow (i love donovan)

(the psychedelic overkill of
this poem, and the cool counterpoint now:)

postcard nostalgia, old seasides, ah, yes,
the dorset coast, northern lanzarote, finally

with a blink of the eye, south of kattegat
(who would believe that) – joining
geir sundstol‘s dream team (2022) –

homegrown horizon stuff
for the perfect armchair traveller.

2022 26 Sep

„In These Times“

von | Kategorie: Blog | | 7 Comments

 

 

Wie die meisten seiner Werke hat der in Chicago lebende Komponist, Produzent und Multiinstrumentalist Makaya McCraven sein neues Abum aus einer Reihe von organisierten Jam-Sessions und Live-Auftritten zusammengestellt und damit das Erbe des legendären Produzenten Teo Macero und seiner Arbeit an Miles Davis-Alben wie Live-Evil von 1971 und On the Corner von 1972 fortgesetzt. Wie immer fällt seine Musik vordergründig unter das Dach des Jazz, aber selbst McCraven selbst empfindet diesen Begriff als etwas unzureichend, um genau zu beschreiben, was er tut.

 

In These Times hat fast so viel mit Library-Funk, instrumentalem Hip-Hop und Bartok’schem Folk gemeinsam wie mit kodifizierten, traditionellen Vorstellungen von Jazz. Es funktioniert wunderbar auf einem Kopfhörer an einem leeren griechischen Strand (s Foto), wie beim Betrachten des Nachthimmels über Langeoog, oder in einem prunkvollen Konzertsaal, würdig einer strengen intellektuellen Prüfung, aber genauso leicht einzusetzen, um high zu werden.

 

Das Werk entstand bei Sessions in vier verschiedenen Live-Räumen und fünf verschiedenen Studios mit Talenten wie Junius Paul (Kontrabass, Schlagzeug, E-Bass usw.), Jeff Parker (Gitarre), Brandee Younger (Harfe), Lia Kohl (Cello), De’Sean Jones (Flöte), Matt Gold (Gitarre, Schlagzeug und Baby Sitar), Marquis Hill (Trompete, Flügelhorn)  und Joel Ross (Vibraphon, Marimba). Musikalisch treibend und fesselnd, scheinen ihre neu kombinierten Bemühungen wie aus einer anderen Vergangenheit zu stammen, ein wahr gewordener Big-Band-Traum.

 

Geschmackvoll in Applaus gehüllt, als ob das Album live vor einem Studiopublikum aufgeführt worden wäre, saugt die nahtlose Mischung den Hörer in eine Welt, in der sich diese Art von unwirklicher Szene möglicherweise abspielen könnte. Irgendwas ist hier sehr seltsam, der mal verwaschene, mal glasklare Sound, die Raffinesse, die sich ein Quantum smooth jazz gönnt,  das elegische Flair, das auch in einer Strandbar auf Ibiza kaum Stirnrunzeln hervorrufen würde. Irgendwas fasziniert mich fast durchweg und lässt mich andocken, an diesem Album, aus dem ich aber nicht so ganz schlau werde. Olaf, die Scheibe liegt auch dir vor. was wird in deinen Empfindungen vor sich gehen, nach ein, zwei Hörrunden?

 

 

Wenn es zu Daniel Lanois’ Selbstverständnis zählt, stets mit einem Fuss in der Vergangenheit, und dem anderen in der Zukunft zu stehen, bekommt hier die gute alte Zeit eindeutig Vorrang, auf den ersten Ton zumindest. Rasch aber spürt der, der sich mit offenen Ohren in die Musik fallen lässt, dass hier kein regressives Schwelgen am Werk ist, und auch nicht in die klassische Falle getappt wird, den nächsten unausweichlichen „sweet stuff“ in der Nachfolge von Erik Saties goldenen Oldies zu verzapfen. Diese Platte ist eine kleine Sensation. Ein Wunder sowieso, wie er sein Zweit- oder Drittinstrument hernimmt, und ihm demassen verführerische Figuren entlockt, jenseits von Kitsch und Erhabenheit. Hier und da mit den richtigen falschen Tönen, dass nur das normierte Denken zuckt, und jeder andere aus dem Staunen keinen Weg herausfinden möchte. Was der gebürtige Kanadier hier veranstaltet, ist schichtweg ein Traum. Eines der hinreissendsten Klavieralben  der letzten fünfzig Jahre (aus dem Reich der Nicht-Virtuosen): was für Auren, was für Farben, was für Treatments, was für Nachhallkurven und Drumherumgeschimmer, was für eine verdammt intime Veranstaltung erster Güte. Zutiefst humane Musik. Danny Boy hat neben berühmten Produktionen (Dylan, Neville Brothers, Gabriel, u2), neben eigenen rar gesäten, betörenden Songalben, auch  eine stattliche Anzahl rein instrumentaler Musik veröffentlicht „Player, Piano“ gehört neben „Belladonna“ (2005) und „Goodbye To Language“ (2016) zu den drei instant classics  seiner Ambient-Discographie. Und, natürlich, nicht zu vergessen, der heilige Gral, „Apollo“, das Trio mit den zwei Brians, das nach mehr als drei Jahrzehnten eine qualitativ ebenbürtige Fortsetzung erfuhr.

