Manafonistas

Based on vocal fragments by Renaissance composer Guillaume Dufay (1397-1474), this outing proves that virtually any combination of musical expressionism is possible, and with this release, the output equates to a magical experience. Here, Ambrose Field sets the backdrop via live and studio electronics for acclaimed tenor, John Potter as an ethereal encounter with the past comes to fruition during the modern age.

It’s a very special album, indeed. With Field’s polytonal sound sculptors and Potter’s golden and pristine delivery, the duo shapes a nouveau set of interlinked works that intimate an uncannily natural coexistence. It’s a sanctifying listen, due to Potter’s spirited vocals atop Field’s multihued plane of electronics treatments. They contrast and complement via an assortment of heavenly musings that promote inner peace amid a captivating sequence of streaming effects, enhanced by the classic ECM Records aesthetic.

On the title track „Being Dufay,“ Field’s expansive and shadowy shadings, provide Potter with a forum to instill notions of a divine journey into parts unknown. In other movements, they coalesce for sweeping pastiches of sound, amid vast mystical environs, comprised of soft, yet penetrating mosaics that transmit a sense of meeting the supreme creator. In turn, the duo’s synergy and focused methodology translates into a sparkling gem of an album that instills endearing sentiment and cleverly engineered storylines that touch the heart and warm the soul. (Glenn Astarita)

P.S. Ambrose Field plays several synthesizers. One of them was once used by Pink Floyd. Now the meeting of Old Music and New Music has produced its very own psychedelia. This approach is very different from Garbarek’s one with the Hilliard Ensemble, but, although being nearly unknown, BEING DUFAY offers the same class of vision. (J.S.)

Lux is a subtle, deceptively simple design of delays and distances, with quiet tones settling like snow, a succession of piano, percussion and string timbres held in suspension, decaying at different rates – the sonic equivalent of interplanetary dust drifting slowly away from not-so-Big-Bang origins. The cool, beautiful result plays tricks with time: whereas most 75-minute albums of short songs swiftly pall, Lux never bores because it’s never making foreground demands on your attention. As music for thinking, it bores only as far as one’s own thoughts bore. (Andy Gill, The Independant)

The spirits of Sylvian and Eno may, indeed, loom over Year of the Bullet, but the album speaks with its own voice, a combination of Aagre’s warm, articulate and deeply expressive voice – capable of fragile vulnerability and unbridled power – and Honoré’s sample-driven electronic landscaping. And Year of the Bullet clearly reflects Honoré’s ongoing work as co-Artistic Director of Punkt. „Punkt has mainly provided the craft: the knowledge or skill of working intuitively and swiftly with electronic instruments and samplers, and hopefully doing it with taste, which to a large extent means making the right choices,“ explains Honoré. „I believe Greta and I have had the singer/songwriter bit in us from way back, but the arrangements on this record needed the craft that the whole Punkt experience has taught us.“ (John Kelman)

aagrehonore.com

 
Roxy Music, das war schon eine außergewöhnliche Band und 1972 ihr Debüt-Album in den Händen zu haben, und das auch noch in einem verschlafenem Nest im Harz, das war ein echter Kracher. Diese Musik war neu, begeisternd, aufrüttelnd, einfach umwerfend.
 
 
 

 
 
 
Nimmt man das erste Album der Band zur Hand, öffnet es, springen einem förmlich die Porträts der Musiker an. Und was für Typen: Brian Eno in Tigerbluse, meterlange Haare; Phil Manzanera in schwarzer Lederjacke, riesiger Karobrille und weißer Gitarre; Andrew Mackay mit smart zurückgelegten Haaren, die Finger voller Klunker; Saxophon im Arm, verträumt dreinschauend; Paul Thompson, ziemlich normal in die Kamera blickend, einzig auffällig: die Tigerköpfe an den Schultern; Graham Simpson zeigt sich in einem spielerisch bestickten Pullover und nun der Höhepunkt: der Meister – Bryan Ferry– , er präsentiert sich mit schmerzverzerrtem Gesicht, Tigerjacke, schwarzem T-shirt, Goldkettchen und wahnsinnig auftupierten Haaren. Die Musik der Band, ihr Äußeres, das hatte was, das ging in Richtung Kultband. In Deutschland zunächst ein Geheimtipp, hatte die Gruppe mit ihrer ersten Platte in GB bereits einen großen Erfolg (Platz 10 der LP-Hitparade). Im gleichen Jahr nahm man noch eine Single auf, Virginia Plain, und war damit auch in Deutschland erfolgreich.
 
 
 

 
 
 
1973 kamen dann gleich zwei LPs von Roxy Music heraus, zunächst For Your Pleasure, klar, dass ich beide kaufen musste (woher 42,00 DM nehmen???). Auch hier: Das Plattencover vollkommen verrückt gestaltet, Brian Eno im Wahnsinnskostüm, Bryan Ferry in goldenen Schuhen…. Und erst die Musik! Was da im Februar 1973 in den AIR Studios in London aufgenommen wurde, haut mich ja heute noch vom Hocker: Do the Strand, The Bogus Man, For Your Pleasure.… Die Bandzusammensetzung nahezu unverändert, gerade einmal der Mann am Bass wurde ausgetauscht (was von Platte zu Platte gute Sitte werden sollte), jetzt spielt John Porter die Bassgitarre.
 
 
 

 
 
 
Und dann kam STRANDED heraus, Brian Eno hatte die Band verlassen, ebenso der Bassist, aber auch dieses dritte Album mit Titeln wie Street Life, Psalm oder Sunset zog seine HörerInnen magisch an. Mit den beiden im Jahre 1975 erschienenen Platten Siren und dem Live-Album Viva! Roxy Music schloss ich meine kleine Roxy-Music-Sammlung ab, spätere Platten interessierten mich weniger, auch die Solokarriere von Bryan Ferry, die ja durchaus erfolgreich war (im Jahre 1981 erreichte er mit Jealous Guy in GB sogar ein Platz 1 in der BBC Hitparade), beobachtete ich, wenn überhaupt, nur am Rande. Erst als Michael Engelbrecht hier auf die neue Platte von The Bryan Ferry Orchestra aufmerksam gemacht hatte, wurde ich neugierig. Auf www.bryanferry.com kann man zwei Kostproben aus dem am 26.11.2012 erscheinendem Album hören. Wie es scheint, bringt Ferry hier Jazzversionen seiner größten Hits. Unter eben genannter Seite findet man alle Orginaltitel, die Ferry mit seinem Orchestra neu aufgenommen hat und kann sie sich in voller Länge und guter Qualität anhören: Do The Strand, Love Is The Drug, Don’t Stop The Dance, Just Like You, Avalon, The Bogus Man, Slave To Love, This Is Tomorrow, The Only Face, I Thought, Reason Or Rhyme, Virginia Plain, This Island Earth.
 
 
 

 
 
 
Ganz gleich, wie die Jazzplatte von Ferry letztlich ausfallen wird – ich möchte mir nach dem Hören von zwei Stücken aus dieser CD wirklich noch kein Urteil erlauben – diese alten Titel einmal wieder zu hören, sei es auf Platte oder auf www.bryanferry.com, das lohnt!