 

v i d e o

 

Schöne Koinzidenz – alle Drei kommen 2022 mit bockstarken Werken daher. Aber zurück zu „Player, Piano“. In jedem Instrumentalstück ein anderer Zugang zum Klavier, ein anderes Ambiente, ein anderer Sound, und doch ein Zyklus aus einem Guss. Unfassbar gut. Old-fashioned (in an adventurous way) and visionary at the same time.

 


Pharoah Sanders machte Musik, die mein Leben begleitet und bereichert. Jeder hat da eine andere Auswahl. Bestimmte Alben verströmen für mich stets eine stille, und wenn sie gespielt werden, exstatische Präsenz. 2021 holte er zu letzten grossen Streich aus, an der Seite von Floating Points entstand ein „instant classic“. Meine Geschichte mit dem afroamerikanischen Saxofonmeister begann auf den Platten des späten Coltrane, allen voran Expression, Live At The Village Vanguard Again, und Concert in Japan (3 Mono-Schallplatten, unvergesslich). Was seine Arbeiten unter eigenem Namen betrifft, kehre ich am liebsten zurück zu Tauhid (1966), Karma (1969), Jewels Of Thought (1969), Dead Dumb Blind (1970), Thembi (1971) (ein Favorit von Shabaka Hutchings), und Live At The East (1971) – auf letzteres Werk macht mich der Pianist der Necks aufmerksam. Und gerne zu jeder seiner Zusammenarbeiten mit Alice Coltrane. Stellvertretend für die vielen ungenannt bleibenden Klassewerke nenne ich Khepera von Randy Weston, ganz stark, was Pharoah da spielt. Live habe ich ihn nie erlebt, seine Musik war mir immer nah. Und, for beginners, „Thembi“ ist ein guter Einstieg in seine Welt.

 

2022 25 Sep

War was? Nö!

von | Kategorie: Blog | | 10 Comments

 

 

Immer wenn ich Bäume im Wind rauschen höre“ – so schreibt die Psychoanalytikerin Annegret Mahler-Bungers – „und es sonst ganz still und der Himmel bleiern ist, dann entsteht die Blow up-Stimmung, in der man eine Unruhe, eine unheimliche Bewegung in den Dingen spürt und an ihrer vertrauten Wahrnehmung zu zweifeln beginnt.“

Niemand hat es besser als Antonioni geschafft, im Wind rauschende Bäume so merkwürdig lebendig und eigenbewegt wirken zu lassen, dass einem gruselig wird und Unheilverkündendes schwant, eine seltsam belebte Natur, die etwas Geheimnisvolles in sich birgt. Zumindest so etwa erging es der Generation, die noch BLOW UP gesehen hat, einen der meistinterpretierten Filme überhaupt, bei dem man sich nie einigen konnte wovon er überhaupt handelt.

Findige Analytiker glaubten zu wissen, es handle sich bei der Begegnung des Photographen Thomas mit einem Pärchen im Park um das halluzinatorische Erleben der Urszene (also des Geschlechtsverkehrs der Eltern) und den danach erfolgenden Vatermord aus Eifersucht, wie jedes Phantasma sich bei genauerem Besehen in Nichts auflösend und damit die Situation des eigenen Gewordenseins in einem Verdrängungsprozess negierend. War was? Nö! Durchaus spannend zu lesen, wenn einen dergleichen interessiert.

Filme haben mehr Aufgaben als nur zu unterhalten, als blosses Entertainment funktioniert Blow up nicht; dieser Film wirft das Grosshirn an. Und er ist auch mehr als nur das Einfangen des Swinging Londons der Sechziger, wie von vielen Kritikern beschrieben. Hier swingt nichts, schon zu Anfang nicht. Der Fotograf Thomas, ein wenig sympathischer, seinerseits „aufgeblasener“ Typ, kommt aus einem Obdachlosenasyl, verschmutzt und zerzaust wie ein verirrtes Kind, und trifft auf eine sinnentleert wirkende Umwelt: Ein Trupp geschminkter Schausteller stürmt über die Strasse, ein paar Nonnen kreuzen den Weg, eine Palastwache bewacht ein verfallenes Haus, in dem es nichts zu bewachen gibt.

Es ist auch nicht nur ein Film über Bilder und ihre Wahrnehmung, über Realitäten und Imaginationen und ihre Relativität. Für mich war es immer eine Geschichte über Leben und Tod, Belebtes und Unbelebtes, wie öfter bei Antonioni (Die rote Wüste), der gern diese Gegensätze gegeneinanderstellt.

Zunächst ist es ist aber auch eine Geschichte über die hypomanische Jagd eines Hungrigen, der getrieben versucht, das Leben durch das ständig bereite Objektiv seiner Kamera – wie ein ständig aufgerissener Mund – einzufangen, und dem alles in Nichts zerrinnt, was er einzufangen versucht.

Das Lebendigste in diesem Film sind die Bäume im Park, ständig rauschend und unheimlich in ihrem Eigenleben, als würden sie zu Thomas sprechen und ihn warnen wollen. Doch das erlebte Drama löst sich wiederum in Nichts auf: Die Leiche im Park verschwindet, die Frau, die ihm die Filme abluchsen will, verschwindet am nächsten Morgen.  War was? Nö!

Eine überhitzt und sexualisiert anmutende Fotosession, in der sich Fotograf und Model in einen gemeinsamen voyeuristisch-exhibitionistischen Rausch hineinsteigern, bricht Thomas plötzlich ab anstatt sie zu dem insgeheim erwarteten Ende zu führen.

Ein Besuch zweier junger Mädchen in seinem Atelier endet in einer kindlichen Rangelei, bis Thomas die Szenerie abrupt verlässt, wie er es immer tut, in Begleitung seiner Kamera, die mit ihm verwachsen scheint, sich mit Bildern füllen möchte als Teil seines Selbst. Das ist ein Handlungsstrang. Thomas sucht Leben und trifft auf Abgestorbenes – seine wie Schaufensterpuppen herumstehenden Models nerven ihn („Habt ihr vergessen, was Lächeln ist?“). Er befiehlt den Mädchen die Augen zu schliessen und sich nicht vom Fleck zu rühren, und verlässt das Atelier – ein Akt megalomaner Abwehr, als wäre er es, der Menschen zur Erstarrung bringen und wieder lebendig zaubern kann. In seinem phallischen Narzissmus wirkt er zunehmend kindlich. In einem Antiquitätenladen , umgeben von erstarrten toten Marmorbüsten erwirbt er einen Propeller – ein Objekt, das etwas in Bewegung versetzen kann wenn, ja, wenn es mit einem Motor verbunden ist, der ihm Leben verleiht.

So bleibt es bei einer ästhetischen Form;  auch diese wird ihn bald nicht mehr interessieren. In einem Konzert der Yardbirds: die Zuhörer sitzen erstarrt und mit unbewegten Gesichtern auf ihren Plätzen, für Popkonzerte eher ungewöhnlich, ein einziges Pärchen tanzt, als hätte es Strippen an den Gelenken. Der Gitarrist zertrümmert seine Gitarre und wirft sie in das Publikum, das sich mit der gleichen Gier auf die Bruchstücke stürzt, mit der Thomas lebendigen Objekten hinterherjagt. Er erbeutet ein Stück und wirft es wieder weg,  wie er alles schnell wieder loslässt bzw fallenlässt, ein gnadenloses Prinzip – ein „Auch-das-ist-nicht-das-Richtige“ scheint sein Leben zu beherrschen und zugleich zu entleeren. War was? Nö! Er scheint sich mit nichts verbinden zu können, nichts ist es wert, es zu Ende zu bringen.

Ein Freund, Maler, spricht mit ihm über seine Bilder – während des Malens begeife er nicht, was sie bedeuteten; erst später entdecke er ein Detail und „alles fügt sich zusammen“ zu einem sinnhaften Ganzen.

Erst am Schluss wendet sich das Blatt – Thomas geht wieder in den Park, die Bäume rauschen ihre geheimnisvollen Botschaften, er trifft auf eine bizarre Szenerie:  eine Gruppe geschminkter junger Leute imitiert auf einem umzäunten Tennisplatz ein Tennisturnier, die Aufschläge des Balls sind zu hören, obwohl kein Ball existiert. Der Ball scheint über den Zaun geschlagen worden zu sein, mimisch und gestisch machen die Leute Thomas klar, dass er ihn zurückwerfen soll. Langsam malt sich Verstehen in seinem Gesicht, ein halbes Lächeln, etwas Resignation, Traurigkeit, Nachdenken – und ohne Kamera, die er sonst zwischen sich und die Welt schiebt, macht zum erstenmal einen schutzlosen Eindruck – ein ikonischer Moment der Filmgeschichte, mit vielen Deutungen bekränzt.

Ein pantomimisches Ballspiel erfordert genaue Beobachtung des anderen, seine Bewegungen müssen gelesen werden und der Flug des Balles erahnt, damit man in der Bewegung glaubhaft reagieren kann. Thomas pflegt zu regieren, nicht zu reagieren, hier tut er es zum erstenmal und wirft den Ball zurück, erkennt das Bedürfnis des anderen. Er hat zum erstenmal etwas gegeben und vielleicht gelernt, in einer gemeinsamen Phantasie mit anderen verbunden zu sein.

Man entdeckt ein Detail und alles fügt sich zusammen zu einem sinnhaften Ganzen – wie sein Freund bemerkte. Das Zauberwort das die Welt zum Singen bringt. Danach verschwindet Thomas, der Zuschauer bleibt zurück mit dem Bild einer leeren Wiese, der Regisseur dekonstruiert seine Figur.

Thomas macht nun mit dem Zuschauer das, was er am besten kann: Unmotiviert verschwinden. Es bleibt aber die Reminiszenz an die letzte Szene, er hat eine lebendige Spur hinterlassen.

War was?

Ja, vielleicht doch!

2022 24 Sep

Auf der Espressomaschine

von | Kategorie: Blog | Tags:  | 1 Comment

 

Auf der Espressomaschine traf sie seinen Mund,
einen kurzen Mund mit Zähnen aus Chrom.
Der Atem beschlug ihre Augen,
und sie rauchten sich Worte ins Ohr.

Sein Wagen hockte neben der Tür zur Bar,
ein kurzer Wagen aus Polster und Chrom.
Sie rauchten und strichen die Angst ins Haar,
als sich die Straße im Wind verlor.

In einem Feldweg verdrehte er seine Hand,
eine kurze Hand mit Nägeln aus Chrom.
Als sie in ihrem Körper verschwand,
wußte sie, daß sie fror.

Von Telegrafendrähten tropften Lieder ins Gras,
kurze Lieder aus schimmerndem Chrom.
Wolken flatterten, wurden naß,
Atem verbrannte ihr Ohr.

Speckmond im gelben Licht.
Scheibenwischer aus schimmerndem Chrom.
Wischten Regen aus ihrem Gesicht,
als sich die Straße im Wind verlor.

Auf der Espressomaschine traf sie seinen Mund,
einen kurzen Mund mit Zähnen aus Chrom.
Der Atem beschlug ihre Augen,
und sie rauchte Worte und fror.

 

Und auf einmal ist Herbst, der Ofen an, alle hier sind schon mindestens einmal nass geregnet worden, heute morgen habe ich mir beim Radfahren Handschuhe gewünscht. Regen hat in den letzten Monaten sehr gefehlt; im August habe ich ernsthaft regelmäßige finanzielle Unterstützung einer Organisation wie Extinction Rebellion in Erwägung gezogen und immer mehr Sympathien für Menschen bekommen, die sich mit Sekundenkleber auf Straßen oder an die Rahmen von Kunstwerken kleben, um gegen die Klimapolitik zu protestieren. 

Wie dem auch sei: während viele Pflanzen im Garten unter Temperaturen und Dürre litten, haben sich die Chilipflanzen auf der Veranda sehr wohl gefühlt, die Ernte war deutlich besser als in den vergangenen Jahren. Uli hatte im letzten Jahr in einem Kommentar von einer Marmelade berichtet. Zwar habe ich auch in diesem Jahr keine Naga Pflanzen gehabt, es ging aber auch mit meinen Cayennes ganz gut zu machen. Ich habe ca. 12 Schoten entkernt (kann man auch gut mit Kernen machen, klar), dazu 3-4 Knoblauchzehen, alles püriert, Prise Salz und in einen Topf mit 500g Gelierzucker und einen halben Liter Apfelessig 30 Minuten gekocht, in sterilisierte Gläser gepackt – fertig. 

Für eine deutlich schärfere Sauce habe ich 14 (+/-) Früchte mit Knoblauch und 3 Zwiebeln püriert, 10 Minuten in Olivenöl angeschwitzt, dann 4 Tomaten, drei Äpfel (jeweils zerkleinert), ca. 200 ml Johannisbeeren Pulpe (sehr zähflüssig, war im Kühlschrank) und die gleiche Menge Apfelessig dazu, halbe Stunde kochen, nochmal pürieren und ab in sterilisierte Gläser.

Ein paar habe ich auch noch fermentiert, also in Salzlake in eine Ecke gestellt und schaue in einer Woche wieder hin, mal sehen, wie das klappt. Und die Pflanzen sind noch voll, ich werde wohl noch einige grüne Saucen und Marmeladen machen – vielleicht mit Limettensaft und Quitte, vielleicht auch anders, ich nehme gerne Vorschläge entgegen. 

Zum Abschluss ein kleines Rätsel, der Preis sind zwei Gläser nach Wahl. Gesucht wird ein deutscher Musikschaffender, der in Feuilletonartikeln sowohl mit Jean-Paul Sartre als auch mit William S. Burroughs verglichen und sowohl als Philosoph, als auch als Soft-Pornograph bezeichnet wurde. Antworten bitte bis Freitag (20:00) in den Kommentaren hinterlassen.

 

    1. Better Call Saul – Final Season Five (netflix)
    2. Succession – Season Three (wow)
    3. Ozark – Final Season Four (netflix)
    4. Ted Lasso – Season One & Two (apple+)
    5. Sex Education – Season Three (netflix)
    6. In With The Devil – Miniserie (apple+)
    7. Euphoria – Season 1 & 2 (wow)
    8. Mare of Easttown – Limited Series (wow)
    9. Der Pass – Season One & Two (ard)
    10. Slow Horses – Season One (apple+)
    11. Funeral for a Dog – Miniserie (wow)
    12. Tehran – Season One & Two (apple+)

 

 

Vom Bus aus konnte ich ihn täglich bergauf joggen sehen. Ich wunderte mich nicht über sein Laufen in der prallen Sonne, auch seine schlanke Gestalt beschäftigte mich nicht. Seltsam war nur, dass er ein Tablet um seinen Hals hängen hatte. Seine langen glatten Haare bedeckten seine schmalen Schultern, die schwarze Pracht hielt ein weißes Sportsband zusammen. Yeah, let the freakflag fly. Nein, das war kein Freak. Dieser ausdauernde Läufer kam aus einer anderen Welt. Was war sein Geheimnis? Ich gab ihm fortan den Namen „Autopilot“. Ich war mir fast sicher, dass sein ungewohnter Bergaufsport etwas mit positivem Stressen zu tun hatte. Er verbrauchte dabei eine Menge Kalorien, die Andere im normalen Alltag eher mit ständigen Veränderungen erzeugten, die versuchten, irgendwo anzukommen und nicht mehr merkten, dass ihre Konsumgüter sich ständig veränderten, und ihnen deshalb keine Sicherheit bieten konnten. Autopilot joggte vielleicht so extrem, um die Begrenztheit des Ichs zu erkunden. Seine kräftigen Beine schienen gegen etwas Anlaufen zu wollen. Was war sein Geheimnis?

Als er ganz nah an meinem Tisch vor der Bar vorbeitänzelte, schaute ich blitzschnell auf das Tablet. Ich konnte XIASI entziffern, die Buchstaben sagten mir nichts. Unter ihnen konnte ich einen Hundekopf ausmachen. Es vergingen einige Tage, an denen ich Autopilot nicht mehr sah. Vielleicht war er abgereist. Dann hätte er sein Geheimnis mit hinüber auf das Festland genommen. Dann hätte er sein Abenteuerleben woanders willkommen geheißen. Meine Vermutung war, dass Autopilot an einer Strategie gegen ein von mir nicht begründbares Etwas arbeitete. Ich stellte mir vor, dass er woanders seine Sicherheitsmechanismen trainierte. In welche Richtung lief sein Selbst? Konnte er überall seine Zelte für immer aufschlagen? War er soo frei?

Am Abend setzte er sich zu mir an den Tisch vor der Bar. Er grinste mich an und lachte breit: “Do you have a good Karma donatíon?“ Wieso hatte ich die ganze Zeit angenommen, er käme aus Deutschland? Ich lächelte ihn an: “I often see you from the bus, running on the street. Why are you jogging always uphill?“ „I am running against my fears“, he said. „What kind of fears?“ I asked directly. „I bet you saw my tablet. I own several startups all over the world, one in Hyderabad in India, one in Palermo on Sicily, one in Greece on Crete. That’s why I have to check permanently my crypto currency investments.“ Er stand unvermittelt auf, schaute mich intensiv an und meinte dann: „Let us call together as one SILENZIO BRUNO.“ Danach sah ich ihn nicht mehr auf der Insel.

 


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